Groove subtil et pulsation vitale

Six ans après l’album « In-Pulse », le percussionniste-batteur Xavier Desandre Navarre signe « In-Pulse-2 ». Sur ce deuxième opus, il grave avec In Pulse Quartet, une musique où une pulsation vitale abreuve mélodies et improvisations. Une musique ouverte et lumineuse pourvoyeuse d’images et de sensations

Surnommé « Le Sorcier » par ses pairs, Xavier Desandre Navarre donne une suite à l’album « In-Pulse » sorti en 2014. A l’image de la pochette joyeuse et colorée, la musique de l’album « In-Pulse 2 » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) se pare de contrastes.

Annoncé pour le 31 janvier 2020, l’opus réunit autour du batteur-percussionniste l’équipe déjà présente sur le disque précédent, Stéphane Guillaume (saxophones ténor & soprano, clarinette basse), Emil Spanyi (piano) et Stéphane Kerecki (contrebasse).

« In-Pulse 2 » délivre une musique généreuse dont les couleurs et les climats ne manquent ni d’énergie ni de nuances. Les pulsations rythmiques font circuler une force vitale qui irrigue les mélodies et stimule les improvisateurs. Lumineuse, souple et nuancée, la musique génère images et sensations dont la teneur évolue au fil du répertoire.

Xavier Desandre Navarre

Percussionniste et batteur français, Xavier Desandre Navarre associe instruments traditionnels et effets électroniques. Il utilise une multitude de sonorités différentes qui colorent son langage musical et nourrissent son inventivité. Pour lui, « Le jazz est un creuset où toutes les influences musicales et impressions peuvent se donner rendez-vous ».

Imprégné de jazz et de musiques du monde, ce rythmicien émérite a collaboré avec des artistes issus de courants différents, musiques actuelles avec les Rita Mitsouko, world music avec Manu Dibango, électro avec Laurent Garnier, jazz aux côtés de Michel Portal, de Laurent Cugny, de l’ONJ de Denis Badault, Youn Sun Nah (sur les albums « Lento », « Voyage » et « Same Girl »). Très apprécié des musiciens nordiques, Xavier Desandre Navarre a l’occasion de se produire et d’enregistrer avec Lars Danielsson, Ulf Wakenius, Caecilie Norby et Nils Peter Molvaer.

Sideman apprécié, il est aussi compositeur et leader. Ainsi il joue ses propres compositions en solo (Beat Body Soul solo concert) ou avec In Pulse Quartet, le quartet de jazz acoustique avec lequel il a enregistré « In-Pulse » (2014) et « In-Pulse-2 » à sortir le 31 janvier 2020 chez Cristal Records.

« In-Pulse 2 »

Le répertoire de quinze titres compte un morceau de Don Cherry, Guinea, neuf compositions de Xavier Desandre Navarre et autres cinq plages signées des quatre musiciens.

Pourvoyeur d’images et de sensations, l’album coloré propose une alternance de morceaux aux climats oniriques et d’autres plus exultants. Ce contraste se retrouve même quelquefois au sein d’un même morceau comme Grass Valley qui débute par un climat pastoral qu’enflamme ensuite le solo lumineux du piano et le chorus flamboyant du saxophone ténor.

Dialogue entre la contrebasse chantante et le steel drum, What a Cool Day prolonge son atmosphère chimérique dans Cool B où le soprano dessine des arabesques shortériennes. Les couleurs rythmiques de Mandingo dépaysent la musique du côté de l’Afrique et inspirent le ténor impétueux et la contrebasse organique. La même africanité rythmique parcourt Guinea qui met en lumière la clarinette basse et évoque l’univers d’Henri Texier.

Plus loin, Raoul entraîne la musique au-delà des genres et des frontières musicales en créant une tension collective qui donne à percevoir l’entente du quartet. Au jeu enthousiaste du piano se rallient palmas, castagnettes, chants et batterie bouillonnante. Entre souples phrasés et fulgurances, le ténor chante le blues sur Coquelicot puis devient coloriste, volubile et flamboyant pour déployer avec allégresse une tempête de notes In The Garden. Sur l’éloquent Belly Button et le musclé Smoking Tree, le quartet s’aventure sur les sentiers d’un jazz véhément et moderne où la trame rythmique confine à la transe.

Co-signées par les quatre musiciens, cinq autres plages réservent de beaux moments d’improvisation. Seeds of Memories, courte déambulation onirique à l’atmosphère nébuleuse, le méditatif In a Water Drop, le bucolique Clear Lake, le délicat Talking in the Moon illuminé par le jeu rayonnant du piano et la marche mystérieuse de Procession in The Mist où la caravan’quartet s’achemine sur un rythme lancinant.

Porté par la pulsation vitale et le groove subtil de Xavier Desandre Navarre, « In-Pulse-2 » invite à un voyage onirique et coloré.

Pour retrouver In pulse Quartet avec Stéphane Guillaume (saxophones, clarinette basse), Stéphane Kerecki (contrebasse) et Emil Spanyi (piano), RV à Paris le 04 mars 2020 à 21h au Studio de l’Ermitage.

Du jazz pimenté de résonances cap-verdiennes

Dans son neuvième album « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre le pianiste Horace Silver disparu il y a cinq ans. Avec son indéfectible complice, le bassiste Theo Pascal, la chanteuse aux origines cap-verdiennes rend hommage au pionner du hard-bop. Elle reprend des titres du répertoire de son aîné auxquels s’ajoutent deux morceaux originaux. Le jazz pimenté de résonances créoles du Cap-Vert envoûte et séduit. Une belle réussite !

Pianiste emblématique et pionnier du hard bop, Horace Silver (1928-2014), a été une grande influence dans la carrière et le parcours musical de l’auteure-compositrice-interprète Carmen Souza.

Tous deux partagent le même héritage capverdien transmis par leurs familles. Aujourd’hui, la chanteuse célèbre la musique du pianiste Horace Silver sur « The Silver Messengers » (Galileo/MDC/Pias) à paraître le 24 janvier 2020.

Entourée de Theo Pascal (basse/basse électrique), Elias Kacomanolis (batterie/Percussions) et Benjamin Burrell (piano), Carmen Souza (chant et guitare) a enregistré les onze plages de l’album, entre Londres et Lisbonne.

« The Silver Messengers »

« En grandissant, j’écoutais beaucoup les disques de mon père, qui étaient principalement de la musique instrumentale du Cap-Vert… Quand j’ai écouté Horace Silver pour la première fois, j’entendais la même vibration, le même swing, la même intention, la même harmonie et mélodie, des mouvements familiers, des cadences, des changements d’accords, je pouvais entendre le son de mon enfance, mais avec une texture et un parfum différents, c’est-à-dire du jazz ». Carmen Souza

Le titre de l’album, « The Silver Messengers », résonne par ailleurs comme un clin d’œil à la vie d’Horace Silver dont il reprend le nom, Silver, auquel est accolé Messengers, en référence au légendaire groupe de « Jazz Messengers », d’Art Blakey auquel le pianiste a participé et où il a élaboré hard-bop et jazz funky.

Indéniablement, « The Silver Messengers » célèbre Horace Silver avec un répertoire de onze titres parmi lesquels figurent neuf compositions du pianiste. La filiation revendiquée par la chanteuse Carmen Souza est donc très explicite. En effet, Carmen Souza et Theo Pascal ont retravaillé six morceaux auxquels ils ont ajouté de nouvelles paroles créoles. Trois autres pièces du pianiste déjà reprises par la chanteuse les côtoient, Song for My Father, Cape Verdean Blues et Pretty Eyes. Lady Musica et Silver Blues, deux chansons originales composées par Carmen Souza et Theo Pascal sont dédiées à Horace Silver, complètent le line-up.

Ainsi, en disciple convaincue, Carmen Souza continue à porter le message de la musique d’Horace Silver à laquelle elle croit et qu’elle honore avec brio. Elle parvient à demeurer fidèle à l’esprit de l’art d’Horace Silver tout en insufflant sa propre singularité dans l’œuvre du pianiste.

La voix singulière de Carmen Souza

Au fil des années, Carmen Souza a développé un chant singulier reconnaissable entre tous. Dès les premières notes on identifie sans aucune hésitation sa voix pétillante aux accents malicieux, ses vocalises périlleuses et son timbre tout à tour acidulé ou rugueux mais toujours chaleureux.

Après un premier album « Ess ê nha Cabo Verde » (2005) sans aspérité, la chanteuse développe petit à petit son chant si particulier dont on saisit déjà les accents en 2008 sur « Verdade ». « Protegid » marque une nouvelle étape, en proposant une World Musique originale où le jazz affleure avec une première version de Song for my Father d’Horace Silver.

En 2012, sur « Kachupada », le jazz s’invite de nouveau avec une version espiègle de Donna Lee et une autre de My Favorite Things. En 2015, dès la première écoute de l’album « Epistola », on identifie la voix de Carmen Souza sans aucun risque de se tromper. Sur l’album, elle reprend aussi Cape Verdean Blues d’Horace Silver et offre une version épique de Moonlight Serenade. Sur l’album « Creology » sorti en 2017, la chanteuse lance avec brio un pont entre musique créole capverdienne et jazz. Elle libère sa voix malicieuse et donne libre cours à son chant singulier.

Aujourd’hui, avec un contrôle inouï, le chant de Carmen Souza virevolte entre aigus et graves, caresse les notes avec langueur, crie avec espièglerie, chuchote ou se blottit entre les lacis rythmiques. Elle ponctue ses scats périlleux d’onomatopées pétillantes durant lesquelles la voix acidulée se perche très haut dans les aigus, se lâche et plonge dans les graves rugueux où elle se love avec une sensualité caressante. Au final, au grain unique de sa voix d’alto, la chanteuse allie une virtuosité vocale totalement maîtrisée.

Au fil des pistes

Pièces déjà au répertoire de la chanteuse

Hormis Song for my Father sur lequel on observe le même tempo que le titre original enregistré sur l’album au titre éponyme sorti en 1964 chez Blue Note et une grande proximité entre le chorus vocal de la chanteuse et celui du pianiste, Carmen Souza prend ses distances avec les tempi des versions d’origine qu’elle accélère ou ralentit à l’envi.

Sur Cape Verdean Blues, la chanteuse prend le parti d’insuffler un nouvel éclat à l’univers du pianiste. Sa voix singulière et envoutante impulse la joie de vivre en adoptant un tempo plus rapide que celui la version enregistrée en 1965 par Horace Silver. Par contre, le chant facétieux de la chanteuse ré-enchante un rythme composé, le titre Pretty Eyes enregistré par le pianiste en 1964. Elle en propose une version empreinte de délicatesse.

Nouvelles reprises

Carmen Souza métamorphose avec bonheur le célèbre Señor Blues (1957) dont elle étire la mélodie et… le blues devient psalmodie. Sur un rythme très ralenti par rapport à la version originelle de 1972 et habillée de paroles en créole capverdien, la mélodie de Kathy dégage une saudade où se mêlent joie et tendresse. De sa voix voilée, sensuelle et quelque peu espiègle, la chanteuse imprime un tempo de calypso à Soul Searching une composition de 1971. Avec souplesse, Benjamin Burrell s’envole dans un chorus funky salsa.

Pris sur un tempo moins rapide que l’original de 1966, Nutville propose des cadences rythmiques complexes sur lesquelles la voix mélancolique et sensuelle caresse. Le quartet s’amuse par contre à détricoter The Jody Grind auquel il impulse un tempo beaucoup plus enlevé que l’original de 1966. Le titre laisse percevoir la complicité extrême qui règne entre la chanteuse et le bassiste. En effet, soutenue par la solide ligne de basse et la batterie efficace, la voix agile impulse une énergie funky à la mélodie tout en conservant une incroyable légèreté.

On demeure pantois à l’écoute de la version que Carmen Souza propose de la composition d’Horace Silver, St Vitus Danse (1959). Durant quatre minutes, le morceau sert de tremplin à la voix qui exécute un scat acrobatique dont les écarts et les onomatopées bopisantes débordent d’enthousiasme. La section rythmique s’amuse et jongle avec le rythme sans aucun faux pas.

Compositions originales

Lady Musika permet à la chanteuse d’exprimer avec allégresse et légèreté son identité en créole cap-verdien, sans départir son expression de nostalgiques intonations. Silver Blues termine l’album sur une rythmique subtile qui permet à la voix de gagner en profondeur et en nuances et de poser l’empreinte d’un groove organique mais soyeux.

Dans « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre Horace Silver auquel elle rend un hommage brillant et singulier. Avec allégresse et espièglerie, la chanteuse épice un jazz riche en influences soul,latines et funky. Un album solaire, vibrant et pimenté.

Pour s’immerger dans l’album « The Silver Messengers » et ses superbes ambiances, RV avec Carmen Souza (chant et guitare), Theo Pascal (basse et c.basse), Elias Kacomanolis (batterie) et Ben Burrell (piano) à Paris le 26 février 2020 à 21h30 au Sunside.

Bientôt… la sortie de l’album « All Rise »

Le 17 janvier 2020 marque le retour de Gregory Porter avec « Revival », son nouveau single paru chez Decca/Blue Note. Cette bonne nouvelle en cache une autre et pas des moindres, puisque ce single annonce la sortie du sixième album studio du chanteur, « All Rise », attendu pour le 17 avril 2020.

Chanteur de jazz lauréat de deux Grammy Awards, Gregory Porter possède une des plus belles voix de sa génération. Le 17 janvier 2020 le baryton revient avec « Revival ».

Ce nouveau single est annonciateur de la sortie prochaine de son sixième album studio, « All Rise » à venir le 17 avril 2020 chez Decca Records/Blue Note.

De réjouissantes perspectives musicales !

Bientôt… « All Rise »

“All Rise” ponctue le retour de Gregory Porter en 2020 à son écriture originale avec des paroles imprégnées de détails de la vie réelle et pour le chant, un mélange de jazz, de soul, de blues et de gospel.

Produit par Troy Miller avec des crédits à Laura Mvula, Jamie Cullum et Emili Sande, l’album « All Rise » témoigne de l’évolution de l’art de Gregory Porter vers quelque chose de plus intime, plus universel mais toujours chargé d’émotion.

De 2010 à 2020

« All Rise » s’inscrit dans la continuation d’une histoire commencée en 2010 avec « Water » lequel album a été suivi de « Be Good » en 2012.

En 2013 le succès du chanteur se confirme avec l’album « Liquid Spirit » (Blue Note/Universal) qui a remporté le Grammy du meilleur album vocal. En 2016, « Take Me to the Alley », lui aussi récompensé d’un Grammy Award, met en évidence le talent inné du baryton pour transcender les genres, blues, soul, gospel, jazz. Sur cet album il se fait le porte-voix de son époque.

En octobre 2017, avec « Nat King Cole & Me » (Blue Note/Universal) le crooner rend un vibrant hommage à la figure mythique qui a influencé sa musique et sa vie, Nat King Cole.

La belle énergie de « Revival »

Pour patienter et attendre la sortie de l’album « All Rise » annoncé pour le 17 avril 2020, on se réjouit du retour de Gregory Porter avec « Revival » que l’on se propose d’écouter. La vidéo donne un aperçu de la tonalité joyeuse et optimiste de l’album à venir.

Porteur l’ADN de Gregory Porter, entre jazz et pop mais surtout profondément enraciné dans la soul et le gospel, « Revival » constitue une belle manière de commencer 2020 !

« Spirituality, Optimism, Light and Energy for You »

Trois ans après « Family Tree », le pianiste Grégory Privat revient en trio avec Chris Jennings et Tilo Bertholo. Son album « Soley » est comme irradié de la lumière de l’étoile solaire. Chargé d’énergie, l’album navigue sans frontières entre jazz, musiques caribéennes, électroniques et chant. La musique invite à l’optimisme et à l’espérance.

Après l’envoutant et vibrant « Family Tree » (ACT/PIAS) paru en 2016, le pianiste Grégory Privat annonce la sortie de son album « Soley » (Buddham Jazz/L’Autre Distribution) attendu pour le 31 janvier 2020. Comme le promet son titre,l’opus propose une musique lumineuse et généreuse.

« Soley »… un concentré de lumière

C’est sur son propre label, Buddham Jazz, que Grégory Privat présente son cinquième album enregistré en février 2019 au Studio La Buissonne par Nicolas Baillard.

Le pianiste a conçu son cinquième album comme un concept sous-tendu par son titre, « Soley », soleil en créole. Grégory Privat a en effet profilé son album comme un symbole, celui d’une « lumière porteuse d’espoir »… « Spirituality, Optimism, Light and Energy for You« … et de fait, il ne s’agit pas de vaines promesses car une luminosité joyeuse et colorée se dégage des quinze titres de « Soley », tous composés par le leader.

Autour du pianiste sont réunis deux musiciens qui pour lui possèdent les qualités idéales. Le batteur Tilo Bertholo, déjà présent à ses côtés sur le précédent opus, possède les codes du jazz, mais aussi ceux de la musique martiniquaise et de la pop. Imprégné de musique classique et de jazz, le contrebassiste Chris Jennings est quant à lui « ouvert à toutes les expérimentations ».

Élégance, frénésie et poésie

Avec une liberté peu commune, le trio explore l’espace musical. Au-dessus des spirales polyrythmiques de la batterie et du solide soutien harmonique de la contrebasse, le piano comme libéré de la gravité, construit et déconstruit les mélodies. Les élans de la batterie stimulent les boucles entêtantes du piano et les vagues électroniques du clavier croisent les échos vibrants des nappes vocales éthérées.

« Soley » dispense une musique enveloppante, tour à tour élégante, frénétique ou poétique.

Au fil du répertoire

Après Intro et son atmosphère planante, le répertoire s’achemine dans un dynamisme ascensionnel vers le lumineux Soley où piano et voix s’élèvent avec légèreté au-dessus d’une rythmique solide et tonique. L’album se termine sur un titre au tempo ternaire et à la résonance très jazz, Waltz for M. P., un hommage sensible à Michel Petrucciani.

Le voyage musical proposé par le trio est ponctué par deux morceaux joués en duo. Le mélancolique Prélude où dialoguent piano et la contrebasse dont le jeu à l’archet laisse pantois. L’énergique Interlude riche des échanges de la batterie avec le piano et le clavier.

Sur Las, le pianiste chante ses difficultés à se lever chaque jour mais le titre résonne comme une incitation à se réveiller à la vie et à tout ce qu’elle offre. Ouvert par un riff lancinant de contrebasse, Le Pardon se développe entre nappes électroniques, mélodies mélancoliques aux accents orientaux et battements énergiques sur fûts et cymbales. A la toute fin, le piano largue les amarres. Comme libéré de la pesanteur, il s’élève au- dessus de la mêlée rythmique, comme pour atteindre le soleil.

Sur Sergueï, le piano se fait royal. Poussée par une main énergique gauche pulsatile, soutenue par la batterie explosive et la contrebasse tellurique, la main droite aérienne explore le clavier. Seducing The Rain advient ensuite comme un répit lumineux et salvateur. Une ballade en suspension dont la mélodie poétique jouée avec délicatesse par le piano, charme l’oreille. Les cymbales frissonnantes et la contrebasse terrienne contribuent pour beaucoup au climat rassérénant du morceau.

La complicité qui unit les trois musiciens génère de riches échanges comme dans Manmay où le vibrant chorus de contrebasse propulse le piano dans un superbe solo. Comme dopé par l’énergie de l’astre, le trio illumine Transfiguration, autre morceau phare de l’album où Grégory Privat confirme sa place parmi l’élite des pianistes de jazz.

Tout concourt à faire de « Soley » un album singulier qui cabote entre tradition et avant-garde sans vraiment se déterminer. Le trio complice offre un arc-en-ciel d’émotions où se mêlent joie et mélancolie.

Pour retrouver la musique de « Soley » et Grégory Privat (piano) en trio avec Chris Jennings (contrebasse) et Tilo Bertholo (batterie),  RV à Paris les 27 et 28 janvier 2020 à 19h30 et 21h45 au Duc des Lombards et au New Morning, le 21 avril 2020.

Hommage musical riche en émotions

Le pianiste Paul Lay revient en trio avec la chanteuse Isabel Sörling et le contrebassiste Simon Tailleu déjà présents à ses côtés sur le splendide « Alcazar Memories ». « Deep Rivers » résonne comme un voyage autour de 100 ans de chansons américaines, de la guerre de sécession à Nina Simone. Le trio rend hommage aux musiques populaires de la fin du 19ème et du 20ème siècle. Le répertoire s’enrichit de quatre compositions du pianiste rejoint par quatre invités. Les émotions sont au rendez-vous.

Dix ans après la sortie de son premier album « Unveiling » chez Laborie Jazz, Paul Lay revient avec « Deep Rivers » (Laborie Jazz/Socadisc/IDOL) sorti le 10 janvier 2020. L’album répond à une commande destinée à commémorer les 100 ans de l’arrivée du jazz en Europe. Le pianiste retrouve la chanteuse suédoise Isabel Sörling et le contrebassiste Simon Tallieu, partenaires avec lesquels il avait déjà enregistré « Alcazar Memories » (2017) dont on a pu apprécier la musicalité.

Paul Lay

Depuis ses débuts, le pianiste orthézien a développé une expérience très large qui lui a permis de s’exprimer en solo ou en leader à la tête de ses trios ou quartet, mais aussi dans les groupes de Riccardo Del Fra, Géraldine Laurent, Ping Machine et Eric le Lann avec lequel il a d’ailleurs enregistré « Thanks A Million » (2018) qui célèbre la mémoire et l’œuvre de Louis Armstrong. Parmi les nombreux prix prestigieux reçus par Paul Lay, on peut citer le Prix « Django Reinhardt » qui l’a distingué en 2016 meilleur artiste de jazz français de l’année.

Fin mélodiste doté d’une technique imparable au service d’une imagination impressionnante, Paul Lay demeure ancré dans la tradition qu’il renouvelle avec subtilité. Inspiré, le pianiste développe une expression très personnelle d’où est absente toute reproduction et tout étalage. Virtuose, il prend de la distance avec la technique et développe une identité singulière. Son jeu allie force et sensibilité, élégance et finesse, le tout exposé avec générosité, aisance et toujours un brin d’humour,

« Deep Rivers »

Paul Lay demeure fidèle au Label Laborie Jazz avec lequel il collabore depuis dix années. Après quatre opus, « Unveiling » en 2010, « Mikado » en 2014, « The Party » et « Alcazar Memories » en 2017, son cinquième album « Deep Rivers » sorti le 10 janvier 2020 plonge dans les musiques populaires de la fin du XIXème et début XXème siècle.

L’album fait suite à une demande que le pianiste a reçu de Matthieu Jouhan alors qu’il préparait les évènements liés au centenaire de l’arrivée du jazz en Europe, en 1918 et particulièrement le centième anniversaire du premier concert de jazz, le 12 février 1918 à Nantes.

Accompagné de la chanteuse suédoise Isabel Sörling et du contrebassiste Simon Tailleu, le pianiste Paul Lay reprend des chansons folkloriques américaines de la fin de la guerre de Sécession jusqu’aux années 60. A ces titres emblématiques, spirituals et folksongs, écrits tant au Sud qu’au Nord des USA scandent le droit à la dignité et à la liberté, s’ajoute Go to Hell, un titre de Nina Simone qui leur fait écho. Par ailleurs, quatre compositions personnelles du pianiste sont mises en miroir face à ces compositions historiques. Sur trois d’entre elles il est rejoint par quatre invités, le batteur Donald Kontomanou, le tromboniste Bastien Ballaz, le trompettiste Quentin Ghomari et le saxophoniste Benjamin Dousteyssier.

Au fil des titres

Nombre des morceaux du répertoire résonnent avec familiarité aux oreilles. Avec le trio et ses invités, tous prennent de nouvelles couleurs enchanteresses et chargées d’émotions.

Chansons populaires et traditionnelles

On découvre (ou redécouvre) avec plaisir quelques-uns des folksongs et spirituals qui ont jalonné un siècle d’histoire des USA de 1860 à 1960. Les musiciens en donnent des versions sensibles et puissantes.

En  solo, Paul Lay interprète deux courts morceaux, Sylvia d’Oley Speaks et le célèbre ragtime Maple Leaf Rag de Scott Joplin sur lequel son jeu facétieux semble animer un film muet où la silhouette de Charlot ponctue des scènes burlesques. Le pianiste développe une maîtrise inouïe du piano stride, sa main droite se fait volubile alors que sa main gauche articule un rythme de pompe syncopé.

Mené par le trio martial, Southern Soldier Boy de G. W. Alexander évoque le poids de la guerre alors que sur Rebel Soldier de Jamey Johnson, l’archet et la voix dialoguent avec émotion.

La musicalité sans faille de la contrebasse de Simon Tailleu et son efficacité rythmique constituent des atouts précieux et contribuent à la force du discours musical.

Accompagnée par le seul jeu singulier et très délicat du piano, Isabel Sörling donne une interprétation bouleversante du spiritual Deep River. On se laisse subjuguer par la puissance de son interprétation dont la force poignante émeut. Toujours en duo avec le piano, la voix se fait plus sensuelle et tendre sur Moonlight Bay de Percy Weinrich. Sur Chasing rainbows de Harry Carroll la voix céleste se pare de lumière et sublime la poésie que la contrebasse précise et le piano plein de grâce accompagnent.

Le chant d’Isabel Sörling habite corps et âme le titre Go to Hell de Nina Simone. C’est avec un enthousiasme et une expressivité peu commune que la chanteuse reprend Battle hymn of the Republic. Interprété par le trio enthousiaste renforcé par la batterie inventive, le chant prend la forme d’un hymne joyeux. Le chant puissant et fragile à la fois apporte une grande humanité à Follow the Drinking Gourd écrit en 1928 à la fin de la guerre civile. Le piano et la rythmique ponctuent d’un rythme effréné la fuite des esclaves en quête de liberté.

La tessiture étendue et la diversité de timbres de la voix véhiculent de nombreuses émotions qui vont du spleen au désespoir, de la rage à la bonne humeur. On reste suspendu à cet alliage vocal unique de fragilité et de force, de profondeur et de légèreté. Ses aigus célestes élèvent la musique dans de hautes sphères émotionnelles.

Compositions originales du pianiste

Cinq  compositions personnelles de Paul Lay émaillent l’album.

Sur Mister Morton au rythme syncopé et joyeux, le piano accompagné de la seule batterie, rend hommage au pianiste Ferdinand Joseph La Mothe, passé à la postérité sous le nom de « Jelly Roll Morton ».

Sur trois autres compositions originales, Paul Lay est rejoint par ses invités. Donald Kontomanou (batterie), Bastien Ballaz (trombone), Quentin Ghomari (trompette) et Benjamin Dousteyssier (saxophone alto). Horizons ouvre l’album avec une emphase solennelle aux couleurs cuivrées alors qu’une atmosphère empreinte de nostalgie teinte Blues, le dernier titre de l’opus. La chanteuse se joint aux instrumentistes sur To Germany, poème écrit au front en 1917 par C. H. Sorley, jeune officier britannique, juste avant de tomber sous les balles. La voix aérienne et vibrante d’Isabel Sörling élève une ode poignante à la paix et dédiée au peuple allemand. Un moment d’émotion indéniable.

Sur « Deep Rivers », Paul Lay et ses partenaires complices allient avec subtilité jazz, folk et blues dans un hommage musical riche en émotion.

RV avec Paul Lay (piano), Isabel Sôrling (voix) et Simon Tailleu (contrebasse) le 06 février 2020 à Paris dans le cadre de la 13e édition du festival Au Fil des Voix (du 20 janvier au 7 février 2020). Le concert de 20h est complet mais LE 360 Paris Music Factory propose un second set à 22h . Avis aux amateurs !

Tonique, Hypnotique & Addictif

Débuter l’année 2020 avec l’album « Music Is Our Mistress », c’est la garantie de faire le plein d’énergie car GRIO - GRand Impérial Orchestra n’a pas fait les choses à moitié. Il ne manque ni d’idées, ni d’invention. Étoffée de trois soufflants et d’un pianiste, la superbe équipe de l’Impérial Quartet est devenue octet. En concert, la musique de GRIO est atomique et l’album restitue tout à fait l’ardente puissance de l’orchestre. Après une première dégustation cochléaire, une seconde tournée est bienvenue pour s’enivrer de cette musique tonique, hypnotique et addictive. A consommer sans modération !

Improvisateurs actifs et novateurs, les musiciens de la Compagnie Impérial ont une approche contemporaine de la musique et l’improvisation collective constitue le cœur de leurs projets. L’énergie du rock habite la musique d’Impérial Quartet autant que le lyrisme et la liberté du jazz moderne. Au sein d’Impérial Orphéon, vibrent le lyrisme de l’opéra et la diversité des folklores. Le duo D&G invite les musiques traditionnelles et populaires. La musique mandingue imprègne celle d’Impérial Pulsar. Dans la famille de la Compagnie Impérial, le nouvel orchestre, GRIO – GRand Impérial Orchestra ne dépare pas.

GRIO est né de l’association de l’Impérial Quartet constitué des saxophonistes Gérald Chevillon (saxophones basse, ténor et soprano) et Damien Sabatier (saxophones baryton, alto et sopranino), du bassiste devenu contrebassiste pour l’occasion, Joachim Florent et du batteur Antonin Leymarie avec d’autres brillants improvisateurs, le pianiste finlandais Aki Rissanen, le tromboniste Simon Girard et les trompettistes Fred Roudet et Aymeric Avice.

Initié en 2018 par ces improvisateurs hors pair, le projet de GRIO – GRand Impérial Orchestra invite à voyager dans un monde polyrythmique aux reflets cuivrés et chatoyants. Entre polyrythmies et jazz libertaire, GRIO réfute les contraintes et les formats pré-conçus et propose un jazz en constante réinvention, un jazz libre, de J à Z.

Annoncée pour le 17 janvier 2020, la sortie de « Music is our Mistress », le premier album de GRIO devrait faire bien des heureux. D’abord le public qui ne connait pas encore sa musique et va, après écoute de l’album, guetter le prochain concert du GRand Impérial Orchestra pour vibrer en direct. Par ailleurs, celles et ceux qui ont déjà eu le plaisir d’écouter GRIO live, pourront se ré-immerger dans l’univers fascinant de l’orchestre.

« Music is our Mistress »

En mai 2019, l’équipe du GRIO – GRand Impérial Orchestra entre au studio La Buissonne à Pernes-les-Fontaines où l’album « Music is our Mistress » (Compagnie Imperial/Inouie) est enregistré par Nicolas Baillard.

Fascinés par les Banda Linda de Centrafrique, les musiciens du GRand Impérial Orchestra profilent leur musique du côté des polyphonies centrafricaines mais cette influence coexiste avec le jazz qui imprègne l’aventure musicale de l’orchestre.

En effet, GRIO hisse haut la bannière du jazz pour son premier opus dont le titre fait référence à « Music is my Mistress », l’autobiographie de Duke Ellington. Ainsi, le travail du groupe se situe sous le haut patronage du grand compositeur mais l’intitulé de l’album regarde aussi du côté d’Ornette Coleman et de son album « This Is Our Music » enregistré en 1960. Si la richesse des orchestrations évoque les textures orchestrales ellingtoniennes, il n’en ressort pas moins que la référence au jazz libertaire des années 60/70 saute clairement aux oreilles dès la première écoute.

Ainsi, « Music is our Mistress » de GRIO – GRand Impérial Orchestra s’abreuve des polyrythmies et polyphonies traditionnelles des Banda Linda de Centrafrique et du jazz libertaire des années 60/70.

Banda Linda de Centrafrique

D’emblée on ne peut s’empêcher de rapprocher le terme griot de l’acronyme GRIO. L’Afrique les relie. En Afrique de l’Ouest, le premier est garant de la tradition orale. Le second puise une partie de son inspiration dans les pratiques musicales orchestrales des Banda Linda centrafricaines, l’ethnie Banda Linda étant un sous-groupe ethnique du groupe Banda. GRIO assure donc en quelque sorte une transmission de cette tradition musicale comme ailleurs le font les griots.

Les racines évidées des kapokiers fournissent des cornes aux orchestres des Banda Linda. Chaque corne/trompe ne joue qu’une note. Les trompes se répartissent les mélodies divisées en plusieurs parties contrapuntiques. Ainsi, le « hoquet instrumental » constitue la base de la polyphonie Banda Linda. Duke Ellington dans sa jungle music avait d’ailleurs remis à l’honneur ce principe ainsi que les musiciens du free jazz qui l’avaient adopté dans leurs expériences musicales.

GRIO - GRand Impérial Orchestra - 18/1019 - Opera Underground©NV

Dans la trace de leurs célèbres aînés, les musiciens du GRIO empruntent eux-aussi à cette tradition africaine. D’ailleurs Damien Sabatier s’est inspiré de deux morceaux traditionnels. L’album ouvre avec Cult of Twins, morceau qui chez les Banda Linda célèbre la naissance des jumeaux. L’opus se termine avec Tchebou Ganza Tche Gate/Le Sommeil Droit joué en Centreafrique par les jeunes-hommes qui ont passé une journée bien remplie, titre avec lequel les musiciens ont terminé le concert du 18 octobre 2019 à l’Opera Underground de Lyon, avec une déambulation joyeuse dans la salle.

Dans une autre dynamique, le titre Gomorra Pulse, composé par Joachim Florent, débute aussi par cette répétition de note que chaque instrumentiste souffle rythmiquement et entremêle avec celle des autres vents. La musique, tourne, s’étoffe et se complexifie. On se laisse hypnotiser non sans penser aux boucles sonores de Steve Reich.

La section rythmique et le piano viennent ensuite ajouter leur grain de sel à la mécanique bien huilée des instruments à vent. La pâte sonore se densifie encore. Polyrythmies, enchevêtrements de riffs réitératifs, le chaudron bout jusqu’à ce qu’advienne un temps de répit durant lequel piano, et contrebasse jouée à l’archet dialoguent en toute intimité. Un climat digne des plus belles atmosphères ravelliennes advient et un vent rafraîchissant inspire à l’orchestre un jazz lyrique porté par la voix du piano jusqu’à ce que l’ensemble des soufflants revienne en force pour élever la musique jusqu’au sommet de la canopée. La musique enveloppante en vient à swinguer comme un big band ellingtonnien sans pour autant oublier des incursions insolentes dans les plus folles polyrythmies. Les sonorités flirtent entre les effluves d’un orchestre que le Duke n’aurait pas renié et les impertinentes envolées d’un Mingus Orchestra. Sauvage et lyrique à la fois, ce superbe moment suspend le temps et relie tous les genres.

Linda Linda du même Joachim Florent s’inscrit dans la même veine des polyrythmies traditionnelles.

Jazz libertaire des années 60/70

GRIO – GRand Impérial Orchestra puise aussi son inspiration dans le jazz libertaire. Anima porte bien nom. Cette composition d’Antonin Leymarie sonne comme un hymne et restitue l’âme de ce jazz libre des années 60/70. On y retrouve l’esprit du Liberation Music Orchestra de Charlie Haden et Carla Bley et on capte aussi des échos venus en droite ligne de l’Art Ensemble of Chicago. Les instrumentistes improvisent à cœur joie et mettent en valeur la richesse de l’écriture.

Quand un des soufflants improvise les autres soufflent en section, tous les instruments s’investissent au niveau rythmique, mélodique et harmonique ce qui donne à la musique une texture d’une richesse inouïe. GRIO fonctionne comme une machine bien huilée qui bouscule et stimule l’écoute.

Du même compositeur, A Cançao Do Grillo installe quant à lui un climat fait de contrastes. Après une intro orchestrale percutante, trompette et saxophone basse vocifèrent avec une énergie infernale… free jazz es-tu là ? … soprano et trombone s’en mêlent, le piano ponctue, la batterie pousse puis le climat change.

Solo, le pianiste muse alors sur les touches blanches et noires et instaure un climat musical éthéré qui tranche avec l’énergie et la pulsation du début du morceau. Plus tard il est rejoint par les vents puis par la batterie et l’archet de la contrebasse. La texture musicale se densifie et le sopranino guide le morceau vers sa fin.

Une alchimie orchestrale superbe et coloriste se dégage d’une autre composition du contrebassiste, Hillbrow. La musique émarge chez Mingus par la puissance et les interventions inspirées des instrumentistes, liberté du piano, présence exacerbée de la batterie et puissance de la contrebasse omniprésente. Sur un tempo plus lent Frida Kalho Song of Love, composé par Joachim Florent, résonne comme une solennelle procession où trompette et saxophone alto croisent leurs chants d’amour soutenus par le luxuriant orchestre.

Sacrément impertinent, carrément sauvage et un brin poétique, GRIO – GRand Impérial Orchestra propose sur « Music is our Mistress », une musique physique et tonique. Une musique hypnotique et organique qui invite à voyager dans un monde polyrythmique aux reflets cuivrées et chatoyants. Une musique qui parvient à combiner avec insolence et réussite les influences du jazz des années 60/70 et les polyrythmies des musiques centrafricaines de l’ethnie des Banda Linda. Ce croisement est une réussite absolue, c’est savant et captivant, foisonnant et libre, joyeux et trépidant, ça déménage !

Pour écouter live GRIO - GRand Impérial Orchestra, quelques RV se profilent après la sortie de l’album « Music Is Our Mistress ». Le 18 janvier 2020 à la SMAC 07–Théâtre de Viviers, le 19 janvier 2020 à Tournus dans la salle Le Galpon et à 20h le 20 janvier 2020 à Paris au Pan Piper.