Trois trios, Trois albums, Trois époques

Le 15 novembre 2019, Laurent de Wilde sort « Three Trios », un coffret de trois albums enregistrés en trio. « Odd & Blue » (1989) un album introuvable depuis vingt ans. « Open Changes » (1993) qui a reçu le Prix Django Reinhardt la même année. « The Present » (2006) épuisé depuis une décennie. Il est aisé de percevoir combien, entre 1989 et 2006, le pianiste a élargi le langage du trio traditionnel en incorporant compositions et acquis issus de ses autres aventures. Un voyage au fil des ans qui permet de saisir l’évolution de son art au sein du trio, piano-contrebasse-batterie.

Depuis trente ans Laurent de Wilde s’est exprimé dans différents contextes, électronique ou jazz. Certes c’est en quintet qu’il a enregistré son premier disque sous son nom « Off The Boat » en 1987 à New-York, mais le pianiste tourne ensuite autour du trio et revient toujours au format du trio piano-contrebasse- batterie..

Pour lui « Le triangle d’or, la seule figure géométrique dont les pointes se touchent entre elles, l’équilibre sacré entre le rythme, la mélodie et l’harmonie » et dans cette perspective, le 15 novembre 2019, Laurent de Wilde publie un coffret qui propose trois albums enregistrés par le pianiste en trio piano-contrebasse-batterie., « Three Trios » (Gazebo/L’Autre Distribution) avec :

• CD1 « Odd & Blue » (1989) avec Ira Coleman (contrebasse) & Jack DeJohnette (batterie)
• CD2 « Open Changes » (1993) avec Ira Coleman (contrebasse) & Billy Drummond (batterie)
• CD3 « The Present » (2006) avec Darryl Hall (contrebasse) & Laurent Robin (batterie)

« Three Trios ». Une rétrospective discographique qui donne à entendre comment le pianiste a évolué au sein du trio, configuration devenue référence incontournable du jazz… Trois Trios, Trois albums, Trois époques.

Trio piano-contrebasse-batterie

Laurent de Wilde l’écrit dans le livret du coffret « Three Trios », le trio… « c’est mon point d’équilibre, mon confort personnel, mon tabouret à trois pied, à l’aise sur toutes les pentes, mon petit chez moi à moi. »

La riche production d’albums du pianiste témoigne d’ailleurs de son intérêt pour le trio. En 2017, à l’occasion du centenaire de la naissance du pianiste et compositeur Thelonious Monk, Laurent de Wilde a sorti le superbe « New Monk Trio » auquel l’Académie du Jazz a décerné en 2017 le prix du « Meilleur disque français ». Ce même album où il joue avec Jérôme regard (contrebasse) et Donald Kontomanou (batterie) lui a valu d’être récompensé en 2018 du titre d’Artiste de l’Année dans le cadre des Victoires du Jazz et de recevoir la même année le Grand Prix Sacem.

A regarder attentivement la discographie du pianiste, on observe par ailleurs qu’en 2012 il a aussi sorti « Over The Clouds », un autre album enregistré en trio à Paris avec Ira Coleman (contrebasse) et Clarence Penn (batterie), un disque qui intègre à la tradition du trio jazz traditionnel « les formes, les mélodies, les matières musicales [qu’il a] vécues au cours de cette dernière décennie ».

En effet entre 2000 et 2012 Laurent de Wilde a sorti six albums de musique électronique parmi les lesquels « Organics » (2004) où il joue avec le saxophoniste Gael Horellou, le bassiste Philippe Bussonnet et le batteur Yoan Sera. On note par ailleurs que cet album est ressorti en 2011 dans un coffret où il est associé à « The Present », un album enregistré en trio jazz en 2006.

Chez le pianiste responsable du Label Gazebo, germe l’idée de jeter un regard rétrospectif sur ses productions discographiques en trio. Ainsi, il conçoit de rééditer deux de ses albums en trio jazz quasiment introuvables. « The Present », précédemment évoqué et aussi « Odd and Blue » introuvable depuis vingt ans. A ces deux opus il assoie « Open Changes » qui a reçu le prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz en 1993. Le projet devient réalité et Laurent de Wilde sort « Three trios », le coffret qui réunit ces trois albums gravés en trio.

« Three Trios »

Laurent de Wilde©Christophe Charpenel

Annoncé pour le 15 novembre 2019, le coffret « Three Trios » (Gazebo/L’Autre Distribution) réunit et ressuscite trois albums gravés en trio par Laurent de Wilde sous son nom. Cet évènement réjouissant permet d’accéder à des enregistrements quasiment introuvables.

D’abord « Odd & Blue » (1989) enregistré à New-York avec le contrebassiste Ira Coleman et le batteur Jack DeJohnette. Ensuite « Open Changes » (1993) gravé lui- aussi à New-York avec Ira Coleman que rejoint la batteur Billy Drummond. Enfin « The Present » (2006) capté à Paris avec le contrebassiste Darryl Hall et le batteur Laurent Robin.

Comme Laurent de Wilde le précise dans le livret, « La façon dont ces trios sont ordonnés ne dépend pas seulement de la chronologie de leur sortie, mais plutôt aussi de la chromologie de leurs pochettes : elles dérivent du bleu au jaune en passant par le gris et c’est joli comme ça. »

Une durée de plus de quinze ans séparent le premier du troisième trio ce qui permet de prendre la mesure de l’évolution de l’art du pianiste.  Un voyage musical dans le temps et l’œuvre de ce pianiste qui a développé un style très personnel fondé sur la tradition et enrichi de ses expériences musicales. « Three Trios », trois Trios Jazz… du swing au groove.

« Odd & Blue » (1989)

Cet album a été enregistré par l’ingénieur du son Tom Mark les 25 et 26 juillet 1989, au nord de New York, du côté de Woodstock, dans une ancienne église en bois reconvertie en studio par Jack DeJohnette. C’est d’ailleurs le batteur lui-même qui est derrière fûts et cymbales pendant que la contrebasse est jouée de main de maître par Ira Coleman.

Laurent de Wilde s’inscrit dans la grande tradition du piano jazz malgré les mauvaises conditions d’enregistrement qu’il évoque dans le livret. En effet, les cordes du Steinway D changées la veille contraignaient à accorder le piano entre chaque prise et l’enregistrement réalisé « direct sur deux pistes » obligeait à tout reprendre en cas d’erreur. Pourtant, le professionnalisme et le talent de tous les protagonistes furent tels que l’écoute de « Odd & Blue » ne laisse rien percevoir de ces tracas techniques.

Les neuf plages révèlent un Laurent de Wilde inspiré. En verve et poussé par le jeu scintillant et bouillonnant de Jack DeJohnette à la batterie, le pianiste plaque des accords percussifs soutenu par Ira Coleman et ses solides lignes de basse. L’imperturbable basse assure un soutien indéfectible au piano et à la batterie qui dialoguent à bâtons rompus. Un trio isocèle.

Le répertoire de neuf titres compte cinq compositions personnelles du pianiste teintées de blues et gorgées de swing, Twilight, Oral loops, Brooding, Secret Plan et Spare changes. S’y ajoutent, Four in one (Thelonious Monk), The pleasure is mine (Herbie Hancock), House of jade (Wayne Shorter) et How deep is the ocean (Irving Berlin)…

On a de fait été saisi par l’écoute de la version de How deep is the ocean que dynamise le jeu pétillant de Laurent de Wilde soutenu par la basse inébranlable et propulsé par le jeu ardent, généreux et inventif de Jack Dejohnette.

« Open Changes » (1993)

Quatre ans plus tard, Laurent de Wilde enregistre ce disque à New-York, les 06 et 07 décembre 1992, dans le même studio et avec le même ingénieur du son David Baker que pour son opus « Colors of Manhattant ». Pour cette nouvelle collaboration entre le contrebassiste Ira Coleman et la batterie est confiée à Billy Drummond.

Enregistré sur un Steinway B dans le meilleur de sa forme et dans des conditions beaucoup plus confortables que « Odd & Blue », cet album fut le dernier disque que le pianiste a enregistré pour Philippe Vincent dont le label Ida Records a ensuite disparu. « Open Changes » a reçu le prix Django Reinhardt décerné par l’Académie du Jazz, laquelle prestigieuse récompense a ouvert quelques années plus tard les portes du label Sony à Laurent de Wilde.

Au fil des titres, on perçoit le bonheur de jouer du pianiste qui revitalise les standards. Relances/décélération, tensions/détente se succèdent. Au service du pianiste, la paire rythmique met en valeur le jeu serein et limpide du pianiste. Le trio équilatéral prodigue une musique fluide et apaisée.

Yack attack est la seule composition de Laurent de Wilde à figurer au répertoire de cet opus constitué essentiellement de standards. Parmi les dix reprises on retrouve entre autres deux morceaux de Monk, Off Minor et Jackie-Ing ainsi qu’une de Duke Ellington, Reflections in D,..

On a succombé à la superbe version que le trio donne de Reflections in D dont il fait ressortir la quintessence. Sur cette ballade, véritable éloge à la lenteur, la section rythmique d’une élégance subtile et d’une sobriété rare apporte son soutien au pianiste inspiré. Son jeu d’une beauté indicible fait vibrer les notes dans les aigus comme une trame de soie et magnifie la superbe composition du Duke.

« The Present » (2006)

Treize ans plus tard et après trois albums électro enregistrés chez Warner, il prend l’envie à Laurent de Wilde de renouer avec le trio jazz.

Le pianiste se lance donc un nouveau défi en trio acoustique avec l’album « The Present ». Il a été enregistré sur un Steinway D à Paris, au studio Acousti, les 21 et 22 février 2006 par l’ingénieur du son Dominique Poutet, alias Dume avec lequel le pianiste continue à travailler.

Laurent de Wilde se lance dans l’aventure avec Laurent Robin, le batteur déjà à ses côtés dans son sextet électrique sur l’album « Stories » gravé en 2003. Il s’adjoint par ailleurs la collaboration du contrebassiste américain Darryl Hall, installé en France depuis quelques années « dont le style de jeu et la musicalité complétaient parfaitement [s]a vision du trio ». On note que sur deux titres, la batterie passe aux mains d’un invité, Dion Parson.

Tout au long des huit plages du disque, le trio acoustique fait résonner une musique dont les atmosphères comblent l’oreille par leur diversité. Le climat musical se fait tour à tour funky, groovy, reggae, bluesy et parfois même techno. L’album se démarque des deux autres opus du coffret qui cultivent le swing à l’envi. Sur « The Present », la musique passe du swing au groove. L’opus inaugure et signe l’évolution du style que Laurent de Wilde va continuer ensuite à développer.

Hormis la reprise de Fleurette Africaine, un standard d’Ellington déjà enregistré quinze ans plus tôt sur « Colours of Manhattan », le répertoire compte des compositions issues du monde électronique du pianiste parmi lesquels entre autres The present, Move on, Quiet - Not Quite. Le passage de l’électronique à l’acoustique est réussi et fort innovant. Très personnels et colorés, les titres sont imprégnés d’une énergie rythmique inouïe qui dynamise la matière sonore.

Même si ça groove du début à la fin, on a succombé à l’écoute du titre Up and Down dont la pulsation drum’n bass illustre tout à fait la nouvelle conception du trio. Le morceau témoigne d’une expression très ouverte, avec une relative démesure ancrée dans la modernité du 21ème siècle. La section rythmique porte à la perfection l’énergie et le jeu renouvelé du pianiste.

« Three Trios », trois albums pour savourer l’évolution de l’art pianistique de Laurent de Wilde au sein du trio, piano-contrebasse-batterie. Sans renier la tradition dans laquelle il demeure ancré, ce voyage dans le temps témoigne du renouvellement de l’inspiration du pianiste et de sa capacité à se réinventer. Il a en effet incorporé dans son jeu et dans son écriture des formes, des mélodies et des textures issues de ses nombreuses et riches expériences musicales. Ce coffret porte l’empreinte d’un artiste sans cesse en questionnement et devenu un musicien de référence dans le jazz.

Album sans partition et sans montage

Après les avoir invités en 2017 à l’occasion de la sortie de son album « Think Back Op. 2 », le pianiste Edouard Ferlet retrouve Naissam Jalal, Sonny Troupé et Guillaume Latil pour travailler autour de l’improvisation idiomatique. Après deux résidences, ces quatre artistes issus de galaxies aux esthétiques différentes apprennent à se connaître. L’album « altérité » résulte de leur collaboration et donne à écouter une musique singulière, sans partition et sans montage. Une musique qui captive l’oreille.

Le 13 mai 2017, à l’occasion du concert de sortie de son album « Think Back Op. 2 », le pianiste Edouard Ferlet invite trois personnalités musicales issues d’univers musicaux différents, la flûtiste Naïssam Jalal, le percussionniste Sonny Troupé, et le violoncelliste Guillaume Latil.

Affranchis de tout a priori, les quatre artistes s’écoutent et font plus que dialoguer. En effet, sur « altérité » ils unissent leurs expressions pour élaborer une musique qui, comme par magie, se compose par elle-même dans l’instant, au fil de leurs dialogues complices.

Enregistré à huis-clos, sans partition et sans montage, l’album « altérité » (Melisse/Outhere Distribution) sorti le 25 octobre 2019 résulte d’un travail mené dans une dynamique d’improvisation idiomatique qu’ont pratiquée durant trois jours Edouard Ferlet, Naissam Jalal, Sonny Troupé et Guillaume Latil.

Les musiciens

•  A travers « Think Bach » (2011) et « Think Bach Op.2 » (2017), Edouard Ferlet en solo donne à percevoir la facette introspective et passionnée que lui inspire la musique de Bach. Le piano de Ferlet et le clavecin de Violaine Cochard ont exploré en duo l’univers de Bach sur « Bach Plucked-unplucked » (2015) puis celui de la danse à travers le temps et les pays sur « Plucked’N Dance » (2018). Au sein du trio Aïres qui réunit Airelle Besson, Edouard Ferlet et Stephane Kerecki, le pianiste produit sur « Aïres » (2017) un jazz chambriste élégant et raffiné. Edouard Ferlet fait aussi partie depuis sa création du trio de Jean-Philippe Viret avec lequel il chemine depuis vingt ans.
  

  Edouard Ferlet, Naissam Jalal, Sonny Troupé, Guillaume Latil©Grégoire Alexandre

• Récemment récompensée en 2019 d’une Victoire du Jazz dans la catégorie « Album inclassable » pour le splendide « Quest of the Invisible », la flutiste franco-syrienne Naïssam Jalal (flûte, voix) mène aussi d’autres projets. Parmi ceux-là figure le groupe « Rhythms of Resistance » avec lequel elle a gravé deux disques, en mars 2015 “Osloob Hayati” et en novembre 2016 « Almot Wala Almazala ».
• Le batteur et percussionniste guadeloupéen Sony Troupé (batterie, tambour ka), fait quant à lui partie de cette nouvelle scène jazz dynamique et créative venue des Antilles. Son univers gravite aux frontières du jazz et de la musique créole. Outre des collaborations avec le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart, la chanteuse et le pianiste Grégory Privat, il a sorti en avril 2017, l’album « Reflets denses » dont la musique chaleureuse se situe loin des formats standards que l’on peut, sans le trahir, qualifier de caraib’jazz.
• Le violoncelliste Guillaume Latil (violoncelle, voix) s’investit dans des projets musicaux tous horizons, du jazz aux musiques traditionnelles. On a pu l’écouter avec Cuareim Quartet » un quartet à cordes avec lequel il enregistré deux albums avec le quartet d’André Manoukian Directeur artistique du nouveau disque  » Contrebande » de la violoniste Fiona Monbet sorti en 2018. Il accompagne aussi sur scène et en studio la chanteuse Lou Tavano.

Improvisation idiomatique et altérité

La terminologie « improvisation idiomatique » qualifie la production sonore émanant de musiciens qui partagent les même codes, en l’occurrence ici, ceux du jazz. Elle respecte et utilise donc le vocabulaire mélodique du jazz, ses phrasés, ses rythmiques et harmoniques en usage. Ainsi, à partir de gestes pratiqués sur le(s) instrument(s) techniquement maîtrisés, les musiciens engagés dans l’improvisation idiomatique traduisent leur pensée en produisant des sons. Ces derniers façonnent leur expression personnelle laquelle incarne leur identité propre.

Certes l’improvisation idiomatique ne requiert pas de répétition mais nécessite un minimum de préparation. Par ailleurs elle est pratiquée par des musiciens qui manifestent une grande ouverture vis à vis de l’inconnu et vis à vis du jeu des autres. Ainsi, le concept d’altérité prend tout à fait son sens dans  cette pratique musicale.

« altérité »

Sur l’album « altérité », Edouard ferlet, Naissam Jalal, Sonny Troupé et Guillaume Latil inscrivent leur pratique dans le cadre l’improvisation idiomatique. Le titre de l’opus résonne tout à fait avec cette ouverture et cette écoute inconditionnelle dont les quatre artistes ont fait preuve d’un bout à l’autre de l’enregistrement.

Sans a priori mais en référence aux codes du jazz qui conditionnent la pratique de l’improvisation idiomatique, les quatre musiciens ont joué, se sont écoutés. Affranchis des conventions qui président (pour chacun.e) à leur habituelle expression, ils se sont laissé guider dans leur introspection par leur intuition et leur inspiration. Ils ont laissé tourner les bandes qui ont enregistré leur production sonore. Ils ont ensuite conservé les moments les plus explicites de leurs échanges dont témoignent les treize plages de l’album « altérité.

L’enregistrement a capturé les silences qui émaillent les improvisations. Il restitue l’entente et les hésitations qui jalonnent les morceaux. A l’écoute de l’album « altérité » on perçoit presque les regards étonnés des musiciens, leurs sourires émerveillés, leur attention mutuelle, les pieds qui battent et les têtes qui se balancent en rythme. Une grande liberté d’expression caractérise les échanges musicaux de ces quatre personnalités singulières que sont Edouard Ferlet, Naissam Jalal, Sonny Troupé et Guillaume Latil.

Impressions musicales

Evoquer des impressions procède du processus subjectif de l’écoute à laquelle participent la sensibilité et les références culturelles de l’auditeur.trice. Certains morceaux déclenchent plus d’adhésion et d’implication, comme si l’oreille devenait partie prenante de l’improvisation.

La psalmodie envoûtante de Parabole projetée sur une trame au motif oriental ouvre l’album alors que le pulsatile Clone le termine avec un climat groovy. Telle une complainte, Allégorie plonge dans un climat de recueillement et de prière alors que le plus tonique Procession évoque une cérémonie musicale profane.

La flûte et le piano au jeu évanescent contribuent à créer un moment de détente sur Ligne de main qui résonne tel un songe musical. Sur Identité, le violoncelle solo dessine une ligne musicale aux inflexions médiévales. Plus loin, ce même violoncelle converse avec la flûte diaphane sur Convergence alors que sur Ascendant il entonne une complainte lyrico-romantique soutenu par les accords mélancoliques du piano.

L’étrange Enigma procure de belles émotions déclenchées par les frappes sur les cordes du piano, les caresses sur celles du violoncelle, les larmes que pleurent les percussions et les arabesques flottantes de la flûte. Tel un conte céleste évanescent, Anonyme résulte quant à lui de la superbe alchimie sonore qui s’opère entre les notes cristallines du piano, les pleurs de la flûte et la litanie de l’archet sur le violoncelle.

Ailleurs, les instruments se laissent entraîner dans la ronde sautillante et percussive du titre Intégrité tandis que Récit semble découler d’une quête spirituelle.

Profondément évocateur de sensations, Abîme procure une impression de vertige schizophrénique à laquelle contribuent la voix plaintive, le piano percussif, la frappe découpée des baguettes sur tous les éléments de la batterie, les cordes pincées et les sonorités discordantes du violoncelle. Pourtant, après une chute spiralée vers un monde sous-terrain dont on ne perçoit pas le fond, on remonte enfin à la surface quand s’élève le chant lumineux.

Issu de la réunion de quatre personnalités musicales évoluant dans des univers aux contours fort différents, l’album « Altérite » ne laisse pas indifférentes les oreilles qui l’écoutent sans a priori. Autour du pianiste Edouard Ferlet, la flûtite Naïssam Jalal, le batteur Sonny Troupé et le violoncelliste Guillaume Latil célèbrent un hymne à l’altérité.

Jazz en apesanteur

Avec son troisième album « Big Wheel », le batteur et compositeur Thomas Grimmonprez propose un voyage musical en apesanteur. En quartet avec Manu Codjia, Jérôme Regard ou Matyas Szandai et Benjamin Moussay, le leader organise un superbe équilibre entre courants de tension et espaces de détente. Comme en apesanteur, la musique onirique flotte entre songe et poésie.

Sideman très recherché, le batteur Thomas Grimmonprez poursuit sa carrière de leader. Après « Bleu » (2009) et « Kaléidoscope » (2016), il revient avec un troisième opus, « Big Wheel » (OutNote Records), sorti le 23 août 2019.

Thomas Grimmonprez a conçu « Big Wheel » en référence à « la grande roue. La roue qui nous rappelle notre rapport au mouvement et au temps. La roue libre du lâcher prise, du moment suspendu. La roue qui tourne rond dans un monde carré… C’est aussi le recommencement, la création perpétuelle. »

« Big Wheel » saisit par son énergie quasi impalpable, la profonde musicalité de ses climats et la fluidité expressive des instrumentistes.

Thomas Grimmonprez Quartet

Pour « Big Wheel », le batteur Thomas Grimmonprez fait le choix d’un quartet où la contrebasse est tenue par Jérôme regard sur six titres et par Matyas Szandai sur l’autre tiers du répertoire. Avec souplesse, la paire rythmique batterie-contrebasse navigue entre délicatesse et force, subtilité et énergie.

D’un bout à l’autre de l’album, le piano d’une légèreté impalpable de Benjamin Moussay et la guitare limpide aux sonorités spatiales de Manu Codjia devisent en totale symbiose. Leurs interactions très équilibrées traduisent une superbe entente. Techniques mais très expressifs, leurs échanges rivalisent de musicalité.

Au fil du répertoire

Thomas Grimmonprez a composé les neuf titres de cet album aux mélodies captivantes. Un répertoire où alternent climats planants aux lignes mélodiques éthérées et ambiances captivantes au groove profond.

En ouverture de Big Wheel les balais subtils rebondissent en souplesse sur la caisse claire comme pour annoncer l’ambiance chimérique que tissent les lignes aériennes du piano, les sonorités méditatives de la guitare et le chant boisé de la contrebasse. Pour finir, la quiétude s’impose.

Dès les premières notes, Sweet Cake permet ensuite de saisir l’alchimie profonde qui règne entre piano et guitare. Les baguettes énergiques impulsent une douce puissance et le solo de guitare déclenche un tourbillon euphorisant.

L’atmosphère évanescente de Suspended Time dessine un tableau étrange où, dans un climat serein, piano et guitare rivalisent de propos inspirés. Le temps parait se dilater au long des envolées aériennes du piano que le batteur accompagne à mains nues. Plus tard, piano et guitare exposent à l’unisson la mélodie de l’étrange et envoutant, Cats and Dogs. Dans ce tableau musical imaginaire, la guitare atteint des sommets d’inspiration et construit un solo envoûtant.

Advient alors Heavy Soul sur lequel l’impulsion rythmique groovy de la batterie soutient l’improvisation radieuse de la guitare. Le quartet poursuit son exploration musicale sur Quiet, une courte ballade dont la ligne mélodique flotte et donne l’impression de vraiment suspendre le temps. Après les sombres et inquiétants nuages sonores qu’installent le piano et la guitare sur Hypnosis, la rythmique impulsive chasse les turbulences, éclaircit le ciel et permet un retour à la réalité

Plus tard, le piano introduit avec lenteur la mélodie lumineuse aux inflexions latines de Spain Time. C’est ensuite à la guitare aux sonorités stratosphériques de conduire le morceau jusqu’à ses dernières notes. Sur Highway, le dernier moreau de l’album, le quartet entame un voyage en roue libre sur une autoroute qui traverse des paysages teintés des souvenirs des musiques de Pat Metheny et Lyle Mays.

« Big Wheel » flotte en apesanteur. Suspendu entre une poésie sensible et une délicate rêverie, il explore le temps et les rythmes. En quartet, Thomas Grimmonprez conte des histoires captivantes où se croisent mélodies aériennes et envolées inspirées des solistes. Un album comme un rêve où il fait bon voguer.

Spirales énergiques et souffles méditatifs

Sur son album “The Labyrinth Project”, le batteur mexicain Israel Varela s’entoure d’artistes de niveau international. Avec le pianiste allemand Florian Weber, le bassiste brésilien Alfredo Paixão et le saxophoniste new-yorkais Ben Wendel. La musique oscille entre des spirales effervescentes et des souffles méditatifs. L’album séduit par la diversité de ses ambiances aux couleurs sans cesse renouvelées.

Produit par Jando Music et Via Veneto Jazz, le neuvième album du batteur, compositeur et chanteur mexicain Israel Varela s’intitule « The Labyrinth Project ». Avec huit compositions originales du leader, l’album propose un voyage sinueux dans un espace aux dynamiques et aux couleurs variées.

Dans un mouvement complexe et maîtrisé, “The Labyrinth Project” navigue entre des atmosphères contemplatives, des univers bouillonnants et des moments de pure improvisation. Avec fluidité et maîtrise, Israel Varela et ses compagnons ne perdent pas le fil et cheminent dans ces paysages alternatifs sans jamais s’égarer.

Israel Varela

Originaire de Tijuana au Mexique, Israel Varela est issu d’une famille de quatre générations de musiciens et grandi dans un environnement musical où prédominent musiques classique et sacrée. Après avoir étudié aux Etats-Unis avec Alex Acuna et Dave Weckl, en 2000? il gagne l’Italie.

Le batteur ancre à la fois sa musique dans sa culture latine mais aussi dans le flamenco, le jazz, la musique contemporaine et dans les traditions des différentes musiques qu’il a croisées. En effet, ce lauréat du Prix Euro Latin, a joué dans plus de trente pays et a collaboré avec entre sommités Pat Metheny, Pino Daniele, Charlie Haden, Bireli Lagrène, Andrea Bocelli, Diego Amador, Bob Mintzer, Mike Stern, Yo Yo Ma, Joaquin Cortez, Jorge Pardo, Rita Marcotulli.

Pour enregistrer “The Labyrinth Project”, Israel Varela fait appel à trois artistes internationaux.

Autour du leader

Au piano…

Le pianiste allemand Florian Weber a travaillé avec Tomasz Stashko, Michael Brecker, Pat Metheny et Albert Mangelsdorff. Récompensé du prix Steinway du piano au Festival de Montreux, il a enregistré deux albums chez ECM, « Alba » en 2016 avec Markus Stockhausen et « Lucent Waters » en 2018 avec Ralph Alessi, Linda May Han Oh et Nasheet Waits.

A la basse…

Natif de Rio de Janeiro, le bassiste brésilien Alfredo Paixão vit à Rome depuis vingt-trois ans. Il a appris à lire les notes avec son oncle, le célèbre compositeur Moacir Santos et a collaboré avec Rosa Passos, Alex Acuna et Pino Daniele avec qui il a enregistré douze albums.

Invité spécial, au saxophone ténor…

Israel Varela a ajouté un invité spécial, le saxophoniste et compositeur, Ben Wendel. Né à Vancouver, il a grandi à Los Angeles et mène sa carrière à New-York. Connu pour son appartenance au très innovant groupe « Kneebody », en 2015 il a sous son nom sorti l’album “The Seasons” où il a dialogué en duo avec quelques figures majeures du jazz contemporain, dont Joshua Redman, Aaron Parks, Gilad Hekselman, Eric Harland, Matt Brewer, Julian Lage et Ambrose Akinmusire. Dans d’autres contextes il a joué et/ou enregistré avec Ignacio Berroa, Gerald Clayton, Eric Harland, Snoop Dog, Prince, Antonio Sanchez et Tigran Hamasyan et fait partie des saxophonistes ténor avec lesquels le jazz compte.

Au fil du labyrinthe

L’album ouvre avec Flowing Wind où saxophone ténor et piano exposent à l’unisson une mélodie aux accents orientaux. Le chant du leader et un motif réitératif installent un climat magnétique qui inspire au piano un chorus débordant d’élan vital. Le voyage devient ensuite méditatif et entraîne le groupe vers une prière collective propulsée par la batterie.

Après le très court intermède du mélancolique Shadow interprété solo par la basse, le piano entame la mélodie lancinante de All Directions d’où le chant du saxophone. Gémissant et volcanique à la fois, le ténor explose de créativité soutenu par la section rythmique que la batterie propulse dans des territoires colorés.

Le piano entame ensuite une courte méditation et se recueille seul sur Ascended Soul avant d’ouvrir l’espace à une ligne mélodique exposée par le chant cristallin du leader très vite recentré sur ses fûts et cymbales. Saxophone et piano génèrent ensuite sur Heliopolis une atmosphère étrange qui inspire au piano une improvisation tumultueuse et au ténor un flot irrépressible de notes poussées dans un crescendo effervescent et explosif. Le jeu complexe et segmenté de la batterie et la basse ronflante propulsent la musique qui canalise son énergie et se termine en un chant chargé d’espérance.

En duo, piano et voix entament Azul, une chanson nostalgique imprégnée d’une forte charge spirituelle. S’y ajoutent des pointillés subtils que souffle le ténor et ponctue la basse;

Après cette escapade bleutée, Nueve Secretos sert de prétexte à un dialogue effréné entre la frappe éclatée et scintillante de la batterie et le souffle incandescent du ténor qui réveille le fantôme du regretté Michael Brecker. Paroxystique et énergique, cet échange permet à la batterie et au saxophone de rivaliser de créativité.

L’album se termine avec Cuatro le bien nommé où les quatre protagonistes rivalisent d’invention et d’énergie. Un morceau dont les références sont explicitement ancrées dans les traditions latine et flamenca. La solide ligne de basse soutient les envolées lyriques du ténor à l’inventivité intarissable alors que la batterie frénétique encourage et soutient le flamboyant solo du piano toujours très inspiré. A la toute fin, la basse calme le jeu et engage la musique dans des eaux empreintes de sérénité.

“The Labyrinth Project”, une respiration colorée où vents méditatifs et souffles énergiques s’allient pour le meilleur.

Force vitale, liberté et inventivité.

Le fameux groupe « Saxophone Summit » présente « Street Talk », son quatrième opus. Le saxophoniste Greg Osby rejoint David Liebman, Joe Lovano et la superbe section rythmique inchangée depuis les débuts, avec Phil Markowitz, Cecil McBee, et Billy Hart. Généreux et exigeant, l’album rend hommage à l’esprit de la musique de Coltrane. Porteur d’une intense force vitale, il déclenche des frissons de joie et un plaisir inouï.

Comme sur les trois précédents disques, « Saxophone Summit » continue à célébrer l’esprit de la dernière période musicale du légendaire John Coltrane sur le puissant « Street Talk » (Enja Yellow Bird/L’autre Distribution) sorti le 18 octobre 2019.

Accompagnés par une section rythmique à la fois énergique et sensible, les saxophones de Dave Liebman, Joe Lovano et Greg Osby unissent la force de leurs chants et offrent une musique intense dont la puissance captive de bout en bout des huit plages de « Street Talk ». On est frappé par les traits nerveux du soprano de Dave Liebman, les lignes éthérées du ténor de Joe Lovano et les stridences de l’alto de Greg Osby. Un disque où s’incarnent à parts égales et pour le meilleur, liberté, virtuosité et inventivité.

« Saxophone Summit »

En 2004, le « Saxophone Summit » originel constitué de David Liebman, Joe Lovano et Michael Brecker a enregistré « Gathering Of Spirits » (Telarc). Après la mort de Michael Brecker (1949-2007) Ravi Coltrane à rejoint Liebman et Lovano et enregistré avec eux « Seraphic Light » (Telearc) en 2008 et « Visitation »(ArtistShare) sorti en 2014.

En 2019 sur « Street Talk », c’est au tour de l’icône du saxophone alto, Greg Osby, de rejoindre Lovano et Liebman. Inchangée depuis les débuts du groupe, la section rythmique réunit le pianiste Phil Markowitz, le contrebassiste Cecil McBee et le batteur Billy Hart. A l’affût derrière ses fûts et cymbales, Billy Hart diversifie son langage sans jamais se répéter, pilote la section rythmique qui propulse le flux des trois saxophonistes dont chacun possède un son unique et aisément identifiable.

Le répertoire

« L’influence que Coltrane a sur Sax Summit est vivante, mais on fait exprès de ne pas se faire définir ainsi. On garde bien son esprit et joue des morceaux qui vibrent et touchent, mais la musique est la nôtre – notre expérience collective. Nous avons trouvé un tronc commun en gardant notre individualité, unique à chacun de nous. » Dave Liebman.

Certes le groupe « Saxophone Summit » continue à célébrer l’esprit de la musique de John Coltrane et à restituer l’ambiance qui régnait sur les scènes de jazz de New-York à la fin des années 60 - début années 70. Par contre, pas question pour les familiers de l’univers de Coltrane que sont les membres de « Saxophone Summit », de réinterpréter son répertoire, ce qu’ils avaient partiellement fait au tout début de leur réunion mais déjà abandonné sur « Visitation ».

En 2019, « Saxophone Summit » présente « Street Talk » sur lequel le groupe fait le choix d’interpréter six compositions originales, une de chaque membre du groupe, auxquelles s’ajoutent une introduction et une fin librement improvisées par les seuls saxophones.

Impressions musicales

En préambule, les élucubrations sonores des trois saxophones ouvrent l’album par les salutations spontanées d’une Intro qui ne manque pas de piquant.

Le rôle crucial de la section rythmique frappe d’emblée sur Street Talk de Joe Lovano, enregistré sur « Landmark », son premier album sorti en 1990 chez Blue Note. Le pianiste butine les touches avec férocité alors que la contrebasse très réactive entre en résonance avec les cymbales de la batterie. Le titre restitue les échos d’une conversation qu’échangent les trois saxophones. Les riffs saccadés et véhéments du soprano tranchent avec la fluide énergie et le lyrisme chaleureux et intarissable du ténor. Ça joue, ça hurle… c’est inventif et vigoureux à souhait !

Sur Point, la composition de Phil Markowitz, s’installe un climat étrange ponctué de paroxysmes. Ce titre donne à saisir la précision et la solidité de la section rythmique qui laisse toute latitude aux solistes pour s’exprimer. Le soprano impétueux s’élance, l’alto musclé et le ténor épais entreprennent un dialogue tendu qui inspire au piano organique un expressif chorus.

A capella, le léger et presque vaporeux soprano ouvre le superbe Loudly de Dave Liebman qui enflamme ensuite lui-même sa composition par une improvisation ancrée dans l’univers coltranien. Le ténor à la sonorité détimbrée entretient ensuite le feu avec un lyrisme débridé qui inspire le piano. Du grand art orchestral qui regarde quelque peu du côté de chez Duke. La sonorité profonde et chaleureuse de la contrebasse élégante introduit le lumineux A Portrait composé par Cecil McBee. Le soprano s’envole dans un swing au tempo décalé, le ténor brille par sa fluidité et le piano par son éclat. Lorsque les trois saxophones se retrouvent pour terminer, c’est saisissant et presque vertigineux.

Composé par Greg Osby, Carousel, développe une écriture musicale subtile, contrastée, voire cinématographique avec une ouverture où piano et alto dialoguent en toute liberté. Après un riff de contrebasse et des éclats de cymbales, les trois saxophones entremêlent leurs discours avec emphase et installent un climat qui suggère le tournoiement d’un imprévisible manège.

C’est ensuite au tour de Billy Hart d’ouvrir sa composition Tolli’s Dance, arrangée par Dave Liebman. La sonorité épaisse de la batterie aux rythmes croisés introduit la mélodie que ténor, alto et soprano exposent en contrepoint. L’alto se lance dans un chorus aérien et limpide et introduit une improvisation précise de la contrebasse qui se love entre les pointillés que les baguettes esquissent sur les cymbales.

Après l’équilibre presque parfait de Tolli’s Dance, les trois saxophones se retrouvent sur Outro, en guise d’au revoir singulier qui boucle l’album en écho au bonjour de l’Intro.

Sur « Street Talk », tout est invention, point de surcharge, point de redite. Les trois saxophones, le piano, la contrebasse et la batterie ne cessent de se réinventer. Délicate ou féroce, la section rythmique de « Saxophone Summit » offre aux soufflants un espace de liberté très ouvert et propice à d’effervescentes explosions ou à de lyriques envolées. Un album généreux et exigeant irrigué d’une intense force vitale.  A écouter sans modération !