Groove, swing et bonne humeur

Toujours dynamique, John Scofield revient avec une nouvelle proposition musicale pour ses 66 ans qu’il fête ainsi de belle manière. Pour l’occasion il sort « Combo 66 » avec neuf nouveaux morceaux. Entouré d’un quartet de choc, le guitariste demeure une voix majeure du jazz. Il renouvelle son propos qui sonne plus swing et plus joyeux que jamais.

La sortie d’un nouvel album de John Scofield, en l’occurrence « Combo 66 » (Verve/Universal) annoncé pour le 28 septembre 2018, est un évènement réjouissant qui vaut d’être salué.

En effet, le dynamisme de John Scofield est à la hauteur de son talent. Capable de jouer dans les contextes les plus variés (fusion, funk, blues, bebop, country, drum-n-bass, avant-garde ou même pop), il conserve sur son instrument cette voix unique qui le rend reconnaissable entre tous et fait de lui un instrumentiste unique.

Une riche production discographique

Après quarante ans d’enregistrements et une discographie pléthorique, la production récente du guitariste John Scofield ne faiblit ni en quantité ni en et qualité. De 2010 à 2015 rien moins que huit albums.

Après « Past present » (Impulse/Universal) sorti en 2015 avec Bill Stewart (batterie), Joe Lovano (saxophone) et Larry Grenadier (contrebasse), John Scofield a réuni Steve Swallow (basse), Larry Goldings (piano) et Bill Stewart sur le superbe « Country For Old Men » (Impulse!/Universal) sorti en 2016. L’album a été d’ailleurs été récompensé par le Grammy du meilleur album de jazz instrumental et du meilleur solo de jazz improvisé pour le solo sur I’m so lonesome I Could cry.

En 2017 il continue et forme un nouveau quartet, le quartet Hudson, avec Jack DeJohnette (batterie), Larry Grenadier (contrebasse) et John Medeski (clavier) et il sort un album éponyme suivi d’une tournée internationale.

En 2018, John Scofield renouvelle encore son inspiration pour son nouvel opus « Combo 66 ».

« Combo 66 »

Le guitariste toujours très inspiré compose neuf morceaux pour son nouvel album qu’il a décidé de nommer « Combo 66 » en référence à son âge et aussi à ce nombre « 66 » qu’il associe à des musiques superbes comme le morceau « Route 66 » ou l’album « Brasil 66 ».

Nouveau projet… nouveau combo acoustique. John Scofied forme donc un nouveau quartet auquel participe le toujours fidèle Bill Stewart à ses côtés depuis 1972. Pour la première fois le leader intègre un clavier dans son quartet acoustique, celui de Gerald Clayton auquel se joint le contrebassiste Vicente Archer que l’on a coutume d’écouter au sein du trio de Robert Glasper.

Impressions musicales

L’album ouvre avec le souriant I Can’t Dance. Si le leader avoue son incapacité à danser, il possède par contre un sens incroyable du swing qui habite totalement ce thème. La guitare joyeuse et entraînante est accompagnée par les sons feutrés de l’orgue. Après l’improvisation échevelée de la guitare sur une ligne continue de walkin’basse, l’orgue enchaîne un solo ludique aux sonorités peu communes.

Sur une boucle répétitive et ronflante du duo basse/batterie, la guitare expose le serein Combo Theme puis part dans un solo plein de swing et de drôlerie suivi par une improvisation lumineuse du piano acoustique. On vibre au tempo accéléré du morceau Icons at the Fair où la guitare se fait incisive avec quelques effets de saturation. Le piano et la section rythmique poussent le leader et le morceau prend feu.

On a un faible pour Willa Jean et son ambiance country où le piano lyrique incite à la danse alors que la batterie découpe le tempo qu’elle rend presque bancal. Le titre fait référence à la petite fille de John Scofield.

Uncle Southern restitue les ambiances du sud des États-Unis dont la mère du guitariste est originaire. Sur un rythme medium que la contrebasse tellurique tient solidement,la guitare chante une complainte. Le climat gospel s’accentue par l’intervention du clavier qui évoque la sonorité d’un orgue.

Avec Dang Swing le bal est ouvert. On sautille littéralement sur le tempo rapide du morceau. Les stop chorus dynamisent le solo de guitare qui hésite entre country et blues. Le piano et la contrebasse y vont chacun de leur improvisation et accentuent le côté swing du morceau. Un vrai régal !

L’orgue ouvre New Waltzo dont les climats changent de couleur au fur et à mesure que la valse tourne. L’orgue aux sonorités chaleureuses dialogue avec la guitare lyrique et souriante qui balance entre rock et jazz. Batterie et contrebasse poussent le clavier qui délivre un solo fiévreux aux sonorités grinçantes.

Apaisé, on aspire au sommeil à l’écoute de la superbe ballade I’m sleepin’ In. Calme et sensible la guitare caresse la mélodie et son chant suave évoque celui d’une voix qui fredonne une berceuse. On savoure ces cinq minutes de rêverie éveillée.

L’album se termine avec le splendide et mélodique King of Belgium au swing irrésistible composé par John Scofield en hommage au grand harmoniciste belge Toot Thielemans. Émaillé de citations de grands standards, il honore la grande culture jazz qui était celle de Toots toujours si prompt à citer les grands maîtres du style.

Avec « Combo 66 » le guitariste John Scofield grave un nouvel opus où il fait une fois de plus la synthèse entre les styles musicaux qu’il affectionne. Sa musique toujours inventive se targue de toujours soigner la mélodie sans omettre d’offrir des improvisations époustouflantes. Jamais savante, toujours avenante, sa musique comble par une modernité ancrée dans une histoire musicale qui inclut autant le jazz que les autres styles que le guitariste affectionne, du rock au blues en passant par la country. Une musique à mettre entre toutes les oreilles. Il reste à espérer que les programmateurs de l’hexogone invitent le nouveau projet de John Scofield !

Hommage à Bill Withers

Le 28 septembre 2018, le chanteur Jose James sort « Lean on Me » chez Blue Note. Un album-hommage à un de ses héros, Bill Withers, Il reprend douze titres du grand soulman des années 70. Un opus fidèle à l’esprit des chansons de celui qu’il honore.

Jose James revient le 28 septembre 2018 avec l’album « Lean on Me » (Blue Note/Universal) qui célèbre Bill Withers, le chanteur de soul des années 70/80 dont le dernier album date de 1985.

Ce quatrième album chez Blue Note est aussi le huitième du chanteur.

Avant « Lean on Me »

« Lean on Me » se situe loin de “For all we know“ sorti en 2010 chez Impulse où Jose James honore le jazz en duo avec Jeff Neve et de « Yesterday I Had The Blues », son hommage fort réussi à Billie Holiday sorti en 2015 chez Blue Note.

Il est vrai que depuis “No beginnig no end“, son premier album paru en 2013 chez Blue Note, Jose James a pris ses distances vis à vis du jazz. C’est apparu plus flagrant encore en 2017 sur son quatrième album chez Blue Note « Love in a Time of Madness » qui mêle à ravir soul, pop, électro, gospel, jazz, funk et fait triompher le R&B.

« Lean on Me »

C’est dans le légendaire studio B de Capitol que Jose James enregistre « Lean on Me » produit par Don Was, le président du label Blue Note. Pour son quatrième album sous le prestigieux label, le chanteur fait le choix de revenir avec les musiciens présents à ses côtés sur “No beginnig no end“.

Autour de lui se retrouvent le bassiste Pino Palladino, le claviériste Kris Bowers, le guitariste Brad Allen Williams et le batteur Nate Smith.

Quelques invités enrichissent le propos de l’album par leurs interventions, Lalah Hathaway (chant), Dave McMurray (flûte), Takuya Kuroda (trompette), Lenny Castro (congas) et Marcus Strickland (saxophone ténor).  

Impressions musicales

On est frappé par la sensualité du titre d’ouverture Ain’t No Sunshine. On est ensuite ému par la poésie de Grandma’s Hands mais on retrouve le sourire à l’écoute de la dimension pop du titre Lovely Day. En effet, on savoure la joie ineffable que procure la version à deux voix de ce titre sur lequel Lalah Hathaway rejoint Jose James.

On vibre à l’écoute de Lean on Me transformé en hymne imprégné de délicates influences de gospel. On réécoute plusieurs fois Kissing my Love transcendé par la flute de Dave McMurray et propulsé par la batterie sur un beat d’enfer. On se laisse aller à rêver quand résonnent les arrangements cuivrés du trompettiste Takuya Kuroda sur Use Me à l’ambiance quelque peu anxiogène.

On apprécie les interventions délicates du conguero Lenny Castro qui allègent le rythme inexorable de Who is He. On savoure la tendresse rêveuse de la ballade Hello Like Before où coexistent le rythme de bossa lancinant de la guitare et le chorus lyrique du clavier.

On est captivé par l’interprétation de Just The Two of us où le solo du saxophoniste Marcus Strickland transforme avec bonheur la mélancolie en un moment d’espérance. La guitare, la voix et la basse donnent à Hope She’ll Be Happier une atmosphère de désespoir auquel on n’entrevoit guère d’issue.

Heureusement The Same Love That Made Me Laugh vient impulser un espoir plein d’une soul funky et joyeuse. On survit à Better off Dead qui termine l’album avec panache… et l’on remet l’album en boucle pour mieux le savourer

Aujourd’hui point de hip-hop, ni de mélange de genre musical sur « Lean on Me ». C’est d’une voix chaude et suave que Jose James interprète les douze titres de « Lean on Me », ce qui convient au demeurant tout à fait à l’album. Il chante avec tendresse et sensibilité les morceaux qu’il a choisi parmi le répertoire de Bill Withers. De la soul groovy teintée de bleu.

Un tribut nostalgique et singulier

Avec son nouvel album « Early in the Morning' » Samuel Blaser célèbre l’universalité du blues. Éléments fondamentaux du blues et du jazz, la mélodie et le rythme irriguent le disque. Un opus inspiré qui vibre d’une mélancolie habitée par une force vitale peu commune.

Sur « Early in the Mornin' » (OutNote Records/Outhere Music) à paraître le 21 septembre 2018, le tromboniste et compositeur Samuel Blaser explore le blues sans s’éloigner de ce qui anime son jeu, la recherche d’une expression libre et authentique. Il célèbre la mélodie de ces blues issus des work songs, de la country, de la folk anglaise et irlandaise.

L’album

Ce sixième album du tromboniste à la tête de son quartet réunit Russ Lossing (piano, Fender rhodes, wurlitzer, Clavinet, Hammond, minimoog), le contrebassiste Masa Kamaguchi et le batteur Gerry Hemingway. L’album accueille deux invités de marque, deux géants du jazz, le saxophoniste alto Oliver Lake et le trompettiste Wallace Roney qui interviennent chacun sur un morceau et participent ensemble à un troisième titre.

Enregistré par Dave Darlington au Water Music Studios à New Jersey les 14 et 15 Janvier 2017 « Early in the Mornin’ » est réalisé sous la direction artistique de Robert Sadin avec qui Samuel Blaser collabore depuis 2011.

Le répertoire de l’album propose quatre compositions originales du tromboniste et cinq traditionnels dont Samuel Blaser a conçu les arrangements. Lonesome Road Blues de Sam Collins complète la liste des dix titres de « Early in the Mornin' ».

Chaleureux et libre, le jeu fluide du tromboniste muse du côté des dissonances dont il joue avec bonheur et sans excès. Lyrique et virtuose il conserve un son dont la rondeur chaleureuse et large s’accorde avec les claviers tour à tour incisifs ou rétros. La contrebasse contribue à enrichir la riche texture harmonique mais élabore aussi des lignes mélodiques très créatives.

Impressions musicales

On apprécie la belle synergie du trombone avec le saxophone alto sur Early in tne Mornin’, La section rythmique assure un tempo indéfectible. Sur The House Carpenter, la sonorité stratosphérique de la trompette rappelle les atmosphères davisiennes des années 70 alors que piano et trombone jouent post-hard-bop. Les échanges très libres du saxophone alto, de la trompette et du trombone sur Levee Camp Moan Blues font comme un clin d’oeil au monde d’Ornette Coleman.

Sur le rythme impair du lancinant Creepy Crawler le trombone pleure mais il devient prêcheur sur Black Betty. Le déstructuré et peu académique Mal’ Blues met en valeur le lyrisme et l’éclat du trombone tellurique.

On savoure l’ambiance inquiétante de Murderer’s home. Le tempo flottant assuré par la batterie inventive et la contrebasse mélodiste laisse toute liberté aux claviers et au trombone et sa sourdine pour tapisser les murs de la maison d’une étrange mélancolie cuivrée et électrique.

L’album se termine avec Lonesome Road Blues où piano, contrebasse et batterie s’entretiennent sur un rythme apparemment décalé. On se laisse captiver par cette complainte étonnante.

Un clic sur outhere music pour quelques échos de la play-list.

Sur « Early in the Mornin' », Samuel Blaser rend un hommage très personnel au blues. Fluide et libérée, sa musique projette les mélodies dans des climats singuliers. Elle lance un pont entre le blues des origines, un jazz moderne hérité d’Ornette Coleman et la musique classique contemporaine que l’improvisation enrichit de sa sève créative. Teinté de nostalgie cet opus est habité par la liberté.

Chaque plage vaut son pesant d’or

Présenté par le batteur Thomas Delor à la tête de son trio, « The Swaggerer » compte parmi les albums incontournables du début de l’automne 2018. Chaque plage captive l’attention et crée la surprise. Le leader affirme son intérêt pour les mélodies et les climats harmoniques. Une réussite absolue.

Le compositeur et batteur Thomas Delor présente son premier album en tant que leader, « The Swaggerer » (Fresh Sound New Talent/Socadisc) annoncé pour le 27 septembre 2018.

A la tête de son trio, Thomas Delor met en avant sur le disque la  large étendue des possibilités de la batterie. A ses côtés le guitariste Simon Martineau dont on a pu apprécier les qualités sur l’album « ONE. » et le contrebassiste Georges Correia.

Thomas Delor

Musicien autodidacte, Thomas Delor fait partie de la famille des batteurs leaders et compositeurs. Il explore toutes les dimensions de son instrument. Après avoir remporté le concours Jazz à Juan Révélations en 2010, ce natif de Nice sort vainqueur en 2016 du Concours National de Jazz de Nice et est récompensé au Concours International d’orchestres de Jazz.

Thomas-Delor©Frédéric Chapotat

Après de multiples expériences dans de prestigieux festivals et de nombreux clubs de jazz parisiens et internationaux, il a fait ses preuves aux côtés de musiciens renommés (Philippe Petit, Philip Catherine, Ugonna Okegwo, Miroslav Vitous, Christophe Walemme, Eric Lewis…). Outre ses projets comme sideman (Pierre Marcus Quartet), le batteur Thomas Delor développe un projet solo qui met en avant l’ensemble des possibilités de la batterie, il joue aussi dans le « Chamber Metropolitan Trio » aux côtés du pianiste Matthieu Roffé et du contrebassiste Damien Varaillon avec lesquels il a gravé le CD « Arkhè » en 2015 chez Hybrid’Music.

Il possède depuis 2015 un trio dont il est leader et avec lequel il a enregistré le splendide « The Swaggerer ».

Sans emphase, Thomas Delor promène son inspiration loin des balises propres à son instrument. Il affectionne les superbes mélodies qui s’incrustent dans de riches climats harmoniques traversés par des jeux rythmiques singuliers et très personnels. Non content d’écrire de telles partitions il sculpte un propos qui n’est pas seulement celui d’un rythmicien.

« The Swaggerer »

L’album ne se contente pas de groover. L’opus interpelle par son goût prononcé pour les mélodies et les atmosphères dont les couleurs captivent. Un album qui a le sens du suspens. On l’écoute de bout en bout avec curiosité, sans zapper ni se lasser… cela n’est pas si courant !

Jazz, musique classique, compositions originales de Thomas Delor… tout est prétexte pour les musiciens qui dialoguent et s’amusent.

Jazz & Musique Classique

Le toucher sensible et l’articulation de Simon Martineau donnent un sérieux coup de jeunesse au thème de Monk, Rythm-a-ning. Le guitariste ouvre un espace de liberté à Thomas Delor qui en profite pour faire chanter sa batterie.

Le trio s’entend à merveille pour insuffler une respiration éthérée à Blue in Green de Miles Davis. Dans un dialogue aérien, batterie et guitare devisent alors que la contrebasse étire avec eux le tempo qui se prend à flotter. Les balais survolent les peaux et caressent les cymbales, les mailloches font vibrer l’air qui résonne et répond aux confidences de la guitare.

A travers Moonlight, Thomas Delor tire une révérence à Beethoven et sa Sonate au Clair de Lune. Tenu par la batterie, le propos mélodique est soutenu par la guitare et la contrebasse devenues accompagnatrices.

Sur From The New World, il tente une escapade habile entre la Symphonie du Nouveau Monde de Dvořák et les échappées libres que John Williams a fait entendre sur la BO de Star Wars. C’est peut-être là que le titre de l’album prend peut-être tout son sens… !?

Les compositions originales

L’album ouvre avec Prelude en si majeur, dont le titre évoque le monde classique mais qui d’emblée engage à sourire à l’écoute du dialogue qu’entreprend la batterie avec une machine à écrire. Ce morceau n’est pas sans rappeler La Maquina, premier titre de l’album « El Tiempo Por Testigo » où le pianiste espagnol Dorantes avait lui aussi croisé le clavier d’une vieille machine à écrire avec celui de son piano.

Un riff de contrebasse termine Prélude en si majeur et débute le thème suivant, Hidden Meaning. Sa partition teintée de bleu par la guitare permet de capter la connivence qui existe au sein du trio. La contrebasse assure la rythmique et la guitare dialogue avec les phrases de la batterie aventureuse.

Sur The Swaggerer, la batterie casse-cou fanfaronne et engage un swing peu académique entrecoupé de césures et de syncopes entre lesquelles guitare et contrebasse musardent. Toujours inventive et légère la guitare reprend la main et passe le relai à la contrebasse qui ne manque pas d’aplomb. Très interactifs les trois compères semblent s’amuser comme des fous.

L’écriture de Thomas Delor fait aussi une escapade romantique avec LNA. Une ballade où les mailloches sensibles caressent les peaux avec une délicate sensualité alors que les cordes de la guitare articulent leur tendre murmure soutenues par les cordes discrètes mais boisées de la contrebasse. A partir de trois initiales en guise de titre, on se prend à imaginer le prénom de l’inspiratrice de cette tendre ballade.

Tu l’as vu Monk ne manque pas d’aplomb ! Sur cet ultime morceau, la batterie mène le bal mais laisse la part belle à la contrebasse qui ne s’en laisse pas conter et dialogue allègrement avec la batterie alors que la guitare insolente tente d’imposer sa syntaxe. Le thème termine par un point d’interrogation. Durant trois minutes on reste le souffle coupé à l’écoute de ce suspens musical inouï que le trio interprète sur un rythme éperdu.

Sur « Swaggerer » le compositeur et batteur Thomas Delor élabore avec son trio un langage créatif et très personnel qui se joue du tempo et déjoue toutes les règles. La richesse des échanges traduit la grande proximité des membres du trio. Délicat coloriste, élégant et fin rythmicien, le leader affectionne les nuances. Dans son discours alternent de subtiles touches et de puissantes explosions.

Ode à la Beauté

Avec la sortie de l’album « Pieris », le label Stunt Records dévoile un nouveau trio jazz piano-contrebasse-batterie, le trio Mezquida-Bodilsen-Andersen. Les trois musiciens réalisent un album à écouter sans modération. Une pépite musicale peaufinée, passionnée et passionnante.

C’est un superbe pont musical que « Pieris » tend entre  le Danemark et l’Espagne. Le label Stunt Records réunit le pianiste catalan Marco Mezquida et deux musiciens danois, le contrebassiste Jesper Bodilsen et le batteur Martin Maretti Andersen.

Faut-il  parler du « Trio Mezquida-Bodilsen-Andersen » ou le nommer « Trio Peiris » ? De fait, peu importe le nom du groupe, c’est la musique qui prévaut, or l’écoute des neuf plages procure un bonheur sans pareil et c’est bien là l’essentiel.

« Pieris » célèbre une ode à la Beauté. Le lyrisme délicat et chaleureux du pianiste catalan s’accorde à merveille avec le son ample et rond du contrebassiste Jesper Bodilsen et avec le jeu attentif du batteur Martin Maretti Andersen qui ne manque pas de nuances.

Le trio

Le contrebassiste Jesper Bodilsen a déjà enregistré deux albums fort réussis chez Stunt, « Miritorni In Mente » (2003) et « Gleda » (2005), tous deux enregistrés avec le pianiste italien Stefano Bollani et le batteur Morten Lund avec lesquels la collaboration s’est poursuivie chez ECM sur l’album « Stone in the Water » (2009) et « Joy in Spite of Everything » (2014) où le trio est rejoint par le saxophoniste Mark Turner et le guitariste Bill Frisell.

On peut dire que le contrebassiste sait choisir ses compagnons de studio car pour cette nouvelle production chez Stunt Records, il se rapproche en effet de deux autres talentueux musiciens.

Pour « Pieiris », Jesper Bodilsen se tourne vers une des nouvelles stars du piano européen, le jeune Marco Mezquida qui apporte une contribution essentielle à l’album par la fraîcheur et la légèreté de son toucher, par une dextérité maîtrisée qui suggère plus qu’elle n’explicite. C’est vers Martin Maretti Andersen que s’est tourné le contrebassiste. Son compatriote et collaborateur de longue date, est reconnu au Danemark pour son travail au sein du Pierre Doreg’s New Jungle Orchestra. Son jeu souple et élégant sait créer des tensions et s’accorde tout à fait aux climats de l’album.

Le trio quasi symbiotique offre une musique habitée à la fois par la tendresse et la passion. Intense mais délicat, le propos ciselé de « Pieiris » emprunte les voies d’une esthétique empreinte de délicatesse et de poésie.

Impressions musicales

Le trio ouvre l’album avec Hidden Beauty, pris sur un léger tempo de rumba. Cette ballade sonne comme un chant d’amour que le pianiste développe avec délicatesse, servi par une rythmique élégante. Son toucher évoque la pudeur derrière laquelle se tapit cette beauté cachée qu’évoque le thème composé par le contrebassiste.

On est touché par la version très personnelle que le trio donne de Nostalgias, ce morceau composé en 1936 par Juan Carlos Cobián avec des paroles d’Enrique Cadícamo. Après une courte introduction de la contrebasse, le piano lyrique de Marco Mezquida tisse une mélodie mélancolique entrecoupée de syncopes et de césures. Sobre et nostalgique le morceau accroche l’écoute.

De Florencia, composée par le pianiste, se dégage une mélodie dont le climat d’abord rêveur devient un tourbillon que porte une section rythmique tempétueuse. Pour finir le thème s’apaise.

Avec Joy, le trio change de ton. Le morceau du pianiste sonne comme une chanson au style néo folk-pop qui se donne des allures un peu solennelles.

Sur « Pieiris », la superbe chanson Piensa en mí composé en 1935 par Agustín Lara et sa sœur Maria Teresa Lara résonne d’une grande sensualité. Elle dépasse en émotion et en subtilité la magnifique version chantée par Luz Casal et choisie par Pedro Almodovar pour figurer dans la BO de son film « Talons Aiguilles ». Sur un tempo medium sautillant joué aux balais et après un court solo lumineux de la contrebasse, le piano incite à la danse.

La dextérité incroyable de Marco Mezquida alliée au soutien subtil et opérant de Martin Andersen fait groover A Special One, composée par Jesper Bodilsen.

Sur Min sommerfugl /La mia Farfalla conçue par le contrebassiste, on entreprend un voyage dans le monde imaginaire du trio. Après les arabesques ravelliennes du piano qui évoquent le vol du papillon, la poésie de la mélodie prend le dessus et on plane comme en apesanteur dans un monde de notes qui flottent dans une brume vaporeuse.

On se réjouit à l’écoute de Peace la ballade d’Horace Silver prise sur un tempo médium, avec un léger clin d’oeil à Errol Garner. Le morceau s’en trouve revitalisé et cette plage sonne comme bel hommage au grand pianiste et compositeur de jazz. L’album se termine avec le serein Coral de la Flora d’Estiu composé par le pianiste catalan. Une offrande fleurie, subtile et poétique.

En ce début d’automne 2018, un trio jazz piano-contrebasse-batterie est né. Avec « Pieris », nouvel opus du label Stunt Records, le trio Mezquida-Bodilsen-Andersen propose une musique dont l’esthétique peaufinée parcourt toutes les nuances de la félicité. Des confidences douces et tendres, ardentes et enthousiastes, empreintes d’une nostalgie qui ne s’éternise pas mais intègre un espoir palpable et lumineux.