Un hommage éblouissant et jubilatoire

Sur « Remembering Jaco », le Multiquarium Big Band d’André Charlier et Benoît Sourisse fait revivre la mémoire de Jaco Pastorius avec Biréli Lagrène à la basse fretless. La voix de Peter Erskine, ancien batteur de Weather Report, évoque la mémoire de Jaco. Les dix-sept musiciens de l’orchestre et leur invité rendent un hommage éblouissant au grand bassiste. Orchestrations éclatantes et jubilatoires… du groove à couper le souffle !

Avec « Remembering Jaco » (Naïve/Believe), sorti le 16 octobre 2020, la paire Charlier/Sourisse fait vibrer son Multiquarium Big Band à travers la musique d’un géant, Jaco Pastorius (1951-1987).

Un hommage inspiré rendu à ce bassiste qui a bouleversé son époque, a émancipé la basse de son rôle de rythmique et révolutionné l’art de la basse fretless. Le batteur André Charlier et le pianiste Benoît Sourisse ont invité Biréli Lagrène à les rejoindre, lui qui, à la guitare, avait enregistré « Heavy’n Jazz » avec Jaco Pastorius et tourné avec lui en Europe en 1986. Avec le Multiquarium Big Band de Charlier & Sourisse, Biréli Lagrène délaisse sa guitare et endosse le rôle du bassiste, ce qu’il réussit avec maestria.

Les huit plages musicales sont ponctuées par quatre interventions narratives de Peter Erkisne, qui a été batteur de Weather Report, a joué avec Jaco Pastorius et l’a fort bien connu.

Par sa dynamique sidérante, ses arrangements vigoureux, sa rythmique enflammée et les chorus éblouissants des solistes, « Remembering Jaco » fait revivre l’âme de la musique de Jaco Pastorius et rend un hommage sublime à celui qui aimait à se définir lui-même comme le plus grand bassiste de tous les temps.

Multiquarium Big Band

Avec ses dix-sept talentueux musiciens, le Multiquarium Big Band est taillé sur mesure pour reprendre quelques-uns des titres phares de Jaco Pastorius.

Mené par Benoît Sourisse (piano, orgue hammond, Fender Rhodes) et André Charlier (batterie), le big band réunit une éblouissante section de saxophones/clarinettes avec Stéphane Chausse (saxophone alto, clarinette), Lucas St-Cricq (saxophones alto et ténor), Stéphane Guillaume (saxophones soprano et ténor, flûte, clarinette), Fred Borey (saxophone ténor), Fred Couderc (saxophone baryton, clarinette basse), une rutilante section de trompettes avec Claude Egéa, Pierre Drevet, Erick Poirier, Yves Le Carboulec (trompette, flugelhorn), la somptueuse section de trombones avec Denis Leloup, Damien Verherve, Philippe Georges, Didier Havet (trombone basse, tuba), le brillant guitariste Pierre Perchaud et Nicolas Charlier dont les percussions ajoutent leurs force et leurs couleurs à la puissante batterie de son père.

Biréli Lagrène, qui joue de la basse depuis trente ans, intervient sur tous les morceaux à la basse fretless sur laquelle il s’exprime avec la même efficacité et la même virtuosité qu’il a coutume de le faire sur sa guitare. Ses chorus sur Used to be a Cha Cha et Teen Town sont lumineux et sublimes. Quant à Yannick Boudruche, il chante avec une ferveur poignante sur Fanny Mae.

« Remembering Jaco »

Le répertoire de l’album propose sept compositions du natif de Fort Lauderdale gravées sur les albums « Word of Mouth (1981), “Twins I & II live” (1982), “Invitation” (1983) et “The Birthday Concert” (1995) et aussi Speak like a child d’Herbie Hancock, Palladium de Wayne Shorter et Fanny Brown de Buster Brown.

Les arrangements ont été confiés à Benoît Sourisse pour Used to be a Cha Cha, Nicolas Folmer pour Liberty City (Intro) / Invitation, Pierre Drevet pour Palladium et Stéphane Guillaume pour Barbary Coast, Teen Town et Fanny Mae.

Dans ses quatre interventions parlées, Peter Erskine dit le plaisir qu’il a eu à jouer avec Jaco Pastorius. Il loue la précision rythmique du bassiste, la perfection de l’intonation de sa basse fretless, son intelligence musicale hors du commun et sa capacité à embrasser la musique et à la sublimer. Le batteur évoque aussi le destin tragique de ce musicien unique qui, tel Icare dont les ailes de cire avaient fondu en s’approchant du soleil, a connu la trajectoire d’une comète au firmament du jazz. « Jaco was… Jaco ».

Au fil des titres

Le Multiquarium Big Band revitalise la version de Used to Be a Cha Cha qui figurait sur l’album « Jaco Pastorius » de 1976 où Jaco est en compagnie d’Herbie Hancock (piano), Hubert Laws (flûte), Lenny White (batterie) et Don Elias (congas). Après le solo sublime de Biréli Lagrène à la basse, Stéphane Guillaume se lance dans une fougueuse improvisation à la flûte, comme dans la version originale. Un pur moment de jubilation musicale.

Plus loin, sur le motif d’intro de Barbary Coast impulsé par la basse au style funk, le big band expose la mélodie tout en syncopes et en riff rutilants. L’alto de Lucas St-Cricq offre ensuite un solo fulminant suivi par un chorus ciselé du piano de Benoît Sourisse. Sur les arrangements de Stéphane Guillaume, le big band groove à fond.

Après un interlude de Peter Erskine, sur l’Intro de Liberty City, la basse de Biréli Lagrène rayonne en parfaite communion avec la clarinette basse de Fred Couderc puis avec l’orchestre qui entame Continuum. Comme par magie, la musique s’élève sans trahir l’esprit de l’album « Invitation » de 1983. Biréli Lagrène enchaîne des combinaisons variées de doubles croches et de triolets entrelacés et en octave. Après une fin nostalgique, le big band enchaîne avec Kuru et Speak Like a child, dont l’exposition est éclatante. Soutenu par une orchestration dense et riche en couleurs latines, le piano s’exprime avec exaltation puis le saxophone ténor de Frédéric Borey s’enflamme et entraîne avec lui la rythmique percussive.

Advient alors le fameux Teen Town sur lequel Bireli Lagrène tient la ligne de basse en harmonie avec la clarinette basse. On frémit à l’écoute du brillant solo de basse joué avec la même intensité frénétique que celui de la version originale enregistrée par Jaco Pastorius avec Weather Report sur l’album « Heavy Weather » sorti en 1977. Un seul mot convient pour qualifier ce moment musical… jouissif !

Three Views of Secret permet ensuite de percevoir la dimension mingusienne de l’héritage de Jaco Pastorius. Pour cette ballade intense à la couleur dramatique, le Mutiquarium Big Band s’inspire de la version de « Word of Mouth » de 1981. La mélodie bluesy est confiée à la clarinette au son majestueux de Stéphane Chaume. Au fluegelhorn, Pierre Drevet développe de belles modulations sur le motif répétitif joué par le big band qui restitue avec flamboyance une des plus belles compositions de Pastorius qui prend les allures d’un requiem. Le morceau sonne comme une véritable célébration.

Le Multiquarium Big Band conserve son caractère dansant à Palladium, la composition de Wayne Shorter, enregistrée par Jaco Pastorius avec Weather Report sur l’album « Heavy Weather ». Sur des arrangements de Pierre Drevet, l’orchestre le revisite avec éclat, en mettant l’accent sur une rythmique de basse funk. Les furieuses envolées breckeriennes du saxophone de Stéphane Guillaume et la prestation fulgurante de la trompette de Pierre Drevet comblent l’oreille qui succombe à l’écoute de cette version d’une puissance inouïe.

L’hommage se conclut avec Fanny Mae que Jaco reprenait sur scène en chantant. C’est Yannick Boudruche qui prête sa voix à ce vieux tube de R&B. On trépigne frénétiquement sur le tempo de rock bluesy quand intervient l’orgue de Benoît Sourisse et le trombone de Damien Verherve au-dessus des généreuses interventions de l’orchestre.

« Remembering Jaco » agit comme un véritable bain de jouvence. Un vaccin anti morosité qui régénère et dynamise… 47′ de pur bonheur, à partager largement !

Pour faire le plein d’énergie, RV avec le Multiquarium Big Band d’André Charlier et Benoît Sourisse avec Biréli Lagrène, le 17 octobre 2020, à 17h30 au Centre Culturel Marc Brinon à Saint-Thibault-des-Vignes (77), le 25 novembre 2020 dans le cadre du Monte-Carlo Jazz Festival et le 13 décembre 2020 à 17h, à L’Equinoxe de Chateauroux.

La musique sublime les mots

Sur leur nouvel opus, Fred Pallem & Le Sacre du Tympan font plus que raconter les Fables de la Fontaine. Leur musique réveille les textes du grand fabuliste qui s’en trouvent sublimés. Avec un brin d’insolence et un zeste d’amusement, les voix des récitants projettent dans le 21ème siècle les mots du 17ème qui demeurent d’une grande actualité. Les oreilles se régalent de ces quatorze titres où mots et musique s’accordent pour le meilleur.

Depuis 2002, le parcours de Fred Pallem témoigne d’hommages… au cinéma qui l’a nourri avec « Soundtrax » (2010), au compositeur de musiques de film François de Roubaix (2015), à l’esprit des films blaxploitation des années 70 avec « Soul Cinéma » (2017), aux dessins animés avec « Cartoons » (2017). En 2018, il livre l’épique « L’Odyssée » dont les huit compositions sonnent comme une BO.

En 2020, sur « Fred Pallem & le Sacre du Tympan racontent les Fables de la Fontaine » (Train Fantôme/l’Autre Distribution) à sortir le 16 octobre 2020, les mots se font complices de la musique… à moins qu’il ne s’agisse de l’inverse.

« Tout d’abord j’avais envie de composer de la musique autour d’une voix parlée ; m’imprégner du rythme des mots et de leurs sons, ressentir le tempo de la diction, puis écrire de la musique à partir de cela. Nous avons donc enregistré les voix en premier et les musiques ensuite. »

Les fables

Comment, parmi les deux-cent-quarante-trois fables de Jean de La Fontaine (1621-1695) Fred Pallem a-t-il déterminé celles qu’il allait doter d’un habillage musical ? Il ne s’en est point épanché mais au final, il en a choisi quatorze, toutes d’une fort grande actualité.

S’il donne à découvrir une fable érotique oubliée, Aimons, Foutons, certaines font partie de celles qui ont été et sont encore enseignées aux enfants de France comme Le héron, Les animaux malades de la peste, Le lion amoureux, La grenouille qui voulait se faire aussi grande que le bœuf, Le rat des villes et le rat des champs et Le Loup et l’agneau.

D’autres, certes moins familières, reviennent néanmoins en mémoire dès l’écoute, Le loup et le chien, L’enfant et le maître d’école, L’avare qui avait perdu son trésor, La forêt et le bûcheron, Les deux mulets et La mort et le malheureux.

Chacune des quatorze fables propose un climat particulier mais il saute aux oreilles comme une évidence. Sur chaque plage, deux musiques coexistent et se valorisent, celle des mots que délivrent les voix entre rap et poésie, et celle des instruments.

Les voix

Parmi les voix qui (ra)content les fables de La Fontaine choisies par Fred Pallem, on retrouve celles des fidèles comme Thomas de Pourquery (Aimons, Foutons), Sandra Nkaké (Les deux mulets), Dom Farkas (Le héron), Elise Caron (L’avare qui avait perdu son trésor), Marcel Kanche (La mort et le malheureux) mais aussi celles de l’humoriste Nicole Ferroni (Les animaux malades de la peste), de la productrice radio Rebecca Manzoni (Le loup et le chien), du comédien Thomas Scimeca (La grenouille qui voulait se faire aussi grande que le bœuf) ou encore Pascal Mendelson (L’homme et la couleuvre).

On craque littéralement pour Le Loup et l’agneau conté par Arnaud Aymard aka L’Oiseau Bleu.

Les climats musicaux

Les quatorze titres empruntent à différentes formes musicales chères au bassiste compositeur, country, funk, soul, musique de film, musique classique, musique contemporaine. Une section rythmique réunit la guitare de Ludovic Bruni et la batterie de Vincent Taeger et Fred Pallem s’est chargé des autres instruments (Burns Bison 1964, Fender Jazz Bass 1963, Roland SH2000, Baldwin Harpsichord, Hohner Clavinet D6, Wurlitzer 200A, Korg MS20, Celesta, guimbarde, …).

Sur Le Lion Amoureux, la flûte alto de Rémi Sciuto rejoint la voix de Barbara Carlotti. Une section de cordes intervient sur huit des quatorze titres, seule ou en association avec les autres instruments. Thomas De Pourquery ne se contente pas de poser sa voix sur la fable érotique de Jean de La Fontaine, il émaille Aimons, Foutons d’un éruptif solo de son saxophone alto.

Fred Pallem & Le Sacre du Tympan ont réussi un superbe défi : parer d’un groove très actuel les traditionnelles Fables de la Fontaine. Pourvu que les enseignants de France y soient sensibles et proposent cette réalisation singulière comme modèle aux enfants afin de les engager à leur tour à s’exprimer de manière libre et créative… en attendant, voix, cordes et rythmiques font vibrer les tympans des adultes curieux.

Rendez-vous en 2021, le 20 février à 18h, le 21 février à 11h et 16h30 à la Philharmonie de Paris pour écouter en live, les Fables de la Fontaine par Fred Pallem & Le Sacre du Tympan.

Vibrations aériennes et telluriques

« Solo(s) » de Lionel Martin, un projet sonore organique et hypnotique. Une bande son nomade captée par Bertrand Larrieu au fil de déambulations urbaines. Cinq morceaux où alternent vibrations aériennes et telluriques. Créditée à Robert Combas, la pochette restitue la douce folie de ce « Mad Sax » qui ne cesse de renouveler son inspiration. Du 07 au 17 octobre 2020, le saxophoniste vit et joue dans un container devenu squat artistique où il propose ses « Variations musicales » durant le « Grand Barouf » du « Rhino Jazz(s) ». Lionel Martin, toujours énergique et libre !

Sorti le 02 octobre 2020 en version digitale sur le label Cristal Records et en album vinyle sur Ouch! Records, « Solo(s) » de Lionel Martin vibre d’une énergie brute alimentée en prise directe avec l’environnement. Les textures sonores de l’album évoluent entre jazz et musique électronique avec de fulgurantes déchirures ouvertes sur un post-rock réinventé.

En sous-titrant son album « Solo(s) », « Je est un autre », Lionel Martin inscrit son inspiration dans les traces d’Arthur Rimbaud…

« Car Je est un autre. Si le cuivre s’éveille clairon, il n’y a rien de sa faute. Cela m’est évident : j’assiste à l’éclosion de ma pensée : je la regarde, je l’écoute : je lance un coup d’archet : la symphonie fait son remuement dans les profondeurs, ou vient d’un bond sur la scène. »

Lionel Martin, musicien, mais pas que…

Toujours épris de liberté, Lionel Martin diversifie ses aventures musicales.

Après ses aventures avec le « Trio Résistances », on l’a retrouvé en duo avec le pianiste Mario Stanchev autour des compositions de Louis Moreau Gottschalk sur « Jazz Before Jazz », en duo encore avec le batteur Sangoma Everett autour du disque « Afrique » de Count Basie sur « Revisiting Afrique », avec le groupe uKanDanZ dont les couleurs musicales mâtinées de rock et musique éthiopienne sur « Yeketelale » et sur les scènes du monde, avec le Quintet Madness Tenors qui réunit autour de lui ses compères Mario Stanchev, Benoit Keller (contrebasse), Ramon Lopez (batterie) et le saxophoniste américain George Garzone sur « Madness Tenors – Be Jazz for Jazz », mais aussi avec Louis Sclavis au sein du groupe « OSLO » aka « Ouch! Synthesis Liberty Ørchestra » ou avec Bunktilt qui réunit autour Fred Meyer (guitare), Thibault Martin (batterie) et Steve Mackay, le saxophoniste historique des Stooges.

Passionné de disques vinyles qu’il collectionne depuis longtemps, Lionel Martin est aussi à l’origine du label Ouch! Records dont le catalogue ne cesse de s’étoffer. Sur son site, le label propose une rubrique « Solo Insolent », une émission live mensuelle en exclusivité et participation libre.

On se souvient de « Lionel Martin sur un arbre perché » quand le saxophoniste jouait dans un cèdre du Jardin des Plantes de Rive-de-Gier lors de l’édition 2006 du « Rhino Jazz Festival ». Devenu « Rhino Jazz(s) », le festival invite de nouveau le musicien 07 au 17 octobre 2020 pour une performance peu commune, les “Variations musicales de Lionel Martin”, du jazz au rock en passant par la pop et Stravinsky. Dans son container, Lionel Martin vit et joue sa musique au gré des moments, des envies, des rencontres avec d’autres musiciens, invités par le saxophoniste durant le “Grand Barouf du Rhino” dans la Grande Usine Créative de la Cité du Design de Saint-Étienne.

Le squat créatif de Lionel Martin entre en résonance avec l’exposition et l’atelier éphémère de Robert Combas, musicien et peintre (à l’origine du mouvement artistique de la « figuration libre ») dont trois peintures illustrent la pochette de l’album « Solo(s) ».

« Solo(s) »

Enregistré par Bertrand Larrieu en 2019 sous un pont à Goussainville, dans différents sites du métro de Paris, dans les champs de la Beauce et en extérieur sur les bords de la Loire, « Solo(s) » restitue les atmosphères exaltantes créées par les saxophones et machines de Lionel Martin.

Entre flux aériens et vibrations telluriques, les improvisations de Lionel Martin s’abreuvent aux sources de la liberté et s’alimentent d’une quête intérieure exigeante. On voyage dans l’univers imaginaire du saxophoniste. Bien loin des chemins de la perfection, son monde empreint de spontanéité et de sincérité est éclairé par le doute et la recherche incessante de l’Ailleurs et de l’Autre.

Vibrer jusqu’à chuter

« Solo(s) » ouvre avec Vibrations. Telles des envolées cosmiques, les boucles du soprano interpénètrent le motif tellurique du ténor fougueux et s’installe alors le climat intersidéral d’un voyage musical qui devient peu à peu hypnotique. Plus loin, sur Fictions, le musicien invite à le rejoindre dans son vaisseau spatial imaginaire. A partir d’un motif itératif, le ténor dessine des arabesques, des circonvolutions sonores, ponctuées d’éructations, de frictions et de borborygmes alors que les bruits du métro s’intègrent au fil d’une complainte bluesy, une berceuse souterraine.

Un climat musical plus aérien s’installe ensuite sur Éternité. Un titre plus serein, truffé de motifs insolites et frénétiques d’inspiration mingusienne, qui se termine par une lamentation du ténor. L’oreille accède ensuite à Réalité où les saxophones se croisent. La ligne mélodique du soprano tente de se hisser au-dessus d’un florilège des sonorités de baryton, ténor et alto… et l’on est comme transporté dans une nature où des canards caquettent en palmant sur les rides d’un étang.

Avec La chute advient un changement de climat sonore. Il devient plus électro et incite à la danse. Les boucles répétitives rendent la musique plus organique, plus soul… la transe n’est pas loin !

« Solo(s) » de Lionel Martin, à écouter au casque et à fond !

Ecriture inventive & improvisations décapantes

Pour son nouvel album, « Fragments », le contrebassiste Yves Rousseau réunit autour de lui un groupe transgénérationnel de musiciens talentueux. Ancrée dans les souvenirs de son écoute des groupes pop rock entre 1976 et 1979, la musique laisse une grande place aux solistes. L’écriture inventive et exaltante du leader inspire aux instrumentistes des improvisations décapantes.

Sur « Fragments » (JazzRecords/L’Autre Distribution) sorti le 18 septembre 2020, le contrebassiste Yves Rousseau propose un répertoire influencé par son écoute de quelques-uns des plus fameux des groupes pop rock des années 70, King Crimson, Pink Floyd, Soft machine, Yes, Supertramp, Caravan, Emerson, Lake & Palmer, Led Zeppelin, The Who ou Genesis.

« Fragments »

« J’ai conçu ces « Fragments » dans le souvenir des années « lycée », au milieu des 70’s, lorsque les grands groupes pop/rock alors à leur apogée créatrice marquaient pour toujours l’histoire de la musique. Pas de relectures, pas d’arrangements mais uniquement de nouvelles pièces originales, fruits de mon parcours d’improvisateur et de compositeur aux multiples influences, écrites dans le souvenir de ces exaltantes découvertes et de ces fulgurances… » Yves Rousseau, avril 2020.

De fait, hormis, deux extraits, Ending with « Orleans » emprunté à David Crosby et Winding Pathway/Part III à « In The Court of The Crimson King » de Robert Fripp, toutes les compositions sont à créditer à Yves Rousseau.

Dénuée de nostalgie, la musique émerge des souvenirs et des émotions du jeune Yves Rousseau lycéen qui découvrait les groupes pop rock des années 70. Elle restitue l’esprit de ces musiques, leur exaltation et leurs fulgurances. Au fil des huit compositions originales du leader se croisent réminiscences de rock progressif, esprit de musique chambriste et puissance d’un jazz explosif.

Le septet

Yves Rousseau Septet©Jeff Humbert

Pour restituer l’âme de ces musiques qui l’ont marqué, Yves Rousseau s’est entouré de Géraldine Laurent (saxophone alto), Étienne Manchon (claviers), Csaba Palotaï (guitare), Jean-Louis Pommier (trombone), Thomas Savy (clarinette basse) et Vincent Tortiller ( batterie).

Autour de la contrebasse, le trio de soufflants, saxophone, trombone et clarinette, rivalise avec le trio rythmique, claviers, guitare électrique et batterie. Il en ressort une dynamique sonore alimentée par les improvisations audacieuses et fougueuses des solistes et stimulée par l’énergique pulsatile de la rythmique.

Le septet sonne comme si les musiciens jouaient ensemble depuis toujours. 

Au fil des titres

Avec les deux parties de Reminiscence, l’oreille est immergée dans la dynamique rock-prog du groupe anglais Soft Machine. Après une première partie qu’on croirait insufflée par Robert Wyatt, le morceau se poursuit dans une atmosphère de jazz fusion avec le thème exposé à l’unisson par les soufflants qui dialoguent sur un fond rythmique frénétique avant que le clavier n’installe une ambiance spatiale quasi psychédélique.

Par la suite, Personal Computer fait référence à l’univers de Frank Zappa. Après l’expression exaltée du trombone, la clarinette basse se métamorphose en computer, propulsée par une batterie frénétique. Place ensuite à Abyssal Ecosystem dont l’orchestration met d’abord en lumière le phrasé délirant et fulgurant du saxophone alto puis valorise les échanges tout en rupture de la guitare et du clavier soutenus par la masse du trio de soufflants. Avec les deux mouvements de Darkness Desire, l’ambiance change. D’emblée austère et explosive, au gré des ébats de la batterie, sur un motif répétitif des cuivres, elle devient ensuite plus intense avec un chorus de clavier qui invite à la transe.

Advient alors Crying Shame. L’alto débute seul puis est rejoint par la batterie et la guitare. Les circonvolutions du saxophone se déploient au sein d’une orchestration puissante et fragmentée rythmiquement. Oat Beggars ouvre ensuite par un duo trombone/clarinette basse mais la masse sonore se densifie, soutenue par l’énergie collective du groupe qui développe un gros son rock.

Les quatre pièces de Winding Pathway révèlent une écriture rigoureuse et exigeante où chaque musicien trouve son espace d’expression et son épanouissement au sein du collectif. On entend de belles interactions entre trombone et clarinette basse. Le troisième mouvement valorise la contrebasse, lumineuse et irradiée de sérénité. Sur la dernière plage, l’alto fulgurant s’envole vers les cieux, poussé par le souffle de la rythmique.

Avec Efficient Nostalgie se termine le répertoire. Le morceau se développe en deux parties. D’abord, les soufflants déambulent et tissent une ambiance colorée avec la clarinette basse qui s’évade sur des sentiers buissonniers. Pour finir, la guitare prend la main et l’opus hurle à la manière de Robert Fripp. Le son sature, ça grince sur un mode rock-prog, avant que le trombone ne vienne apaiser le climat.

Le septet d’Yves Rousseau fête la sortie de l’album « Fragments » le 23 octobre 2020 à 20h au Pan Piper à Paris. D’autres RV se profilent pour écouter le septet en concert. On le retrouve le 03 octobre 2020 au Festival Au sud du nord à Cerny (91), le 08 octobre 2020 au Rocher de Palmer à Cenon (33), le 09 octobre 2020 à Jazz MDA à Tarbes (65) et le 12 novembre 2020 au D’jazz festival de Nevers (58).

Energique, sensible & poétique

Avec « Skin In The Game », le chanteur, auteur, compositeur et producteur David Linx signe un album à la fois énergique et sensible. Celui qui est devenu une référence en matière de jazz vocal, propose un opus poétique où il se met à nu. Autour de lui, il réunit une équipe de premier plan avec Grégory Privat au piano, Chris Jennings à la contrebasse, Arnaud Dolmen à la batterie et en invités, le guitariste Manu Codjia et le slameur Marlon Moore. Entre force et délicatesse, un opus à fleur de peau qui témoigne de ses convictions, de son implication dans le monde actuel et rend hommage à des figures qui lui sont chères. Au sommet de son art, David Linx performe plus que jamais au-dessus de la mêlée.

Pour ses 55 ans et après 40 ans de carrière, David Linx présente « Skin in The Game » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) annoncé pour le 18 septembre 2020.

Un album abouti et équilibré où musique et poésie captivent l’oreille à part égale. Quel que soit le tempo, le leader déploie un chant tout à fait maîtrisé. Tessiture étendue, aisance rythmique, souplesse de l’articulation, scat éblouissant et force de conviction prégnante. Comme en osmose parfaite, les talentueux musiciens qui l’entourent font preuve d’une écoute et d’une réactivité de chaque instant. Chaque titre fait mouche.

« Skin In The Game », David Linx délivre toutes les nuances de son art. Son « cri » porte avec force ses convictions. Plus caressante sur les ballades, sa voix parle d’amour et fait l’éloge du beau. Son scat éclatant rivalise avec les instruments. En ces temps moroses, l’album de David Linx fait figure d’un bain de jouvence porteur de vitalité et d’espoir.

Un art singulier

David Linx a construit son parcours artistique sur une valeur essentielle qu’il a toujours cultivée, la liberté. Liberté d’être lui-même, liberté aussi de faire ses propres choix. En 2008, il nous confiait « la constance qu'[il a] eue à faire ce qu'[il] voulai[t] » et précisait que pour lui, « la liberté ça se travaille, ça s’apprend, ça se cultive, ça se conquiert et ça se décide »*.

Ainsi, depuis les années 80, David Linx pratique l’art vocal bien loin des normes et des sentiers battus qu’il n’a d’ailleurs jamais fréquentés ni affectionnés. Il a débuté sa carrière comme batteur après avoir eu comme professeur rien moins que Kenny Clarke. Sans doute conserve -t-il de cette période ce sens aigu du rythme qu’il a cultivé après s’être converti au chant. Au fil des ans, il a forgé son propre alphabet, a élaboré un vocabulaire et une syntaxe tout à fait personnels. Il a ainsi développé un art vocal singulier devenu sa signature et identifiable dès la première note, dès le premier mot.

De projet en projet

Tout au long de sa carrière, David Linx n’a eu cesse de diversifier les rencontres et les projets dont on évoque ci-dessous quelques-uns des plus marquants, sans pour cela se prévaloir d’être exhaustif.

En 1982, il quitte sa ville native, Bruxelles, pour Saint-Paul-de-Vence où il rejoint James Baldwin, son mentor qui devient son « père adoptif ». Il le convainc d’enregistrer avec lui en 1986 et en 1990 il sort un album avant-gardiste, « A Lover’s Question » avec Pierre Van Dormael, Deborah Brown, Toots Thielmans et Steve Coleman. Ce projet sur lequel James Baldwin récite ses poèmes, a été réédité en septembre 2000 chez Label Bleu/Harmonia Mundi. En 1988, David Linx abandonne la batterie pour le chant et en 1989 publie “Hungry Voices”.

Advient ensuite une longue période où il s’associe en duo avec le pianiste belge Diederik Wissels. En 1996 ils enregistrent « Up Close » chez Label Bleu. David Linx tourne régulièrement en duo mais aussi en quartet. En 1998, il sort « Bandarkâh » sous le même label et en 2003 « This time » (Le Chant du Monde/Harmonia Mundi). Le duo Linx-Wissels rencontre de nombreux artistes et enregistre différents projets. « Heartland » (Emarcy/Universal) en 2001 avec Paolo Fresu, « One Heart, Three Voices » (e-motive/ avec les chanteuses Fay Claassen et Maria Pia de Vito en 2005

2007 voit la sortie de l’album « Changing Faces » qui marque la première collaboration du chanteur avec le « Brussels Jazz Orchestra ». Il conçoit ensuite « Follow The Song Lines », un projet qui réunit Diederik Wissels, Maria Joao, et Mario Laginha avec un orchestre symphonique. Il le crée à Bruxelles et à Porto puis le tourne à Genève, à l’Opéra de Lyon et à Paris, avant d’enregistrer, avec l’orchestre national de Porto, l’album du même nom qui paraît en 2010 chez Naïve. Le 30 juin 2006, David Linx participe à la création de l’opéra-jazz composé par Laurent Cugny « La Tectonique des nuages » créé au festival « Jazz à Vienne » et à l’enregistrement de l’album éponyme publié en 2010 par Radio France-Harmonia Mundi-Signature.

En octobre 2011, sort « Rock my Boat » (Naïve) enregistré avec entre autres Rhoda Scott et André Ceccarelli. En 2013 « Winds Of Change » (Just Looking records/Harmonia Mundi) témoigne de la poursuite de collaboration artistique du duo David Linx-Diederik Wissels. Sur « À NOUsGARO » (2013) David Linx rend hommage au chanteur toulousain avec André Ceccarelli, Diego Imbert et Pierre-Alain Goualch. Cette collaboration se poursuit avec la parution en 2018 de “7000 Miles”.

C’est à un autre chanteur, de son pays natal cette fois, qu’il rend hommage avec le superbe « Brel », sorti en 2016 et enregistré avec le Brussels Jazz Orchestra. En 2019, c’est en duo avec Michel Hatzigeorgiou qu’il publie « The Wordsmith ».

Le 18 septembre 2020, est annoncée la sortie de « Skin In The Game » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) qui, à n’en pas douter, se profile comme un album majeur de la discographie de celui qui reçu une Victoire du Jazz en 2019, dans la catégorie « Voix de l’année »

« Skin In The Game »

David Linx et les musiciens de « Skin In The Game »©Shelomo Sadak

Pour cet album, David Linx réunit autour de lui quatre excellents musiciens, tous leaders par ailleurs, le pianiste Grégory Privat, le contrebassiste Chris Jennings et le batteur Arnaud Dolmen. Sur cinq titres, il invite le guitariste Manu Codjia. Une autre voix se joint à la sienne, celle de Marlon Moore, son ami de Philadelphie qui pose ses mots sur Skin In The Game, le titre qui donne son nom à l’album et slamme sur Night Wind dont la musique est composée par Thierry Lang.

Tous les musiques sont de David Linx sauf Here I Can See dont la partition est à créditer à Grégory Privat, A Fool’s Paradise à Sylvain Beuf, To The End Of An Idea à Mario Laginha et Night Wind à Thierry Lang.

Si dans Troublemakers, David Linx en prise avec le monde actuel, évoque un certain fauteur de troubles que l’on reconnait à demi-mot, de nombreux autres titres peuvent s’entendre comme autobiographiques, Ainsi, trois autres morceaux de l’album sont assortis de dédicaces en hommage à des femmes qui ont compté dans la vie du chanteur. Ainsi Azadi est dédié à Aisha Karefa-Smart la nièce de l’écrivain James Baldwin, Prophet Birds à l’écrivaine Toni Morrison (1931 - 2019) et On The Other Side Of Time à Marcia de Labbey, ancienne compagne de Baden Powell puis mariée à Claude Nougaro.

Dans Skin in the Game où il évoque ses 55 ans, David Linx cite les noms de Toni Morrison, James Baldwin, Aisha Karefa-Smart, Kenny « Kook » Clarke, le poète et romancier Ben Okri, Carmen, Mother G (sans doute Gloria, la sœur de James Baldwin) et d’autres noms encore.

Enregistré en avril 2019 par François Gaucher à l’Alhambra Studios à Rochefort-sur-Mer et Julien Reyboz à Studio Om Sweet Om à Paris, « Skin In The Game » a été et mixé et masterisé par Stefano Amerio à Artesuono à Udine en Italie. Sa sortie prévue le 18 septembre 2020 devrait constituer un évènement musical majeur de cet automne 2020.

Au fil des titres

Azadi (liberté en kurde) met en relief la large tessiture et la puissance de la voix de David Linx. On est subjugué par la liberté qu’il prend avec le rythme, porté par une section rythme éblouissante. Son chant enflammé et le piano charmeur déclenchent de voluptueux frissons.

Here I can See délivre ensuite une belle mélodie aux contours nuancés. Sur un tempo médium, le scat acrobatique et peu conventionnel du chanteur est en parfaite osmose avec le solo énergique du piano à l’efficacité désarmante. Le morceau souriant et joyeux mérite son sous-titre, Le Bonheur. Advient ensuite Changed in Every Way, une ballade stratosphérique sur laquelle la guitare de Manu Codjia met en orbite la voix chatoyante de David Linx. Son chant sensible s’élève en suspension et génère une douce étrangeté.

A partir des spoken words de Marlon Moore émerge Skin In The Game, un poème poignant et chargé de groove. Sur la corde raide, le leader se joue du rythme et des harmonies et sa voix explose dans toute sa puissance. L’échange entre le piano et la batterie est fusionnel. Sur Prophet Birds, le propos vocal David Linx se fait plus serein et l’ambiance musicale évoque celle de l’album « Up Close ». Le chant à la justesse confondante résonne avec le propos mélancolique du piano. Le titre prend l’allure d’une véritable songe musical poétique et sensible.

Changement d’ambiance avec Walkaway Dreams d’où se dégage une grande vitalité. Forme originale avec piano et voix en totale osmose et des décalages rythmiques inouïs. Sur On The Other Side Of Time, le chant du leader irradie de jouvence et sensibilité, les volutes de la guitare invitent à s’immerger dans un rêve. David Linx étire à merveille cette ballade ponctuée par le court solo solaire de la contrebasse et soutenue par le frémissement des balais.

Sur Night Wind, le chant déclamé avec conviction par le leader croise le slam de Marlon Moore dont le poème Nights Winds se mêle aux paroles de David Linx. Avec les effets bruitistes de la guitare nuageuse et de la batterie pointilliste, s’installe une tempête sonore en arrière-plan. Un morceau bouleversant et percutant à la fois. Le contraste est fort avec To The End of An Ideae. En effet, ce titre épuré, presque minimaliste, s’élève telle une prière soutenue par un piano dont le jeu distille des réminiscences de musique Baroque.

Après l’intro de Chris Jennings sur sa contrebasse au son tellurique, la voix de David Linx s’envole sur Troublemakers en direction de la sphère des anges. On est subjugué par l’énergie vitale du piano et par le superbe accompagnement du vigoureux batteur qui joue à mains nues sur la peau des fûts. L’album se termine avec le poétique A Fool’s Paradise, un duo chant-piano porteur d’espérance qui transporte l’oreille dans un rêve idyllique.

Après avoir savouré le superbe « Skin In The Game », s’impose l’envie d’aller écouter David Linx au sommet de son art et entouré de Grégory Privat (piano), Chris Jennings (basse), Arnaud Dolmen (batterie) avec en invité, Manu Codjia (guitare) à Paris, le 12 octobre 2020 à 21h au New Morning pour le concert de sortie de l’album. Quelques autres dates se profillent pour retrouver le projet sur scène, le 16 octobre 2020 au La Rochelle Jazz Festival, le 18 novembre 2020 au Théâtre Le Jardin de Verre de Cholet, le 11 décembre 2020 au Silex à Auxerre. Les amateurs de la région Auvergne-Rhône-Alpes sauront attendre le 19 mars 2021 pour rejoindre le Centre Culturel d’Ecully à 20h30.

*  entretien accordé le 31 mai 2008 par David Linx à Nicole & Bernard Videmann, publié sur www.culturejazz.net le 23 juin 2008 mai 2008.