Émotions musicales nocturnes

Des conditions climatiques idéales président à la soirée du 16 juillet 2022 des Nuits de Fourvière qui programment Marion Rampal puis Archie Shepp sur la scène du Théâtre de l’Odéon. Le public a vibré avec enthousiasme à l’écoute des musiques de ces artistes aussi talentueux que généreux.

Cet Echo#1-Nuits de Fourvière 2022 fait un clin d’œil à la soirée du 16 juillet 2022 dont l’affiche réunit Marion Rampal et Archie Shepp.

L’intimité du  l’Odéon se prête tout à fait aux ambiances de ces sets programmés par les Nuits de Fourvière 2022.

Marion Rampal

Depuis 2012, la chanteuse et musicienne française Marion Rampal collabore avec Archie Shepp. Le 25 février 2022, elle a publié l’album « Tissé » (Les Rivières Souterraines/ L’Autre Distribution) sur lequel elle a invité le saxophoniste et chanteur qui intervient sur un titre, Calling to the Forest.

Entourée de Matthis Pascaud (guitare), de Sebastien Llado (trombone), Pierre-François Blanchard (piano), Simon Tailleu (contrebasse) et Raphaël Chassin (batterie), Marion Rampal entame le set avec A Volé puis le groupe continue avec D’autres Soleils. Une grande complicité est perceptible entre les membres du groupe. Avec délicatesse, le batteur accompagne le chant à mains nues et contribue ainsi à la dimension sensible de la musique.

®Jean-Pierre Jacquot

Après avoir rappelé qu’elle s’est déjà produite durant d’autres éditions des Nuits de Fourvière avec Archie Shepp puis Raphaël Imbert, la chanteuse évoque le répertoire qu’elle présente, un répertoire qui pose avec « sourire la question de la fin de la vie et de la fin de l’amour ».

Pour aller en ce sens, le set se poursuit avec Reminder qui « rappelle que l’on n’est pas éternel ». Accompagnée par le piano tout juste effleuré, la voix limpide de la chanteuse soutenue par le contrechant délicat du trombone établit un climat apaisant et nostalgique, lumineux et introspectif. Le groupe poursuit avec une version mélancolique de la chanson Don’t Think Twice, It’s All Right de Bob Dylan… balais sur la batterie, improvisation très libre du piano, duo intime de la voix et de la guitare. Les émotions circulent entre la scène et les gradins.

®Jean-Pierre Jacquot

La douceur des sensations musicales se poursuit avec le climat de rêverie mélancolique de Blossoms, morceau servi par un accompagnement instrumental très sobre qui met en évidence la sensibilité du chant.

Marion Rampal interprète ensuite une composition intitulée Au Jardin qui ne figure pas dans son dernier album, l’histoire d’une dame âgée qui se lève et descend dans son jardin. Douceur et force se côtoient tout au long de cette chanson où le chant réverbéré du trombone enfle alors que la guitare électrique propulse sa sonorité saturée. Moment oh combien émouvant et délicieux !

®Jean-Pierre Jacquot

Le set continue avec un morceau bluesy à la rythmique soutenue qui voit la batterie se déchaîner avant le poétique Où Sont Passées Les Roses qui hésite entre maloya et folk. Après le caressant Tisser, le groupe devient fanfare et entame une marche joyeuse qui déclenche les applaudissements fournis d’un public définitivement conquis. Un léger souffle de vent se lève pour un rappel où la voix limpide et lumineuse de la chanteuse navigue entre force et caresse.

Archie Shepp

A la nuit tombée, chapeau blanc et costume clair, élégant comme toujours, Archie Shepp gagne la scène au bras du pianiste Jason Moran. Quarante ans séparent les deux musiciens mais leurs regards sur le jazz convergent. Le 05 février 2021 ils ont sorti l’album « Let My People Go » (Archie Ball/L’Autre Distribution) enregistré en duo. Les deux musiciens vont d’ailleurs reprendre plusieurs thèmes de cet opus.

Le dialogue qui s’établit entre les deux musiciens est à la fois intense et aérien, profond et léger. A plusieurs reprises, le saxophoniste invite Marion Rampal à les rejoindre. Le set fait donc alterner morceaux instrumentaux en duo et pièces chantées en trio.

©Jean-Pierre Jacquot

Assis au centre de la scène et à droite du piano, Archie Shepp embouche et son souffle comme une plainte explore tout le registre de son instrument, des notes les plus graves aux plus aiguës puis le piano percussif et interrogatif lui répond. Alternativement, il chante et pleure, poétise et explose. Après Wise On, les deux musiciens enchaînent avec Isfahan, ballade sur laquelle un dialogue fort expressif s’instaure entre eux, le saxophone questionnant le piano qui lui répond.

®Jean-Pierre Jacquot

Le saxophoniste appelle Marion Rampal qui les rejoint sur scène où elle dit et chante Blasé, une poésie écrite par Archie Shepp. Derrière la voix le saxophone déroule un riff réitératif. Avec détermination, le saxophone entame ensuite Ain’t Misbehavin’. Le climat se teinte de blues lorsque le piano brode autour du thème de Fats Waller. Après le chant léger et souple de Marion Rampal, Archie Shepp lui répond et tous deux mêlent leurs chants gorgés d’émotions.

Le duo saxophone-piano reprend son dialogue. Lamentations et phrases d’espérance se suivent sur Lush Life. Les notes perlées du piano sont égrenées au fil du chant triste et céleste du ténor nocturne. Après le chorus de piano, la voix grave d’Archie Shepp s’élève, telle une prière empreinte d’une grande tristesse. Sur le piano, Jason Moran entame Sometimes I Feel Like A Motherless Child, un des titres que les deux musiciens ont gravé sur leur album de 2021. Une émotion palpable gagne le public à l’écoute du saxophone qui souffle sa désespérance.

®Jean-Pierre Jacquot

Marion Rampal revient sur scène pour interpréter My One And Only Love. Le ténor pleure, le piano délicat lui répond et la chanteuse reprend le thème alors qu’un un brin de vent se lève comme pour immortaliser ce moment poétique et éthéré brodé de délicatesse et de sobriété. Le répertoire se poursuit avec un autre morceau d’Archie Shepp, Ballad For A Child. Sur son ténor, le saxophoniste éructe quelques notes désespérées puis les voix d’Archie Shepp et de Marion Rampal croisent leurs chants chargés d’émotions.

®Jean-Pierre Jacquot

La chanteuse quitte la scène. Le duo commence alors Go Down Moses dont le saxophone expose le thème note par note, sur un tempo plus qu’étiré. Le piano prend le relais. Il se fait dissonant dans les aigus puis sur les touches graves percutées fait entendre le tonnerre de l’oppression. Le morceau se termine par la prière désespérée de la voix d’Archie Shepp.

Le trio revient saluer et remercier le public avant de s’éclipser sous les vivats d’une foule unanime.

Dans la douceur de la nuit estivale, le public quitte à regret la scène de l’Odéon après deux concerts riches en sensations.

Avec tous nos remerciements à Jean-Pierre Jacquot et Jazz-Rhône-Alpes pour leurs photos qui restituent les ambiances de la soirée.

Poésie musicale en apesanteur

Pour sa dernière soirée au Théâtre les Arts de Cluny, le festival Jazz Campus en Clunisois 2021 invite Susanne Abbuehl, Stéphane Oliva et Samuel Ber qui présentent le projet « Princess ». Comme allégé de toute contrainte, le trio offre un art minimaliste qui flotte en apesanteur. Un moment de poésie crépusculaire hors du temps.

Le vendredi 27 août, c’est une encore autre facette du jazz que Didier Levallet, directeur artistique du festival Jazz Campus en Clunisois 2021  présente au public du Théâtre les Arts de Cluny. Sur des musiques de Susanne Abbuehl et Stéphane Oliva et sur des textes de Susanne Abbuehl, le programme de « Princess » évoque l’univers du clarinettiste, compositeur et arrangeur Jimmy Giuffre qui avait dans le début des années 60 monté un trio et expérimenté l’improvisation totale avec le pianiste Paul Bley et le contrebassiste Steve Swallow.

Pour ce projet, la chanteuse et compositrice Susanne Abbuehl au parcours très diversifié retrouve le pianiste et compositeur Stéphane Oliva avec lequel elle a sorti l’album « Princess » (Vision Fugitive/L’Autre Distribution) en 2017. Sur scène de Cluny, la batterie est tenue par le jeune batteur belge Samuel Ber.

Dès le début du concert, la voix irradiée de grâce de la chanteuse s’élève au-dessus des notes du piano, soutenue par les battements délicats des balais sur les cymbales. Après avoir présenté le projet « Princess », la chanteuse émue dit son plaisir d’être sur la scène pour son premier concert après le confinement.

Tout au long du set, la connivence qui unit les trois artistes est perceptible, regards attentifs et bienveillants, écoute et interaction de chaque instant. Leur dialogue collectif explore toutes les possibilités expressives. Le trio invite le bugliste Matthieu Michel à les rejoindre. Outre les thèmes de Jimmy Giuffre parmi lesquels on identifie Trance et Princess, le trio interprète Desireless / Mopti de Don Cherry, Jimmy composé par Stéphane Oliva en hommage à Paul Bley et une version éthérée de What a Wonderful World de Bob Thiele et George David Weiss.

Sans étalage de virtuosité, les trois musiciens pratiquent un art sensible où chaque note est choisie. Leurs broderies musicales planent en suspension au dessus-de la scène.

Abreuvé par les harmonies subtiles du piano, le souffle de la chanteuse possède la pureté du cristal et rivalise avec la transparence du silence. En réelle apesanteur, sa dentelle vocale déroule les paroles des poèmes ou improvise avec souplesse sur les accords du piano. Ses incantations sont soutenues par les contrechants du bugle. Le visage nimbé de lumière et d’un sourire bienveillant, la chanteuse danse littéralement entre le pianiste et le batteur qu’elle semble soutenir et encourager lors de leurs improvisations. Accompagnée de sa kalimba, elle transfigure la matière vocale et étire la mélodie. Tel un souffle céleste, sa voix diaphane caresse la nuit, tisse de tendres complaintes, accueille le silence et pour finir invite le soleil à briller au cœur de la nuit.

Sur le clavier, le pianiste égrène avec subtilité des notes légères ou plaque ses arpèges magiques comme des guirlandes évanescentes et lumineuses. Véritable coloriste, le batteur virtuose froisse l’air, le martèle, l’enflamme ou le découpe avec délicatesse, tendresse ou vigueur. Les contrechants du bugle accentuent la dimension éthérée du chant.

Avec subtilité, le trio a élaboré une véritable dentelle aérienne brodée de subtiles dynamiques. Après deux rappels, le public conquis par la pure beauté de la musique quitte la salle. Il gardera en mémoire le souvenir de la musique minimaliste du trio Oliva/Abbuehl/Ber qui est parvenue à exprimer l’indicible et à libérer la voix du silence.

Dépaysement entre forêt et groove

Le 25 août, Jazz Campus en Clunisois 2021 déroule une soirée en deux parties. Après le projet « Dans la Forêt » de Joce Mienniel, le « Roots Quartet » du guitariste Pierre Durand propose sa musique qui fusionne avec une grande cohérence les musiques qui ont forgé sa personnalité. Entre Forêt et Groove, le public a apprécié ces deux spectacles aux identités musicales différentes.

Double plateau au Théâtre les Arts de Cluny pour la soirée du 25 août 2021 du festival Jazz Campus en Clunisois. La soirée ouvre avec le projet « dans la Forêt » de Joce Mienniel auquel succède le « Roots Quartet » du guitariste et compositeur Pierre Durand. 

Joce Mienniel « Dans la Forêt »

Au fond de la scène du théâtre, derrière le voile tendu qui le masque ou le révèle et sur lequel sont projetées des images, Joce Mienniel évoque la forêt, urbaine ou végétale, ses reliefs et sa géométrie, sa verticalité et ses bruits.

« Dans la Forêt », poésie urbaine contemporaine

« Dans la Forêt » est un spectacle conceptuel. Avec ses flûtes, sa voix, ses guimbardes et d’autres instruments de musique traditionnelle, l’artiste inscrit sa musique dans des images qui révèlent son imaginaire mais laissent peu de place à celui du spectateur devant lequel les projections vidéos sont projetées et s’imposent sans qu’il soit guère possible d’échapper au décor.

Alors que le musicien tout de noir vêtu souffle dans ses flûtes, les images défilent sur la toile à en donner le vertige, paysages urbains nocturnes, façades d’immeuble, usines désaffectées où la nature reprend le dessus, branches d’arbres, jeux d’enfants sur le bitume de la ville.. Les flûtes répondent aux oiseaux et l’instrumentiste devient danseur pour commander les pédales d’effet et générer des boucles sur lesquelles il improvise. Outre la guimbarde et la kalimba (piano à pouces), Joce Mienniel a aussi recours à de petites percussions de type maracas.

A la fin du spectacle, le flutiste remercie l’équipe du festival et le public d’avoir accepté de le suivre dans sa forêt et rappelle que ce spectacle solo a pris naissance durant l’enfermement imposé pendant le confinement.

Pierre Durand « Roots Quartet »

Au festival Jazz campus en Clunisois 2021, le guitariste Pierre Durand porte deux casquettes. D’une part il anime un stage dont le thème s’intitule « Du groove avant toute chose », d’autre part il se produit en seconde partie de la soirée du 26 août avec son « Roots Quartet ».

En ouverture du set, il annonce clairement qu’il « n’est pas le musicien d’une seule culture », que sa musique plonge dans les racines de celles qui l’ont nourri, blues, gospel, rock, pop, hip hop et musiques traditionnelles d’Afrique, d’Amérique du Sud, d’Europe de l’Est sans oublier le jazz. Il précise d’ailleurs que pour lui, le jazz est la seule musique qui mélange les autres sans distinction de genre, comme Didier Levallet l’a fait tout au long des 44 ans d’existence du festival.

Très mobile sur scène, Pierre Durand est entouré du saxophoniste Hugues Mayot, du contrebassiste Guido Zorn et du batteur Joe Quitzke. Une grande complicité préside aux interactions musicales de ce set groovy et très dépaysant.

Durant What you want, what you choose, la guitare dialogue avec le saxophone. Leur conversation d’abord calme devient plus soutenue. Les fulgurances du ténor répondent aux riffs de la guitare et contrastent avec les lignes sereines que l’archet déploie sur les cordes de la contrebasse. Imprégné d’une profonde désespérance, le morceau suivant voit la tension monter d’un cran. La batterie tellurique stimule le chorus véhément du saxophone très libre et après un break, la guitare soutenue par une rythmique calypso pousse la musique à son paroxysme et l’engage dans une gigue aux accents irlandais.

Le début du thème suivant contraste par son ouverture tout en douceur. Saxophone et guitare jouent en suspension alors que la batterie se fait volcanique avant de s’arrêter pour laisser contrebasse et guitare gamberger à deux avant que le quartet ne se retrouve apaisé puis reprenne la mélopée lancinante à laquelle le groupe dote, pour le final du morceau, d’une belle énergie. Pierre Durand présente ensuite Le Regard Des Autres. Après une ouverture en fanfare, guitare et saxophone entreprennent un dialogue touffu alors que la vertueuse et solide contrebasse monte et descend ses lignes de basse au-dessus de l’expressive batterie. La musique s’arrête puis repart de plus belle. La tension rythmique stimule les délires inspirés du saxophone et le jeu groovy de la guitare.

Le set se termine et Pierre Durand qui a, au sens propre et au sens figuré mouillé le maillot, informe le public que Guido Zorn a joué sur la contrebasse de Didier Levallet qu’il remercie chaleureusement. Pour le rappel dont le leader dit qu’il s’inscrit dans la tradition tex-mex, le quartet interprète un thème joué sur un rythme de boléro et empreint d’une tendre nostalgie. Le public quitte la salle après une soirée dépaysante et ressourçante.

Elégance, sensibilité et légèreté

Pour sa quatrième soirée, Jazz Campus en Clunisois 2021 propose « 60% de Matière Grave », un projet mené par le contrebassiste Jean-Philippe Viret avec Jean-Charles Richard au saxophone baryton et François Thuillier au tuba. Lors du concert du 25 août au Théâtre les Arts de Cluny, ces trois instruments imposants ont révélé au public combien la légèreté fait partie de leur vocabulaire. Leur musique élégante et sensible a fait l’unanimité.

Composé de trois instruments de familles différentes, cordes, bois à anche simple et cuivre, le trio acoustique réuni autour de Jean-Christophe Viret a offert aux spectateurs du festival Jazz Campus en Clunisois une musique d’une grâce sans pareille. En effet, le 25 août 2021, les trois musiciens ont exploré avec délice l’univers infini de la matière grave et offert au public du Théâtre les Arts de Cluny une musique exigeante mais accessible, inventive et savoureuse, radieuse et lyrique.

Relégués au fond de l’orchestre symphonique où ils sont appelés « les gros », la contrebasse, le saxophone baryton et le tuba assurent la fondation indispensable de toute harmonie. Lorsqu’ils sont confiés aux mains des jazzmen virtuoses que sont Jean-Philippe Viret (contrebasse), Jean-Charles Richard (saxophone baryton) et François Thuillier (tuba), ces instruments ont dispensé une musique élégante, sensible et d’une inouïe légèreté.

Tout au long du concert, les trois musiciens hors du commun font preuve d’une maîtrise technique sans faille et aux cours de leurs improvisations, ils développent des nuances harmoniques raffinées tout en assurant la dimension rythmique d’une musique chambriste légère et sensible. Sur les élégantes mélodies, la parole circule avec fluidité entre les trois instrumentistes. 

Lorsque le saxophoniste véloce et le tubiste virtuose explorent le registre aigu de leurs instruments respectifs, la contrebasse assure une solide assise rythmique. Les rôles s’inversent et à leur tour, tuba et baryton proposent un écrin rythmique aux cordes de la contrebasse boisée que caresse l’archet. Chants et contrechants se parent de délicatesse. Les molécules aériennes n’en finissent pas de vibrer, soumises tour à tour à une nostalgie délicate, à un swing débridé, une tendresse mélancolique ou un brin de gravité réflexive.

Les musiciens se permettent des fantaisies mélodiques, véritables merveilles de délicatesse. Les sons rebondissent et malgré ses phrasés complexes, la musique swingue de malice et réserve des moments surprenants… lorsque le tubiste chante dans l’embouchure en même temps qu’il souffle, quand la contrebasse endosse le rôle d’un surdo et entraîne les notes dans une procession dansante que ne renieraient point les Brésiliens.

Au fil de la soirée se succèdent les compositions de Jean-Philippe Viret, Entre deux rêves, Pour rire en Mai, Un Chinon, chinon, un nichon, Mon petit lapin (en hommage au violoniste Stéphane Grappelli qui affublait ses accompagnateurs de ce nom), De fil en aiguille, Choro devant.  C’est avec Lucullus, joué en rappel que se termine le concert, Sur cette composition de François Thuillier empreinte de nostalgie, les trois instruments font preuve de mordant autant que de velouté.

Le public a savouré les nuances harmoniques raffinées de ce concert qui s’est avéré un véritable concentré d’émotions. Finallement, contrebasse, saxophone baryton et tuba ne sont pas aussi graves qu’ils y paraissent.

Une soirée « Trio² »… deux facettes du jazz

Le 24 août 2021, Jazz Campus en Clunisois présente deux trios sur la scène du Théâtre Les Arts de Cluny. Le trio bourguignon Felsh! t précède Théo Ceccaldi Trio. Le public très attentif fait un accueil chaleureux au premier groupe très inventif et manifeste un enthousiasme unanime vis à vis de la deuxième formation dont la virtuosité n’a d’égale que son inventivité. Une soirée fort réussie qui présente deux facettes du jazz.

Le sourire aux lèvres, Didier Levallet présente la troisième soirée du festival Jazz Campus en Clunisois 2021. Une soirée qui aurait pu s’appeler « Trios² » puisque deux trios se produisent successivement dans la salle du Théâtre Les Arts de Cluny avec en première partie le trio Felsh! suivi du Théo Ceccaldi Trio. L’occasion rêvée pour le directeur du festival de présenter au public deux esthétiques différentes de cet art musical nommé jazz.

Felsh!

La soirée ouvre avec la prestation du groupe Felsh! constitué de deux chalonnais, le pianiste Clément Mérienne et le contrebassiste Jonathan Chamand et du clunisois pur jus, le batteur Loup Godfroy. Ce dernier confiera au public durant le concert combien cela est « fort » pour lui de jouer dans la salle du Théâtre es Arts de Cluny qu’il a fréquenté à l’âge de 13/14 ans, sans se douter qu’un jour il jouerait à son tour sur la scène de ce festival.

Les trois complices jouent leurs propres compositions et dispensent une musique dont la palette sonore se révèle très ouverte. La formation bourguignonne prête une attention particulière aux cadences et explore des territoires où la liberté est reine et où les idées circulent à profusion.

On est frappé par la fluidité des interactions, par les arrangements minutieux d’une musique à la dimension percussive indéniable dont il se dégage une fraîcheur vivifiante. Les moments se suivent sans jamais se ressembler. Au fil du répertoire alternent des textures très libres et d’autres plus conventionnelles quoiqu’inventives, des ambiances tendues et organiques, d’autres plus souples et lyriques, des moments volcaniques proches de la transe, des climats pulsatiles et nerveux, des propositions sombres, intrigantes ou drôles.

Sur le clavier les notes ruissellent alors que les baguettes martèlent les cymbales. Les riffs de contrebasse impulsent le rythme sur 2 cordes et les arpèges répétés à l’envi sur le clavier déclenchent des impressions inquiétantes. En perpétuelle recherche, les trois musiciens font preuve d’une écoute mutuelle qui leur permet une réactivité instantanée, des changements de rythme et d’intensité surprenants. Il en ressort une musique à la construction complexe où les lignes rythmiques s’interpellent, se croisent, se rattrapent ou s’enlacent.

La contrebasse terrienne, le piano volubile et la batterie volcanique parviennent à suspendre le temps et à captiver l’attention des spectateurs qui succombent au charme de la musique de Felsh!

Au fil d’un répertoire composé de morceaux aux titres évocateurs, Aroundfish, Tuyau, Estampe, Aride, Flocon, les trois interprètes bousculent les repères habituels et provoquent un dépaysement musical total. Ils s’aventurent sur de nouvelles terres musicales qu’ils défrichent et ensemencent de manière très décomplexée.

Derrière son patronyme qui interpelle, Felsh! se révèle un trio fusionnel qui ose, explore, intrigue et pour finir, embarque le public de Cluny conquis par leur prestation généreuse. Chaleureusement applaudi, le groupe a d’ailleurs offert un rappel fort apprécié.

Théo Ceccaldi Trio

Les quatorze cordes du violon de Théo Ceccaldi, de la guitare de Guillaume Aknine et du violoncelle de Valentin Ceccaldi s’unissent pour offrir au public clunisois un concert qui rend hommage à la musique de Django Reinhardt dont ils « respecte l’esprit, mais pas la lettre », comme le précise Didier Levallet lors de sa présentation. Le trio offre aux spectateurs une musique qu’il est difficile de qualifier tant elle s’éloigne des conventions. Entre tendresse et déchaînement, les trois virtuoses offrent un set où se succèdent envolées lyriques, subtiles caresses, tendresses oniriques et tension échevelés.

Visiblement heureux de retrouver Guillaume Aknine, absent des scènes pour raison de santé après une malencontreuse fracture du coude qui l’a empêché de jouer, les deux frères Ceccaldi encadrent sur scène le guitariste, Théo côté jardin et Valentin côté cour. Avec son humour habituel, le violoniste vêtu d’une superbe veste rouge précise d’emblée au public que le trio rend hommage au labrador de Guillaume récemment disparu et fan d’Elvis Presley et d’Igor Stravinsky, sans omettre de préciser plus tard qu’il s’agissait d’une « blague » et que leur musique célèbre bien celle de Django Reinhardt.

Le trio entame le set avec Balancelle & Chèvrefeuille. Changements de rythmes étonnants, prises de risque de chaque instant, virtuosité omniprésente Plus tard, sur Six pouces Sous Mer, le trio suspend sa musique au-dessus du rythme. Au fil de Rythme Futur, la guitare explose, les archets se démènent sur les cordes et déjouent les lois de la pesanteur, le tout saupoudré d’un peu de rock déjanté ! Sacrée entreprise que celle de ce trio démoniaque qui bouleverse tous les attendus, propulse les notes jusqu’aux cintres du théâtre sans jamais se départir de regards et de sourires complices.

Du début à la fin du set, on perçoit dans le jeu des trois compères des prises de risques insensées comme seuls savent les prendre et en triompher, les musiciens inventifs virtuoses. Envol de nappes planantes, guitare éthérée, profonde désespérance du violoncelle, complainte du violon, musique sautillante et vive, énergie frénétique, sons étirés, archets virevoltants, tensions extatiques, subtiles respirations hors du temps, envoûtantes sonorités. Avec une désinvolte bienveillance, la guitare arbitre le dialogue entre l’archet du violon et celui du violoncelle.

Après avoir tombé la veste, Théo Ceccaldi présente un nouveau morceau « sans nom » pour lequel il sollicite d’éventuelles suggestions au public. Puis, sur Brûle Roulette de Django, le trio étire les sons avant de s’emballer et de faire exploser tous les formats musicaux. Le concert se termine avec une sublime version de Manoir De Mes Rêves. Le thème est exposé avec une délicatesse inouïe et une tendresse éperdue par le violon. Ce sont ensuite les pizzicati volubiles du violoncelliste qui frappe rythmiquement la caisse de son instrument puis avec précision, la guitare égrène des notes perlées qui tissent des guirlandes de nostalgie.

Théo Ceccaldi Trio a sculpté une musique lyrique et virtuose dont le charme a opéré du premier morceau du set jusqu’à la dernière note rappel. Le public ne s’y est pas trompé et s’est laissé emporter en orbite dans le monde imaginaire des trois musiciens auxquels il a réservé un accueil plus qu’enthousiaste.