Musique lumineuse et audacieuse

En trio avec Eric Harland et Harish Raghavan, le saxophoniste Walter Smith III présente « TWIO » son cinquième album en leader. Christian McBride et Joshua Redman sont invités. Du jazz exigeant qui ne manque ni de lumière ni d’audace.

Originaire du Texas et basé en Californie, le saxophoniste Walter Smith III va sortir le 09 février 2018, « TWIO » (Whirlwind Recordings), son 5ème opus en leader. En remplaçant le R de TRiO par le W de TWO le titre TWIO annonce la coexistence de deux trios même si la prononciation n’est pas forcément évidente. C’est finalement un bon moyen pour se souvenir du nom de l’album ce que rappelle aussi la vidéo qui suit…

En quinze ans de scène et cinq albums, le saxophoniste ténor Walter Smith III a eu l’occasion de se faire connaître et reconnaître en jouant dans les groupes de nombreux jazzmen, Terence Blanchard Quintet, Roy Haynes Fountain of Youth Band, Ambrose Akinmusire Quintet, Christian Scott et Sean Jones Quintette, sans compter les musiciens de ses propres groupes.

Si ses talents de compositeur sont avérés, Walter Smith III aime aussi à revisiter des thèmes classiques de jazz ce qui lui permet de faire appel sur scène ou en studio à des musiciens de la « communauté », ceux qui, comme lui ont grandi avec les standards mais ne sont pas forcément familiers de ses compositions originales.

Sur « TWIO », Walter Smith III s’exprime avec ses fidèles compagnons, le contrebassiste Harish Raghavan et le batteur Eric Harland. Sur quelques titres apparaissent en invités le contrebassiste Christian McBride et le saxophoniste Joshua Redman.

Walter Smith III, Harish Raghavan, Eric Harland.

C’est le thème de Monk, Ask me Now qui ouvre l’album. La solidité de la section rythmique permet au ténor de s’exprimer avec une grande liberté et beaucoup d’audace. Sur Nobody Else But Me de Jerome Kern, le saxophoniste surprend par son aisance à improviser en restant très proche du thème alors que la batterie propulse le rythme à grand train.

Adam’s Apple de Wayne Shorter résonne d’une grande modernité. Chorus énergique du batteur, interventions nerveuses du saxophoniste, ligne de basse obsédante, le morceau  met en évidence la grande complicité qui lie le trio. The Peacocks de Jimmy Rowles laisse transparaître la sensibilité du saxophoniste. Walter Smith III fait preuve d’une maîtrise extrême. Son chant émeut par sa sonorité déchirante et son chorus poignant.

C’est en duo que Eric Harland et Walter Smith III jouent la ballade de Carl Fischer We’ll be Together Again. Sur les douces accentuations de la batterie, le son suave et chaud du saxophone souffle et caresse la mélodie. On a dans les oreilles comme des réminiscences de Dexter Gordon.

Walter Smith III, Christian Mc Bride, Eric Harland

Sur quatre morceaux la contrebasse passe dans les mains du maître Christian Mc Bride. Sur le classique Social Call de Gigi Gryce, place à un duo saxophone/ contrebasse où les deux musiciens se promènent avec décontraction. La ligne mélodique du ténor s’enroule avec fluidité autour de la ligne de basse très souple de la contrebasse.

Le trio saxophone/ contrebasse/ batterie se fait entendre sur I’ll Be Seeing You de Sammy Fain. En suspension, le saxophone de Walter Smith III expose la mélodie avec une grande sensibilité puis sous la conduite du contrebassiste, le trio adopte un rythme médium émaillé d’un chorus énergique de McBride.

Walter Smith III, Christian Mc Bride, Eric Harland & Joshua Redman,

Avec la venue du saxophoniste Joshua Redman, le trio devient quartet. On the Trail de Ferde Grofé résonne du joyeux échange qu’entreprennent les deux ténors. Après avoir avoir exposé le thème en alternance, les deux saxophonistes joutent avec souplesse et dextérité durant six minutes sur la solide rythmique qu’assurent Harland et McBride. L’échange est amical et l’on saisit le fort potentiel de Walter Smith III qui tient tête à Joshua Redman avec une aisance remarquable. Un échange de saxophones dans la grande tradition des chase d’antan.

Sur la dernière plage de « TWIO », les deux saxophonistes attaquent à l’unisson Contrafact, une composition originale de Smith sur une métrique à 5 temps. La section rythmique déroule un tapis qui octroie toute liberté aux deux saxophones pour croiser leurs improvisations. Hormis la tonalité et l’attaque qui permet de les différencier, une approche commune  unit les deux instrumentistes. Ils terminent à l’unisson après un brillant chorus du contrebassiste.

« TWIO », le saxophoniste ténor Walter Smith III fait preuve d’une maîtrise instrumentale peu commune. Habile technicien, il inscrit son expression dans la grande filiation des maîtres de l’instrument. Sa sonorité sait se faire poignante ou chaleureuse. Fin mélodiste il déroule un chant sensible dont la fluidité séduit. Ses improvisations inventives convainquent tant par leur ancrage dans la tradition que par leur modernité sous-jacente. Un trentenaire qui compte dans le jazz du XXIème siècle.

Rythmes latins et tempo jazz fusionnent

Sur  l’album « Despertando » le batteur et percussionniste Diego Pinera explore ses racines culturelles. Un voyage plein de charme au cœur d’un univers raffiné qui serpente entre rythmiques latines et tempo jazz.

Après son dernier opus jazz « My Picture » enregistré en trio avec Mark Turner et Ben Street et sorti en 2016, Diego Pinera célèbre sur « Despertando » (ACT/Pias) son héritage culturel passé au filtre des influences qui l’ont marqué. Un jazz acoustique fortement influencé par les musiques latino-américaines.

Dix-sept ans après avoir quitté de son pays natal, l’Uruguay, Diego Pinera revient à ses origines. Né à Montevideo, le batteur s’est installé à Berlin en 2003 après avoir étudié au Berklee College of Music à Boston puis à la Havane et à Leipzig. Son approche musicale fait de lui un batteur au style très ouvert qui utilise autant les percussions que la batterie. Sur « Despertando » on l’entend aussi au steel-drum qui apporte des couleurs tropicales à Once Pasos et Despertando.

Sur « Despertando », Diego PInera s’est entouré de quatre talentueux musiciens dont les interventions définissent un climat harmonique, mélodique et rythmique souple et raffiné. Le pianiste et accordéoniste Tino Derado, le contrebassiste Omar Rodriguez Calvo, le flutiste Daniel Manrique-Smith et le trompettiste Julian Wasserfuhr.

Le choix du répertoire de l’album appartient en propre au leader. On retrouve des références culturelles à l’Argentine avec une interprétation très personnelle de Last Tango in Paris de Gato Barbieri et à Cuba avec une version très lyrique de La comparsa d’Ernesto Lecuona. Il paie son tribut au jazz en reprenant à sa manière les deux standards que sont Caravan de Duke Ellington et St.Thomas de Sonny Rollins.

Composé en hommage à son professeur Osvaldo Fattoruso, Osvaldo por Nueve ouvre l’album. Diego Pinera reprend Yakarito Terere une composition de son père Ramon PInera dont les arrangements très riches laissent toute latitude au piano et aux flûtes. La version de la berceuse Duerme Negrito est empreinte d’une nostalgie très douce qui renouvelle cette chanson si souvent jouée.

Sur « Despertando » Diego PInera s’affranchit de toute norme et fusionne avec subtilité et élasticité les pulsations du jazz et celles des rythmes latins. Candombe, murga et milonga s’assouplissent, jazz et rythmes cubains ondulent avec une élégance raffinée.

Tension contrôlée entre acoustique et électro

Après « Man Made Object » sorti en 2016 chez Blue Note, le trio de Manchester, Gogo Penguin annonce la sortie de son prochain album, « A Humdrum Star » sous le légendaire label Blue Note. Mélodies hypnotiques, groove viscéral et rythmique obsédante. Corps et esprit entrent en vibration.

Annoncé pour le 09 février 2018, « A Humdrum Star » (Blue Note/Decca Records), le nouvel album de Gogo Penguin s’inscrit dans l’esthétique de « V2.0 » (2014) et « Man Made Object » (premier CD signé chez Blue Note Records en 2016). Le bassiste Nick Blacka, le pianiste Chris Illingworth et le batteur Rob Turner poussent plus loin l’aventure et continuent à explorer le filon de belle manière sans pourtant le renouveler vraiment.

Né de la confrontation entre des univers très différents, le son de Gogo Penguin se distingue par la richesse de ses atmosphères. Étiquetée electronica acoustique la musique du trio de Manchester est redevable autant de la formation classique des musiciens que des années qu’ils ont passées à jouer dans des ensembles de jazz et des groupes de rock indé. Elle regarde aussi du côté de de la musique minimaliste et intègre à l’occasion des sons issus de jeux vidéo. Cet allègre mélange leur vaut d’être suivis par différents publics.

Tous les titres de l’album « A Humdrum Star », qu’ils aient été composés collectivement à partir d’une simple ligne de piano, de basse ou d’une maquette sommaire, trouvent leur origine dans un amour sans borne des trois musiciens pour la musique électronique.

Le piano se charge de tracer les mélodies hypnotiques sur lesquelles la basse apporte une dimension viscérale alors que la batterie pourvoit à la déferlante rythmique. Gogo Penguin exerce une maîtrise absolue sur le tempo et la dynamique musicale.

L’album a été enregistré alors que le groupe était en tournée et les nouveaux morceaux ont été rodés lors d’une série de concerts donnés dans l’Est de Londres. Pour la première fois, les membres du groupe ont enregistré l’intégralité de l’album à Manchester, aux studios Low Four situés dans les légendaires locaux des studios de télévision d’Old Granada.

Nick Blacka, Chris Illingworth et Rob Turner ont travaillé en grande proximité avec le producteur et ingénieur du son Joe Reiser, véritable « quatrième membre » du groupe et avec le coproducteur Brendan Williams.

Le titre de l’album a été choisi une fois l’enregistrement terminé. L’expression « A Humdrum Star » empruntée à l’astrophysicien américain Carl Sagan, restitue l’esprit de l’album : « Qui sommes nous ? Nous vivons sur une planète insignifiante gravitant autour d’une étoile banale perdue au sein d’une galaxie abandonnée dans un coin d’un univers comptant plus de galaxies que d’êtres humains ».

Une tension très bien maîtrisée entre sonorités acoustiques et électroniques traverse « A Humdrum Star » de bout en bout. On craque sur l’échange élastique piano/batterie de Strid et sur le bourdon de Prayer qui mêle mélodie et dissonances. Basse et batterie pilotent Reactor alors que le piano modèle le titre Return To Text. Sur A Hundred Moon la combinaison du rythme et d’un riff réitératif hypnotisent.

D’abord méditatif puis énergisant, Transient State ouvre les portes d’un sanctuaire shintô où est vénéré un kami (esprit). Sur Bardo, le piano ménage un espace de respiration entre ses riffs réverbérés alors que la pulsation tendue de la batterie induit le mouvement.

« A Humdrum Star », une immersion dans le cosmos de Gogo Penguin où corps et esprit entrent en vibration pour le meilleur.

Dans le bouddhisme, le bardo désigne un état intermédiaire. Se suivent le bardo entre la naissance et la mort, celui de la mort, celui de la nature et celui de la renaissance. Sur la vidéo de Bardo, de l’obscurité à la lumière, un homme âgé semble changer d’état de conscience.

Gogo Penguin est en tournée en France du 12 au 25 mars 2018. Premier-rendez-vous avec Nick Blacka, Chris Illingworth et Rob Turner le 12 mars 2018 au Café de la Danse à Paris. Les autres dates sont à retrouver sur le site de Gogo Penguin.

Musicalité, décontraction et sensibilité

Après « Arclight », le guitariste Julian Lage fait de nouveau entendre sa voix originale sur « Modern Lore » sorti le 02 février 2018. Il revient avec le contrebassiste Scott Colley et le batteur Kenny Wollesen. Entre tradition et modernisme le guitariste propose un album dynamique, sensible et ludique.

Le 02 février 2018, Julian Lage sort l’album « Modern Lore » (Mack Avenue/PIAS), son deuxième enregistrement studio en trio. Soutenu par la prodigieuse section rythmique composée du contrebassiste Scott Colley et du batteur Kenny Wollesen, le guitariste californien propose un répertoire de compositions originales où il visite et renouvelle avec sensibilité et souplesse les traditions de la guitare. Dans le rock du milieu du XXème siècle il puise puissance et dynamisme mais fait des incursions dans les mondes de Neil Young, B.B. King, McLaughlin ou d’Abercrombie.

Réalisé aux Studios Reservoir dans le centre de Manhattan, l’album « Modern Lore » a été mixé à Chicago par l’ingénieur du son Tom Schick. Très proche du guitariste, le producteur Jesse Harris (chanteur et compositeur) apporte sa contribution à la guitare acoustique sur Whatever You Say, Henry. Le claviériste Tyler Chester ajoute quelques textures subtiles à l’ouvrage.

Prodigieusement doué dès son plus jeune âge, le guitariste Julian Lage est influencé par Jim Hall. D’ailleurs il a rencontré Scott Colley et Kenny Wollesen alors qu’ils accompagnaient Jim Hall au célèbre jazz club Bay Area ou au Yoshi à Oakland en Californie. Fin technicien Julian Lage est très vite devenu virtuose et a collaboré avec divers artistes parmi lesquels Gary Burton, Bela Fleck, David Grisman, Yoko Ono, Nels Cline, Chris Eldridge, Steve Swallow et Gyan Riley.

Très dynamique « Modern Lore » restitue un climat sensible et lumineux qui ne se prive pourtant pas d’exubérance rythmique. En fait, sur les onze plages du répertoire ambiances, couleurs, rythmes et sensations varient. L’opus se profile comme un savant kaléidoscope musical qui permet de saisir toutes les nuances de l’expression lumineuse et dynamique de la guitare de Julian Lage.

Les onze plages de « Modern Lore » baignent dans une musicalité sensible et un groove dynamique. Sa technique à toute épreuve permet au guitariste de s’affranchir de tous les obstacles. Avec une fraîcheur inouïe et une souplesse décontractée, il propose des mélodies sensibles. Dans ses accompagnements et ses solos affleurent des réminiscences rockabilly, des effluves de jazz, des échos de folk et de country, des sensations de blues.

L’exubérance de Ramble le thème d’ouverture, la touffeur moite du jazz bluesy d’Atlantic Limited, le tempo folk et solide de General Thunder, la parenthèse funky de Roger The Dodger, l’incursion rock’n’roll du nostalgique Wordsmith, le riff perçant du thème Eastern Science qui agace autant qu’il enchante, le songeur Pantheon, le lyrisme hypnotique de Splendeur Riot.7.

Sur Modern Lore, la guitare virtuose de Julian Lage dévoile ses plus beaux atours. Elle délivre un astucieux mélange de brillantes mélodies, d’ambiances songeuses, de climats tempétueux, de sonorités acidulées, saturées ou tendres et sensibles. Avec aisance et décontraction, Julian Lage sort le grand jeu et joue comme il respire.

Une modernité dynamique et sensible

Deux ans après son premier opus, le trio Pericopes+1 publie « Legacy », son tout nouvel album captivant et inventif. Une construction musicale équilibrée qui fait coexister groove vitaminé et précision sensible. A découvrir absolument !

Déjà remarqué à l’occasion de la publication de son premier CD « The Human Beings » en 2015, le trio Pericopes+1 revient avec son nouvel album « Legacy » (Auand Records) annoncé pour le 02 février 2018

Le deuxième album de Pericopes+1, ce trio international conçu à Paris en 2012, est soutenu par le saxophoniste Dave Liebman et le trompettiste Enrico Rava.

A l’origine, Pericopes est un duo saxophone-piano fondé en Italie en 2007 par Emi Vernizzi et Alessandro Sgobbio. Après trois albums et des récompenses glanées en Italie, le duo commence une collaboration fructueuse avec le batteur américain Nick Wight. Le trio ainsi constitué prend le nom de Pericopes+1.

Les trois compères sillonnent l’Europe, les États-Unis et se produisent sur les scènes des festivals et celles des clubs où ils côtoient à l’occasion Stefano Battaglia, Nils Peter Molvaer et bien d’autres encore. C’est durant les tournées de présentation du CD « The Human Beings » que le trio a conçu le travail préliminaire de l’album à venir et a défini sa direction musicale que restitue son titre, « Legacy ». Un projet inspiré par un héritage aux origines variées.

Le groupe transatlantique répète pendant un mois en Pennsylvanie puis s’engage dans une résidence artistique auprès de l’Université d’Aberdeen en Écosse après quoi le trio teste le répertoire sur scène et rejoint le studio Artesuono à Udine en Italie et enregistre « Legacy ».

En décembre 2017, l’album est présenté au Festival Parma Jazz Frontier et dans d’importants autres clubs italiens. Après la sortie en France de l’album « Legacy » prévue le 02 février 2018, le trio Pericopes+1 va s’engager dans une tournée européenne entre mars et mai 2018.

Sur les dix compositions du répertoire de « Legacy », sept sont à porter au crédit du pianiste Alessandro Sgobbio. Intro et le titre éponyme ont été composés par le saxophoniste. Emiliano Vernizzi et le splendide Reverences par le batteur Nick Wight.

Une très forte prégnance rythmique règne tant sur l’expression groupale que sur celle de chaque instrumentiste. La saisissante modernité de l’album plonge ses racines au plus profond d’un héritage qui honore autant le jazz que les musiques contemporaines et populaires.

« Legacy », une musique construite comme une peinture cubiste où les couches rythmiques jaillissent, se superposent, se croisent, se brisent pour mieux renouer, se retrouver et dessiner un paysage sonore avant-gardiste. Les entrelacs rythmiques complexes octroient une liberté extrême aux solistes qui s’entendent à merveille et se stimulent mutuellement. Saxophone et piano projettent leurs traces sur la toile de la musique dont ils parachèvent la physionomie.

Sur certaines compositions comme Novembers Tears, Reverences ou Major’s 10, piano et du saxophone incrustent leurs lignes de chant sur un fond adouci. Ils évoquent des collages mélodico-harmoniques inventifs posés à dessein sur la toile musicale

Par ses découpages rythmiques impeccables, ses schémas mélodiques épurés et ses trames harmoniques complexes, la musique du trio Pericope+1 affiche sa modernité. Précise et exigeante elle ménage des trouées sensibles et poétiques qui incrustent le groove dynamique et vitaminé des dix titres de « Legacy ».

Aux commandes, le quartet Linx-Ceccarelli-Goualch-Imbert

Annoncé pour le 02 février 2018, l’album « 7000 Miles » (Sound Surveyor Music/Invivo) présente le troisième opus et le nouveau projet du quartet qui réunit David Linx (voix), André Ceccarelli (batterie), Pierre-Alain Goualch (piano, fender rhodes) et Diego Imbert (contrebasse).

En 2009, le trio formé d’André Ceccarelli à la batterie, Diego Imbert à la basse et et Pierre-Alain Goualch au piano invite David Linx pour l’enregistrement de l’album « Le Coq et la Pendule », en hommage à Claude Nougaro. Ainsi le trio devient quartet.

Après le succès discographique et scénique du projet, le groupe élabore une suite enregistrée en 2014 sur « à NOUsGARO », avec des textes inédits de Nougaro et des adaptations en anglais, mis en musique par chaque membre du groupe.

Après six ans et de nombreux concerts, le quartet élabore une nouvelle approche musicale et rentre en studio autour d’un répertoire original avec quelques reprises revisitées. De nouveau la magie opère et chaque membre s’investit à part égale.

D’emblée la première écoute permet de percevoir la cohésion qui règne entre les quatre musiciens sur l’album « 7000 Miles » (Sound Surveyor Music/Invivo).

Avec David Linx, André Ceccarelli, Pierre-Alain Goualch et Diego Imbert on embarque sur « 7000 Miles »

Complices les quatre pilotes de « 7000 Miles » proposent un voyage somptueux au-dessus d’un vertigineux paysage aux couleurs et aux rythmes mouvants. Chaque escale procure un dépaysement pourvoyeur de bonheur. On savoure la souplesse de la voix, la légèreté du jeu de la batterie au tempo toujours assuré, l’articulation délicate du piano, la rondeur du grain et la précision des notes de la contrebasse.

« 7000 Miles » vibre de rythmes lumineux, de textes denses et porteurs de messages. La voix, la batterie, le piano et la contrebasse sonnent en parfaite cohésion. Chaque titre apporte son lot de surprises et libère des pulsations qui lui sont propres. Textes et compositions vivent à part égales sur ce répertoire qui propose quatre reprises et des compositions originales.

On perçoit la proximité qui existe entre les quatre musiciens, leur intimité basée sur leur conception commune de la musique et leur écoute réciproque. On capte la grande osmose qui règne entre la voix limpide et aérienne de David Linx, les baguettes et balais du maître ès batterie qu’est André Ceccarelli, le délicat jeu de piano de Pierre-Alain Goualch et la chaleureuse sensibilité de la contrebasse de Diego Imbert.

Devenu une référence en matière de jazz vocal, David Linx libère totalement son chant. Sa voix singulière recèle à la fois une force et une délicatesse intrinsèquement liées. Au fil des titres, il retient, suspend, étire le tempo ou le pousse, l’accroche et le bouscule. Il swingue et voltige avec une maîtrise inouïe à moins qu’il ne lévite et plane en totale apesanteur.

La singularité de sa voix réside autant dans sa puissance que dans sa souplesse et la maîtrise des écarts avec des descentes profondes dans les graves suivies de montées vertigineuses dans les aigus. Ses silences et la tenue de ses notes sans aucun forçage alternent avec des improvisations où les onomatopées se bousculent ou se caressent, c’est selon.

Sur une musique de Ryuichi Sakamoto et des paroles de David Linx, le titre 7000 Miles, qui donne son nom au projet, parle de la confrontation entre Orient et Occident dans le monde actuel et de la question du positionnement difficile quand on se trouve à « 7000 miles » de l’un ou de l’autre, étant au milieu, parfois dans une périlleuse posture. Une ballade somptueuse que la voix de David Linx étire sur les lignes d’un clavier délicat et d’une contrebasse chaleureuse soutenus par la douce caresse des balais sur les peaux des toms et des cymbales.

Sur le titre d’ouverture, Poses, une reprise de Rufus Wainwright, la voix flotte comme en suspension.

Le fender-rhodes et la batterie dégagent une belle énergie sur le rythme entraînant de From One Family To Another composé par Diego Imbert. Sur America, la composition de Pierre-Alain Goualch, écrite bien avant la venue de Donald Trump à la tête des USA, David Linx a écrit un texte qui se révèle être une critique douce-amère des choix de ce pays.

Écrite en 1998 par David Linx et Daniel Goyone, la chanson Fool To Never Know déroule une douce mélodie. Un superbe chorus de contrebasse répond à la voix mais on échappe à toute sensiblerie du fait d’une rythmique tout en décalage.

Sur une idée d’André Ceccarelli, la reprise de Dock of the Bay a tout pour séduire, traité comme un standard de jazz sur un tempo dont les couleurs soul se teintent de reflets latins. Une sorte de boogaloo dont le tempo ralenti flirterait entre un groove funky et soul et des pulsations latines lascives. La batterie mène le bal, le piano ne manque pas d’aplomb, la contrebasse assure le tempo sans faillir et la voix s’amuse.

Arrangé par Pierre-Alain Goualch, le standard Night and Day se voit sérieusement modernisé par une métrique qui donne un sentiment de vertige. Des spirales vocales s’élèvent et valsent dans un ciel où les couleurs de la nuit épousent celles du jour.

Sur Distinction ressurgit l’identité de compositeur de David Linx et la puissance de son parler-chanter. L’album se termine avec The promise of You écrite en 1991 par David Linx avec le compositeur brésilien Yvan Lins. De ce titre émane une douce tendresse qui laisse augurer un possible bonheur.

Avec « 7000 Miles » on embarque sur un vol transmusical chargé d’émotions aux couleurs multiples. Loin de toute turbulence démonstrative, les échanges complices des quatre musiciens procurent une douce sensation de bien-être. A coup sûr, le pilote automatique n’est pas activé. Il règne en effet un climat d’intimité rassurante qui enchante.