Un batteur, un arrangeur, un big band

Après six disques en leader, Antonio Sanchez sort « Channels of Energy », un double album qui réunit trois entités. Deux étoiles du jazz, le batteur Antonio Sanchez et le chef d’orchestre-arrangeur Vince Mendoza s’associent au prestigieux WDR Big Band. Dans le parfait respect de l’écriture du batteur, l’album propose une musique à la modernité sidérante.

Enregistré en décembre 2016 à Cologne en Allemagne, dans le studio 4 de la Westdeutscher Rundfunk Köln, le double album « Channels of Energy » est annoncé pour le 27 avril 2018 chez Cam Jazz. Dès la première écoute, le nouveau projet du batteur Antonio Sanchez surprend autant qu’il séduit.

Une énergie maîtrisée et équilibrée se dégage des huit compositions originales d’Antonio Sanchez interprétées par le rutilant WDR Big Band avec le soutien d’Antonio Sanchez à la batterie, sur les superbes arrangements du chef d’orchestre Vince Mendoza.

Sur « Channels of Energy », Antonio Sanchez joue de sa batterie comme d’un orchestre. Vince Mendoza maîtrise son orchestre comme s’il s’agissait d’un instrument unique. L’orchestre de la radio nationale allemande, le WDR Big Band, interagit avec la batterie et le chef d’orchestre comme s’ils ne faisaient qu’un, mettant en valeur avec brillance et élégance les arrangements nuancés posés par le chef d’orchestre sur les compositions du batteur Antonio Sanchez. Antonio Sanchez, Vince Mendoza & le WDR Big Band… un trio gagnant.

Le batteur Antonio Sanchez n’en finit pas d’étonner

On le connait pour être un fabuleux instrumentiste. Il l’a prouvé en sideman aux côtés de Pat Metheny mais aussi en soliste sur son dernier album « Bad Hombre » sorti en 2017. On a aussi apprécié ses talents de leader sur de nombreux albums dont les derniers « New Life », « Three times three » et « The Meridian Suite ». Enfin on n’ignore rien de son talent de compositeur reconnu par l’octroi du Grammy Award de la « meilleure bande originale pour un média visuel ». Sur la BO du film « Birdman » d’Alejandro González Iñárritu, la batterie d’Antonio Sanchez est l’unique instrument qui accompagne les pensées du héros. Elle contribue pour beaucoup au rythme et au mouvement du film.

Il confie ses compositions à Vince Mendoza et au WDR Big Band

On sait le talent inouï de Vince Mendoza, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre multi-récompensé (six Grammy Awards). Ses arrangements inventifs et chatoyants confiés à des orchestres symphoniques ou à des Big Bands subliment les musiques sur lesquelles il se penche, que ce soit de la pop, du rock ou du jazz (Björk, Sting, Elvis Costello, Joe Zawinul, John Scofield, Joni Mitchel, Melody Gardot, …). Il n’en est pas à sa première collaboration avec les musiciens virtuoses du WDR Big Band auprès duquel il est très engagé (résidences et enregistrements).

Quelques repères savoureux de « Channels of Energy »

Sur le CD1

L’improvisation étincelante du trompettiste Ruud Breuls, le phrasé fougueux du saxophoniste alto Johan Hörlen et le final rutilant de l’orchestre sur Minotauro. L’introduction funk des trombones et trompettes, l’intervention énergique de la trompette et l’éclatante intervention de la batterie sur Nooks and Crannies. L’improvisation du saxophoniste ténor Paul Heller sur Nighttime Story, ballade écrite en hommage à Michael Brecker. Les breacks punchy du Big Band sur The Real McDaddy et l’architecture parfaite du chorus frénétique de la batterie d’Antonio Sanchez.

Sur le CD2

Le solo limpide du pianiste Omer Klein apaise le Big Bands sur New Life. La richesse harmonique et rythmique du thème Grids and Patterns qu’expose l’orchestre. La sonorité profonde du trombone d’Andy Hunter sur le mélancolique Imaginary Lines dont le motif répétitif et lumineux est accompagné par la masse sonore très souple de l’orchestre. Sur Channels of Energy, un sommet du double album, l’introduction rock de la batterie induit le rythme binaire de l’orchestre et la transe du saxophone soprano. Le climat incandescent s’apaise ensuite après la superbe respiration prodiguée par la batterie et la contribution swinguante du trombone.

Lorsque les orbites des trois étoiles musicales que sont Antonio Sanchez, Vince Mendoza et le WDR Big Band se croisent sur « Channels of Energy », advient alors un album élégant, vibrant et contemporain. Les sonorités rutilantes et la variété des couleurs rythmiques fascinent par l’énergie qu’elles dégagent. Grâce aux interactions raffinées entre les solistes, l’orchestre et le batteur, la puissance orchestrale ne masque en rien la précision et la modernité de l’écriture.

Quand modernité rime avec vigueur et audace

« Currents, Constellations » marque les débuts chez Blue Note du Nels Cline 4, le nouveau groupe du guitariste Nels Cline. Dans ce quartet énergique le leader collabore avec le guitariste Julian Lage et une puissante section rythmique composée de Scott Colley et Tom Rainey. Une musique d’avant-garde, généreuse et audacieuse.

Connu depuis 2004, Nels Cline, le guitariste de Wilco, a émergé comme leader dans les années 1980. Le magazine « Rolling Stone » le classe aujourd’hui parmi les « 100 plus grands guitaristes ». On se souvient de son duo peu académique avec le guitariste Julien Lage sur l’album « Rooms » sorti en 2014.

Après le splendide double album « Lovers » publié par Nels Cline en 2016 chez Blue Note avec un grand ensemble, on retrouve le duo Nels Cline–Julian Lage sur « Currents, Constellations » (Blue Note/Universal), sorti le 13 avril 2018. Les deux guitaristes sont associés à une section rythmique implacable composée du batteur Tom Rainey et du bassiste Scott Colley, présent aux côtés de Julian Lage sur « Modern Lore ». Hormis une pièce de Carla Bley interprétée dans les années 60 par le Jimmy Raney 3, toutes les compositions sont à porter au crédit de Nels Cline.

« Currents, Constellations », un album aventureux et énergique fruit du jeu incisif du Nels Cline 4. Ce quartet conduit la musique sur des territoires où se côtoient beauté pure et énergie sauvage. Entre les deux guitares, point de confrontation mais une radieuse stimulation. Sur certains morceaux elles élaborent un son d’ensemble issu de leurs improvisations chauffées à blanc. Sur d’autres pièces elles adoptent une approche très délicate voire même contemplative. Sans jamais se défier Nels Cline et Julian Lage unissent leurs talents au service de la musique sans chercher à se mettre en avant.

En ouverture de l’album, Furtive témoigne de ces interactions stimulantes qui relient les deux guitares sans que jamais aucun des deux musiciens ne tire la couverture à lui. Joué en duo sur « Room », Amenette commence avec une ligne d’ouverture exposée à l’unisson par Line et Lage. Ensuite alternent des moments interprétés en solo et d’autres plus groupaux. L’interaction très libre de tous les musiciens donne au morceau une allure avant-gardiste très proche du free jazz.

Swing Ghost ‘59 débute sur un swing traditionnel qui s’estompe très vite au profit d’un rythme quasi-mécanique. Lui-même se dilue en un balancement curieux. De nouveau ce pseudo swing se dissipe. Une ode amusante où le swing n’en finit pas de finir, il se transforme, se travestit même pour mieux recommencer. En fait, cette composition dit combien, dans cette musique appelée jazz, le swing est toujours présent, même si ses formes varient.

As Close As That n’est pas sans rappeler des morceaux comme Distant Hills de Ralph Towner, guitariste qui a inspiré Nels Cline, d’où le titre. De cette ballade aux ambiances stratosphériques se dégage un climat qui hésite entre drame et lyrisme. Sur cette pièce on peut écouter un délicieux solo de Nels Cline alors que Julian Lage joue en arrière fond.

Avant de s’appeler Imperfect 10, la composition de Nels Cline se nommait Jazz Fusion Composition. Il s’agit d’une mélodie un peu rock sur laquelle le batteur assure un battement pas franchement habituel, un rythme qui désarticule le morceau et lui donne une allure bancale inouïe. For Each, A Flower rend hommage à Geri Allen, Bill Collings, Bill Horvitz, John Abercrombie, John Shifflett, musiciens récemment disparus. Nels Cline l’a conçu tel un souffle léger en guise d’au revoir.

Pendant de nombreuses années le « Jimmy Giuffre 3 » a été le groupe fétiche de Nels Cline. Séduit par la version que le trio donnait en 1961 de la pièce de Carla Bley intitulé Temporarily, le leader a conçu de reprendre cette composition avec le Nels Cline 4. La version que le groupe en donne résonne d’une évidente beauté, une beauté liée en grande partie à la « pseudo » simplicité du thème.

Sur River Mouth, le jeu en arpèges de Julian Lage donne une impression de flottement à la musique. Le solo de Nels Cline semble comme un radeau embarqué sur le flot de l’accompagnement de Julian Lage. Lorsque les deux guitares reprennent à l’unisson, la musique change de dynamique, se prend à tourner, à s’écouler dans un mouvement perpétuel qui conduit les notes vers une fin qui revient au tout début du morceau.

« Currents, Constellations », un album moderne, innovant et rafraîchissant. Une aventure musicale qui respire la liberté et se permet toutes les audaces. La section rythmique solide et inventive octroie une totale liberté aux deux guitaristes. Avec hardiesse les deux solistes croisent les cordes pour le meilleur. Leurs sonorités et leurs échanges mélodiques et spontanés brossent des paysages réalisteS ou stellaires.

Un hymne au swing

Pour « Power of Love », son premier album en leader, le batteur Gene Jackson choisit le format du trio. Avec le trio NuYorx composé du pianiste Gabriel Guerrero et du contrebassiste Carlo De Rosa il enregistre un opus captivant.

La carrière du batteur Gene Jackson est exemplaire. Ce rythmicien respecté a commencé à jouer avec le guitariste Kevin Eubanks puis, à la fin des années 80, il a tourné et enregistré avec les plus grands. Il a en effet été le pilier de groupes dirigés par Herbie Hancock, Wayne Shorter et Dave Holland, sans oublier des collaborations avec d’autre grands noms du jazz dont notamment Art Farmer, Christian McBride, Dianne Reeves, Joe Lovano et Hugh Masekela, mais aussi le New York Standards Quartet.

Né à Philadelphie mais basé à Tokyo, ce faiseur de rythmes qu’est Gene Jackson a particulièrement affectionné jouer en trio avec Herbie Hancock et Dave Holland. Ceci est sans doute en lien avec le format de groupe, le trio, qu’il a choisi pour enregistrer son premier opus en leader, « Power of Love » (Whirlwind) sorti le 06 avril 2018.

Associé au pianiste Gabriel Guerrero et au contrebassiste Carlo De Rosa, deux musiciens qui l’ont inspiré, il forme le Trio NuYorx. Par ses origines colombiennes et son approche latine du jazz, le pianiste répond tout à fait à l’amour que le batteur entretient avec les rythmes afro-caribéens.

Outre les compositions originales des membres du groupe, « Power of Love » compte trois reprises. Le trio propose une  version délicate et équilibrée du standard de Cole Porter, I Love You, écrit en 1944. Sur un tempo rapide soutenu par une rythmique basse/batterie charpentée, le jeu fluide du piano désarticule le thème mais génère un lyrisme inouï. L’accompagnement polyrythmique du batteur impulse un faux tempo de valse sans parvenir à déséquilibrer l’esthétique de cette superbe version.

Le trio reprend aussi deux thèmes de Monk, Played Twice et Ugly Beauty . Le piano se distingue par son jeu sautillant et dissonant sur le premier et par son allégresse lumineuse sur le second. Great River, composé par le leader, affiche une proximité monkienne certaine par les brisures rythmiques déstructurantes que le batteur dessine derrière le solo joyeux du piano.

Le jeu musclé du batteur soutient l’incandescence du piano sur Before Then, autre composition de Gene Jackson, que la contrebasse dynamique fait respirer. La tendre ballade A Peaceful Tremor de Carlo De Rosa évoque un songe musical délicat qui illumine l’album. Une même délicatesse habite l’autre thème du contrebassiste, le vif Neptune au swing incomparable.

Trois compositions du pianiste attirent l’attention. Le climat musical très libre de Land of the free permet au trio très interactif de brosser des paysages riches en abstraction. La batterie le parsème de rythmes latins que l’on retrouve sur Lighting. Cette bossa enjouée met en évidence le jeu flamboyant du piano. Sur les variations joyeuses de Lapso, le jeu crépusculaire du piano stimule la batterie qui enflamme le tempo.

L’illustration africaine de la pochette de l’album affirme la place essentielle que cette culture  représente pour Gene Jackson; Le rythme habite l’album et affirme combien le couple tension/détente demeure encore aujourd’hui au cœur du jazz. Le batteur définit la musique de « Power of Love » comme une symbolique contribution à ce qui lui semble essentiel, « la puissance de l’amour [comme] remède pour aider l’humanité à prendre de bonnes décisions ».

Unexpected relations, en guise d’apéritif

Influencé par le jazz, le blues, le classique, la soul, les musiques africaines et le trip hop, le premier album d’Orcastratum retient l’attention par sa philosophie qui prévoit de changer de musiciens à chaque album. En guise de mise en bouche, le premier single « Unexpected relations » et sa vidéo.

Orcastratum est le fruit des réflexions musicales de Glen Scott, compositeur britannique, musicien de studio, arrangeur, ingénieur du son et réalisateur multi-récompensé. Orca fait référence à l’orque, orcinus, que le naturaliste suédois Carl von Linné qualifiait en 1758 de sophistiqué, mystérieux et intelligent. Stratum renvoie à un groupe catégorisant une population. Tout un programme en perspective…!

Attendu pour le 18 mai 2018 sous le label suédois Compuctio, le premier album d’Orcastratum a été produit à Londres, enregistré live et filmé aux Dean Street Studios de Soho et mixé dans les célèbres Kensaltown Studios.

Le premier album d’Orcastratum est un opus musical construit sur une succession de motifs sonores répétitifs développés de façon quelque peu hypnotisante par différents intervenants du monde du blues, de la soul, de la world et du jazz.

Autour de Glen Scott, trois musiciens anglais et des invités. A la batterie Ralph Salmins qui a collaboré avec Burt Bacharach, Jamie Cullum et Björk. A la basse, Neville Malcolm, surnommé le « bouddha de la basse » écouté entre autres musiciens de jazz aux côtés de Gregory Porter, Jose James, China Moses, Dee Dee Bridgewater et Ed Motta. A la guitare acoustique et électrique, Eric Appapoulay.

Glen Scott a invité un de ses fidèles collaborateurs de studio et de scène, le chanteur et guitariste Eric Bibb. Le compositeur a aussi convoqué le chanteur et joueur de kora sénégalais Solo Cissokho, le saxophoniste anglais Binker Golding et les voix de Shaneeka Simon et Berg.

Sur le premier titre, Spirit of the Skog, la kora et la voix de Solo Cissokho élèvent leurs prières au-dessus de l’écrin musical prodigué par le groupe. Hallelujah Ironically se construit autour d’un motif répétitif exposé par le piano et le saxophone de Binker Golding et la voix de Berg. Le ténor à la sonorité puissante part en improvisation. Après de courts solos du piano et de la guitare le thème revient comme une incantation.

Sur Wizdoom règne une atmosphère de sérénité. Plus diversifié dans ses développements que les deux titres précédents, le morceau émarge plus dans le monde du jazz avec des échanges équilibrés entre piano et section rythmique.

Comme Wizdoom, le premier single, Unexpected relations, sorti le 06 avril 2018, permet d’écouter les quatre musiciens sans invité.

Une impression onirique se dégage d’Unexpected relations. La matière sonore prend forme sur des accords lumineux de piano soutenu par le mouvement spiralé des balais et la sonorité boisée de la contrebasse au jeu très sobre. Cette composition apaisante, sensible et étrange envoûte.

Ce premier single et sa vidéo stimulent la curiosité mais on découvrira via le second single, le titre No Need où sont invités Eric Bibb et Shaneeka Simon.

Après la mise en bouche fort apéritive du premier single Unexpected relations, rendez-vous le 27 avril 2018 pour déguster l’entrée avec le second single qui permettra de découvrir No Need. Une entrée consistante qui permettra d’attendre jusqu’au 18 mai 2018 pour se régaler du plat de consistance, les cinq titres du premier album Orcastratum.

Le jazz ébouriffant du Wanderlust Orchestra

Sur l’album « Wanderlust », un orchestre et une voix content des histoires. En douze étapes, quatorze musiciens orchestrent l’épopée colorée d’un voyage qui décoiffe autant qu’il enchante. Une musique ébouriffante qui dépayse le jazz dans des contrées aventureuses et chatoyantes. Un projet ambitieux et réussi.

L’album « Wanderlust » (Music Box/Inouie Distribution) annoncé pour le 06 avril 2018, réunit un ensemble de pièces composées et arrangées par la chanteuse Ellinoa autour de mots (suédois, japonais, inuit, …) provenant de divers coins du monde et presque intraduisibles dans d’autres langues.

Ces compositions sont interprétées par le Wanderlust Orchestra qui réunit treize musiciens autour de la chanteuse et compositrice Camille Durand aka Ellinoa.

Wanderlust Orchestra

Il réunit treize musiciens autour d’Ellinoa. Douze plages d’un jazz orchestral somptueux où les solistes libèrent leur inspiration dans des improvisations débridées et créatives soutenues par la puissance d’un ensemble qui réunit trois entités.

Une solide section rythmique composée de Matthis Pascaud (guitare), Richard Poher (piano), Arthur Henn (contrebasse) et Gabriel Westphal (batterie).

Une fougueuse section de cuivres avec Sophie Rodriguez (flûte), Balthazar Naturel (hautbois, cor anglais), Illyes Ferfera (saxophone alto), Pierre Bernier (saxophones soprano & ténor), Paco Andreo (trombone) et la voix d’Ellinoa qui tiendrait le pupitre d’une trompette.

Une caressante section de cordes avec Adélie Carrage (violon I), Anne Darrieumerlou (violon II), Hermine Péré-Lahaille (alto) et Juliette Serrad (violoncelle).

Le Wanderlust Orchestra utilise un langage universel, celui de la musique pour conter l’histoire d’un voyage qui fait étape dans huit contrées aux noms imprononçables et aux climats changeants. Quatre interludes désertés par la voix sont posés comme des répits-repères.  La texture orchestrale n’est pas sans rappeler les univers de Maria Schneider ou Carine Bonnefoy avec laquelle Ellinoa a d’ailleurs travaillé. De cette épopée ébouriffante on ressort surpris et bouleversé, ravi et décoiffé.

« Wanderlust »

De bout en bout l’album vibre d’une musicalité de chaque instant. L’écriture brillante, les orchestrations denses et chatoyantes ménagent de l’espace aux solistes pour des improvisations incrustées dans des ambiances lumineuses. La voix très souple déploie des scats précis et déliés servis par une articulation très sûre. La musique énergique ne manque pas de nuances. Elle éclate de mille feux, caracole et explose ou se fait douce, pointilliste et légère.

Le voyage commence avec le poème bucolique Komorebi (木漏れ日). Sur Iktsuarpok l’orchestration se fait étincelante et le scat vocal vertigineux. La vélocité du trombone enflamme Waldeinsamkeit. Dépaysement n’est pas un vain mot. Sur ce titre, la voix lumineuse et gracieuse prend le relai du son boisé de la contrebasse avant de laisser guitare et piano dialoguer. Adviennent ensuite les harmonies étranges de l’orchestre suivies d’une renaissance joyeuse qu’incarnent la flute et le trombone avant un final chatoyant.

Quatre autres étapes, quatre autres impressions musicales. Goya (گویا), composition musclée, tendue et incandescente. Mångata et son climat de jazz fusion irisé par la voix radieuse et la guitare étincelante. Tel un concerto, Ya’aburnee (يقبرني) déroule un tapis rouge à Camille Passeri et sa trompette dont la sonorité brillante et orientalisante irrigue le titre d’une intense lumière. Wanderlust termine l’album, véritable échappée imaginaire vers une contrée idyllique où règnent la paix intérieure et la sérénité. Le saxophone ténor et le hautbois élèvent leurs chants et suscitent l’exultation d’un piano soudain libéré.

A partir d’un thème récurrent les quatre Interludes s’inscrivent comme des moments de répit et font le pont entre les pièces qui les précèdent et les suivent. Leurs tonalités varient. Ambiance cinématographique, climat pastoral, atmosphère étrange ou teinte plus contemporaine.

« Wanderlust », une fresque musicale dessinée en douze tableaux par le Wanderlust Orchestra. Un voyage poétique aux climats alternés. Apollinien, il séduit et émeut. Dionysiaque, il enthousiasme et bouleverse. Un mélange de puissance et de sensibilité dont on ne se lasse pas.

Double hommage au tango

Avec le double album « Francesita », la bandonéoniste Louise Jallu propose un tango modernisé. Deux disques à écouter en alternance pour s’immerger dans un univers contemporain quelque peu distancié du tango historique auquel il rend pourtant hommage. Le talent et la vision musicale ouverte de Louise Jallu contribuent à renouveler le tango.

Annoncé pour le 06 avril 2018, le double album « Francesita » (Klarthe/Pias) consiste en un double hommage que dédie Louise Jallu au compositeur Enrique Delfino et aux femmes victimes de la traite des blanches dans les maisons closes de Buenos-Aires dans les années 1920.

Le projet de Louise Jallu émerge en effet de sa lecture du livre d’Albert Londres, « La traite des blanches », où l’auteur décrit la vie des femmes victimes de ce trafic sordide et exploitées dans les maisons closes de Buenos Aires en 1926. Plusieurs tangos d’Enrique Delfino portent d’ailleurs le nom de femmes, Francesita (petite française), Griseta, Claudinette.

Le pianiste et compositeur Enrique Delfino (1895-1967) a contribué en son temps à créer le modèle du tango canción. Ce double album réhabilite en quelque sorte les titres de ce musicien quelque peu oublié.

Outre la musique de Delfino, « Francesita » propose des morceaux du compositeur contemporain Aurèle Stroë, un titre du chanteur François Béranger et trois pièces d’Anibal Troilo mais aussi des compositions originales de Louise Jallu et de Bernard Cavanna qui ont tous deux conçu la plupart des arrangements.

« Francesita » réunit deux albums, « Louise Jallu - Solo & Invités » et « Louise Jallu Quartet ». Les compositions de Delfino sont actualisées et ses harmonies enrichies par les arrangements pleins de modernité que propose le compositeur et arrangeur Bernard Cavanna auquel s’associe Louise Jallu. Le premier disque reflète la vision moderne et très personnelle que Louise Jallu offre du tango alors que le second restitue une dimension orchestrale un rien plus jazz.

Sur les 24 pièces du double album reviennent comme en écho, huit titres dont cinq d’Enrique Delfino. Ainsi, après avoir savouré de manière linéaire les titres de chaque disque il s’avère intéressant d’écouter en écho un même titre enregistré sur les deux supports pour capter la pluralité et la richesse des interprétations, appréhender leurs différences et aussi saisir cette essence fondamentale et constitutive du tango qu’ils ont en commun.

« Louise Jallu - Solo & Invités »

La jeune bandonéoniste interprète sept pièces en solo et sur cinq titres invite de talentueux artistes à la rejoindre. Ce disque reprend cinq titres d’Enrique Delfino dont Griseta que Louise Jallu interprète en compagnie de son mentor, César Stroscio, maître du bandonéon. Un moment de rêverie mélancolique dont la richesse musicale enchante.

La jeune femme est aussi rejointe sur Maria par la chanteuse Katerina Fotinaki et l’on perçoit alors leur complicité que soutient la chaude contrebasse de Claude Tchamitchian impliqué aussi sur deux autre titres. Le timbre de l’accordéon d’Anthony Millet croise celui du bandonéon sur le très bref Colinda à la tonalité dramatique.

La guitare coloriste de Tomas Gubitsch illumine la seconde version de Gennevilliers, cette composition écrite par Louise Jallu en clin d’oeil au conservatoire où elle s’est formée après que Bernard Cavanna y ait créé les premières classes de bandonéons en Europe. Sur sa composition 7 huîtres, Louise Jallu invite le piano de Grégoire Letouvet et la contrebasse de Claude Tchamitchian. Le rythme initial du tango à 4 temps est cassé par l’introduction d’une rythmique à 7 temps.

Sonatine 43 composée par Bernard Cavanna joue sur la particularité du bandonéon sur lequel une même note prend quatre couleurs différentes selon qu’elle soit jouée « tirée » ou « poussée » sur le clavier gauche ou sur le clavier droit. Les deux thèmes exposés se répondent, se pénètrent, se télescopent. L’effet est saisissant.

« Louise Jallu Quartet »

La talentueuse bandonéoniste se produit en quartet avec à ses côtés le violoniste Mathias Lévy, le pianiste Grégoire Letouvet et le contrebassiste Alexandre Perrot. La version de 7 huîtres interprétée par le quartet propose un tango vivant et rebondissant dont les climats évoquent le jazz.

Sur deux titres, le quartet devient quintet. Les couleurs de l’oud de Claude Barthélémy orientalisent et dramatisent le début de la composition d’Enrique Delfino, Claudinette auquel le quartet restitue ensuite un climat plus lyrique. Le chanteur Sanseverino interprète Au Paradis Perdu, un tango peu connu du chanteur François Berger. Humour et mélancolie font bon ménage.

Sous la direction artistique de Bernard Cavanna, Louise Jallu réalise « Francesita », un double album ouvert sur un tango aux perspectives élargies. Le jeu de la bandonéoniste met en évidence autant la force et la douceur que la plainte et l’espoir d’un tango vivace qu’elle modernise. Réinventer le traditionnel tango n’est pas chose aisée, Louise Jallu y parvient. Elle restitue l’âme de cette musique qu’elle colore de nuances innovantes et modernes.