Arc-en-ciel musical entre pastel et flamboyance

Toujours à la tête de son superbe quintet avec lequel il a sorti le vibrant « Alive ! » en 2017, le pianiste et compositeur David Bressat revient avec « True Colors ». Enregistré live en juin 2019 au Crescent, ce deuxième opus explore une harmonieuse palette de couleurs musicales. Entre flamboyance et pastel, un arc-en-ciel musical d’échappées lumineuses et de crépusculaires confidences.

Capté live au Crescent, l’album « True Colors » à sortir le 01 novembre 2019, confirme le choix de David Bressat de privilégier la dynamique et les interactions, ce dont témoignait déjà en 2017, le superbe « Alive ! » enregistré en direct dans le même club mâconnais avec le saxophoniste Eric Prost, le trompettiste Aurélien Joly, le contrebassiste Florent Nisse et le batteur Charles Clayette, déjà présents autour du pianiste et compositeur David Bressat.

Un quintet dynamique

Perceptible de bout en bout de l’album, la dynamique et l’enthousiasme qui règne au sein du quintet constitue en quelque sorte la toile de fond sur laquelle les musiciens peignent et font vibrer les couleurs de leur musique.

Selon la teneur des compositions, la palette de couleurs des artistes évolue. Au gré des mélodies, les traits des improvisations varient. De souples ils deviennent tendus, pointillistes ou épais. En fonction des harmonies, les teintes des accompagnements changent de dominante, se parent d’ombres ou de lumière. Changements de tempi et syncopes contribuent à pigmenter la musique de contrastes, à faire varier perspective et profondeur de champ.

Les sept plages de « True Colors » (Obstinato/Inouïes Distribution) témoignent de la complicité qui unit David Bressat, Eric Prost, Aurélien Joly, Florent Nisse et Charles Clayette. Comme des coloristes exaltés ou recueillis, les cinq compères teintent leur inspiration de couleurs musicales changeantes. En profonde harmonie, ils tissent des échanges lumineux adoucis de subtiles nuances ou zébrés d’effervescents contrastes. Le public ne s’y trompe pas et réagit au fil des cinquante-trois minutes de l’album.

Un répertoire arc-en-ciel

Après une courte introduction au piano, les deux soufflants exposent en contrepoint la mélodie bleu turquoise de Holi suivie d’un chorus de piano d’où émerge le solo flamboyant du ténor aux inflexions coltraniennes sur une spirale modale soutenue par la rythmique. Le chorus incandescent de la batterie déclenche les vivas du public avant un retour au thème et une fin qui rassemble le groupe

Très découpé, Triangulo se teinte de pourpre sous le souffle impétueux de la trompette. Le ténor plus velouté adoucit la couleur que le solo organique du piano contribue à raviver. De Soleil Doré émane une douce lueur crépusculaire; le piano mélancolique et bucolique inspire de douces lignes musicales aux soufflants. La pureté du chorus de contrebasse évoque la transparence d’un cristal autour duquel le piano esquisse un solo dont la texture tout en délicatesse évoque la lueur délicate du crépuscule.

Brodée par le piano, le saxophone et la trompette, la mélodie de True Colors projette une couleur dynamique, un bordeaux chaleureux que le piano illumine par un chorus aux harmonies latines. La trompette lyrique pose ensuite des reflets irisés que la section rythmique éclabousse de mille pointillés.

Ballade subtile, Daum Vole dévoile ses transparences après une introduction du piano au jeu délicat où se manifestent de subtiles influences classiques. le ténor ajoute de chatoyants reflets. Tel un oiseau coulé dans un cristal pastel, le bugle déploie un souffle inspiré d’une douce tendresse qui inspire à la contrebasse un chorus proche de la Grâce.

L’atmosphère change tout à fait avec Une Belle Virée dont le tempo hard bop vire au rouge, un rouge joyeux, vital et tonique que projette le ténor sur une improvisation frénétique qui engage le piano à poursuivre par un jeu exalté. Il n’en faut pas moins à la trompette pour se survolter durant un solo ardent lequel déclenche la fougue de la batterie. Le public adhère à cette dynamique éclaboussure colorée.

De bienveillantes vibrations orangées émanent de Flow. Sur ce dernier titre les musiciens dialoguent tour à tour et se retrouvent dans une dynamique groupale apaisée.

David Bressat revient de belle manière avec « True Colors ». L’album met en lumière un jazz contemporain au spectre coloriste mouvant. Comme des peintres inspirés, les musiciens explorent une palette de couleurs qui explosent ou se fondent au fil des sept titres du répertoire arc-en-ciel
… les couleurs évoquées dans cette chronique sont redevables à une perception tout à fait subjective. Libre à chacun.e d’y projeter ses propres pigments !

Pour vivre en direct la musique de « True Colors » et retrouve rDavid Bressat (piano), Eric Prost (saxophone ténor), Aurélien Joly (trompette, bugle), Florent Nisse (contrebasse) et Charles Clayette (batterie), quelques concerts se profilent avant la tournée du quintet en Inde. Rendez-vous le 01 novembre 2019 à 21h au Crescent à Mâcon, le 02 novembre 2019 à l’Embarcadère de Montceau-les-Mines, le 16 novembre 2019 au Théâtre de Roanne, le 23 novembre 2019 à 21h à Lyon au Périscope, le 04 décembre 2019 à 21h au Sunside à Paris et à Bourg-en-Bresse le 06 décembre 2019 à 21h à la Ferme à Jazz.

Musique orchestrale et jazz latin

Sur son cinquième album « Invitation », la violoniste et compositrice d’origine danoise, Line Kruse continue à se jouer des frontières musicales. Elle convie des pointures de la scène cubaine jazz actuelle à rejoindre une section de treize pupitres de cordes. Avec une aisance déconcertante son écriture et ses arrangements combinent musique orchestrale et jazz latin. Ce nouvel opus structure plus encore les frontières de l’identité musicale singulière de Line Kuse.

Après l’ambitieux et fort réussi « Hidden Stone » (Continuo Jazz/UVM) paru en 2018, la violoniste, compositrice, cheffe d’orchestre et arrangeuse Line Kruse poursuit sa démarche musicale innovante avec « Invitation » (Continuo Jazz/UVM) sorti le 25 octobre 2019.

Sur « Invitation » le violon de Line Kruse convie le trio du pianiste Harold López Nussa augmenté et le percussionniste Yaroldi Abreu Robles, sollicite treize pupitres de cordes et la voix de l’étoile montante du chant cubain Daymé Arocena, la flûte de Orlando « Maraca » Valle, la trompette de Nicolas Folmer et la guitare de Louis Winsberg.

En rapprochant les énergiques nappes harmoniques des cordes et la rythmique jazz développée par quelques-unes des pointures les plus inspirées de la scène jazz cubaine actuelle, Line Kruse déploie de nouvelles couleurs musicales. Au final l’écriture subtile et les arrangements somptueux tissent une musique aux drapés délicats et aux profondes nuances.

« Invitation »

Redevable à celui de la composition de Bronisław Kaper et Paul Francis Webster, le titre de l’album, « Invitation », fait aussi référence à ces invitations successives qui ont permis à Line Kruse de réunir des musiciens de Cuba et de France. En effet, Line Kruse s’est elle-même invitée à La Havane pour enregistrer en décembre 2018 au PM Studio avec la fine fleur du jazz Cubain et a aussi convié des musiciens français dans l’aventure. La violoniste a ensuite invité et dirigé en 2019, une section de treize pupitres de cordes (sept violons parmi lesquels celui tenu par Mathias Levy, trois altos et trois violoncelles) à Paris au Studio Saint-Germain.

Ainsi, après mixage et mastérisation, l’album « Invitation » propose l’écoute d’un répertoire de neuf titres au fil desquels la violoniste leader s’exprime entourée du pianiste Harold López Nussa qui réunit autour de lui les membres de son trio, le contrebassiste Gastòn Joya et le batteur Ruy Adriàn López Nussa rejoints par le percussionniste Yaroldi Abreu Robles. Le flûtiste virtuose et inspiré Orlando « Maraca » Valle et la chanteuse Daymé Arocena découverte en France aux côtés de Roberto Fonseca lors de sa tournée de l’été 2017. Le trompettiste Nicolas Folmer et le guitariste Louis Winsberg sont aussi de la fête sur quelques titres. On note aussi, au sein des chœurs, la participation de Joel Hierrezuelo friand lui-même de croiser les cultures comme il a l’a si bien fait sur « Zapateo Suite ».

Au fil des pistes

Le répertoire de l’album « Invitation » propose différentes ambiances sonores qui allient avec élégance les influences issues des rythmes cubains savants ou populaires, des compositeurs russes du début du XXe siècle et les fondamentaux du jazz. Tous les arrangements sont à porter au crédit de la violoniste laquelle a par ailleurs composé cinq des titres de l’album.

Le jeu effervescent et éclatant du violon céleste de Line Kruse illumine Canción d’un lyrisme vibrant. Les arrangements des cordes impressionnent par leur réactivité et leurs envols aériens tout au service des improvisations de Line Kruse. Après un prologue violon-piano qui coule sur Agua comme un hommage à l’Eau, l’ode se transforme en un chant passionné qu’élève le lyrique piano porté par une section rythmique véhémente.

Sur Ahora (Daymé Arocena/Line Kruse), on se laisse immerger avec bonheur dans les polyrythmies qu’instruments rythmiques et piano tressent avec les cordes. La voix chaude et puissante de Daymé Arocena, le violon stratosphérique de Line Kruse et la flûte insaisissable d’Orlando « Maraca » Valle s’en donnent à cœur joie et dynamisent ce morceau au groove indéniable. Truffé de ruptures rythmiques complexes, Wednesday propose une fantaisie jazz qui fait dialoguer trompette bouchée, violon et piano alors que la section rythmique s’amuse de belle manière.

Sur un tempo de tango peu académique, les cordes exposent la mélodie de Tres Cosas que le piano transforme ensuite en mambo sur lequel violon et flûte se livrent à d’audacieux jeux acrobatiques. On se laisse porter par ce morceau peu conformiste. Revisité par Line Kruse, le second mouvement du concerto pour violon de Prokofiev, Andante Assai, combine la guitare de Louis Winsberg, le violon de Line Kruse, les nappes des cordes et les accents rythmiques du trio. Un romantisme inattendu qui ne manque pas de charme.

L’écriture très orchestrale de Tema met en orbite la trompette de Nicolas Folmer. Denses et profondes, les ambiances suggèrent d’oniriques images. Métamorphosée par le chant voilé et grave de Daymé Arocena et par le violon translucide et interrogatif de Line Kruse, Invitation (Bronisław Kaper/Paul Francis Webster) se pare de mystère sur un tempo étiré comme en suspension. C’est par un contraste saisissant entre la profondeur du chorus de contrebasse et les sensibles aigus du violon que Line Kruse choisit de terminer l’album, avec une version de l’hymne national civil du Danemark, Det er et Yndigt Land qu’elle a arrangé en guise de clin d’œil plein de charme à son pays natal.

« Invitation », un collier de neuf perles musicales somptueuses dont les reflets allient l’héritage classique de Line Kruse, sa passion pour les compositeurs russes du début du XXe siècle et les rythmes populaires et savants de la musique cubaine. L’album développe de nouvelles couleurs aux effervescences dynamiques. Servi par la souplesse et la dynamique des cordes alliées à la polyrythmie cubaine, le violon céleste de Line Kruse accomplit des prouesses et vibre de lyrisme ou plane comme suspendu au firmament.

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Rendez-vous avec Line Kruse, à 20h30 le 26 octobre 2019 à Paris pour le concert de sortie de l’album sur la scène du Bal Blomet. La violoniste sera sur sur un scène avec Harold Lopez Nussa (piano), Ruy Adrian Lopez Nussa (batterie) , Daymé Arocena (voix), Christophe Wallemme (contrebasse), Abraham Mansfarroll-Rodriguez (percussions) et treize pupitres de cordes.

Ferveur ardente et tendre douceur

Avec le titre de son cinquième opus, « Fly Fly », la saxophoniste Céline Bonacina annonce la couleur, celle du voyage. La musique évoque des paysages qui servent de prétexte aux envols des saxophones baryton et soprano. Les mélodies se parent de superbes couleurs dont le jaune a visiblement la préférence du groupe. Le répertoire balance entre groove énergique et murmure raffiné, explosions coloristes et caresses aériennes. Un régal intégral !

Le 18 octobre 2019, la saxophoniste Céline Bonacina revient avec un nouveau groupe et un cinquième album « Fly Fly » (Cristal Records/Sony Music Entertainment).

Elle retrouve le contrebassiste canadien Chris Jennings déjà présent à ses côtés dans le Crystal Quartet. Le toucher nuancé de Jean-Luc Di Fraya fait merveille car le volcanique batteur se mue aussi en un délicat percussionniste. Invité sur six pistes, le guitariste Pierre Durand apporte quant à lui de brillantes couleurs.

« Fly Fly », un jazz moderne et coloré dont la force onirique réside autant dans sa ferveur ardente que dans sa tendre douceur. Sur l’album, des mélodies élégantes croisent des rythmiques énergiques, des climats raffinés flirtent avec des sonorités organiques.

Avec à son actif quatre albums et plus de vingt ans de carrière, Céline Bonacina s’est forgé un nom au saxophone baryton dont elle est devenue une instrumentiste reconnue.

Céline Bonacina, saxophoniste baryton

Après avoir commencé la musique à l’âge de 7 ans en conservatoire (Belfort, Besançon, Paris…), Céline Bonacina se spécialise au saxophone baryton, entre 1996 et 1998, en jouant dans les big bands parisiens. Durant sept ans passés à la Réunion, elle se produit et se fait remarquer dans de nombreux festivals de l’Océan Indien.

Quatre albums entre 2005 et 2016

De retour en métropole en 2005, elle sort « Vue d’en haut », un premier album enregistré à la Réunion. La critique salue ses compositions interprétées aux saxophones baryton, alto et soprano. Elle crée ensuite le Céline Bonacina Trio.

En 2010 elle enregistre son deuxième album « Way of Life » avec le bassiste Nicolas Garnier et le batteur Hary Ratsimbazafy. Elle invite le guitariste Nguyên Lê, musicien phare du label ACT. Séduit, le label allemand publie le disque de la saxophoniste et sort aussi le suivant en 2013, « Open Heart », enregistré avec Hary Ratsimbazafy et le bassiste Kevin Reveyrand. Le trio est rejoint par des invités, Himiko Paganotti (chant), Pascal Schumacher (vibraphone, glockenspiel) et Mino Cinelu (percussions).

2016 voit la parution d’un quatrième opus, « Crystal Rain » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) avec à la batterie Asaf Sirkis. Ce disque est marqué par une belle complicité de Céline Bonacina avec le pianiste britannique Gwilym Simcock et le contrebassiste Chris Jennings. Très active en live où elle excelle, Céline Bonacina est par ailleurs très investie dans des activités pédagogiques diversifiées.

La reconnaissance

Au fil des ans, des concerts et des albums, la réputation de la saxophoniste dépasse les frontières de la France. En effet, depuis 2013 où elle a été sacrée « Jeune talent ADAMI », Céline Bonacina est élue « Rising Star » en 2017, 2018 et 2019 par le magazine américain « Downbeat » et obtient en 2019 le Prix du Public au BMW Welt Award de Munich.

« Fly, Fly », une invitation au voyage

« Cet album présente mes nouvelles compositions ainsi que celles de Chris Jennings. D’influences multiples, leur point de rencontre est le voyage. On y retrouve l’évocation de paysages et de souvenirs, de lieux où nous avons séjourné, de moments forts de nos vies respectives ; l’expression sonore de sentiments et d’émotions, et sans doute la symbolique d’une quête plus vaste. » Céline Bonacina

Le quartet Fly Fly de Céline Bonacina© Nathalie Courau-Roudier

La contrebasse lyrique de Chris Jennings s’allie au jeu volubile et groovy des saxophones de Céline Bonacina. Le très nuancé Jean-Luc Di Fraya fait murmurer ou tonner percussions et batterie. Sa voix et celle de la leader colorent plusieurs morceaux auxquels elles ajoutent une touche de musiques du monde. Sur quelques plages, les phrasés audacieux et sidérants du guitariste Pierre Durand posent des traits de couleurs contrastés.

Enregistré par Mathieu Nappez à l’Alhambra Studios de Rochefort-sur-Mer, l’album a été mixé par Nguyên Lê au Studio Louxor de Paris et masterisé par Bruno Gruel à Elektra Mastering de Servon.

Le répertoire propose un voyage en treize titres-escales dont huit sont redevables à la saxophoniste et cinq au contrebassiste.

Sur le lumineux Still Running souffle un vent de liberté gorgé à la fois d’énergie et de finesse. La mélodie court à en donner le tournis puis passe le relais aux trois mouvements de Care Her Gone qui voyage dans des paysages tout à tour chantants, aériens et groovy. Ivre Sagesse débute par une introduction quasi mystique égrenée par le baryton et la contrebasse. Le saxophone esquisse ensuite un motif répétitif qui s’embrase et inspire un solo pulsatile à la batterie. Du Haut de Là ouvre avec un duo baryton-contrebasse puis le trio entame un climat baroque où le saxophone virtuose et fougueux virevolte.

Céline Bonacina©© Nathalie Courau-Roudier

La présence de la guitare électrique fait souffler un vent paisible sur An Angel’s Caress auquel le baryton apporte un climat vaporeux. Après cette escale angélique, le songe se poursuit par An Angel’s Whisper, comme une quête spirituelle dans un univers bucolique voisin du monde sonore de Garbarek. Le quartet entre en parfaite symbiose sur Tack Sa Mycket. La mélodie du soprano envoutant s’élève comme une incantation que renforce le chant de la guitare. Après cette offrande spirituelle, High Vibration explore un monde plus organique. La guitare part dans une improvisation fascinante qui stimule le baryton à son tour sidérant.

Après la brève parenthèse cosmique de Vide Fertile où le baryton métamorphosé, les percussions et l’archet dialoguent advient le groovy Borderline qui fait se confronter une guitare décoiffante de virtuosité, un baryton enflammé et un batteur volcanique. Le voyage continue ensuite avec Fly Fly to the Sky où le baryton prend la barre et alterne entre douceur et force avec quelques échappées libres du côté du free.

Sur Friends & Neighbours Too, le quartet adopte une pulsation funky qui débouche sur un dialogue soul et punchy entre baryton et guitare. On en redemanderait volontiers mais l’album se termine avec les résonances orientales de Cameos Carving, soutenu par une batterie puissante et une contrebasse lyrique. Pour finir, le fervent soprano fraternise avec le saz.

On ne se lasse pas de voyager au gré des paysages colorés du magique « Fly Fly » où l’énergie des rythmiques vivifiantes coexiste avec la douceur des climats oniriques.

Pour vivre en live les ambiances de « Fly Fly », quelques concerts se profilent. RV pour le concert de sortie de l’album avec Céline Bonacina (saxophone baryton, soprano), Chris Jennings (contrebasse) et Jean-Luc Di Fraya (percussions, batterie) à Paris le 21 novembre 2019 à 21h au Studio de l’Ermitage, le 22 novembre 2019 à Nantes au Trempolino dans le cadre du festival Jazz Tempo en partenariat avec Nantes Jazz Action. ICI pour tout savoir des concerts de Céline Bonacina.

Haut les cordes entre frénésie et délicatesse !

Sur « Django », le Trio de Théo Ceccaldi embarque sa musique dans un univers aux ambiances contrastées. Un jazz qui oscille entre frénétiques envolées et délicates caresses. Violon, guitare et violoncelle tirent une révérence affectueuse à la musique de Django Reinhardt et la transportent dans leur univers ludique. Loin des conventions, entre déchaînement et tendresse, les cordes du trio tissent un voile onirique.

Avec son troisième album « Django » (Brouhaha/L’Autre Distribution) annoncé pour le 18 octobre 2019, le Théo Ceccaldi Trio navigue avec maîtrise sur un pont qui balance entre tradition et innovation.

Théo Ceccaldi au violon, son frère Valentin Ceccaldi au violoncelle et Guillaume Aknine à la guitare constituent un trio peu ordinaire dont l’expression audacieuse se fonde sur l’improvisation.

Sur l’album « Django », deux reprises de Django Reinhardt coexistent avec trois compositions originales du trio. Pour les trois autres titres, on saisit au vol des bribes de thèmes mais très vite on se laisse transporter dans le monde déjanté du trio. Comme chez leur illustre aîné, la mélodie occupe une place de choix dans l’univers du trio mais elle chemine au milieu de notes chahutées sur une pulsation qui réinvente la rituelle « pompe » de la musique manouche.

Les oreilles sont émerveillées par ce « Django » où se croisent improvisations échevelées, cordes enrockées et subtiles rêveries.

Théo Ceccaldi

Récompensé en 2017 d’une Victoire du Jazz dans la catégorie « Révélation de l’Année », l’énergique Théo Ceccaldi mène ses projets personnels tout en répondant à de nombreuses sollicitations artistiques.

Virtuose très sollicité

Membre fondateur du collectif orléanais Tricollectif, Théo Ceccaldi compose, arrange et joue dans le grand Grand Orchestre du Tricot avec lequel il a gravé plusieurs albums dont le dernier, « Tribute to Lucienne Boyer » (Tricollection/L’Autre Distribution) sorti en 2017.

Le violoniste diversifie ses activités et participe aussi au Power Trio « In Love With » du batteur Sylvain Darrifourcq et s’implique par ailleurs dans le quatuor à cordes de musiques improvisées iXi de Régis Huby et Guillaume Roy, le quartet franco-allemand qÖÖlp des Berlinois Christian Lillinger et Ronny Graupe, le trio européen « Velvet Revolution » de Daniel Erdmann, ainsi que dans le nouveau tentet de Joëlle Léandre « Can You Hear Me ? ». On ne compte plus les rencontres qui associent le violoniste à quelques-uns des plus grands improvisateurs européens.

De 2014 à 2018, Théo Ceccaldi a intégré l’ONJ avec lesquels il a enregistré les quatre albums sous la mandature d’Olivier Benoit, « Europa Paris » (2014), « Europa Berlin » (2015), « Europa Rome » (2016) et « Europa Oslo » (2017).

Projets du violoniste

Ceccaldi & Negro

Une superbe complicité unit Théo Ceccaldi au pianiste Roberto Negro. Le remarquable duo Théo Ceccaldi & Roberto Negro a donné naissance à « Babies » en 2016 et au superbe « Montevago » sorti en 2019. On se régale de leur univers audacieux et envoutant.

Freaks

En 2018, le violoniste forme Freaks, un orchestre survolté et détonnant aux partis pris musicaux radicaux avec lequel il enregistre un album au titre éponyme en 2018. Voir et écouter le mordant « Freaks » sur scène constitue un moment inoubliable. Une musique savamment déjantée qui zappe entre free jazz, punk et new wave.

Théo Ceccaldi Trio

En 2010 Théo Ceccaldi fonde son trio avec son frère Valentin Ceccaldi au violoncelle et le guitariste Guillaume Aknine.

Loin du format chambriste que les instruments auraient pu induire, le Théo Ceccaldi Trio oriente son discours loin des sentiers balisés, entre fantaisie ludique, fougue survoltée, lyrisme haletant et poésie sophistiquée. Le trio signe chez Ayler Records et publie deux albums, « Carroussel » en 2012 suivi de « Can you smile ? » en 2013 où la contrebassiste Joëlle Léandre rejoint le trio . Le trio remporte par ailleurs le dispositif de Tournée Jazz Migration 2014 de l’AJC.

Théo Ceccaldi Trio©Sylvain Gripoix

2019 voit la sortie de « Django », le troisième opus du trio.

L’ombre tutélaire de l’illustre compositeur et guitariste Django Reinhardt plane sur les trios qui réunissent violon/guitare/guitare/contrebasse ou violoncelle. Groupe créatif s’il en est, le trio de Théo Ceccaldi n’y échappe pas mais il est inconcevable pour les trois acolytes d’imaginer un hommage compassé ancré dans une tradition manouche revivaliste.

Armés de leur virtuosité et de leur inventivité décoiffante, les trois musiciens se collent au challenge et détournent de manière radicale les codes originaux pour les propulser dans leur univers moderne et singulier.

« Django », huit titres entre déchaînement et tendresse

Reprises de Django Reinhardt

Sur Rythme Futur, la première reprise de Django Reinhardt, le rythme totalement explosé et les effets sonores projettent la musique dans des sphères contemporaines aux échos galactico-rocks. Le Célèbre Manoir de mes rêves est magnifié quant à lui dans une version voluptueuse où violon et guitare séduisent par leur sensualité.

Arrangements librement inspirés

Savant et ludique, Balancelle et Chèvrefeuille fait un clin d’œil à Honeysuckel Rose de fats Faller et Minor Swing de Django alors que le parodique Acétone Charleston inspiré du Charleston de James P. Johnson émerveille par la furie maîtrisée avec laquelle le trio chamboule la dimension rythmique. On plane d’abord sur Le cou du Dragon qui convoque le Blue Drag de Josef Myrox. On s’enivre ensuite jusqu’à l’extase avant qu’un souffle plus calme ne provoque une douce accalmie.

Compositions originales du violoniste

Avec une liberté sans pareille le trio ménage de superbes contrastes sur les compositions originales du violoniste marquées de l’identité singulière du groupe. On se laisse embarquer dans la galaxie sous-marine onirique de Six pouces sous mer qui débride ensuite une énergie frénétique sans rien perdre de sa subtilité au fil de ses presque treize minutes.

A partir d’un motif réitératif, l’envoûtant Brûle Roulotte se laisse dériver vers les brulantes sonorités rock des cordes exaspérées qui finalement choisissent de rentrer en orbite cosmique. Ballade au climat éthéré, Nin-nin je t’aime met en lumière le jeu sensible du violon et la guitare à la sonorité aérienne.

La dimension live permet de prendre la pleine mesure de la musique du Théo Ceccaldi Trio. C’est chose possible sur plusieurs scènes. Les RV ne manquent pas pour célébrer la sortie de l’album « Django » du Théo Ceccaldi Trio. Le 16 novembre 2019 au Château d’Eymet dans le cadre de la 14ème saison de « Jazz off' » de l’association Maquizart et le 19 novembre 2019 au Café de la Danse à Paris. ICI pour tout savoir des concerts de Thé Ceccaldi.

Un album effervescent qui comble les sens

La sortie de l’album « Cooking » de Géraldine Laurent constitue un incontournable des sorties discographiques de l’automne 2019. Pour ce quatrième opus en leader, la saxophoniste revient avec l’équipe déjà à ses côtés en 2015 sur l’opus « At Work ». Après plusieurs années de connivence, Géraldine Laurent, Paul Lay, Yoni Zelnik et Donald Kontomanou ont élaboré un disque effervescent qui comble les sens. On en redemande jusqu’à plus faim !

Attendu pour le 18 octobre 2019, « Cooking » (Gazebo/L’autre distribution), le quatrième album en leader de Géraldine Laurent propose un répertoire composé en grande partie de titres originaux avec cette fois, une seule reprise.

La pochette où la saxophoniste se présente entourée de piments, restitue tout à fait la chaleureuse gamme des couleurs sonores de l’alto. Hommage au disque « Cookin' » (1956) de Miles Davis, l’album « Cooking » a été enregistré au Studio Ferber par Dominique Poutet aka Dume assisté par Matthieu Lefèvre. Il est produit par Laurent de Wilde.

Sur son nouvel opus, la saxophoniste retrouve ses complices déjà présents à ses côtés sur l’album « At Work » (Gazebo/L’autre distribution) sorti en 2015. Avec le pianiste Paul Lay, le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Donald Kontomanou, l’altiste concocte un repas hot en saveurs. Un savant mélange d’alliages qui mettent l’oreille en appétit et stimulent l’envie d’écouter.

Avec « Cooking », Géraldine Laurent grave un quatrième album savoureux et addictif qui accroche les sens, déclenche appétit et les émotions. Son alto libère un flux ardent et maîtrisé. Dans la musique incandescente alternent cris déchirés irradiés de lumière et phrasés sensibles et lyriques sur les ballades. On dévore le menu du disque toutes oreilles ouvertes, on est comblé mais pas rassasié… et après une première écoute sans retenue l’on se laisse tenter par une deuxième, pour se délecter de toutes les nuances de cette musique savoureuse.

« Cooking », un menu musical qui comble les oreilles

En 2019, sur son album « Cooking », la saxophoniste continue à inscrire son discours musical dans la grande tradition du jazz qu’elle continue à renouveler.

Dans le répertoire de l’album figure une seule reprise, You And The Night And The Music, à la différence des opus précédents qui comptaient plus de standards revisités par l’altiste. Comme des anecdotes musicales, les dix compositions de Géraldine Laurent constituent l’un après l’autre des prétextes à l’improvisation, cette prise de risque perpétuelle dans laquelle excelle la saxophoniste.

A huit mains, Géraldine Laurent et ses complices élaborent un menu savoureux. Ils s’emparent des thèmes, se les approprient et déversent tout à tour leurs propres ingrédients dans la marmite bouillonnante de « Cooking ». Derrière les fourneaux, ils font monter la sauce et chauffer la musique, mitonnent des mets incandescents pimentés de saveurs lyriques auxquelles se mêlent les douces couleurs de délicates ballades. Au final, une cuisine musicale puissante et nuancée qui déclenche l’envie irrépressible d’y goûter de nouveau.

La cheffe Géraldine Laurent et sa brigade complice proposent un menu de onze plats d’une teneur classique revisitée de modernité…

… A table !

Géraldine Laurent©Anthony Voisin

Le menu commence avec un apéritif éblouissant. Après le phrasé découpé de l’introduction qui expose le thème de Cooking, arrive un chorus flamboyant de l’alto. Géraldine Laurent déborde d’un lyrisme qui n’est pas sans rappeler celui d’Eric Dolphy ou de Gigi Gryce. Le piano n’est pas en reste avec une improvisation étincelante.

No More Waltz advient ensuite comme une mise en bouche qui valse sur un tempo à 6/8. Le morceau met en évidence la symbiose du quartet. Le chorus de l’alto déroule son propos lyrique sur une rythmique ajustée. Une riche trame harmonique enrobe le flux des improvisations de l’alto et du piano. Sur le tempo ultra rapide de Next, l’alto s’exprime par fulgurances et surfe avec agilité sur le flot rythmique soutenu. Épicée par un superbe chorus de batterie, cette entrée tonique aiguise l’appétit.

En guise de premier plat, Boardwalk séduit alors l’oreille. Sur cette ballade aux douces nuances, la sonorité moelleuse de l’alto évoque des teintes crépusculaires. Le saxophone papillonne autour du ruban que le piano étire en pointillés sur une rythmique aux nuances délicates. Le morceau n’est pas sans évoquer les ambiances d’un certain Maiden Voyage Construit à partir d’un simple motif soul bluesy, le deuxième plat, The Call,  restitue l’univers musical singulier de l’altiste. Après l’improvisation éloquente du piano, l’alto élève avec sensibilité une sorte d’incantation sur laquelle plane le fantôme d’Art Pepper.

Frénétique et flamboyant, Room 44  fait office de trou normand. Son tempo très rapide déclenche chez l’alto un flot flamboyant de cris aux sonorités colorées que la rythmique stimule avec furie. Le piano inspiré puis exulté répond au saxophone qui a le dernier mot. L’appétit est stimulé pour découvrir la suite du menu.

Géraldine Laurent en quartet©Anthony Voisin

Early Bass Master, le troisième plat a de l’étoffe. Il débute par un riff qui précède la mélodie présentée à l’unisson par le piano et l’alto. Le saxophone développe ensuite un chorus quelque peu contemplatif avant de devenir plus bouillonnant puis d’inviter la contrebasse à chanter sur le riff qu’elle continue à souffler. Le menu se poursuit avec Day off,  un entremets sensible et délicat. Ballade à l’atmosphère musicale flottante, ce morceau pourrait fort bien accompagner les images d’un film en noir et blanc comme le faisait la musique de Miles Davis sur le film de Louis Malle, « Ascenseur pour l’échafaud ». Sous la virtuosité, transparaît chez l’alto une fêlure révélatrice d’une sensibilité à fleur de peau.

Après ce doux intermède, advient As It, qui n’est pas sans évoquer la force de certains fromages. Le thème musclé de la composition donne toute latitude aux solistes pour s’exprimer. Il en ressort un climat fiévreux et exalté. La rythmique qui n’est pas en reste contribue au climat organique de ce morceau envoutant. Comme les très bons cuisiniers revisitent les recettes du terroir en des recettes innovantes, le quartet métamorphose la composition d’Arthur Schwartz, You and the night and the music. Sur ce dessert où harmonies et rythmes explosent, les solistes diversifient leurs expressions.

Le repas se termine avec Minus One, une mignardise nimbée de douces couleurs. Le son caressant de l’alto se fait alors charmeur et convoque une rêverie lumineuse dont on se délecte.

« Cooking » de Géraldine Laurent, déclenche le plaisir et l’envie d’écouter encore et encore. A la tête d’un quartet fusionnel, la saxophoniste perpétue la tradition en la revisitant de manière moderne et fort personnelle.

Pour déguster live le menu de « Cooking », des rendez-vous se profilent. D’abord le concert de sortie de l’album à Paris, le 25 Octobre 2019 au New Morning dans le cadre d’une nouvelle opération [Sunset Hors les Murs]. Géraldine Laurent (saxophone alto sera entourée de ses fidèles complices, Paul Lay (piano), Yoni Zelnik (contrebasse), Donald Kontomanou (batterie). C’est ensuite D’Jazz Nevers Festival qui invite Géraldine Laurent le 14 novembre 2019. Pour l’occasion le piano est confié à Baptiste Trotignon.