Unexpected relations, en guise d’apéritif

Influencé par le jazz, le blues, le classique, la soul, les musiques africaines et le trip hop, le premier album d’Orcastratum retient l’attention par sa philosophie qui prévoit de changer de musiciens à chaque album. En guise de mise en bouche, le premier single « Unexpected relations » et sa vidéo.

Orcastratum est le fruit des réflexions musicales de Glen Scott, compositeur britannique, musicien de studio, arrangeur, ingénieur du son et réalisateur multi-récompensé. Orca fait référence à l’orque, orcinus, que le naturaliste suédois Carl von Linné qualifiait en 1758 de sophistiqué, mystérieux et intelligent. Stratum renvoie à un groupe catégorisant une population. Tout un programme en perspective…!

Attendu pour le 18 mai 2018 sous le label suédois Compuctio, le premier album d’Orcastratum a été produit à Londres, enregistré live et filmé aux Dean Street Studios de Soho et mixé dans les célèbres Kensaltown Studios.

Le premier album d’Orcastratum est un opus musical construit sur une succession de motifs sonores répétitifs développés de façon quelque peu hypnotisante par différents intervenants du monde du blues, de la soul, de la world et du jazz.

Autour de Glen Scott, trois musiciens anglais et des invités. A la batterie Ralph Salmins qui a collaboré avec Burt Bacharach, Jamie Cullum et Björk. A la basse, Neville Malcolm, surnommé le « bouddha de la basse » écouté entre autres musiciens de jazz aux côtés de Gregory Porter, Jose James, China Moses, Dee Dee Bridgewater et Ed Motta. A la guitare acoustique et électrique, Eric Appapoulay.

Glen Scott a invité un de ses fidèles collaborateurs de studio et de scène, le chanteur et guitariste Eric Bibb. Le compositeur a aussi convoqué le chanteur et joueur de kora sénégalais Solo Cissokho, le saxophoniste anglais Binker Golding et les voix de Shaneeka Simon et Berg.

Sur le premier titre, Spirit of the Skog, la kora et la voix de Solo Cissokho élèvent leurs prières au-dessus de l’écrin musical prodigué par le groupe. Hallelujah Ironically se construit autour d’un motif répétitif exposé par le piano et le saxophone de Binker Golding et la voix de Berg. Le ténor à la sonorité puissante part en improvisation. Après de courts solos du piano et de la guitare le thème revient comme une incantation.

Sur Wizdoom règne une atmosphère de sérénité. Plus diversifié dans ses développements que les deux titres précédents, le morceau émarge plus dans le monde du jazz avec des échanges équilibrés entre piano et section rythmique.

Comme Wizdoom, le premier single, Unexpected relations, sorti le 06 avril 2018, permet d’écouter les quatre musiciens sans invité.

Une impression onirique se dégage d’Unexpected relations. La matière sonore prend forme sur des accords lumineux de piano soutenu par le mouvement spiralé des balais et la sonorité boisée de la contrebasse au jeu très sobre. Cette composition apaisante, sensible et étrange envoûte.

Ce premier single et sa vidéo stimulent la curiosité mais on découvrira via le second single, le titre No Need où sont invités Eric Bibb et Shaneeka Simon.

Après la mise en bouche fort apéritive du premier single Unexpected relations, rendez-vous le 27 avril 2018 pour déguster l’entrée avec le second single qui permettra de découvrir No Need. Une entrée consistante qui permettra d’attendre jusqu’au 18 mai 2018 pour se régaler du plat de consistance, les cinq titres du premier album Orcastratum.

Le jazz ébouriffant du Wanderlust Orchestra

Sur l’album « Wanderlust », un orchestre et une voix content des histoires. En douze étapes, quatorze musiciens orchestrent l’épopée colorée d’un voyage qui décoiffe autant qu’il enchante. Une musique ébouriffante qui dépayse le jazz dans des contrées aventureuses et chatoyantes. Un projet ambitieux et réussi.

L’album « Wanderlust » (Music Box/Inouie Distribution) annoncé pour le 06 avril 2018, réunit un ensemble de pièces composées et arrangées par la chanteuse Ellinoa autour de mots (suédois, japonais, inuit, …) provenant de divers coins du monde et presque intraduisibles dans d’autres langues.

Ces compositions sont interprétées par le Wanderlust Orchestra qui réunit treize musiciens autour de la chanteuse et compositrice Camille Durand aka Ellinoa.

Wanderlust Orchestra

Il réunit treize musiciens autour d’Ellinoa. Douze plages d’un jazz orchestral somptueux où les solistes libèrent leur inspiration dans des improvisations débridées et créatives soutenues par la puissance d’un ensemble qui réunit trois entités.

Une solide section rythmique composée de Matthis Pascaud (guitare), Richard Poher (piano), Arthur Henn (contrebasse) et Gabriel Westphal (batterie).

Une fougueuse section de cuivres avec Sophie Rodriguez (flûte), Balthazar Naturel (hautbois, cor anglais), Illyes Ferfera (saxophone alto), Pierre Bernier (saxophones soprano & ténor), Paco Andreo (trombone) et la voix d’Ellinoa qui tiendrait le pupitre d’une trompette.

Une caressante section de cordes avec Adélie Carrage (violon I), Anne Darrieumerlou (violon II), Hermine Péré-Lahaille (alto) et Juliette Serrad (violoncelle).

Le Wanderlust Orchestra utilise un langage universel, celui de la musique pour conter l’histoire d’un voyage qui fait étape dans huit contrées aux noms imprononçables et aux climats changeants. Quatre interludes désertés par la voix sont posés comme des répits-repères.  La texture orchestrale n’est pas sans rappeler les univers de Maria Schneider ou Carine Bonnefoy avec laquelle Ellinoa a d’ailleurs travaillé. De cette épopée ébouriffante on ressort surpris et bouleversé, ravi et décoiffé.

« Wanderlust »

De bout en bout l’album vibre d’une musicalité de chaque instant. L’écriture brillante, les orchestrations denses et chatoyantes ménagent de l’espace aux solistes pour des improvisations incrustées dans des ambiances lumineuses. La voix très souple déploie des scats précis et déliés servis par une articulation très sûre. La musique énergique ne manque pas de nuances. Elle éclate de mille feux, caracole et explose ou se fait douce, pointilliste et légère.

Le voyage commence avec le poème bucolique Komorebi (木漏れ日). Sur Iktsuarpok l’orchestration se fait étincelante et le scat vocal vertigineux. La vélocité du trombone enflamme Waldeinsamkeit. Dépaysement n’est pas un vain mot. Sur ce titre, la voix lumineuse et gracieuse prend le relai du son boisé de la contrebasse avant de laisser guitare et piano dialoguer. Adviennent ensuite les harmonies étranges de l’orchestre suivies d’une renaissance joyeuse qu’incarnent la flute et le trombone avant un final chatoyant.

Quatre autres étapes, quatre autres impressions musicales. Goya (گویا), composition musclée, tendue et incandescente. Mångata et son climat de jazz fusion irisé par la voix radieuse et la guitare étincelante. Tel un concerto, Ya’aburnee (يقبرني) déroule un tapis rouge à Camille Passeri et sa trompette dont la sonorité brillante et orientalisante irrigue le titre d’une intense lumière. Wanderlust termine l’album, véritable échappée imaginaire vers une contrée idyllique où règnent la paix intérieure et la sérénité. Le saxophone ténor et le hautbois élèvent leurs chants et suscitent l’exultation d’un piano soudain libéré.

A partir d’un thème récurrent les quatre Interludes s’inscrivent comme des moments de répit et font le pont entre les pièces qui les précèdent et les suivent. Leurs tonalités varient. Ambiance cinématographique, climat pastoral, atmosphère étrange ou teinte plus contemporaine.

« Wanderlust », une fresque musicale dessinée en douze tableaux par le Wanderlust Orchestra. Un voyage poétique aux climats alternés. Apollinien, il séduit et émeut. Dionysiaque, il enthousiasme et bouleverse. Un mélange de puissance et de sensibilité dont on ne se lasse pas.

Double hommage au tango

Avec le double album « Francesita », la bandonéoniste Louise Jallu propose un tango modernisé. Deux disques à écouter en alternance pour s’immerger dans un univers contemporain quelque peu distancié du tango historique auquel il rend pourtant hommage. Le talent et la vision musicale ouverte de Louise Jallu contribuent à renouveler le tango.

Annoncé pour le 06 avril 2018, le double album « Francesita » (Klarthe/Pias) consiste en un double hommage que dédie Louise Jallu au compositeur Enrique Delfino et aux femmes victimes de la traite des blanches dans les maisons closes de Buenos-Aires dans les années 1920.

Le projet de Louise Jallu émerge en effet de sa lecture du livre d’Albert Londres, « La traite des blanches », où l’auteur décrit la vie des femmes victimes de ce trafic sordide et exploitées dans les maisons closes de Buenos Aires en 1926. Plusieurs tangos d’Enrique Delfino portent d’ailleurs le nom de femmes, Francesita (petite française), Griseta, Claudinette.

Le pianiste et compositeur Enrique Delfino (1895-1967) a contribué en son temps à créer le modèle du tango canción. Ce double album réhabilite en quelque sorte les titres de ce musicien quelque peu oublié.

Outre la musique de Delfino, « Francesita » propose des morceaux du compositeur contemporain Aurèle Stroë, un titre du chanteur François Béranger et trois pièces d’Anibal Troilo mais aussi des compositions originales de Louise Jallu et de Bernard Cavanna qui ont tous deux conçu la plupart des arrangements.

« Francesita » réunit deux albums, « Louise Jallu - Solo & Invités » et « Louise Jallu Quartet ». Les compositions de Delfino sont actualisées et ses harmonies enrichies par les arrangements pleins de modernité que propose le compositeur et arrangeur Bernard Cavanna auquel s’associe Louise Jallu. Le premier disque reflète la vision moderne et très personnelle que Louise Jallu offre du tango alors que le second restitue une dimension orchestrale un rien plus jazz.

Sur les 24 pièces du double album reviennent comme en écho, huit titres dont cinq d’Enrique Delfino. Ainsi, après avoir savouré de manière linéaire les titres de chaque disque il s’avère intéressant d’écouter en écho un même titre enregistré sur les deux supports pour capter la pluralité et la richesse des interprétations, appréhender leurs différences et aussi saisir cette essence fondamentale et constitutive du tango qu’ils ont en commun.

« Louise Jallu - Solo & Invités »

La jeune bandonéoniste interprète sept pièces en solo et sur cinq titres invite de talentueux artistes à la rejoindre. Ce disque reprend cinq titres d’Enrique Delfino dont Griseta que Louise Jallu interprète en compagnie de son mentor, César Stroscio, maître du bandonéon. Un moment de rêverie mélancolique dont la richesse musicale enchante.

La jeune femme est aussi rejointe sur Maria par la chanteuse Katerina Fotinaki et l’on perçoit alors leur complicité que soutient la chaude contrebasse de Claude Tchamitchian impliqué aussi sur deux autre titres. Le timbre de l’accordéon d’Anthony Millet croise celui du bandonéon sur le très bref Colinda à la tonalité dramatique.

La guitare coloriste de Tomas Gubitsch illumine la seconde version de Gennevilliers, cette composition écrite par Louise Jallu en clin d’oeil au conservatoire où elle s’est formée après que Bernard Cavanna y ait créé les premières classes de bandonéons en Europe. Sur sa composition 7 huîtres, Louise Jallu invite le piano de Grégoire Letouvet et la contrebasse de Claude Tchamitchian. Le rythme initial du tango à 4 temps est cassé par l’introduction d’une rythmique à 7 temps.

Sonatine 43 composée par Bernard Cavanna joue sur la particularité du bandonéon sur lequel une même note prend quatre couleurs différentes selon qu’elle soit jouée « tirée » ou « poussée » sur le clavier gauche ou sur le clavier droit. Les deux thèmes exposés se répondent, se pénètrent, se télescopent. L’effet est saisissant.

« Louise Jallu Quartet »

La talentueuse bandonéoniste se produit en quartet avec à ses côtés le violoniste Mathias Lévy, le pianiste Grégoire Letouvet et le contrebassiste Alexandre Perrot. La version de 7 huîtres interprétée par le quartet propose un tango vivant et rebondissant dont les climats évoquent le jazz.

Sur deux titres, le quartet devient quintet. Les couleurs de l’oud de Claude Barthélémy orientalisent et dramatisent le début de la composition d’Enrique Delfino, Claudinette auquel le quartet restitue ensuite un climat plus lyrique. Le chanteur Sanseverino interprète Au Paradis Perdu, un tango peu connu du chanteur François Berger. Humour et mélancolie font bon ménage.

Sous la direction artistique de Bernard Cavanna, Louise Jallu réalise « Francesita », un double album ouvert sur un tango aux perspectives élargies. Le jeu de la bandonéoniste met en évidence autant la force et la douceur que la plainte et l’espoir d’un tango vivace qu’elle modernise. Réinventer le traditionnel tango n’est pas chose aisée, Louise Jallu y parvient. Elle restitue l’âme de cette musique qu’elle colore de nuances innovantes et modernes.

Les couleurs d’un monde entre deux rives

En octobre 2017 Hervé Sellin a sorti deux opus de jazz renversants, le percutant hommage au saxophoniste Phil Woods « Always Too Soon » et le délicat « Passerelles ». Le 02 mars 2018 le pianiste publie « Claude Debussy-Jazz Impressions ». Il assume avec sensibilité sa position entre deux rivages musicaux, le jazz et le classique.

Après son « doublé gagnant » de 2017 avec les albums « Always Too Soon » avec un quartet jazz et « Passerelles » situé entre classique et jazz enregistré en quartet et quintet à deux pianos en compagnie de la pianiste classique Fanny Azzuro, le pianiste Hervé Sellin a sorti le 02 mars 2018 un opus intitulé « Debussy-Jazz Impressions ».

Il y a cent ans, le 25 mars 1918…

… le monde de la musique perd le pianiste, compositeur, critique musical et chef d’orchestre Claude Debussy. En son temps, la modernité de sa musique et les influences qui l’irriguent ont suscité autant d’admiration que d’incompréhension. Il a révolutionné la musique savante du 20ème siècle et aussi cette autre musique née au même siècle, le jazz. Il a en effet inspiré de nombreux artistes de jazz, de Bix Beiderbecke à Enrico Pieranunzi en passant par Duke Ellington… la liste est longue.

C’est aujourd’hui au tour du pianiste Hervé Sellin de présenter un projet autour de la musique de Claude Debussy à travers ses « Jazz Impressions » sorti le 02 mars 2018 chez Indésens.

A l’image de Debussy, et en toute modestie, me nourrissant des sons, des parfums, des rythmes et des mots, j’ai mêlé dans cet album mon inspiration et mon expérience de jazzman, fusionnant les éléments pour mieux les retrouver sous une identité nouvelle, reconstruites sous forme de « divagations » aux couleurs du jazz et de l’improvisation ». Hervé Sellin

De facto, l’histoire de ce projet autour de Debussy enregistré par Hervé Sellin s’inscrit tout à fait dans son parcours et de ce que l’on peut nommer sa double casquette. En effet, après des études de piano classique et un double prix de piano et musique de chambre au CNSMD de Paris, le pianiste a très vite été attiré par le jazz et sa liberté d’improvisation. Depuis 1993 il est d’ailleurs professeur au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (département Jazz et musiques improvisées et département de Formation à l’enseignement).

En 2012, à l’occasion de l’anniversaire de la naissance de Debussy, il s’est lancé avec le pianiste classique Yves Henry, dans « Happy Birthday Mister Debussy ! », un projet transversal de relecture de l’œuvre de Claude Debussy (Prélude à l’après-midi d’un faune, Children’s corner, Suite Bergamasque, Préludes…) et de pièces issues de standards de jazz revisités «à la Debussy» (Gershwin, Ellington, Monk, D. Reinhardt).

En 2018, Hervé Sellin poursuit son hommage musical et sort l’album « Debussy - Jazz Impression » enregistré en 2017. Le pianiste se ressaisit de la musique et malaxe les matières mélodiques et harmoniques. Pourtant le challenge est de taille pour l’artiste : faire vivre avec un seul piano et ses cordes frappées les riches ambiances et les couleurs souvent orchestrales des musiques de Debussy. Il y parvient et restitue les riches textures de l’écriture originelle.

En solo sur la plupart des pièces il est rejoint sur deux morceaux par le pianiste classique Yves Henry. Le répertoire propose des titres qui évoquent l’enfance, « Children’s Corner « avec The Little Shepherd (Le petit berger) et Doctor Gradus ad Parnassum (en duo) mais aussi The Little Negro dont il donne version fantaisiste.

Outre le superbe Clair de lune extrait de la « Suite Bergamesque », l’album compte aussi des pièces plus insaisissables, poétiques et évocatrices, La fille aux cheveux de Lin (Préludes), Reflets dans l’eau (Images), La plus que lente propice à de subtiles improvisations, Sarabande issue de la suite « Pour le Piano ».

Sans oublier le chef d’œuvre Prélude à l’après-midi d’un faune.

L’album se termine avec In a Mist, une pièce composée en 1927 par le trompettiste Bix Beiderbecke. Ce clin d’oeil met en évidence l’influence de la musique de Debussy sur un jazzman de la Nouvelle-Orléans. L’interprétation empreinte de nostalgie qu’en donne Hervé Sellin impressionne par ses couleurs qui s’abreuvent aux sources des deux mondes. Un jazz venu en droite ligne de l’univers debussyen perméable lui-même aux couleurs des musiques venues d’ailleurs.

Hervé Sellin alimente ses « Jazz Impressions » des esthétiques des deux mondes qui l’inspirent. Sa musique coule subtilement entre deux rives, entre le jazz et le musique de Claude Debussy. La liberté de l’un permet au pianiste de libérer l’émotion de l’autre.

 Une « poémusique » intime et délicate

A la tête d’un quintet inédit, Yves Rousseau présente « murmures ». Inspiré par les textes de François Cheng, le contrebassiste signe les musiques de ce projet singulier. Une délicate mais intense intimité relie poésie et musique.

Contrebassiste et compositeur engagé depuis longtemps dans la création de projets forts diversifiés, Yves Rousseau a déjà manifesté de l’intérêt pour la poésie. On se souvient du projet « Poète, vos papiers » (Le Chant du Monde/Harmonia Mundi) gravé en 2007. A la tête de son quartet le leader confiait alors les mots de Léo Ferré à Claudia Solal et Jeanne Added. Un certain 26 août 2010, le fantôme du poète a plané au-dessus de la scène du Théâtre de Cluny.

En 2016, Yves Rousseau crée un nouveau quintet et se penche cette fois sur les mots du poète, romancier et essayiste François Cheng. Avec quatre artistes venus d’univers différents, il conçoit « murmures », un projet original et acoustique autour de textes poétiques de l’académicien.

Présenté en mai 2016 sur la scène du Triton, le projet « murmures » réunit Anne Le Goff (chant), Pierrick Hardy (guitare), Thomas Savy (clarinette basse), Keyvan Chemirani (percussions) et Yves Rousseau (contrebasse) sur des poèmes de François Cheng et des musiques originales du leader.

Enregistré aux studios La Buissonne à Pernes les Fontaines en juillet 2017 par le talentueux Gérard de Haro et mixé et mastérisé par le non moins valeureux Philippe Teissier du Cros, l’album « murmures » (Abalone/L’Autre Distribution) est attendu le 30 mars 2018.

Le mystère s’insinue entre les lignes musicales… les mots flottent en écho au silence

L’univers de « murmures » surprend et enchante. On perçoit les battements imperceptibles du temps qui s’écoule au fil d’éphémères instants poétiques et musicaux. Instruments et voix tissent une trame où s’inscrivent les mots de la poésie. Souffles mêlés de la voix et de la clarinette, chants entrelacés de la guitare et de la contrebasse, ponctuations des percussions sur la ligne du temps.

« murmures », douze plages comme autant de fragiles instants ponctués par le battement précis des doigts sur les percussions, les envols de la clarinette basse lyrique ou déchirante, le chant délicat de la guitare, la force pulsatile et harmonique de la contrebasse et les mots et sons portés par la voix. Une poémusique sensible et inspirée où s’entrelacent mots et musique.