Ode musicale à l’humanité, à la bienveillance

Le compositeur et saxophoniste Christophe Monniot présente « Six Migrant Pieces » (Le Triton/L’Autre Distribution). Chaque membre du septet a une histoire vis à vis de la migration. L’album vibre d’énergie et de sensibilité. La musique résonne comme une ode musicale à l’humanité et à la bienveillance. Mieux qu’un manifeste politique, le propos du disque invite à l’accueil et à l’acceptation de l’autre avec ses différences. Un opus engagé en prise réelle avec l’actualité.

Après « Jericho Sinfonia » (Ayler Records) enregistré avec les musiciens du Grand Orchestre du Tricot et sorti en avril 2018, après « Hymnes à l’amour » (ONJ Records/L’Autre Distribution) publié en novembre 2018 et « Hymnes à l’Amour, Deuxième chance » (Émouvance) paru en mars 2021, tous deux enregistrés en duo avec Didier Ithursarry et « Dernier Tango » (Jazzdor/L’Autre Distribution) sorti en octobre 2022 et gravé en duo avec le guitariste Marc Ducret, Christophe Monniot revient le 21 juin 2024 avec « Six Migrant Pieces » (Le Triton/L’Autre Distribution) enregistré au Triton les 18 et 19 Mai 2023 par Jacques Vivante, Bastien Boisier et Jules Ferroul et également enregistré en concert le 6 juin 2023 au Kresselhaus Berlin lors du Festival Jazzdor Strasbourg-Berlin-Dresden.

« Six Migrant Pieces »

Pour son nouveau projet, « Six Migrant Pieces », Christophe Monniot dit être parti d’une idée très simple : « le mot hôte… racine commune du mot hostilité et et du mot hospitalité ». Ses compagnons et lui ont essayé de se positionner du côté de l’hospitalité plutôt que de l’hostilité. A ce propos il cite la philosophe, écrivaine et directrice de recherche émérite au CNRS Marie-José Mondzain : « Nous ne sommes pas simplement en train de donner l’hospitalité, nous sommes en train de recevoir de la part de notre hôte ».

Christophe Monniot a conçu la musique de « Six Migrant Pieces » comme « un voyage permanent, un flux migratoire perpétuel ». Il invite à accepter l’autre dans ses points communs autant que dans ses différences. Il engage à voir le migrant comme une chance.

Le répertoire propose six compositions de Christophe Monniot et Interlude, un titre co-conçu par l’ensemble des musiciens réunis autour du leader au saxophone alto : Aymeric Avice (trompette), Jozef Dumoulin (claviers), Nelson Veras et Nguyên Lê (guitares), Bruno Chevillon (contrebasse), Franck Vaillant (batterie).

Dans l’orchestre, chaque musicien a une histoire vis à vis de la migration : Christophe Monniot à moitié ukrainien, Nelson Veras originaire du Brésil, Nguyên Lê du Vietnam, Bruno Chevillon dont la maman italienne est venue vivre en France, Jozef Dumoulin belge d’origine flamande, Aymeric Avice d’origine normande et donc de « lointaine » origine viking et Franck Vaillant, l’élément français. Ainsi, chacun a amené dans l’album une partie de lui-même sous forme d’un témoignage familial sur la migration de sa propre famille.

Au départ, les morceaux eux-mêmes sont inspirés chacun par un compositeur qui a une histoire avec la migration, un dédié à Leonard Bernstein, un autre à Michael Brecker, un autre à Wayne Shorter, « tout afro-américain ayant quelque chose à voir avec la migration et avec l’invention de la musique de jazz ».

A la musique se mêlent plusieurs voix, parmi lesquels entre autres celles de Martin Luther King, de l’écrivain Abdoul Ali War, de l’Abbé Pierre avec son « appel à la bonté », de Pierre Desproges, de Bruno Chevillon, de la mère de Christophe Monniot qui parle de l’exil ukrainien de son père, une conversation en flamand de la famille de Jozef Dumoulin, de la philosophe Marie-José Mondzain. Chaque musicien a donné ou suscité un propos de son origine. La conception du livret des textes de l’album est à porter au crédit de Sylvie Gasteau.

« La musique et les textes racontent une histoire ».

Au fil des titres

L’album ouvre avec Climax Change. Sur des accords de piano de Jozef Dumoulin, le poète, romancier et dramaturge Abdoul Ali se questionne à propos de la beauté qui « est dans tout… il suffit de la trouver, il faut la chercher d’abord…une façon de dire le beau à travers ce qui n’est pas beau ». La musique prend forme et sa gravité s’intensifie quand interviennent contrebasse et batterie et que s’élève la voix de Martin Luther King et le début de son discours « I have a dream » du 28 août 1963. En totale synergie interviennent ensuite saxophone alto et trompette. Le dialogue s’instaure entre les deux instruments, Interventions corsées, stimulantes et colorées de l’alto auquel répond la trompette au son plus rond dont les audaces virtuoses résonnent telles des prouesses.

Sur les premières mesures d’Interlude, la guitare de Nelson Veras sculpte la musique avec une remarquable dextérité au-dessus de la voix d’Ana Flavia Calabresi (en portugais) et de Vetea Pambrun (en français) qui lisent des extraits de « Mort et vie sévérine » (1955) du poète brésilien João Cabral de Melo Neto à propos de l’odyssée du migrant Sévérino, un poème de combat qui dit la dureté de la vie des migrants à la recherche d’une vie meilleure. Alors que la musique enfle, la mère de Christophe Monniot narre l’exil ukrainien de son grand-père embarqué au Havre « dans des cales pleines de vermines, sans hygiène et sans nourriture » en direction de New-York. Soutenu par la contrebasse, le saxophone prend ensuite la parole, tel un trublion dans un environnement électrique pointilliste qui laisse entendre des bribes d’une conversation en flamand de la famille de Jozef Dumoulin.

6T2P part 1 débute sans musique avec la voix de Pierre Desproges et la dernière phrase de son « Réquisitoire contre Jean-Marie Le Pen » diffusé dans le Tribunal des Flagrants Délires sur France Inter le 28 septembre 1982. Il évoque la parole de Luis Rigo, « les chiffres sont accablants, il y a de plus en plus d’étrangers dans le monde ». Le titre se poursuit avec la voix de la philosophe écrivaine et directrice de recherche émérite au CNRS Marie-José Mondzain lors d’une intervention sur France Culture à propos de son ouvrage « Accueillir. Venu(e)s d’un ventre ou d’un pays » (Edition Les Liens qui Libèrent)/PUF) où elle oppose l’accueil et l’hospitalité à la haine : « l’accueil ou le non accueil de tous ceux qui sont en train d’arriver, de tous ceux qui sont naufragés, misérables ou sur les routes ; c’est la question de l’hospitalité, c’est ça qui est au cœur ». Ses paroles sont suivies de l’entrée en force du groupe. Alto et trompette exposent un thème très dense, soutenus puis les voix reprennent alors que, soutenues par une section rythmique tonique les guitares conversent à leur tour, avec des distorsions sonores. Le climat musical se densifie et se fait de plus en plus libre, le piano triture les touches blanches et noires du clavier, la trompette s’embrase avec fougue, la batterie s’enflamme. Une accalmie musicale permet d’écouter un nouvel extrait du discours « I have a dream » prononcé par Martin Luther King puis piano et basse interviennent. Friselis du batteur sur ses cymbales, plainte de la trompette au-dessus du Rhodes puis solo colérique de la batterie. Dans le dernier tiers du titre, on écoute la voix de l’Abbé Pierre lors de son appel du 01 février 1954 (« insurrection à la bonté ») alors que piano, batterie et contrebasse ponctuent le temps avec force jusqu’à la fin du morceau.

Le piano égrène des notes interrogatives au tout début de 6T2P Part 2 alors qu’une voix se questionne à propos de la migration. Contrebasse et guitare rejoignent le piano puis, en italien, Bruno Chevillon parle de sa mère italienne « venue vivre en France », discours ponctué par des frémissements des cymbales. Trompette et saxophone alto entrent ensuite en jeu et tissent des entrelacs sonores complexes. Le groupe crée ensuite un climat sonore stratosphérique puis l’écrivain, poète, docteur en philosophie et essayiste tchadien Nimrod Bena Djangrang et l’auteur, dramaturge et metteur en scène camerounais Kouam Tawa dialoguent à propos de la poussière du Tchad indispensable à l’écosystème de l’Amazonie. Sur fond de batterie délicate et d’échantillonnages électriques s’instaure un climat aux sonorités dramatiques au-dessus duquel, tel un voltigeur, le saxophone alto propulse des arabesques de notes fougueuses, se jouant de tout académisme. Le morceau se termine par un constat dramatique quant à l’issue pas toujours heureuse du déplacement des « migrants qui viennent du lointain Sertao…. ne peuvent continuer parce que la mer est devant eux, ils n’ont pas où travailler et encore moins où habiter et au vu de l’immédiat encore moins il n’auront pas pour être enterrés ».

Lilia ouvre avec un nouvel extrait du discours de Martin Luther King, puis l’alto dessine de tendres envolées lyriques, impulsant au morceau un climat de rêverie musicale étrange. Son phrasé papillonne, tourbillonne même, alors que les sonorités électriques du Rhodes résonnent comme sonnerait une cloche d’église. La batterie accentue l’étrangeté de la situation. De nouveau sont donnés à entendre les mots de Martin Luther King… « forts de cette foi nous pourrons tailler dans la montagne le désespoir en pierre d’espoir, forts de cette foi nous pourrons transformer les stridentes discordes de notre nation en une merveilleuse symphonie de fraternité » avant que le saxophone alto ne reprenne la parole pour terminer le morceau.

Le manifeste musical se termine avec les deux parties de Melting Teapot. Après les voix, la première partie débute par un riff musical scandé au clavier et le morceau continue dans un climat véhément qui navigue entre violence musicale et joyeuse effervescence. La trompette sculpte un solo incisif dans le climat sismique qu’instaure la section rythmique. La guitare électrique intervient ensuite avec énergie et libère des cascades de notes vrillées dont les colorations distordues ne sont pas sans rappeler les effusions hendrixiennes. Après la musique, la première partie du morceau se termine par une voix qui évoque « le temps des autres, celui où il n’y aura plus de recevant ni de reçus, celui où chacun pourra se dire l’hôte de l’hôte ». La deuxième partie de Melting Teapot débute avec quelques mesures de Su la mé d’Alfred Rossel chantée par André Dalibert (1961), puis comme un soutien à la marche des manifestants, la musique reprend avec véhémence au-dessus de quelques secondes du discours de Martin Luther King qui revient d’ailleurs plus loin, comme dans un dialogue que les musiciens instaurent avec lui. Le manifeste musical se termine par une étonnante et réjouissante symphonie sonore où liberté et furie font bon ménage, au fil des fulgurances inspirées de chaque musicien.

« Six Migrant Pieces »… quand l’art promeut les lois de l’hospitalité pour contribuer à diminuer la situation dramatique des migrants. « Six Migrant Pieces »… un projet musical d’actualité qui Invite à l’accueil, à la bienveillance et l’acceptation de l’autre. « Six Migrant Pieces »…. un hommage aux hommes et femmes qui œuvrent pour moins de discrimination et une meilleure entente.

Christophe Monniot, Aymeric Avice, Jozef Dumoulin, David Chevallier, Bruno Chevillon et Franck Vaillant seront en en concert au Triton, le samedi 29 juin 2024 à 20h30, à l’occasion de la sortie de l’album.

Avec de chaleureux remerciements à Sylvie Gasteau pour ses éclairages.

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Swing virtuose et éloquence sensible

Le 06 juin 2024, le débarquement de Normandie et Monty Alexander célèbreront leurs 80 ans. Le pianiste dont le prénom Montgomery, est un hommage au fameux général libérateur, présente son nouvel album « D-Day ». Il propose un ensemble de compositions écrites durant la période de guerre et d’originaux. Il en résulte un jazz swinguant et virtuose, éloquent et coloré, joyeux et effervescent qui fait aussi la part belle à la sensibilité.

Sur « D-Day » (PeeWee!/Socadisc), dont la sortie est annoncée pour le 29 mars 2024, Monty Alexander se fait plus introspectif qu’à l’ordinaire.

Avec les jeunes et brillants Luke Sellick (contrebasse) et Jason Brown (batterie), sa rythmique actuelle, il trouve des partenaires à l’unisson de ses digressions harmoniques et rythmiques. Le trio s’exprime en fusion totale et la musique est habitée par le beat si caractéristique du reggae et par le balancement irrépressible du swing. Une grande liberté d’expression est présente sur chacune des 12 plages de l’album.

Sur « D-Day », swing et virtuosité coexistent. De bout en bout, la musique éloquente et joyeuse se pare de sensibilité et d’élégance.

Monty Alexander

Né le 06 juin 1944 à Kingston en Jamaïque, Monty Alexander est issu d’un univers pluriculturel et multi-ethnique. Sa musique navigue entre jazz et reggae. Il combine les rythmes caribéens, les harmonies et les formats du jazz.

A 16 ans, il jouait les musiques de danse de l’époque qu’il évoque ainsi : « C’était des musiques avec une pulsation, et selon votre façon, votre approche de cette pulse, le rythme devenait féroce et les gens voulaient danser, taper dans leurs mains. La musique surgissait de partout avec cet accent unique, ce rythme jamaïquain identifiable jusque dans la façon de parler, de marcher, de conduire ».

Il se passionne pour le rhythm’n’blues et aussi pour Nat King Cole ou le be bop diffusé la radio et qu’il cherche à reproduire d’oreille.

Dans les studios de Kingston, il participe aux prémices du ska puis émigre aux États-Unis à 17 ans. Il accompagne Franck Sinatra qui l’introduit en quelque sorte dans la cour des grands jazzmen de l’époque. Il a l’occasion en effet de jouer avec les inventeurs du bop et de bien d’autres fameux musiciens parmi les lesquels on peut citer, Milt Jackson, Dizzy Gillespie, Johnny Griffin, Benny Golson. Ainsi, il inscrit son parcours musical dans la tradition des pianistes et leaders de grands orchestres, dans celle de Nat King Cole, Errol Garner, Oscar Peterson, Ahmad Jamal et Wynton Kelly.

C’est à 20 ans qu’il enregistre un album sous son nom pour la première fois pour Pacific Jazz, « Alexander The Great ». La critique parle alors d’un « jazz facile d’accès, un swing joyeux, expansif, sans drame ».

Jusqu’à aujourd’hui, la musique de Monty Alexander témoigne d’une grande ouverture aux différents univers musicaux qu’il a côtoyés et ont contribué à fonder son style reconnaissable dès la première note sur le clavier.

Dans les années 60, 70 et 80, il s’est beaucoup produit en Europe et l’album « Montreux Alexander » (MPS records) paru en 1976 est devenu un grand classique de la discographie jazz.

En 2024, après 60 ans de carrière, Monty Alexander continue à écrire l’histoire du jazz avec le superbe « D-Day ».

« D-Day »

Enregistré principalement au Studio Sextan en octobre 2023, « D-Day » (PeeWee!/Socadisc) résulte de la connivence artistique entre Monty Alexander, le label français PeeWee! et le tourneur français VO Music. Il rassemble la quintessence de deux séances fleuves.

Sur l’album le trio interprète deux standards, la superbe ballade I’ll Never Smile Again, écrite en 1939, et qui a contribué au succès de Sinatra pendant les années de la Seconde Guerre Mondiale et Smile, écrite par Charlie Chaplin et présente sur la bande-son du film « Les temps Modernes » (1936) lors de la scène finale.

Les compositions originales de Monty Alexander, Aggression, Oh Why, Restoration, June 6, River of Peace, V. E. Swing, You can see, D-Day, Voices et Day-O, lui ont été inspirées par le conflit et son extraordinaire dénouement. Il explore les sentiments laissés par ce moment unique, l’héroïsme des combattants, l’espoir d’un nouveau départ, la confiance renouvelée en l’autre, le sens du sacrifice, le triomphe de la liberté.

Au fil des titres

Sur I’ll Never Smile Again, le jeu de Monty Alexander s’inscrit dans la grande tradition du jazz moderne et est imprégné à la fois de force et de tendresse. Le pianiste conserve sa fougue et son énergie et pratique à l’envi des digressions harmoniques étonnantes et fort réussies. Le trio réinvente en quelque sorte le jazz en pratiquant une musique colorée riche en sensations. Malgré l’impression de familiarité qui se dégage de ce titre, il émane de lui une impression de fraîcheur. La musique élégante ondule et s’envole.

Sur la composition de Monty Alexander, Aggression, le trio expose avec vivacité le thème aux arêtes vives. La ligne musicale du piano vacille puis s’aventure, explore, creuse et ravit l’oreille d’étincelles éblouissantes. Le court solo de la contrebasse révèle un instrument puissant tout en rondeur et le battement précis du batteur jamais à court d’inspiration se fait souple. Son improvisation témoigne d’un mélange subtil de puissance de frappe sur les toms et de légèreté sur les cymbales. Monty Alexander survole son clavier sans jamais perdre en puissance ni en énergie. Un réel moment d’enchantement.

Sur la ballade Oh Why, le jeu de Monty Alexander est empreint de tendresse On se laisse envoûter par son jeu tout en relief. Il fait chanter les notes et confirme ses qualités de mélodiste. S’il fait preuve de lyrisme, l’artiste n’en affiche pas pour autant une posture virtuose excessive.

Restoration permet de prendre la mesure de la vaste palette sonore du trio. En parfaite osmose avec ses partenaires, le pianiste fait alterner jeu stacatto et swing, retenue et balancement. Il métamorphose les timbres et sa musique se pare de nuances très subtiles. Sur le clavier il conte une histoire. Comme un écrivain, le fait avec les mots, note après note il élabore ses phrases musicales et ainsi son récit se déplie, se déploie et fait mouche. Précis et efficace.

Plus bluesy, June 6 dévoile la puissance et la volubilité du jeu du pianiste. Il étreint son instrument qui se mue en piano/percussion. Il étire les notes et les fait swinguer avec virtuosité un peu à la manière d’Oscar Peterson. C’est dans un style plus legato que Monty Alexander expose sa composition River of Peace. Sur les presque six minutes du morceau, il adopte un jeu épuré et peaufiné, limpide et cristallin qui fait écho au titre. Apaisant et onirique. On imagine volontiers de vivre sur les bords d’une telle rivière paisible.

Le trio revitalise ensuite Smile la composition de Charlie Chaplin. Sur le battement tout en suspension des cymbales, le pianiste cisèle un phrasé enivrant. Les trois compères échangent avec détermination et l’on ressent l’engagement que partagent les musiciens. Plus loin, le piano partage les 4/4 avec la batterie et la contrebasse. Le sourire est vraiment de la partie.

Blues swingant, V.E.Swing mêle élégance et puissance. En étroite symbiose avec des deux compagnons, Monty Alexander fait monter la température jusqu’à atteindre une forme de jubilation.

Au fil du morceau suivant, You can See, le pianiste fait preuve d’une extrème maîtrise. Porté par la force irrésistible de la section rythmique, il explore l’entièreté du clavier. Dans son improvisation fougueuse et parfois ludique se succèdent les citations de grands standards.

D Day Voices est construit à partir de témoignages sonores datant de l’époque du débarquement, parmi lesquelles s’élève la voix reconnaissable du général de Gaulle. Monty Alexander entame pour et avec eux, un chant d’espoir et de libération au piano et à la voix. Pour le dernier titre de l’album, Day-O, le trio entonne avec le public I want to go home comme pour annoncer la fin du concert et après 2 minutes 17 de silence, Monty Alexander revient. Après une introduction au mélodica où il développe le thème de Summertime, il relance la musique sur un feeling reggae très dynamique puis reprend le piano et développe le traditionnel The Banana Boat Song qui invite au mouvement.

« D-Day » de Monty Alexander, un album plein de charme et d’énergie qui donne le sourire… à écouter absolument avant le D-Day !