Trois virtuoses en conversation musicale

Le 29 février 2020, après la prestation de Chick Corea Trilogy, le public de l’Auditorium de Lyon a encore des étoiles dans les yeux. Il se félicité d’avoir assisté au concert éblouissant du pianiste entouré de ses complices, le contrebassiste Christian McBride et le batteur Brian Blade. Ce soir-là Chick Corea Trilogy rime avec Magie. Trois virtuoses inspirés en conversation musicale… un pur moment de bonheur.

Chaque concert de Chick Corea mobilise les nombreux aficionados du pianiste. Sa venue le 29 février 2020 à Lyon, dans le cadre des concerts organisés en partenariat par Jazz à Vienne et l’Auditorium de Lyon n’a pas fait pas exception à la règle. La salle de l’Auditorium était pleine à craquer d’un public multigénérationnel avide d’écouter le légendaire pianiste venu avec Christian McBride (contrebasse) et Brian Blade (batterie).

Avec ses deux complices, Chick Corea a publié en 2013 « Trilogy » (Stretch/Universal), un volume de trois CD récompensé de deux Grammy Awards (Meilleur album instrumental jazz et Meilleur solo improvisé pour Fingerprints). Ainsi au fil des ans, le trio acoustique se reconstitue épisodiquement ce dont témoigne en 2019 le double album « Trilogy 2 » (Concord/Bertus) issu d’une série de concerts s’étalant de 2010 à 2016. Le 29 février 2020, le trio acoustique se produit sur la scène de l’Auditorium de Lyon.

Vêtu de jean et souriant, Chick Corea rejoint le piano entouré des deux pointures internationales qui constituent la section rythmique de Trilogy, le contrebassiste Christian McBride et le batteur Brian Blade. Au centre de la scène, le trio est positionné en grande proximité, pianiste dos au public, contrebassiste campé au centre, batteur face aux deux autres.

Facétieux, Corea débute avec quelques notes de piano et se tourne vers l’auditoire qu’il sollicite. La chorale de fortune flotte un peu mais se prend au jeu. Le pianiste continue brièvement l’exercice qui détend l’atmosphère…. le concert peut commencer.

Le trio enchaîne deux morceaux qui permettent de percevoir d’emblée combien la confiance et l’écoute règnent au sein du trio. De son jeu expressif et très vif, le pianiste ouvre seul les deux premiers titres. Grappes de notes égrenées de la main droite sur le clavier alors que la main gauche construit, déconstruit et pose quelques dissonances subtiles. Chacun des deux rythmiciens y va ensuite de son chorus. Contrebasse puissante et véloce qui déclenche l’enthousiasme du leader. Batterie tout en souplesse, en finesse et en légèreté. Les trois musiciens ne se quittent pas des yeux, les interactions sont majeures. Aux fluides cascades de notes cristallines du pianiste, le contrebassiste répond par de splendides mélodies déroulées avec une aisance déconcertante. Réactif à la moindre nuance expressive de ses partenaires, le batteur fantaisiste et dynamique brille par sa musicalité. Après les échos evasiens d’Alice in Wonderland, le leader confie le micro au contrebassiste qui présente le trio sous les applaudissements du public déjà conquis.

Le premier set se poursuit avec In A Sentimental Mood de Duke Ellington. Après une variation lumineuse et introspective, le pianiste expose avec légèreté le thème sur un tempo médium. Ses riches harmonisations convoquent des ambiances évocatrices de Ravel. Sur les cymbales à peine effleurées, la batterie pointilliste découpe les rythmes avec délicatesse et soutient le chorus lyrique de l’archet sur la contrebasse. En totale symbiose, le trio parvient à restituer les couleurs orchestrales ellingtoniennes.

Le micro circule cette fois en direction du batteur qui à son tour présente le groupe avant que le trio n’enchaîne avec deux thèmes de Monk. Très déstructuré, Work s’inscrit dans la grande tradition monkienne. Assuré par une section rythmique solide et groovy, le piano s’amuse. On saisit alors combien la parole circule de manière équilibrée dans ce trio équilatéral. Les musiciens continuent avec Crepuscule with Nellie dont ils donnent une version peu banale. La ballade prend la forme d’un blues trapéziste où se succèdent les points d’interrogation et les saltos du piano au-dessus du filet souple tendu entre batterie et contrebasse. Un chorus lumineux et inspiré de McBride déclenche des tonnerres d’applaudissements alors que l’ombre de Monk se faufile e nfond de scène.

Après un court entr’acte, le concert reprend ave un tout nouveau morceau qui nécessite le recours aux partitions. Le piano commence seul solennel, sur un rythme plutôt lent. Même si les trois musiciens ont le regard posé sur leurs partitions ils n’en sont pas moins attentifs les uns aux autres. Sur le piano la mélodie advient tel le vol d’une hirondelle. Elle voltige et inspire aux balais et aux cymbales un jeu d’une légèreté impalpable. Avec les balais, la suite s’étoffe et prend une allure plus dramatique. Le climat se tend, l’ambiance se teinte d’accents latins et se résout avec bonheur. Musiciens et public se félicitent de la réussite de ce « first time » plutôt réussi.

Le trio continue avec trois pièces enchaînées. Une improvisation, un thème de Scarletti et A Spanish Song. Après des échanges facétieux entre les peaux des tambours caressés à la main, les cordes du piano frappées à la baguette et celles de la contrebasse caressées par l’archet, le propos se densifie et se succèdent angles aigus, lignes brisées et points de suspension. Place ensuite au langage baroque joué avec précision et un brin de lyrisme. Pour finir, la contrebasse prend la barre sur la fantaisie espagnole qu’elle fait ronfler avec vélocité. Il ne manque plus que les pas des danseurs. Le trio s’amuse en totale interaction.

Le second set se termine avec Fingerprints, un hommage en écho à Wayne Shorter et sa composition Footprints. Un solo époustouflant du batteur donne à entendre sa maîtrise des nuances et permet de prendre la mesure de son art ahurissant d’originalité et de souplesse. Piano et contrebasse le rejoignent.

La complémentarité du trio est saisissante. Le lyrisme du piano s’appuie sur la solidité de la contrebasse et les deux rebondissent sur la rythmique inventive de la batterie. La musique respire, le piano se fait majestueux, la batterie imposante et la batterie voluptueuse. Le pianiste tombe la veste et le public succombe sous la force et le charme de ce trio magique où aisance et grâce coexistent avec maîtrise et expressivité.

Sans se faire prier, le trio revient avec Blue Monk. Il aborde ce morceau d’une facture plutôt classique avec une décontraction rebondissante à laquelle s’ajoutent des grains d’une douce folie. Après avoir pris quelques clichés du public enthousiaste levé pour une standing ovation unanime, Chick Corea sollicite l’auditoire qui reprend avec enthousiasme les phrases jouées sur le clavier. La soirée s’achève sur un tonnerre d’applaudissements et pour tous, le souvenir d’une soirée éblouissante.

Il est des concerts que l’on qualifie d’inoubliables. Celui de Chick Corea, Christian McBride et Brian Blade, le 29 février 2020 sur la scène de l’Auditorium de Lyon fait partie de ceux-là. Un grand moment de jazz qui réinvente l’art du trio acoustique. Alliance parfaite entre technique et musicalité, fraîcheur et spontanéité.

« Bagatelles Marathon », un évènement d’exception

Echo#3-Jazz à Vienne 2019 propose un retour sur la soirée du 10 juillet 2019 sur la scène du Théâtre Antique du festival Jazz à Vienne. Loin des formats habituels, « Bagatelles Marathon » a  permis au public de découvrir la conception que son créateur John Zorn a du jazz. L’occasion de pénétrer dans un univers musical ouvert sur de nombreux idiomes sans discrimination de genres. Une proposition hors norme, un évènement d’exception.

Si le terme bagatelle est devenu dans l’acception courante synonyme de futilité, d’anecdote, de petit rien, après l’écoute des « Bagatelles Marathon » de John Zorn, le mot est associé à rareté, à exception.

En effet, la soirée a permis au public de découvrir la conception que le compositeur a de la musique, un éventail de genres qui va du jazz le plus libre au punk le plus dur avec des escapades du côté du classique, de la musique répétitive, du bruitisme, du rock, de l’électronique sans omettre des emprunts aux musiques du monde et à d’autres d’ailleurs qui n’appartiennent qu’à lui.

« Bagatelles Marathon » de John Zorn

Le compositeur, saxophoniste alto, clarinettiste, organiste et producteur new-yorkais John Zorn vient présenter ses « Bagatelles Marathon » sur la scène du Théâtre Antique de Vienne. Si en musique classique, une bagatelle est une courte composition sans prétention conçue dans un style léger, les Bagatelles de John Zorn se présentent comme un cycle de compositions atonales dont John Zorn confie l’interprétation à une trentaine de musiciens, parmi lesquels nombre de ses fidèles collaborateurs pour la plupart new-yorkais.

Ainsi 14 groupes vont se succéder le 10 juillet 2019 en 2 sets sur la scène du Théâtre Antique pour interpréter quelques 50 compositions de « The Bagatelles » composées par John Zorn depuis 2015.

De bout en bout du concert, le maître de soirée, John Zorn, demeure sur scène pour jouer, présenter ou diriger sur le plateau ou hors scène pour veiller, soutenir, écouter. Vêtu de son habituel pantalon de treillis, il ouvre la soirée en tee-shirt rouge avec son alto à la tête de son quartet Masada et terminera encapuchonné dans un sweat noir pour diriger la prestation d’Asmodeu, le dernier groupe de la soirée. Dans l’intervalle on le verra applaudir, sourire, se lever, approuver, encourager, vibrer et présenter chaque groupe lors des changements de plateau. A ce propos, il convient de saluer la performance de l’équipe technique qui a assuré des enchainements parfaits et une restitution sonore idéale.

Le déroulement de la soirée

Pour cet Echo#3-Jazz à Vienne 2019, on fait le choix d’associer chaque prestation à des qualificatifs. Certes, ces termes sont porteurs de subjectivité mais ils restituent les impressions d’une écoute instantanée et attentive.

L’entrée en matière est combative et volcanique avec Masada qui ouvre la soirée. John Zorn (saxophone alto), Dave Douglas (trompette), Greg Cohen (contrebasse) et Joey Baron (batterie) rivalisent d’énergie et font gronder la musique. On perçoit des échos venus d’Eric Dolphy. Après 3 morceaux, place au duo Sylvie Courvoisier & Mark Feldman. La pianiste et le violoniste proposent une fantaisie moderne très fusionnelle. Aux confins de la musique répétitive, avec quelques évocations du monde de Bartok, les deux morceaux présentés possèdent une intense dimension dramatique et interrogative.

Avec Mary Halvorson Quartet, on pénètre dans un monde plus éruptif. Les quatre surdoués tricotent une musique dense. En effet Mary Halvorson (guitare), Miles Okazaki (guitare), Drew Gress (contrebasse) et Tomas Fujiwara (batterie) font alterner des vagues puissantes qui donnent l’impression d’être immergé dans des coulées de lave qui aurait traversé des contrées rock. Place ensuite au duo Erik Friedlander-Mike Nicolas. Leurs violoncelles dessinent une évocation poétique où coexistent introspection et furie. Entre méditation et rythme, les deux schizo-cellos jouent à l’unisson ou assurent tour à tour mélodie et accompagnement.

Avec la venue du trio Trigger, le contraste est intense. Will Greene (guitare), Simon Hanes (basse) et Aaron Edgcomb (batterie) exécutent une musique punk-rock, décapante et explosive, organique et physique. Tempo infernal, puissance maximale (qui justifie l’usage de protections auditives) et exubérance scénique. On redoute presque un tremblement de terre. C’est alors au tour du pianiste Criag Taborn de se produire en solo. Ses mains zombies très indépendantes pratiquent des explorations percussives du clavier. Grands écarts et impulsions rythmiques. Elles incarnent le concept de rupture, conversent, combattent et délirent jusqu’au paroxysme.

On quitte cet univers évocateur des ambiances de Cecil Taylor ou de la musique contemporaine pour retrouver John Medeski Trio. John Medeski (orgue), Dave Fuczynski (guitare) et Calvin Weston (batterie) produisent de l’énergie pure. Une musique tellurique et charpentée où orgue et guitare dialoguent sur le flot grondant que déverse la batterie. Entre jazz et rock, les impulsions exacerbées de la guitare stimulent l’orgue dont le fluide vital alimente l’énergie de la batterie.

Après une courte pause, le concert reprend avec Nova Quartet qui réunit John Medeski, cette fois au piano, Kenny Wollesen (vibraphone), Trevor Dunn (contrebasse) et Joey Baron (batterie). Retour aux fondamentaux avec un soul groovy à moins que ce ne soit du groove fusionnel. Sans atermoiement les quatre complices malmènent pourtant les repères habituels (mélodie, harmonie, rythmique) et pratiquent un combat pulsatile qui libère un jazz solide. Arès trois morceaux, le quartet cède la place au duo de guitaristes Gyan Rilzy & Julian Lage. En très grande proximité, presque les yeux dans les yeux les deux virtuoses au service de la poésie entreprennent un dialogue encordé entre guitare folk et guitare classique et proposent une bagatelle flamenco (c’est ainsi que la présente John Zorn).

Le set continue avec Brian Marsella Trio. Contrebasse solide, piano très libre avec une main gauche pulsatile et une main droite véloce, batterie métronomique. Brian Marsella (piano), Trevor Dunn (contrebasse) et Kenny Wollesen (batterie) enchaînent les breaks et font monter la tension lors du premier morceau. Ils pratiquent ensuite une poésie triangulaire où les lignes ravelisantes du piano libèrent des couleurs irisées et orientales sur le tempo ralenti mené par les mailloches du batteur. Le dernier moment révèle de nouveaux contrastes. Rythme et tension reviennent, les humeurs des instruments s’affrontent, dans les coulisses John Zorn se lève, interpelé sans doute par ce moment phénoménal. Il vient d’ailleurs saluer avec le trio avant de présenter Ikue Mori. Seule sur scène avec son ordinateur et ses dispositifs électroniques programmés, elle fait dialoguer ses computers avec les étoiles. Une libre escapade aux frontières de l’étrange.

La formation menée par Kris Davis poursuit la soirée. Entourée de Mary Halvorson (guitare), Drew Gress (contrebasse) et Kenny Wollesen (batterie), la pianiste explore librement la partition et l’espace. S’ensuivent des schémas répétitifs pulsatifs aux multiples contrastes rythmiques. Une musique singulière où les instruments dialoguent au gré des rythmes. Advient ensuite le solo peu banal du trompettiste Peter Evans. Il tutoie le toit du monde, le soutient ou le fait s’effondrer, comme s’il déclenchait les éléments naturels sur scène. La phénoménale trompette déclenche la tornade et rend possible l’impossible (dixit John Zorn). Étonné et/ou séduit, le public applaudit à tout rompre.

« Bagatelles Marathon » se termine avec Asmodeux. John Zorn quitte les coulisses et rejoint Marc Ribot (guitare), Trevor Dunn (basse) et Kenny Grohowski (batterie) pour le dernier mais non le moindre des sets de la soirée. C’est le maître qui dirige la tempête paroxistique que délivre le trio. C’est foudroyant, la guitare saturée se déchaîne, la basse exaspérée délire, la batterie fait trembler la scène. Un sommet qui comble l’ensemble du public et clôt la soirée en beauté.

Après ce dernier moment extatique, les 29 musiciens reviennent sur scène autour de John Zorn et saluent en ligne le public qui leur réserve une ovation plus que méritée. Le public quitte doucement le Théâtre Antique le sourire aux lèvres, comblé par cette soirée unique dont le souvenir restera longtemps dans la mémoire collective des amateurs de jazz. La soirée a tenu ses promesses.

Le 10 juillet 2019, sur la scène du Théâtre Antique, les musiciens ont transformé les propositions musicales écrites conçues par John Zorn en des moments musicaux qui ont déjoué et combiné autrement les fondamentales mélodies, harmonies et rythmiques constitutives de cette musique dénommée jazz. « Bagatelles Marathon » a été l’occasion pour le public de découvrir avec étonnement, plaisir ou grincement de dents, une autre vison du jazz. Un format bien éloigné des marketings habituels trop souvent vendus pour plaire ou pire, complaire. Une bouffée musicale essentielle et nourrissante. On ne peut que remercier Benjamin Tanguy et les organisateurs de Jazz à Vienne pour cette soirée qui s’inscrit tout à fait dans cet idiome dont le festival se prévaut.

« Ghosts Songs » - Diana Krall invite Joe Lovano

Echo#2-Jazz à Vienne 2019 revient sur les musiques écoutées le 09 juillet 2019 au festival Jazz à Vienne. Cette soirée propose deux sets aux styles contrastés. Après avoir réservé un bon accueil à la musique innovante de « Ghosts Songs » proposée par Paul Jarret & Jim Black, le public a ovationné avec chaleur le set de Diana Krall venue en trio avec Joe Lovano en invité spécial.

Le 08 juillet 2019, le public se voit d’abord proposer le projet « Ghosts Songs » de Paul Jarret & Jim Black qui évolue aux confins du jazz et du post-rock avant de pouvoir écouter la musique pour laquelle il s’est mobilisé, celle de Diana Krall, star incontestée du jazz vocal actuel. Malgré le grand écart thématique qui sépare les deux sets de la soirée, les 5000 spectateurs ont manifesté une écoute attentive et bienveillante au premier set avant d’ovationner la diva et son invité Joe Lovano plébiscité avec ferveur par nombre d’amateurs de jazz.

Paul Jarret / Jim Black - « Ghosts Songs »

Sélectionné par le jury des Talents Adami Jazz, le jeune guitariste parisien Paul Jarret a pu réaliser le projet dont il rêvait, jouer avec le batteur Jim Black qui l’inspire depuis toujours et dont le jeu fait référence dans le monde du jazz underground. Le premier est né l’année où le second entre à la Berklee Scool de Boston… Ainsi deux générations sont réunies pour donner vie au projet « Ghosts Songs » auquel le pianiste-claviériste Josef Dumoulin et le saxophoniste Julien Pontvianne sont conviés.

Il s’agit de la grande première de « Ghosts Songs » qui va se produire ensuite sur quatre autres festivals de jazz. L’enjeu est grand pour le guitariste qui a beaucoup investi dans ce projet. Il remerciera d’ailleurs, en fin de concert, le public qu’il a trouvé « drôlement sage et attentif ».

Libéré de toute contrainte de style, le groupe présente une musique très personnelle dont les climats varient. De bout en bout du set, Jim Black fait preuve d’une inventivité sans cesse renouvelée. Tel un vulcain déchaîné, le maître des peaux et cymbales forge à chaque instant un climat propice à libérer l’expressivité des solistes et ménage même des moments de silence qui permettent au public de recentrer son attention.

Ainsi, après un premier morceau à la construction contrapuntique d’une modernité sidérante advient un autre titre plus organique où la frappe du batteur relie les nappes électriques et électroniques au souffle du saxophone pourvoyeur de mélodie. Se succèdent ensuite des moments planants et d’autres plus éthérés où l’expression des musiciens frise le minimalisme. Porté par la frappe colossale de Jim Black, le guitariste Paul Jarret libère enfin son discours et s’envole lors du dernier morceau. Ce premier set n’aurait pas détonné dans le paysage du marathon des bagatelles de John Zorn programmé le 10 juillet 2019 par le festival Jazz à Vienne.

Diane Krall Trio invite Joe Lovano

Après la musique de « Ghosts Songs » située aux confins d’un jazz expérimental et d’un post rock minimaliste, le public va accueillir avec enthousiasme la star pour laquelle ils sont venus. Comble de bonheur, Diane Krall a invité le saxophoniste Joe Lovano, dont la participation a mobilisé la venue de nombreux d’amateurs.

Vêtue d’une tunique assortie à la blondeur de sa chevelure, de bottines et d’un jean, Diana Krall gagne une scène dont les projecteurs rappellent ceux des studios de photographes, mais ce soir-là, aucun cliché de la star n’est autorisé… ce qui n’empêche pas l’ensemble des spectateurs de la fosse de filmer et photographier via leurs smartphones. Les réseaux sociaux seront riches de photos et vidéos de la vedette, mais cette chronique et bien d’autres aussi, en sont privés.

Joe Lovano

Par contre, on ne résiste pas à insérer un cliché de Joe Lovano autorisé et capté l’après-midi au Théâtre de Vienne lors d’une conférence publique.

Diana Krall se présente avec le contrebassiste Robert Hurst et le batteur Karriem Riggins rejoints par l’invité de la soirée, le saxophoniste ténor Joe Lovano. Sa présence, son talent, son jeu inventif et facétieux contribuent à apporter un souffle de modernité à la prestation de la chanteuse-pianiste certes toujours élégante voire précieuse mais un brin académique. Cerise sur le gâteau, le saxophoniste intervient sur la totalité des morceaux du set (hormis un solo piano), ce qui comble de bonheur les spectateurs venus l’écouter.

Le set propose nombre de standards du Real Book parmi lesquels, L.O.V.E., I’ve Got You Under My Skin, Devil may care de Bob Dorough, P.S. I Love You, East of the sun (and West of the moon), Cry me a river, Corcovado.

Au fil du répertoire, le chant voilé de Diana Krall déconstruit les mélodies, les étire pour mieux se les approprier. La voix se fait caressante, se teinte d’accents bluesy, devient murmure sur les ballades qu’elle affectionne mais toujours elle demeure habitée par un swing perceptible. C’est sans doute au piano que la star donne le meilleur d’elle-même. Son jeu désinvolte et fluide est truffé de citations. Avec délicatesse et légèreté, il flirte avec le silence et se joue du tempo. De bout en bout du set, les interventions de Diana Krall et de Joe Lovano se font écho, le saxophoniste stimulant la pianiste et l’incitant à se risquer quelquefois hors de sa zone de confort.

Pourtant éloigné de son contexte musical habituel, Joe Lovano contribue pour beaucoup à la qualité du set par son jeu étincelant, inventif et sans cesse renouvelé. Il fait alterner fulgurances saccadées et phrases élégantes, sonorité détimbrée et délicates circonvolutions, jeu libre aux accents écorchés et phrasé suave. Joe Lovano danse littéralement avec son ténor et insuffle une vraie vie à la musique qu’il dynamise.

A la batterie, le jeu de Karriem Riggins alterne entre puissance et finesse alors que les chorus du contrebassiste font l’admiration de la patronne qui n’hésite d’ailleurs pas tourner le dos à son public pour mieux apprécier la précision et la justesse du jeu de Robert Hurst.

On a pu noter une légère charge émotionnelle durant le solo de Diana Krall sur Almost Blue de son époux Elvis Costello et sur le superbe Corcovado que la musicienne a dédié à celui qui fut un des pères de la bossa nova, le mythique João Gilberto disparu le 06 juillet 2019. La chanteuse n’a pourtant pas poussé l’hommage à interpréter le titre en brésilien mais a chanté Quiet Nights and Quiet Stars, la version anglo-saxonne de la composition d’Antonio Carlos Jobim.

Comme cela est le cas lors de la plupart de ses concerts, la chanteuse-pianiste a offert une prestation léchée qui a permis au public d’apprécier son chant souple et tout en retenue et ses solides improvisations pianistiques. Les spectateurs ne semblent pas affectés par le manque de chaleur, de générosité et d’émotion de la star. Ils ont par contre apprécié la présence de Joe Lovano qui a constitué un atout majeur de ce concert.

Nostalgie délicate et flamboyante polyrythmie

Dans cet Echo#1-Jazz à Vienne 2019, Cuba est à l’honneur. La soirée  du 08 juillet 2019 de Jazz à Vienne avec Omar Sosa et Yilian Canizares puis Chucho Valdès Quintet a tenu toutes ses promesses. Le public est reparti comblé par cette soirée qui a fait alterner avec bonheur, poésie et nostalgie avec flamboyance et polyrythmie.

Omar Sosa et Yilian Canizares ont ouvert la soirée que Chucho Valdès a cterminée en quintet. Le pianiste a offert un court hommage à Roy Hargrove en invitant le trompettiste louisianais Terence Blanchard.

Omar Sosa et Yilian Canizares

Omar Sosa

Le pianiste Omar Sosa et la chanteuse/violoniste Yilian Canizares se produisent ensemble pour la première fois sur la scène du Théâtre Antique. Ils sont accompagnés par le percussionniste Gustavo Ovalles. Ils interprètent le répertoire de l’album « Aguas » (MDC/PIAS) sorti en octobre 2018. La musique qu’ils proposent est dédiée à l’eau, ce que rappelle le filet d’eau qui se déverse sur scène dans un seau rouge.

Yilian Canizares

Empreinte de poésie et de spiritualité (la chanteuse évoque à plusieurs reprises Oshun, la déesse de l’Amour et Maîtresse des Rivières dans la santería), la prestation du trio n’en oublie pas pour autant la dimension rythmique. En effet, à plusieurs reprises, Omar Sosa et Yilian Canizares partagent de festifs pas de danse sous le regard amusé et bienveillant de Gustavo Ovalles dont les prestations éblouissantes déclenchent des applaudissements fournis de la part du public.

Durant le premier set de la soirée, le piano poétique d’Omar Sosa, le violon et la voix nostalgique d’Yilian Canizares et les percussions magiques de Gustavo Ovalles ont offert une musique sensible située aux confluences du jazz et des musiques afro-cubaines. Un moment ressourçant délicat où les trois musiciens ont évoqué avec nostalgie leur amour pour leur pays. Une musique généreuse dont les atmosphères sereines dégagent de douces émotions et un sentiment de paix et de fraternité.

Chucho Valdès Quintet et Terence Blanchard

Chucho Valdès

C’est dans une forme éblouissante et en quintet que le pianiste cubain Chucho Valdès est de retour sur la scène du Théâtre Antique. Sa nouvelle venue mobilise toujours un public fort attaché à cette figure essentielle du jazz cubain.

Au programme, sont annoncés, un répertoire qui reprend « Jazz Batá 2 » (Mack Avenue/PIAS), le dernier album du pianiste sorti en novembre 2018 et un hommage au trompettiste Roy Hargrove disparu en novembre 2018 et avec lequel Chucho Valdès avait enregistré l’album « Habana » (1997) dans le cadre du projet Crisol porté par le trompettiste.

Un autre hommage surprise est offert au public de Jazz Vienne. En effet en cours de soirée, Chucho Valdès développe en solo un superbe hommage au pianiste Michel Legrand disparu le 26 janvier 2019. Entre puissance et délicatesse le maître propose un moment de jazz où poésie et nostalgie se côtoient.

Dreiser Durruthy Bombalé

Percussif et lyrique, volubile et effervescent, Chucho Valdès dirige avec son habituelle autorité bienveillante le déroulement du set placé sous le signe de la polyrythmie. A ses côtés on retrouve le joueur de tambour batá Dreiser Durruthy Bombalé qui pose sa voix si singulière sur la musique. Avec lui, le contrebassiste Yelsy Heredia et les percussionnistes Yaroldy Abreu Robles (avec qui le leader joue depuis vingt ans) et Abraham Mansfarroll constituent une section rythmique puissante. Tous quatre servent le rythme et permettent au pianiste de mettre en avant plus encore la dimension percussive de son piano.

En effet les trois percussionnistes croisent leurs rythmes au service des mélodies que le pianiste inscrit sur les harmonies soutenues par la contrebasse. Omniprésente, cette dernière s’implique avec ferveur aux climats polyrythmiques effervescents que tissent les percussionnistes. Ces musiciens émérites donnent aux différentes percussions, y compris les plus petites, un réel statut d’instrument et permettent au public de saisir leur importance dans la structure de la musique de Chucho Valdès.

Le public réagit avec chaleur à la musique charpentée et moderne qui s’appuie sur les fondamentaux rythmiques cubains. Sur scène et dans les gradins, la fièvre monte alors que sur le clavier, les doigts du maître virevoltent de touche en touche. Ébouriffant d’énergie et d’inventivité, Chucho Valdès fait décoller le vaisseau Steinway que le maître fait sonner comme jamais. Le groupe réserve même au public une surprise au public avec un tango plus conquérant que nostalgique que le pianiste truffe de citations. Le morceau permet d’apprécier la complicité du leader avec son contrebassiste. Sur Ochum (en hommage à l’orisha Ochún), la contrebasse exécute un chorus renversant de puissance qui transforme ce gospel au climat bluesy en un merengue dansant.

Après le superbe hommage que le maître cubain a rendu à Michel Legrand le groupe rejoint son leader qui engage le quintet dans un morceau complexe et syncopé qui hésite entre habanera, salsa, rumba et son. Le pianiste pilote et stimule ses rythmiciens dans des imbroglios rythmiques exaltés et syncopés où la basse électrique a remplacé la contrebasse. Tous s’en donnent à cœur joie au sein d’une polyrythmie volubile qui comble le public, l’étourdit et l’immerge dans une descarga (jam cubaine) enivrante où tous les musiciens enchaînent leurs improvisations sans discontinuer.

Terence Blanchard

Le trompettiste louisianais Terence Blanchard rejoint le quintet en fin de set pour rendre hommage à Roy Hargrove qui s’était produit une dernière fois à Jazz à Vienne, le 12 juillet 2018 lors d’un superbe prestation. Après un mambo très lent en guise de mise en lèvres, Terence Blanchard délivre l’essence de son art entre retenue, souplesse et vélocité. Après un très lent cha cha cha il donne toute sa puissance sur un troisième morceau. Le set se termine après ce trop court hommage à Roy Hargrove dont Terence Blanchard a su évoquer la sensibilité.

Le piano de Chucho Valdès et la contrebasse de Yelsy Heredia ont assumé avec force la dimension percussive de leur instrument et participé au climat polyrythmique flamboyant impulsé par les percussionnistes Yaroldy Abreu, Dreiser Durruthy et Abraham Mansfarroll. Encore une fois la musique de Chucho Valdès a conquis les spectateurs enthousiastes de Jazz à Vienne comblés par un rappel généreux du groupe.

Dans le Salon de Musique de Vincent Segal

Ami de longue date des Nuits de Fourvière, le violoncelliste Vincent Segal a rêvé tenir un salon de musique à l’Odéon. Le festival a exaucé ce vœu et intégré un nouveau concept dans sa programmation… « Les Salons de Musique des Nuits ». Ainsi, le 23 juin 2019, au théâtre de l’Odéon, le public a rejoint Vincent Segal et ses invités dans son Salon de Musique. La soirée est aussi l’occasion de célébrer les 15 ans du Label Nø Førmat! Liberté et complicité ont présidé au déroulement de cette soirée à la fois intime et festive.

Cet Echo#3-Nuits de Fourvière 2019 fait un clin d’œil à la soirée inaugurale des « Salons de Musique des Nuits de Fourvière ».

Le violoncelliste Vincent Segal a tenu son Salon de Musique le 23 juin 2019, dans l’intimité du Théâtre de l’Odéon dont l’acoustique idéale a permis au public de saisir les moindres nuances de l’expression des musiciens invités. Après cette ouverture à l’Odéon, d’autres Salons de Musiques vont se tenir Salle Molière et le cycle 2019 va se terminer dans la Grande Salle de l’Opéra de Lyon avec Vinicio Capossela .

La soirée du 23 juin 2019 célèbre aussi les 15 ans du label Nø Førmat! Son directeur et fondateur Laurent Bizot pratique un travail qui confine à l’artisanat, bien loin de celui des grandes majors. Il cultive le défrichage des talents et prospecte en direction de musiques atypiques et inventives. Vincent Segal fait partie des artistes signés chez Nø Førmat ainsi que plusieurs de ses invités, Ballaké Sissoko, Piers Faccini et Gérald Toto.

Quid du Salon de Musique de Vincent Segal ?

Avant même l’arrivée des artistes sur la scène de l’Odéon, le public découvre le décor du salon de Musique de Vincent Segal. Un ciel dégagé, quelques martinets, une douce atmosphère, des chaises, une sonorisation a minima, un canapé de bois, une table avec une bouteille de vin et quelques verres, un ensemble de percussions en fond de scène et en toile de fond la vue dégagée sur Lyon et le Mont Blanc qui se détache.

Premier invité, le public par l’affiche alléchée manifeste un calme bienveillant et attend avec curiosité le déroulement de cette soirée atypique. Dans l’assistance, des musiciens, des néophytes, des curieux, des inconditionnels de Vincent Segal venus de sa ville natale (Reims) pour l’écouter de nouveau. Sur les gradins et le proscénium, l’ambiance est chaleureuse et conviviale, à l’image d’ailleurs de ce que sera cette soirée.

C’est Richard Robert (conseiller artistique musiques et responsable des productions) lui-même qui vient ouvrir la soirée. Avec son humour habituel, ce fin connaisseur musical reprécise le concept de la soirée. Carte blanche à Vincent Segal qui dans le cadre intime de son salon va convier quelques amis musiciens à échanger en toute liberté et sans limite de temps… peut-être jusqu’au bout de la nuit !

Le maître de céans arrive ensuite accompagné de ses invités. Côté jardin, ses fidèles complices de scène Ballaké Sissoko (kora) et Piers Faccini (chant, guitare) ainsi que Gérald Toto (voix, guitare), tous signés chez Nø Førmat! Côté cour, les deux complices du label ACT, le saxophoniste Émile Parisien et l’accordéoniste Vincent Peirani avec lesquels Vincent Segal n’a jamais joué. Un peu en arrière la percussionniste Lucie Antunes dont on découvrira qu’elle a fréquenté le Conservatoire National Supérieur de Lyon au même titre que Vincent Segal … mais avec quelques années d’écart, ce qui n’est en rien un obstacle à leur collaboration.

Pour Vincent Segal, un salon de musique ce serait « une fête idéale où les uns et les autres ne se connaissent pas tous »…. Il précise aussi que la soirée n’a été précédée d’aucune répétition, juste des échanges, des propositions, « ils ont travaillé intérieurement ». et la musique va leur permettre de faire connaissance. On a bien compris, Vincent Segal donne le tempo, propose, suggère et ses invités saisissent et croisent librement les notes, le tout dans une ambiance détendue de confiance absolue.

Début de soirée, les musiciens font connaissance

La soirée débute avec un duo kora/violoncelle où Vincent Segal et Ballaké Sissoko reprennent le morceau qu’ils ont joué pour la première fois. Les confidences musicales du duo transportent tout de suite le public dans leur univers intime, quelque part sous un arbre, la nuit. Vincent Segal invite ensuite Vincent Peirani à se joindre au duo que le violoncelliste entame avec le guitariste et chanteur Piers Faccini, son ami depuis de trente ans. Très vite la magie opère et la plainte de l’accordéon résonne avec celle de la voix et du violoncelle.

Kora et violoncelle cheminent ensuite aux côtés de la guitare et de la voix de Gerald Toto qui libère son imaginaire en un chant sensible et fragile. La mélopée inspire le soprano qui mêle son souffle venu d’orient et croise les notes de la kora.

Après trente minutes de musique, Vincent Segal perçoit, tout comme le public, cette proximité qui s’installe entre les musiciens et il en profite pour proposer un exercice périlleux à Émile Parisien. « Avec Lucie on va venir, tu commences libre avec ce que tu veux et tu dois nous emmener à Naples. Quand on est à Naples on va commencer les percussions et là …. ». Le surdoué du saxophone n’en est pas à son premier défi. La petite mélodie du soprano s’étoffe et la musique s’évade dans le sud de l’Italie, les percussions invitent à danser, la voix de Piers Faccini s’élève et avec eux le public déambule dans les rues de la cité napolitaine.

La partie est gagnée, l’esprit de la fête est bien là. Les invités ont fait connaissance, la soirée peut continuer. Captivé par les propos musicaux, le public adhère sans retenue et s’immerge dans l’ambiance conviviale du Salon de Musique de Vincent Segal.

Après la convivialité, les confidences

Les musiciens continuent à converser. Un blues entamé par Piers Faccini rallie tous les musiciens qui le rejoignent sur les chemins de l’Alabama. Vincent Peirani y va d’un chorus inspiré sur son melodica. La spontanéité est de mise et Gerald Toto, prend le relai vite suivi par l’ensemble des musiciens. L’accordéon se fait percussion, la kora et le soprano improvisent, le violoncelle soutient le rythme et vient le temps d’un petit verre de vin alors que l’accordéon entonne le « petit vin blanc ».

Du canapé où il s’est installé, le maître de la soirée donne le top au duo Parisien/Peirani qui ne se fait pas prier et entame un Temptation rag d’anthologie. Suspendu au souffle des deux instruments, le public suit le duo dans ses délires improvisés et ses fausses fins et leur réserve une superbe ovation.

Après avoir soulevé l’enthousiasme du public, les invités du Salon de Musique en viennent aux confidences. Les cordes de la kora et du violoncelle guident la musique dans les rues d’une cité africaine au soleil couchant. Le soprano-muezzin double le chant du violoncelle, la kora égrène son chant interrogatif auquel répond l’accordéon.

Une fin de soirée sérieuse et riche en émotions

Vient alors le moment des « choses sérieuses ». Ballaké Sissoko que Vincent Segal nomme le « Maître de la Nuit », élève sur la kora un solo magique dans la nuit étoilée. Variations rythmiques et envolées lyriques arrêtent la fuite du temps.

Dans le silence de la nuit, la percussionniste Lucie Antunes interprète en solo, Psappha de Iannis Xénakis. Quatre mailloches varient rythmes et timbres sur congas, bongos, cloches, claves, cymbales, grosse caisse, tambour. Entre martèlements métalliques, battements violents sur les peaux, frappes irrégulières ou brèves percussions boisées, s’invite le silence. La musique incantatoire fascine et conquiert tous les invités, sur scènes ou dans les gradins.

Difficile de relancer après une telle prestation. Vincent Segal engage donc un défi aux musiciens, jouer le plus piano possible tous ensemble… un beat a minima s’installe et ouvre l’espace à Piers Faccini et son délicat Black Rose. Violoncelle, kora et accordéon le rejoignent. L’émotion est à son comble mais il échoit à Emile Parisien et Vincent Peirani de continuer. Pour se faire, le soprano entame la composition de Sydney Bechet, Song of the Medina (Casbah), cheval de bataille habituel du duo rejoint par la kora et le violoncelle.

« Une fête ce sont des gens qui partent et des amis qui arrivent à l’improviste« …

… Vincent Segal invite donc sur scène un musicien joueur de duduk rencontré récemment sur un festival et qui réside à Lyon. Un duo troublant s’établit entre les chants si proches du duduk et du soprano. Kora et violoncelle enchaînent ensuite un superbe morceau où transparaît une fois de plus la connivence des deux artistes.

« Avant de se retrouver sur les quais (!!!) » pour poursuivre la soirée, Vincent Segal conçoit de donner une fin officielle à la soirée avec « une tarentelle, un drop mandingue et un retour à la tarentelle« . Bien entendu la fièvre gagne le public autant que les musiciens tant et si bien que la musique se continue après cette fin qui n’en est pas vraiment une, car le voyage se poursuit en direction de La Réunion et plus encore…

Vincent Segal a gagné son pari. Dans son Salon de Musique, portée par les artistes durant presque trois heures, la musique de ses invités s’est avéré un sublime outil de communication. Pourvoyeuse d’images et d’émotions, elle a transcendé les différences, incité à la confiance, appelé aux confidences et redonné le goût du partage et l’envie de sourire.

Les Plutériens

En 2019, la collaboration se poursuit entre les Nuits de Fourvière et le Théâtre de la Renaissance d’Oullins avec la création d’un opéra-poème d’anticipation, « Les Plutériens ». Le 13 juin 2019, pour la première de cet opéra-poème d’anticipation, les gradins de la grande salle sont remplis. Installé dans la fusée avec les musiciens de l’ARFI, le chœur Spirito, Thérémine, Vélimir et Cantos pour une odyssée opératique en 3 actes, le public a vécu cette aventure avec un plaisir évident. De copieux applaudissements ont salué la réussite de ce projet ambitieux et réussi.

Cet Echo#2-Nuits de Fourvière 2019 revient sur la première représentation de l’opéra en trois actes pour orchestre, trois personnages principaux et chœur créé le 13 juin 2019 dans la grande salle du Théâtre de la Renaissance de la ville d’Oullins (69).

Sur un scénario digne d’une BD d’anticipation ou d’une fiction série B, va se nouer un drame surréaliste en trois actes. Dirigée par la capitaine, Thérémine, une fusée conduite par le pilote Vélimir décolle de la Terre pour échapper à une catastrophe. L’équipage est constitué des onze musiciens de la Marmite Infernale de l’ARFI et les huit choristes de Spirito.. En plus des humains, la navette intersidérale compte aussi un  ordinateur quantique du nom de Cantos. Ainsi se profile l’aventure de ces terriens voués à devenir « Les Plutériens ».

En quarante ans, la bande des musiciens de la planète Arfi ont déjà intégré jazz, ciné-concert et théâtre musical dans la marmite de leur Folklore Imaginaire. Avec « Les Plutériens », la Marmite Infernale (grand orchestre de l’ARFI) ajoute la forme « opéra » à ses références. Si cet opéra-poème d’anticipation conserve la structure classique de l’opéra, il n’en reste pas moins que l’ADN de l’ARFI demeure inchangé. L’écriture musicale collective et la forme de l’œuvre s’inscrivent dans l’identité profonde des arfiens (ou arfistes au choix )

Sur un livret original de Charles Pennequin et avec une mise en scène de Guillaume Bailliart, l’ARFI a monté avec l’ensemble Spirito un opéra qui flirte avec jazz, du rock, musique contemporaine et improvisation. En trois actes, les musiciens, le chœur et les trois personnages principaux narrent une odyssée intergalacticosidérale sidérante dont la trame narrative convoque chez le spectateur des flashes de souvenirs qui regardent en direction de Kubrick via l’ordinateur quantique Cantos,.

Acte I

Dans la Marmite Cosmique alternent moments de tension et d’apaisement entre les pensées et les interrogations des humains et les circuits saturés de l’ordi. Mots et notes se croisent et interagissent. A la musique d’un big band jazz libéré, la partition intègre bruitisme et explosions. Les paroles jaillissent, sont remâchées, ressassées, mélangées, renversées, déversées de manière plutôt obsessionnelle mais pas forcément toujours captés d’emblée par tous les passagers de la salle qui se laissent pourtant pénétrer par le discours et porter par l’histoire.

Acte II

Quand survient l’Amour, l’épopée sidérale se complique. Tout se mélange, pensées et pulsions, ode gouroutique et fitness quantique menés par Cantos et soutenus par les percussions alors que le chœur/équipage vêtu de combinaisons bleues et de casques sombres danse dos à la salle. Tel un orgasme musical, la musique enfle alors que les corps de Thérémine et Vélimir exultent dans le module de jonction.

Sur scène, dans la cabine, les arfiens en combinaison orange décompressent au cours d’un épisode où tous se souviennent des bouillabaisses, pizzas et autres souvenirs de mets terrestres pour mieux oublier les rations si peu appétissantes qui leur sont proposées. Les « blagues de vieux » fusent en même temps que rires et exclamations joyeuses. Après un freetime délirant des musiciens et du chœur, le drame se profile avec le retour des deux personnages principaux.

Acte III

Les années ont passé. Après l’amour vient le temps de l’Émancipation. Perruques et casques tombent, tout se délite. Thérémine prend une décision radicale et abat Vélimir d’une balle dont on suit la course au ralenti (…!). Après un requiem joué par violon et contrebasse autour du pilote que veille Thérémine, le corps du défunt s’en va dans l’espace (des escaliers) où il chante.

Advient alors le triomphe de Cantos qui prend la parole et part dans un délire épique. Pour finir l’ordinateur choisit d’avoir « chaud à en crever »… la marmite intersidérale pénètre le soleil. Les Plutériens finissent poussières d’étoiles alors que plus loin dans l’espace, Thérémine observe cette fin fatale, bouteilles d’oxygène sur le dos.

Sur scène, portée par les voix et les instruments, l’univers devient marmite infernale au son d’une musique qui prend aux accents évocateurs des ambiances de Magma.

Ainsi se termine une belle journée … pour la pensée et malgré la vermine ! Quid de la vie ? La question reste posée après le spectacle au déroulement très fluide et maîtrisé par l’ensemble des acteurs/chanteurs/musiciens.

Au terme de trois années de travail, l’opéra-poème d’anticipation « Les Plutériens » a reçu un accueil chaleureux, soutenu et bien mérité de la part des spectateurs qui n’ont pas boudé leur plaisir. Certes, le spectacle ne laisse pas indifférent et le public ne ressort pas indemne de ce voyage intergalactico-musical. A la sortie de la salle l’on se demande si l’on est toujours terrien ou devenu plutérien. Dans les couloirs puis dans la rue la question demeure en suspens. L’un.e fait choix de se taire, l’autre erre ou bien se terre. De facto, on est devenu plus-que-terrien et ça, ce n’est pas rien, c’est de toute manière plus que rien et l’on n’en dira rien de plus.

Pour savoir en quoi l’aventure des Plutériens peut contribuer à augmenter la vison du terrien, une solution existe… courir à Oullins au Théâtre de la Renaissance pour les deux autres représentations à venir de cet opéra, les 14 et 15 juin 2019 dans le cadre des Nuits de Fourvière 2019.

Thérémine / Marie Nachury - Vélimir / Antoine Läng - Cantos / rôle partagé :Xavier Garcia, Martin Barré, Elvire Tapie, Coline Galeazzi                     

La Marmite Infernale (Grand orchestre Arfi) : Michel Boiton (batterie, percussions), Jean Bolcato (contrebasse), Olivier Bost (trombone, guitare), Clémence Cognet (violon), Xavier Garcia (sampler, traitements, laptop), Christophe Gauvert (contrebasse, basse electrique), Clément Gibert (sax alto, clarinettes), Christophe Girard (accordéon), Guillaume Grenard (trompette, tuba), Christian Rollet (batterie, percussions), Guy Villerd (saxophone)

Spirito : Camille Grimaud, Nathalie Morazin (sopranos) Caroline Adoumbou, Landy Andriamboavonjy, Isabelle Deproit, Célia Heulle, Hélène Peronnet, Laura Tejeda-Martin (altos)

Guillaume Bailliart : mise en scène - Romain Nicolas & Christian Rollet : dramaturgie - Gaspard Gauthier : lumières : Thierry Cousin : son –  Martin Barré : régie générale Elvire Tapie : plateau  - Coline Galeazzi : costumes - Charles Pennequin : livret - Nicole Corti : préparation du chœur