Pour une rentrée en fanfare !

Le 21 septembre 2018, NOLA French Connection Brass Band sort un album bourré d’énergie. Sept titres survitaminés pour aborder la rentrée en fanfare. Impossible de résister à la joyeuse bande de frappeurs, souffleurs, chanteurs. Ils dissipent l’ennui, effacent la fatigue et communiquent leur entrain joyeux.

NOLA French Connection Brass Band… c’est un brass band français venu en droite ligne de La Nouvelle-Orléans, la ville-mère des marching bands, ces fanfares populaires qui déambulent dans les rues.

Cette bande de neuf musiciens parisiens déborde d’énergie. Ils frappent caisses et percussions, soufflent dans trompettes, trombones et saxophone sans oublier de chanter à en perdre haleine avec un entrain étonnant et une énergie débordante.

« Street Kings » en témoigne…

Naissance de NOLA French Connection Brass Band

Lors d’un séjour en Louisiane à La Nouvelle-Orléans dans le quartier de Jackson Square, quelques-uns de ceux qui constituent le groupe actuel ont eu l’occasion de jouer avec des musiciens locaux. Amateurs des groupes phares du style, comme le Hot 8, Dirty Dozen Brass Band ou Rebirth Brass Band, les musiciens, dès leur retour en France décident de créer leur brass band en 2016.

NOLA French Connection Brass Band©Philip Ducap

En hommage à la Nouvelle-Orléans, ils le nomment NOLA (New Orleans Louisiana) French Connection Brass Band et les voilà partis… Les morceaux sont de leur cru, paroles et musique.

Ça sonne funk, soul, hip hop et jazz… ça envoie et ça donne la pêche !

Le groupe veut transmettre la musique des second lines néo-orléanaises. Dans les fanfares de rue, il y avait en première ligne les fanfares officielles, au jeu plutôt classique. Venaient ensuite les fanfares plus dansantes, celles qui constituaient la seconde ligne, qui exécutaient leurs pas de danse en ligne en jouant du jazz, un jazz qui au fil des années a trempé son expression dans le bain de la soul et la marmite du funk.

Depuis sa création, NOLA French Connection Brass Band enchaîne les déambulations de rues et se produit sur scène avec succès. En 2018, il est sélectionné pour le concours de La Défense Jazz Festival où il s’est produit le 27 juin.

Après la rue et les scènes… les studios

Aujourd’hui les neuf musiciens parisiens perpétuent la tradition néo-orléanaise dans les rues et sur les scènes. Pour mieux faire découvrir leur musique, ils sont entrés en studio et…  le 21 septembre 2018 sort leur album, NOLA French Connection (Fo Feo Productions).

Les neuf musiciens ont gravé sept titres qui résonnent comme un concentré de groove !

Avec Hippolyte Fevre (trompettes), Gabriel Levasseur (trompette), Nicolas Benedetti (trombone), Michael Ballue (trombone) et Bastien Weeger (saxophone ténor), les soufflants envoient des riffs puissants et cuivrés. Avec Johan Barrer (grosse caisse), Florent Berteau (caisse claire) et Tao Erhlich (percussions), caisses et percussions assurent avec Rémi Cretal (sousaphone) une rythmique infaillible. Les voix enivrantes chantent à en perdre haleine.

De quoi transformer, salon, chambre, habitacle de voiture en un néo-Jackson Square. Idem dans le bus ou le métro, il suffirait de faire circuler les écouteurs pour que la musique dynamise l’atmosphère et transforme la monotonie quotidienne des transports en commun en un moment festif. On imagine sans peine le clip qui évoquerait cette transformation.

Les compositions de l’album s’articulent autour de questions/réponses entre les neuf instrumentistes. Les refrains chantés en chœur sont parsemés de chorus et riffs de cuivres avec des clins d’œil aux maîtres, Bootsy Coolins, George Clinton ou Maceo Parker.

On a un petit faible pour Coffee Machine Blues. Le sousaphone tient la ligne de basse en soutien aux mélodies, aux riffs et aux improvisations des trompettes, trombones et du saxophone ténor, tous soutenus par les solides rythmiciens.

Quelques RV de concerts pour écouter live Nola French Connection. Dès 19h30 les 15 & 16 octobre 2018 à Paris à La Boule Noire pour la sortie de l’album. Possible aussi de les retrouver le 12 octobre 2018 à Nancy en première partie de soirée sous le chapiteau du Parc de la Pépinière lors du Nancy Jazz Pulsations, le 18 octobre 2018 à Tourcoing lors du Tourcoing Jazz Festival.

Voyage musical entre fête et spiritualité

Inspiré par les musiques de la Caraïbe, le saxophoniste Samy Thiébault présente « Caribbean Stories ». Empreint d’une musicalité festive, l’album invite à un voyage métissé qui vibre d’humanité et de spiritualité. Des histoires musicales caribéennes à découvrir dès le 21 septembre 2018.

En juin 2018, le single et le clip « Calypsotopia » ont déclenché intérêt et curiosité mais il aura fallu attendre jusqu’au 21 septembre 2018 pour découvrir « Caribbean Stories » (Gaya Music Production/L’Autre Distribution), le nouvel album du compositeur, saxophoniste et flutiste Samy Thiébault.

Le musicien a plongé son inspiration et ses instruments à la source et même jusque dans l’âme des musiques caribéennes. Il les a explorées et revient conter ses enchanteresses « Caribbean Stories ». L’opus célèbre l’esprit de la fête et incite à la danse mais il laisse aussi place à des instants introspectifs voire méditatifs.

Samy Thiébault

Samy Thiebault©Youri Lenquette

Né en Côte d’Ivoire, celui qui est à l’origine de « Caribbean Stories » est issu d’un père français et d’une mère marocaine. Il entreprend parallèlement un cursus de philosophie et de musique. Il entre au CNSM de Paris dans la classe de jazz dont il sort en 2008.

Depuis 2004 c’est dans le jazz que Samy Thiébault s’est fait un nom. Au fil des ans on le découvre sur « Blues For Nel » (2004). Ses productions discographiques se suivent : « Gaya Scienza » (2007), « Upanishad Experiences » (2010), « Clear Fire » (2013), « Feast of Friends (2015) autour des Doors et « Rebirth » (2016) porteur de ses nombreuses influences musicales parmi lesquelles Coltrane, les musiques du Maroc et de la Côte d’Ivoire sans oublier la musique classique occidentale. Au fur et à mesure des années, le succès ne se dément pas et il devient un artiste reconnu sur les scènes nationales et internationales.

« Caribbean Stories »

En 2018, on ne va pas ergoter pour savoir si « Caribbean Stories » est à classer dans le jazz ou non car de facto, il s’agit de la musique de Samy Thiébault, de celle qu’il pratique aujourd’hui. Une expression très personnelle mâtinée d’influences diverses qui émargent du côté de Cuba, des Antilles, du Vénézuela, de l’Afrique, de Puerto Rico sans oublier de regarder du côté de Coltrane. De fait, le maître mot qui préside à l’album est sans doute le terme métissage.

En effet, les racines des musiques caribéennes plongent dans les origines et les cultures des hommes déracinés qui ont peuplé ces territoires de la mer des Caraïbes. Calypso, merengue, bolero, chachacha, valse, son et danson émanent des cultures africaines, européennes et sud-américaines qui les ont irrigués. Leur histoire porte les cicatrices mais témoigne surtout de la richesse de celles et de ceux qui, nés dans la souffrance ont fondé leur culture et leur identité dans le terreau de leur diversité. Les musiques de la Caraïbe sont multiples et diffèrent mais elles ont toutes en commun cette pluralité d’origines dont elles se nourrissent.

Pour porter le répertoire de son nouveau projet, Samy Thiébault est accompagné d’une nouvelle équipe à l’image de sa musique. Autour de lui le leader a réuni une solide section rythmique avec le percussionniste cubain Inor Sotolongo, le batteur Arnaud Dolmen, originaire de la Guadeloupe et le contrebassiste natif de Cuba, Felipe Cabrera chargé aussi des fondements harmoniques. Les guitaristes Hugo Lippi et Ralph Lavital apportent leur contribution et des influences venues d’Angleterre et de Martinique. Le tromboniste Fidel Fourneyron, très attaché aux musiques cubaines, dialogue avec le saxophone ténor et la flûte alto de Samy Thiébault.

Impressions musicales

L’album ouvre avec Santeria. Le saxophone introduit seul le motif musical qu’il reprend soutenu par le groupe. La mélodie du ténor élève ensuite son chant qui croise celui de la guitare. Les improvisations du saxophone et de la guitare sont ponctuées par une section rythmique très présente. On a l’impression de suivre une procession de santeria, cette religion cubaine dérivée du culte yoruba.

Poesia Si Fin débute sur un tempo de chachacha qu’introduisent contrebasse et section rythmique. Le saxophone chante une mélodie mélancolique avant de souffler une incantation lascive aux aigus teintés de nostalgie. Il passe ensuite la main à la guitare qui fait claquer ses notes, façon Benson.

Les Mangeurs d’étoiles déroulent une voûte musicale hypnotique. Après une douce introduction du ténor sur un motif répétitif de guitare, Samy Thiébault s’enflamme et se lance dans un solo fiévreux au discours coltranien. On demeure captif du rythme lancinant et des volutes que le saxophone déroule. On est comme ensorcelé.

Sur un tempo de calypso, trombone et saxophone en totale symbiose incitent à une danse chaloupée que percussions et batterie soutiennent. Les chœurs reprennent en créole et ouvrent l’espace au trombone à la sonorité charpentée. Avec souplesse la guitare s’invite et l’on se prend à chanter avec le groupe jusqu’au bout de la nuit sur Calypsotopia.

Ballade teintée de mélancolie suave, Tanger la Negra adopte un tempo de bolero. Le ténor méditatif déroule son chant nostalgique soutenu par les accords caressants de la guitare et par les harmonies douces de la contrebasse.

Samy Thiebault©Youri Lenquette

Puerto Rican Folk Song résonne du rythme de la jibara, une musique traditionnelle de Porto Rico. Trombone et ténor entrecroisent chants et contre-chants puis dialoguent par improvisations interposées. Leurs sonorités chaleureuses et cuivrées laissent ensuite place aux percussions et aux chœurs. L’ambiance se fait envoûtante.

Sur Let Freedom Reign le trombone de Fidel Fourneyron et la flute alto de Samy Thiébault exposent la mélodie comme une incantation accompagnée par une rythmique délicate et inspirée. Le solo de trombone fait entendre une prière profane déchirante que la flute relaie.

Le ténor cisèle la mélodie et la guitare tresse les contre-chants sur Presagio qui s’amuse avec les syncopes. On se laisse porter par le flux du saxophone qui s’évade pour improviser mais redevient mélodiste avant de laisser les rythmiciens et la guitare terminer le rêve.

Librement inspiré d’un traditionnel vénézuélien, Pajarillo Verde tourne sur un tempo de valse folle que la rythmique agrémente d’un balancement propre aux Antilles. La guitare légère et sensuelle laisse le saxophone tournoyer avant de revenir au thème. L’album se termine avec Aida, une ballade qui hésite entre gravité et exaltation, entre chant volubile et sensible du ténor et soutien lumineux de la guitare.

Sur « Caribbean Stories », Samy Thiébault et ses complices tissent les fils des musiques issues de la Caraïbe et d’autres ailleurs. Ils les combinent en un ouvrage singulier et poétique. Dix plages, dix atmosphères différentes, dix histoires captivantes. Au final, un disque envoutant et ressourçant pour aborder l’automne avec le soleil entre les oreilles et dans le corps.

Rendez-vous le 15 novembre 2018 à Paris au Café de la Danse pour le concert de sortie de l’album de Samy Thiébault « Caribbean Stories ». Un moment à ne manquer pour retrouver Hugo Lippi (guitare), Ralph Lavital (guitare), Felipe Cabrera (contrebasse), Arnaud Dolmen (batterie), Inor Sotolongo (percussions) et Daniel Zimmerman (trombone).

Un riche carnet de voyage

Après deux albums et deux ans de tournée en Asie et en Europe, EYM trio revient le 21 septembre 2018 avec « Sadhana ». L’album déroule un récit à plusieurs voix. EYM Trio invite la chanteuse Mirande Shah et le guitariste Gilad Hekselman.

Depuis 2011, EYM trio propose un jazz acoustique où Elie Dufour (piano), Marc Michel (batterie) et Yann Phayphet (contrebasse) intègrent dans leur musique des influences venues d’ailleurs.

Après avoir accueilli le joueur de oud Mohamed Abozekry et l’accordéoniste tzigane Marian Badoï sur « Khamsin », EYM Trio invite la chanteuse indienne Mirande Shah et le guitariste new-yorkais Gilad Hekselman sur « Sandhana » (Kollision Prod/Melmax Music/L’Autre Distribution) le troisième album du groupe, annoncé pour le 21 septembre 2018.

« Sadhana »

Composé en trois mois l’album condense à la fois les expériences scéniques du groupe, les nouvelles influences qu’ils sont allés quérir en Inde et à New-York, l’état d’esprit du groupe et le processus de création depuis la composition jusqu’à la pochette.

Avec son titre, le disque annonce l’état d’esprit qui a animé le processus de création de l’album : « se fixer pour objectif d’apprendre quelque chose de nouveau chaque jour ». Le terme Sadhana évoque aussi la répétition d’un motif jusqu’à la perfection.

Influences

« Sadhana » résonne des échos de l’Inde. En effet sur trois titres, Vakratunda, Namaste! et Left Alone, le groupe accueille Mirande Shah. La voix envoûtante de la chanteuse dépayse la musique dans une altérité riche en couleurs et en sensations.

Outre ces échos d’Orient, « Sadhana » propose d’autres titres qui se veulent exempts de métissage musical et font référence à un jazz moderne. Ainsi sur deux compositions du batteur I’m travelling Alone et Still standing, le trio invite le guitariste new-yorkais Gilad Hekselman avec lequel s’instaure un dialogue fécond.

La syntaxe musicale du groupe puise aussi dans d’autres univers. Ainsi dans ses deux compositions, Borders et Paradiso Perduto, le pianiste explore d’autres ailleurs qu’on devine issus d’un orient proche de la méditerranée.

Sur EYM Expériment on a souri aux motifs répétitifs tout à fait maitrisés que propose le titre. On s’est aussi amusé sur Mozaïque et ses dédales rythmiques où jamais les musiciens ne s’égarent.

Sur « Sadhana », EYM Trio propose des paysages musicaux reflets d’influences diversifiés. L’album restitue une musique ouverte à un pluralisme musical qui devrait convaincre son public.

Pour découvrir l’univers de « Sadhana » et écouter EYM Trio plusieurs rendez-vous à l’horizon. A Lyon, le 13 septembre 2018 à l‘Auditorium André Malraux dans les locaux de l’Université Lyon3 sur le site de la Manufacture des Tabacs. A Paris, le 19 septembre à 21h au Studio de l’Ermitage. 

La délicate poésie d’un jazz intemporel

« Infinite », le dernier opus du pianiste Jean-Pierre Como, vibre de musicalité. Sereine, la musique navigue entre douceur feutrée et ardeur maîtrisée. Le jazz sensible et poétique de l’album dégage un charme auquel il est difficile de résister.

Sorti le 07 septembre 2018, « Infinite » (L’Ame Soeur/Socadisc) réunit Christophe Panzani (saxophones soprano et ténor), Bruno Schorp (contrebasse) et Rémi Vignolo (batterie) autour du pianiste et compositeur Jean-Pierre Como.

Pour son onzième album, le leader a favorisé l’expression des musiciens en temps réel. Comme il le précise, le disque résulte d’un « projet collectif » né « d’une inspiration plus orale qu’écrite ».

« Infinite » témoigne du dynamisme créatif des quatre interprètes. Leurs interactions fécondes ont enrichi l’écriture de la partition originelle qui compte neuf compositions originales de Jean-Pierre Como et deux titres écrits par Rémi Vignolo. Il en ressort cinquante-cinq minutes d’un jazz lyrique distillé via le dialogue permanent des quatre musiciens complices.

Les musiciens

Christophe Panzani use de ses saxophones comme des pinceaux pour dessiner des volutes de tendresse et des arcs de volupté. La contrebasse de Bruno Shorp libère des ondes de force tempérées par de mélodieuses expressions. Rémy Vignolo fait sonner sa batterie avec une souplesse qui n’oublie pas de s’abreuver aux sources de Vulcain.

Labellisé « Artiste Steinway » en mai 2018, Jean-Pierre Como a rejoint la grande famille des Artistes Steinway au même titre que Keith Jarrett, Ahmad Jamal et Diana Krall dans le monde du jazz. Sur son Steinway le pianiste libère de fluides envolées lyriques, dessine de tendres mélodies poétiques, égrène avec subtilité des notes comme des perles cristallines. Avec délicatesse il utilise ses claviers pour nuancer les couleurs ou stimuler son propos.

Impressions musicales

On se laisse embarquer dans un voyage musical. On navigue sereinement sur de superbes textures harmoniques au gré de mélodies tournoyantes et de ballades poétiques.

I Remember ouvre l’album sur un climat crépusculaire. Grâce au re-recording, les saxophones de Christophe Panzani dialoguent. Inspirées par le jeu serein du piano et portées par une section rythmique tellurique, les notes du soprano tournoient avec superbe dans l’espace musical.

La ballade mélancolique Little Man met en valeur le style épuré de Jean-Pierre Como qui accompagne la lamentation du saxophone. Sur Lucky Day le climat se fait funky et laisse libre court au jeu souple et musclé du ténor et au phrasé gospellisant du piano.

Saxophones ténor et soprano croisent leurs chants sur Olinda. Ils créent un climat de tension qui inspire une superbe improvisation du piano soutenu par la puissance rythmique impulsée par Rémi Vignolo et Bruno Schorp. Sur Wonderland l’atmosphère devient plus onirique et l’on pénètre dans le pays des merveilles du quartet. Au sortir d’ombrageux sentiers foulés par la contrebasse et le saxophone, le piano voltige solo et déclenche un vertige proche de l’ivresse.

On se prend à chantonner sur le tempo chaloupé de La Sorrentina composée par Rémi Vignolo. Exposée à l’unisson par le ténor et le piano la mélodie enchante. On est ensuite chaviré par la courte mais volubile improvisation de Como qui inspire à Panzani une incandescente intervention.

On succombe plus tard au plaisir d’écouter Song for Wayne qui évoque de fort belle manière l’univers de Wayne Shorter. Dans les aigus, le soprano de Panzani évoque à s’y méprendre les inflexions ensorcelantes de Shorter. Magnifique clin d’oeil !

Sur Midnignt Sun le soprano s’envole. Avec Esquisse, on plonge dans un tableau musical bucolique où la contrebasse boisée devise sereinement avec le piano autour de la mélodie avant que les deux instruments n’entrelacent leurs improvisations délicates et raffinées. La sonorité chaleureuse du ténor renforce le climat de paisible sérénité.

Advient ensuite l’exquise ballade, In The Mood for Dreams. La mélodie inspire tout à tour le ténor et le piano qui rivalisent de sensibilité dans leurs expressions. Le son voilé du premier précède le jeu profond du second. Un moment de grâce indicible mais palpable.

L’album se termine avec Le temps d’un instant dont l’introduction piano/ténor évoque brièvement les couleurs sonores du label ECM. Le piano devient ensuite volubile avant de laisser place au lyrisme du saxophone qui s’envole mû par une fougue inspirée.

Sur « Infinite », le dialogue des musiciens libère un jazz intemporel où douceur et force s’entremêlent. Fondé sur la richesse et la spontanéité des échanges, l’album de Jean-Pierre Como navigue entre tendresse et lyrisme, entre délicate sensualité et sereine poésie. Un album incontournable à écouter en boucle.

Rendez-vous le 12 novembre 2018 à 21h au Studio de l’Ermitage à Paris pour le concert de sortie de l’album « Infinite ». Avec sur scène, Christophe Panzani (saxophones), Bruno Schorp (contrebasse) et Rémi Vignolo réunis autour de Jean-Pierre Como (piano).

Époustouflant de bout en bout

Après avoir exploré le monde de Mingus, le contrebassiste Jacques Vidal revient à la composition. « Hymn », son nouvel album enregistré en quintet, apporte une respiration oxygénée et inspirée sur l’actualité jazz de cet automne 2018. Un opus passionnant qui résonne de l’histoire du jazz.

Durant les onze dernières années, le contrebassiste Jacques Vidal s’est immergé dans la musique de Mingus. Alors qu’il ressent le désir de créer de nouveau et de se remettre à l’écriture, survient un fâcheux accident qui l’immobilise durant quelques semaines. Privé de sa contrebasse dont il ne peut plus jouer, il consacre alors son temps et son énergie à composer.

L’inspiration ne le lâche pas et il noircit les portées avec bonheur. Jacques Vidal conçoit onze thèmes en pensant aux musiciens avec lesquels il souhaite s’exprimer.

Avec eux il enchaîne ensuite le travail de mise au point durant les répétitions et en octobre 2017 il enregistre les musiques dans le Studio Midilive à Villetaneuse. Emmanuel Gallet réalise la prise de son et le mixage, Raphaël Jonin se charge du mastering et Jeremy Soudant le graphisme de la pochette…

… et l’album « Hymn » (Label Soupir Editions/Distribution Socadisc) sort le 07 septembre 2018.

Les musiciens

Pour cette nouvelle aventure musicale, Jacques Vidal souhaite réintroduire un instrument absent de ses dernières formations, le piano. Il le confie à Richard Turegano et appelle Philippe Soirat comme maître des toms et cymbales.

A ces deux compagnons souvent présents à ses côtés lors de ses concerts thématiques, il adjoint un duo de soufflants déjà présents sur « Mingus Spirit (2007), « Fables for Mingus » (2011) et « Cuernavaca » (2014), le saxophoniste altiste Pierrick Pedron et le tromboniste Daniel Zimmermann.

Voilà Jacques Vidal à la tête d’un quintet de jazz de belle facture ! De superbes techniciens qui sont aussi de sensibles interprètes et des improvisateurs de premier plan. Chacun met son énergie et sa créativité au service du collectif. Réuni autour des thèmes proposés par le compositeur, le quintet s’approprie les mélodies, sculpte les rythmes et crée de superbes climats harmoniques.

Impressions musicales

Les onze titres de l’album « Hymn » traversent l’histoire du jazz.

L’album ouvre avec To dance un thème qui annonce la couleur car jazz et danse sont liées depuis longtemps. Ce thème groovy suscite en effet l’envie de danser. Le piano s’en donne à cœur joie et les soufflants échangent avec enthousiasme portés par une section rythmique énergique. La ballade Charles Mingus’Sound of Love semble écrite pour Pierrick Pedron. Sur un tempo flottant la voix déchirante du saxophone alto est enrobée par le fluide contrechant du trombone à la sonorité charnelle. Un moment sensible, suave comme un amour naissant.

Exposé à l’unisson par le saxophone alto et le trombone le thème Spirit ouvre avec une belle énergie puis un solo de contrebasse fait évoluer le climat. Le trombone investit l’espace. Il développe un lumineux chorus avant de retrouver l’alto pour un échange empreint de liberté qui précède le retour du quintet sur le thème.

Sur le tempo médium de Walk in New-York, l’alto tient un discours enflammé avant de céder la parole au piano qui lui répond avec une fougue contrôlée. L’ambiance stellaire de Miles sied au trombone de Daniel Zimmermann qui parvient à évoquer les textures et les couleurs davisiennes. Après le solo aérien du piano l’archet de la contrebasse fait entendre son chant apaisé.

Jazz Attitude sert de prétexte aux cinq protagonistes pour swinguer et rappeler les fondamentaux d’un jazz tout en souplesse qu’il fait bon savourer. La sonorité boisée de la contrebasse ouvre ensuite le thème qui donne son nom à l’album. Le trombone et le chant grave de Jacques Vidal instaurent sur Hymn un climat empreint de spiritualité.

Les soufflants débordent d’énergie sur Phrygian Mode. Un court solo de Philippe Soirat déroule le tremplin pour l’alto qui en profite pour virevolter dans les hautes sphères, soutenu dans cet exercice de virtuosité par le trio piano/contrebasse/batterie plus soudé que jamais.

Ce même trio interprète Alice qui advient comme une respiration. Au départ une simple impro, Alice est devenue une véritable composition avec et pour Richard Turegano. Après ce doux répit la parole est confiée à l’archet et à la contrebasse. Les Variations sur le thème d’Alice tissent un espace de recueillement proche du sacré.

L’album se termine de manière intense et bluesy avec Funky Blues dont la rythmique incite au mouvement et renoue avec les racines d’un jazz immémorial.

On se réjouit du retour de Jacques Vidal à la composition. Fin coloriste il juxtapose avec habileté des climats contrastés, des esthétiques aux rythmiques alternées, des expressions nuancées où se côtoient allégresse et spiritualité, entrain et répit, paroxysme et recueillement. Puisse cet « Hymn » au jazz riche en couleurs résonner largement et obtenir le succès qu’il mérite.

Pour savourer le quintessence de la musique du Quintet de Jacques Vidal et écouter live le répertoire de l’album « Hymn », RV à Paris les 28 & 29 septembre 2018 à 21h30 au Sunside et le 10 décembre 2018 à au Pan Piper.