Fenêtre ouverte sur l’amour

Sur son nouvel opus « The Window », la chanteuse Cecil McLorin Salvant propose un répertoire consacré aux chansons d’amour. Dans la grande tradition des duos voix/piano elle décline avec Sullivan Fortner les différents aspects ce sentiment. Un album d’une grande sobriété, habité de bout en bout par une musicalité peu commune.

Une année après son double album « Dreams and Daggers » enregistré live au Village Vanguard, la chanteuse Cecil McLorin Salvant est de retour le 28 septembre 2018 avec « The Window » (Mack Avenue/PIAS).

Elle fait le choix d’interpréter dix-sept chansons d’amour en duo avec le pianiste Sullivan Fortner, nouveau venu des scènes américaines.

Cecil McLorin ouvre une fenêtre sur l’amour dont elle révèle plusieurs perspectives. Jamais sentimentaliste, elle parvient avec sobriété à visiter un répertoire très large.

Depuis des reprises de Richard Rodgers, Stephen Sondheim et Stevie Wonder jusqu’à des compositions personnelles sans omettre un tour du côté du cabaret, du Rhythm and Blues avec une échappée vers West Side Story, elle explore et révèle l’amour sous toutes ses formes. Avec elle on plonge dans un univers d’une musicalité savoureuse qui, en arrière fond, résonne de l’empreinte du blues.

Une fois encore on apprécie la précision de sa diction et cette aisance avec laquelle elle fait varier son expression. Sa voix agile use sans abuser des écarts, des glissandos. Avec souplesse elle maîtrise toutes les nuances du chant, de la plus intime douceur à la ferveur extrême, sans jamais donner l’impression de forcer.

On perçoit tout au long de l’album et en particulier sur les titres enregistrés live, la grande complicité qui existe entre la chanteuse et le pianiste dont le jeu se coule dans la trace du chant. Son accompagnement très nuancé met en valeur les contrastes de la voix et les couleurs des morceaux.

Les dix-sept chansons déclinent un arc en ciel d’atmosphères où le duo jongle avec aisance d’un climat à un autre.

Le romantisme de The Sweetest Sounds de Richard Rodgers contraste avec l’allégresse gracieuse de One Step. La voix susurre la ballade intimiste Visions et devient ensuite sensuelle sur Obsessions où elle caresse les mots.

Le chant se fait déchirant sur Ever Since the One I love’s Been Gone où le piano étincelle. Cecil McLorin Salvant adopte en français le ton de la confidence sur une de ses compositions, A Clef. Avec légèreté et souplesse le duo interprète Wild is love et s’exprime avec une délicatesse exquise sur Trouble is a Man.

Le tempo de rumba sied à Where Thine alors que J’ai le cafard, vieille chanson du répertoire français adopte un rythme de valse polka. Tell me why des Beatles déborde de sensualité. Le piano se charge d’humour sur I’ve Got Your Number alors qu’il adopte un accompagnement stride pour accompagner By Myself.

On sourit au timbre enfantin que la chanteuse adopte sur Everything I Got belongs To You de Richard Rodgers. Sur la reprise de Somewhere de West Side Story enregistré live, la voix pose des inflexions d’espoir relayées par le jeu riche et scintillant du piano qui cite America et d’autres pièces de l’œuvre de Bernstein.

On a retrouvé sur By Myself des modulations agiles chez Cecil McLorin qui rappellent la voix d’Ella Fitzgerald. La jeune chanteuse fait d’ailleurs un hommage à son ainée en interprétant The Gentleman is a Dope que la grand Ella aimait chanter.

La version live de Peacoks avec la saxophoniste Melissa Aldana constitue un des moments les plus forts de cet album.

Même si l’on savoure avec délice « The Window », cet album au propos totalement maîtrisé, il demeure qu’on goûterait volontiers que Cecil McLorin Salvant ouvre sa discographie sur d’autres fenêtres de l’art du chant et dépayse son propos pour nous surprendre de nouveau.

Elégance, audace et vitalité

« The Paname Papers » fait partie des belles surprises de la rentrée discographique de l’automne 2018. Proposé par le talentueux Jon Urrutia Trio, l’album séduit par sa vitalité. Les neuf compositions originales du leader restituent l’éventail de ses influences. Une combinaison réussie de modernité, d’audace et de virtuosité. Surprenant de maturité et de maîtrise.

Sorti le 27 septembre 2018, l’album « Paname Papers » (Errabal Jazz) est propulsé par le pianiste franco-espagnol Jon Urrutia-Monnot à la tête de son trio. Il est entouré de deux talentueux musiciens natifs du sud de la France, Damien Varaillon (contrebasse) et Stephane Adsuar (batterie) avec lesquels il a noué une belle complicité, ce dont témoigne l’album.

Un atout de cet opus est de faire coexister une grande fluidité avec des influences musicales multiples. En effet le répertoire reflète différents courants du jazz et s’appuie aussi sur la musique classique/contemporaine ou les musiques improvisées. « The Paname Papers » combine des rythmiques et des textures issues de musiques teintées des cultures françaises, espagnoles et américaines.

Entre tradition et modernité, les neuf morceaux de l’album « The Paname Papers » vibrent de mélodies élégantes et d’improvisations libérées. La musique est servie par le talent et la créativité des trois instrumentistes très complices du Jon Urrutia trio.

« The Paname Papers »

Fondé à Paris, en 2017, le Jon Urrutia Trio est né de plusieurs rencontres et collaborations des musiciens lors de sessions. Au regard de leur entente le trio développe de belles interactions et décide d’aller en studio en automne 2017 pour enregistrer un répertoire de neuf compositions originales de Jon Urrutia.

L’album « The Paname Papers » est enregistré les 22 et 23 novembre 2017 au studio de Meudon par Clément Garel. Il est édité et mixé les 24 et 25 novembre 2017 par Julien Bassères et Jon Urrutia et mastérisé par Julien Bassères.

Les neuf titres de « Paname Papers » restituent les différentes influences constitutives de la personnalité musicale du leader Jon Urrutia. Sans se tromper, on peut le qualifier de musicien éclectique et sans frontières, ce dont témoigne son cursus musical.

Jon Urrutia

Le pianiste franco-espagnol Jon Urrutia-Monnot entreprend des études classiques au « Conservatoire Arriaga » de Bilbao en Espagne puis poursuit au « College for the Arts Arnhem » à Artez en Hollande avec Rob van der Broek et Robert Jan Vermeulen, à Paris avec Bernard Maury au Conservatoire « Nadia et Lily Boulanger » du 9ème arrondissement et à la « Bill Evans Piano Academy ».

Après avoir obtenu une bourse de mérite, le pianiste va étudier au Berklee College of Music de Boston, de l’automne 1998 à l’hiver 2000. Il a alors pour professeurs rien moins que Danilo Perez, Ray Santisi, Laszlo Gardony, Paul Schmeling, Alon Yavnai, Allain Mallet et Edward Bedner. Son séjour Outre Atlantique lui permet de côtoyer la fine fleur des musiciens américains. A son retour en France il obtient les diplômes requis pour pouvoir enseigner le piano jazz et poursuit aussi des recherches musicologiques autour de l’improvisation.

De ce parcours très riche découlent de nombreuses collaborations scéniques et discographiques qui ont contribué à enrichir la pratique et l’inspiration de Jon Urrutia. Il a en effet eu l’occasion de jouer avec des musiciens de renommée internationale tels que George Garzone, Perico Sambeat, Oscar Stagnaro, Sunny Murray, Bill Pierce, Jorge Pardo, Francisco Mela, Jaleel Shaw, Mario Rossy, Ferenc Nemeth ou Gilad Hekselman. Aujourd’hui, le pianiste combine activités pédagogique et artistique.

Ce parcours musical riche en expériences a permis à Jon Urrutia de développer sa technique et son style personnel et a aussi contribué à enrichir sa sensibilité artistique, son inspiration et son écriture, dont l’album « The Paname Papers » est le témoignage.

Impressions musicales

Au fil des neuf titres coexistent une élégance quelque peu sophistiquée, des vibrations audacieuses, de joyeuses et dynamiques interactions. L’entrain complice et la réactivité de chaque instant qui lient les trois musiciens leur permet de mettre leur virtuosité au service de leur musique. Du répertoire rayonne une atmosphère généreuse et joyeuse teintée parfois d’accents bluesy ou de riches ambiances latines.

Sur la grille ré harmonisée de Donna Lee, Dona Kubik est irriguée du jeu pianistique de Jon Urrutia. La section rythmique très réactive soutient avec brio l’improvisation du leader qui alterne césures et traits fulgurants, comme des clins d’oeil à Fred Hersh et aussi à Monk peut-être. Advient ensuite Valse pour Nono, qui débute comme une comptine avec une boucle jouée sur un tempo ternaire. Le solo du pianiste s’épaissit ensuite de phrases mélodiques qui enchantent et intensifient le propos. Porteur d’une tendre mélancolie le thème se souvient d’un être proche.

Contrebasse et piano se font bluesy sur l’introduction du thème Entartetes Blues. Soutenu par la pulse continue de la contrebasse et de la batterie qui poussent fort le tempo, le piano développe son improvisation à travers des lignes groovy et étincelantes riches en citations. Le trio projette ensuite une Fantaisie Onirique et l’on embarque avec eux sur cette musique aux accents cinématographiques. Une rêverie musicale où le solo mélodieux de la contrebasse engage à la volupté.

Entropical Cha résonne des influences latines du pianiste qui fait chanter la mélodie puis développe avec aisance et virtuosité son improvisation. Avec fougue la batterie prend le relais dans un solo caliente. La structure rythmique complexe de Fourth Element génère un swing moderne que le trio en parfaite symbiose truffe de citations jazzy.

Pris sur un tempo médium, Pasos Enanos survient comme une respiration. Après le solo expressif de la contrebasse, celui du pianiste se métamorphose comme porté par un élan vital perceptible.

Si The Paname Papers fait par son titre clin d’oeil allusif à la lourdeur du dispositif administratif français, on présume que les musiciens y font face sans problème tout comme ils s’emparent et maîtrisent ce thème dynamique. Dans ce morceau vif et percussif on perçoit comme des échos du style d’Ahmad Jamal dans le jeu du piano. L’improvisation incisive de la batterie est du meilleur effet.

L’album se termine avec La Caravana Amarilla. On se laisse capturer par une belle mélodie qui débute un voyage musical dépaysant à travers l’Espagne et son flamenco. A la toute fin du morceau, le batteur délaisse peaux, baguettes et cymbales et pratique les palmas pour conclure ce morceau dont le rythme de base doit beaucoup à celui de la bulería.

Les neuf titres composés par Jon Urrutia et interprétés avec talent par un trio interactif font de « Paname Papers » (Errabal Jazz) un album à la fois dynamique et élégant. Sorti le 27 septembre 2018, cet opus propose une musique riche et un rien sophistiquée. Empreint de modernité et fondé sur de multiples influences, « Paname Papers » vibre d’un entrain communicatif. Une pépite à ne pas rater !

Groove, swing et bonne humeur

Toujours dynamique, John Scofield revient avec une nouvelle proposition musicale pour ses 66 ans qu’il fête ainsi de belle manière. Pour l’occasion il sort « Combo 66 » avec neuf nouveaux morceaux. Entouré d’un quartet de choc, le guitariste demeure une voix majeure du jazz. Il renouvelle son propos qui sonne plus swing et plus joyeux que jamais.

La sortie d’un nouvel album de John Scofield, en l’occurrence « Combo 66 » (Verve/Universal) annoncé pour le 28 septembre 2018, est un évènement réjouissant qui vaut d’être salué.

En effet, le dynamisme de John Scofield est à la hauteur de son talent. Capable de jouer dans les contextes les plus variés (fusion, funk, blues, bebop, country, drum-n-bass, avant-garde ou même pop), il conserve sur son instrument cette voix unique qui le rend reconnaissable entre tous et fait de lui un instrumentiste unique.

Une riche production discographique

Après quarante ans d’enregistrements et une discographie pléthorique, la production récente du guitariste John Scofield ne faiblit ni en quantité ni en et qualité. De 2010 à 2015 rien moins que huit albums.

Après « Past present » (Impulse/Universal) sorti en 2015 avec Bill Stewart (batterie), Joe Lovano (saxophone) et Larry Grenadier (contrebasse), John Scofield a réuni Steve Swallow (basse), Larry Goldings (piano) et Bill Stewart sur le superbe « Country For Old Men » (Impulse!/Universal) sorti en 2016. L’album a été d’ailleurs été récompensé par le Grammy du meilleur album de jazz instrumental et du meilleur solo de jazz improvisé pour le solo sur I’m so lonesome I Could cry.

En 2017 il continue et forme un nouveau quartet, le quartet Hudson, avec Jack DeJohnette (batterie), Larry Grenadier (contrebasse) et John Medeski (clavier) et il sort un album éponyme suivi d’une tournée internationale.

En 2018, John Scofield renouvelle encore son inspiration pour son nouvel opus « Combo 66 ».

« Combo 66 »

Le guitariste toujours très inspiré compose neuf morceaux pour son nouvel album qu’il a décidé de nommer « Combo 66 » en référence à son âge et aussi à ce nombre « 66 » qu’il associe à des musiques superbes comme le morceau « Route 66 » ou l’album « Brasil 66 ».

Nouveau projet… nouveau combo acoustique. John Scofied forme donc un nouveau quartet auquel participe le toujours fidèle Bill Stewart à ses côtés depuis 1972. Pour la première fois le leader intègre un clavier dans son quartet acoustique, celui de Gerald Clayton auquel se joint le contrebassiste Vicente Archer que l’on a coutume d’écouter au sein du trio de Robert Glasper.

Impressions musicales

L’album ouvre avec le souriant I Can’t Dance. Si le leader avoue son incapacité à danser, il possède par contre un sens incroyable du swing qui habite totalement ce thème. La guitare joyeuse et entraînante est accompagnée par les sons feutrés de l’orgue. Après l’improvisation échevelée de la guitare sur une ligne continue de walkin’basse, l’orgue enchaîne un solo ludique aux sonorités peu communes.

Sur une boucle répétitive et ronflante du duo basse/batterie, la guitare expose le serein Combo Theme puis part dans un solo plein de swing et de drôlerie suivi par une improvisation lumineuse du piano acoustique. On vibre au tempo accéléré du morceau Icons at the Fair où la guitare se fait incisive avec quelques effets de saturation. Le piano et la section rythmique poussent le leader et le morceau prend feu.

On a un faible pour Willa Jean et son ambiance country où le piano lyrique incite à la danse alors que la batterie découpe le tempo qu’elle rend presque bancal. Le titre fait référence à la petite fille de John Scofield.

Uncle Southern restitue les ambiances du sud des États-Unis dont la mère du guitariste est originaire. Sur un rythme medium que la contrebasse tellurique tient solidement,la guitare chante une complainte. Le climat gospel s’accentue par l’intervention du clavier qui évoque la sonorité d’un orgue.

Avec Dang Swing le bal est ouvert. On sautille littéralement sur le tempo rapide du morceau. Les stop chorus dynamisent le solo de guitare qui hésite entre country et blues. Le piano et la contrebasse y vont chacun de leur improvisation et accentuent le côté swing du morceau. Un vrai régal !

L’orgue ouvre New Waltzo dont les climats changent de couleur au fur et à mesure que la valse tourne. L’orgue aux sonorités chaleureuses dialogue avec la guitare lyrique et souriante qui balance entre rock et jazz. Batterie et contrebasse poussent le clavier qui délivre un solo fiévreux aux sonorités grinçantes.

Apaisé, on aspire au sommeil à l’écoute de la superbe ballade I’m sleepin’ In. Calme et sensible la guitare caresse la mélodie et son chant suave évoque celui d’une voix qui fredonne une berceuse. On savoure ces cinq minutes de rêverie éveillée.

L’album se termine avec le splendide et mélodique King of Belgium au swing irrésistible composé par John Scofield en hommage au grand harmoniciste belge Toot Thielemans. Émaillé de citations de grands standards, il honore la grande culture jazz qui était celle de Toots toujours si prompt à citer les grands maîtres du style.

Avec « Combo 66 » le guitariste John Scofield grave un nouvel opus où il fait une fois de plus la synthèse entre les styles musicaux qu’il affectionne. Sa musique toujours inventive se targue de toujours soigner la mélodie sans omettre d’offrir des improvisations époustouflantes. Jamais savante, toujours avenante, sa musique comble par une modernité ancrée dans une histoire musicale qui inclut autant le jazz que les autres styles que le guitariste affectionne, du rock au blues en passant par la country. Une musique à mettre entre toutes les oreilles. Il reste à espérer que les programmateurs de l’hexogone invitent le nouveau projet de John Scofield !

Hommage à Bill Withers

Le 28 septembre 2018, le chanteur Jose James sort « Lean on Me » chez Blue Note. Un album-hommage à un de ses héros, Bill Withers, Il reprend douze titres du grand soulman des années 70. Un opus fidèle à l’esprit des chansons de celui qu’il honore.

Jose James revient le 28 septembre 2018 avec l’album « Lean on Me » (Blue Note/Universal) qui célèbre Bill Withers, le chanteur de soul des années 70/80 dont le dernier album date de 1985.

Ce quatrième album chez Blue Note est aussi le huitième du chanteur.

Avant « Lean on Me »

« Lean on Me » se situe loin de “For all we know“ sorti en 2010 chez Impulse où Jose James honore le jazz en duo avec Jeff Neve et de « Yesterday I Had The Blues », son hommage fort réussi à Billie Holiday sorti en 2015 chez Blue Note.

Il est vrai que depuis “No beginnig no end“, son premier album paru en 2013 chez Blue Note, Jose James a pris ses distances vis à vis du jazz. C’est apparu plus flagrant encore en 2017 sur son quatrième album chez Blue Note « Love in a Time of Madness » qui mêle à ravir soul, pop, électro, gospel, jazz, funk et fait triompher le R&B.

« Lean on Me »

C’est dans le légendaire studio B de Capitol que Jose James enregistre « Lean on Me » produit par Don Was, le président du label Blue Note. Pour son quatrième album sous le prestigieux label, le chanteur fait le choix de revenir avec les musiciens présents à ses côtés sur “No beginnig no end“.

Autour de lui se retrouvent le bassiste Pino Palladino, le claviériste Kris Bowers, le guitariste Brad Allen Williams et le batteur Nate Smith.

Quelques invités enrichissent le propos de l’album par leurs interventions, Lalah Hathaway (chant), Dave McMurray (flûte), Takuya Kuroda (trompette), Lenny Castro (congas) et Marcus Strickland (saxophone ténor).  

Impressions musicales

On est frappé par la sensualité du titre d’ouverture Ain’t No Sunshine. On est ensuite ému par la poésie de Grandma’s Hands mais on retrouve le sourire à l’écoute de la dimension pop du titre Lovely Day. En effet, on savoure la joie ineffable que procure la version à deux voix de ce titre sur lequel Lalah Hathaway rejoint Jose James.

On vibre à l’écoute de Lean on Me transformé en hymne imprégné de délicates influences de gospel. On réécoute plusieurs fois Kissing my Love transcendé par la flute de Dave McMurray et propulsé par la batterie sur un beat d’enfer. On se laisse aller à rêver quand résonnent les arrangements cuivrés du trompettiste Takuya Kuroda sur Use Me à l’ambiance quelque peu anxiogène.

On apprécie les interventions délicates du conguero Lenny Castro qui allègent le rythme inexorable de Who is He. On savoure la tendresse rêveuse de la ballade Hello Like Before où coexistent le rythme de bossa lancinant de la guitare et le chorus lyrique du clavier.

On est captivé par l’interprétation de Just The Two of us où le solo du saxophoniste Marcus Strickland transforme avec bonheur la mélancolie en un moment d’espérance. La guitare, la voix et la basse donnent à Hope She’ll Be Happier une atmosphère de désespoir auquel on n’entrevoit guère d’issue.

Heureusement The Same Love That Made Me Laugh vient impulser un espoir plein d’une soul funky et joyeuse. On survit à Better off Dead qui termine l’album avec panache… et l’on remet l’album en boucle pour mieux le savourer

Aujourd’hui point de hip-hop, ni de mélange de genre musical sur « Lean on Me ». C’est d’une voix chaude et suave que Jose James interprète les douze titres de « Lean on Me », ce qui convient au demeurant tout à fait à l’album. Il chante avec tendresse et sensibilité les morceaux qu’il a choisi parmi le répertoire de Bill Withers. De la soul groovy teintée de bleu.

Un tribut nostalgique et singulier

Avec son nouvel album « Early in the Morning' » Samuel Blaser célèbre l’universalité du blues. Éléments fondamentaux du blues et du jazz, la mélodie et le rythme irriguent le disque. Un opus inspiré qui vibre d’une mélancolie habitée par une force vitale peu commune.

Sur « Early in the Mornin' » (OutNote Records/Outhere Music) à paraître le 21 septembre 2018, le tromboniste et compositeur Samuel Blaser explore le blues sans s’éloigner de ce qui anime son jeu, la recherche d’une expression libre et authentique. Il célèbre la mélodie de ces blues issus des work songs, de la country, de la folk anglaise et irlandaise.

L’album

Ce sixième album du tromboniste à la tête de son quartet réunit Russ Lossing (piano, Fender rhodes, wurlitzer, Clavinet, Hammond, minimoog), le contrebassiste Masa Kamaguchi et le batteur Gerry Hemingway. L’album accueille deux invités de marque, deux géants du jazz, le saxophoniste alto Oliver Lake et le trompettiste Wallace Roney qui interviennent chacun sur un morceau et participent ensemble à un troisième titre.

Enregistré par Dave Darlington au Water Music Studios à New Jersey les 14 et 15 Janvier 2017 « Early in the Mornin’ » est réalisé sous la direction artistique de Robert Sadin avec qui Samuel Blaser collabore depuis 2011.

Le répertoire de l’album propose quatre compositions originales du tromboniste et cinq traditionnels dont Samuel Blaser a conçu les arrangements. Lonesome Road Blues de Sam Collins complète la liste des dix titres de « Early in the Mornin' ».

Chaleureux et libre, le jeu fluide du tromboniste muse du côté des dissonances dont il joue avec bonheur et sans excès. Lyrique et virtuose il conserve un son dont la rondeur chaleureuse et large s’accorde avec les claviers tour à tour incisifs ou rétros. La contrebasse contribue à enrichir la riche texture harmonique mais élabore aussi des lignes mélodiques très créatives.

Impressions musicales

On apprécie la belle synergie du trombone avec le saxophone alto sur Early in tne Mornin’, La section rythmique assure un tempo indéfectible. Sur The House Carpenter, la sonorité stratosphérique de la trompette rappelle les atmosphères davisiennes des années 70 alors que piano et trombone jouent post-hard-bop. Les échanges très libres du saxophone alto, de la trompette et du trombone sur Levee Camp Moan Blues font comme un clin d’oeil au monde d’Ornette Coleman.

Sur le rythme impair du lancinant Creepy Crawler le trombone pleure mais il devient prêcheur sur Black Betty. Le déstructuré et peu académique Mal’ Blues met en valeur le lyrisme et l’éclat du trombone tellurique.

On savoure l’ambiance inquiétante de Murderer’s home. Le tempo flottant assuré par la batterie inventive et la contrebasse mélodiste laisse toute liberté aux claviers et au trombone et sa sourdine pour tapisser les murs de la maison d’une étrange mélancolie cuivrée et électrique.

L’album se termine avec Lonesome Road Blues où piano, contrebasse et batterie s’entretiennent sur un rythme apparemment décalé. On se laisse captiver par cette complainte étonnante.

Un clic sur outhere music pour quelques échos de la play-list.

Sur « Early in the Mornin' », Samuel Blaser rend un hommage très personnel au blues. Fluide et libérée, sa musique projette les mélodies dans des climats singuliers. Elle lance un pont entre le blues des origines, un jazz moderne hérité d’Ornette Coleman et la musique classique contemporaine que l’improvisation enrichit de sa sève créative. Teinté de nostalgie cet opus est habité par la liberté.