Modernité réjouissante d’un jazz contrasté

Sur l’album « Elastic Borders », le pianiste Etienne Manchon offre une musique originale nourrie d’influences très larges, ce qu’affirme d’ailleurs le titre de l’opus. Avec ses compères Clement Daldosso (contrebasse) et Théo Moutou (batterie), le leader propose un jazz contrasté d’une modernité réjouissante.

En 2016, le pianiste Etienne Manchon réunit autour de lui le contrebassiste Clément Daldosso et le batteur Théo Moutou. Après avoir rôdé leur répertoire sur scène, et suite à une campagne de financement participatif réussie, le trio enregistre au Midilive Studios, leur premier album, « Elastic Borders » (Label Troisème Face) sorti le 22 février 2019.  Hormis deux reprises, l’album propose des compositions originales du leader Etienne Manchon.

Tout au long du répertoire de l’album « Elastic Borders », le trio d’Etienne Manchon fait vibrer une musique qui se déploie aux confins d’un univers aux frontières élastiques. En effet, l’expression des trois musiciens ne demeure pas cantonnée dans un idiome figé mais explore des esthétiques variées, jazz certes mais aussi hip hop, influences classiques et rock progressif.

Etienne Manchon Trio…

Né à Nancy en 1995, le jeune pianiste et compositeur Etienne Manchon évolue entre Paris et Toulouse et compte plus de 300 concerts à son actif. Il a aussi obtenu le prix du meilleur instrumentiste en 2017 à Jazz à Oloron.

Ses influences multiples recouvrent un spectre élargi. De Pink Floyd à la musique classique du XXème siècle (Ravel, Debussy, …) en passant par la musique du pianiste-claviériste Jozef Dumoulin et celle de la bouillonnante scène new-yorkaise où évoluent Ben Wendel, Mark Guiliana, Taylor Eigsti. Ainsi, son écriture et son jeu intègrent tout autant un goût affirmé pour la mélodie qu’un intérêt certain pour le rythme, ce dont témoignent d’ailleurs les plages de l’album.

À côté de son activité dans le jazz et les musiques actuelles, le pianiste accompagne également régulièrement des récitals de musique baroque et classique. Il s’intéresse par ailleurs à l’écriture et l’arrangement pour petites et grandes formations auquel il s’emploie assez régulièrement. Enfin il fait aussi partie du nouveau projet « Fragments » du contrebassiste Yves Rousseau où le jeune pianiste tient les claviers du septet.

Le batteur d’origine réunionaise, Théo Moutou entretient une grande complicité avec le pianiste puisqu’ils ont côtoyé ensemble les bancs de l’Université Jean Jaurès en musicologie jazz à Toulouse. À l’aise dans tous les styles, du maloya réunionnais au hard rock, en passant par le funk il affectionne aussi le jazz et revendique des influences qui résonnent autant du côté d’André Ceccarelli que de Jacob Collier et Moonchild.

Né à Auch, le jeune contrebassiste du trio Clément Daldosso est présent très dans les clubs parisiens, tant auprès des musiciens de sa génération que de ses aînés plus aguerris.

… et des invités

Trois invités de marque interviennent sur l’album « Elastic Borders » aux côtés de trio. Le pianiste et compositeur Pierre de Bethmann intervient au Fender Rhodes sur trois compositions du leader, Duo, Debussy Réunion Part I et Bersamo. Au saxophone ténor, Pierre Lapprand participe à deux pistes de l’album, Wendel et Bersamo. Le tromboniste Ossian Macary intervient lui aussi sur Bersamo.

Un guitariste fantôme hante par ailleurs la dernière plage de l’album. S’agit-il de, d’Oscar Emch, de Raphaël Archambault, Romain Pilon  ou instrumentiste ? Le livret de l’album ne le précise pas, dommage car ce bonus enflammé ne dénote pas du tout dans l’univers du disque.

« Elastic Borders », impressions de plage en plage

L’album ouvre avec le superbe et tonique 16h32. Le trio expose le thème construit sur des séquences musicales variées rythmiquement et chargées en nuances. En osmose avec la section rythmique, le piano s’envole dans un chorus intense et élégant.

A partir d’un riff, un climat éthéré s’installe sur Cobby Bartel. Le pianiste laisse aller son inspiration sur les claviers vite rejoint par le trio dans une expression d’une libre extravagance où se croisent des évanescences evansiennnes, des clins d’oeil à Bach et bien d’autres influences.

Sur Wendel le saxophone ténor apporte un souffle impétueux dont le lyrisme inspire le piano facétieux qui reprend la main pour conclure. Fragmenté rythmiquement, Conference fait songer au début au style de Tigran Hamasyan mais la palette s’élargit à des fusions sonores maîtrisées entre jazz et rock progressif.

La suite Debussy Réunion s’inspire de la musique de Debussy et de ses contemporains impressionnistes, ainsi que des rythmes de la musique réunionnaise (sega, maloya). Le tout est réuni dans une suite en trois mouvements, qui dépasse les vingt minutes. La philosophie de l’album « Elastic Borders » s’incarne totalement dans cette suite insolente très réussie.

Après une courte intro du piano style prélude à la Debussy que ponctue la section rythmique, le « spécial guest » Pierre de Bethman interprète Debussy Reunion part 1 dans un style jubilatoire.Le solo de batterie induit une respiration percussive. La révérence à Debussy se poursuit avec Debussy Reunion part 2&3. Après un début minimaliste le piano métamorphose son jeu et captive par son jeu qui gagne en flamboyance poussé par la fougueuse section rythmique. Debussy Reunion part 3 débute par un préambule au piano pseudo romantique. La section rythmique entraîne ensuite la musique dans un autre univers. Le piano électrique suit la pulsation ludique d’un bolero qui flirterait avec une salsa effervescente.

Dialogue réjouissant entre Etienne Manchon et Pierre de Bethmann, Duo permet d’apprécier les improvisations des deux claviers qui rivalisent d’inventivité. On est frappé par la dimension rythmique inouïe de ce titre. Le trio poursuit et impose un sacré lifting à Because, la chanson des Beatles. La rythmique hors pair insuffle une dynamique réussie à ce thème sur lequel les inflexions « soul bluesy » du clavier ravissent.

En sextet Bersamo résonne comme un petit requiem. Le saxophone au jeu élastique, le trombone larmoyant, le fender aux accords tristes unissent leurs chants à l’expression du trio recueilli. Pour terminer l’album, Windows, la composition de Chick Coréa est interprétée en douce relaxation par le trio qui s’amuse avec la métrique initiale. A la toute fin du morceau on se laisse captiver par la batterie souple et forte à la fois. Après une minute cinquante de silence, une guitare enflammée rejoint le trio et la contrebasse propose un superbe solo.

Ce premier album « Elastic Borders » surprend par la richesse de son expression et une maturité qui laisse augurer un bel avenir pour le trio. On ne se lasse pas d’écouter les plages de ce disque qu’interprète avec brio et inventivité  le trio d’Etienne Manchon.

Une guitare au jeu fluide et expressif

Un an après « Modern Lore », Julian Lage revient avec « Love Hurts ». Pour ce troisième album en trio chez Mack Avenue, le guitariste s’entoure du contrebassiste Jorge Roeder et du batteur Dave King. Le guitariste virtuose surprend encore. Sa puissance expressive peu commune contribue à ré-inventer de grands hits américains dont il propose de superbes versions. Un propos réjouissant !

Après « Arclight » et « Modern Lore », deux albums en trio avec Scott Colley & Kenny Wollesen sortis chez Mack Avenue, Julian Lage est de retour en trio avec « Love Hurts » (Mack Avenue/PIAS) dont la sortie est annoncée pour le 01 mars 2019.

Cette fois le guitariste s’associe à Jorge Roeder (contrebasse) et Dave King (batterie), le batteur du fameux trio « The Bad Plus ».

Julian Lage, 20 ans de carrière

Ancien enfant prodige de la guitare, Julian Lage est aujourd’hui unanimement reconnu pour son talent. Après avoir fait ses classes dans le blues puis démontré sur scène sa virtuosité aux côtés de Carlos Santana, il a aussi joué avec le banjoïste Bela Fleck et le vibraphoniste Gary Burton. Il a par ailleurs multiplié les collaborations et enregistré deux albums avec le guitariste classique Gyan Riley, a participé à deux quartets avec le guitariste Matt Hollenberg, sans oublier son travail en duo avec le guitariste Chris Eldridge et en quartet avec le guitariste Nels Cline avec lequel il a enregistré  « Currents, Constellations »  en 2018.

A 31 ans, Julian Lage célèbre déjà 20 ans de carrière ce dont témoignent les 20 allumettes brûlées de la pochette de son nouvel album « Love Hurts ». A moins que, en référence au titre de l’album, ces petits bouts de bois calcinés n’évoquent la blessure d’un cœur consumé par l’amour.

« Love Hurts »

Sur les dix plages de « Love Hurts », Julian Lage explore la diversité de la musique américaine à travers quelques thèmes de jazz et des reprises de grands hits de la musique pop-rock où l’on entend aussi des influences folk ou country. Un titre fait exception, Lullaby, une de ses propres composition déjà gravée sur son disque solo de 2015, « World’s Fair ».

L’album ouvre avec le mélancolique In Heaven, une chanson composée par Peter Scott Ivers et qui figure sur la BO du premier long métrage de David Lynch sorti en 1977, « Eraserhead ». Après quelques distorsions étranges, la guitare développe une puissance expressive intense ancrée dans le blues.

Le répertoire aborde ensuite le terrain du jazz avec Tomorrow Is the Question écrit en 1959 par Ornette Coleman dont la guitare donne une version éblouissante, portée par une section rythmique dont le dynamisme pousse le leader dans ses retranchements.

Sur The Windup de Keith Jarrett guitare et contrebasse entament un dialogue qui débouche sur un chorus de guitare décoiffant de virtuosité. Le trio enchaine ensuite avec le titre qui donne son nom à l’album. Le brumeux Love Hurts enregistré en 1961 par The Everly Brothers et rendu célèbre par Roy Orbison. On tombe sous le charme de la douceur pleine de spleen de la guitare qui efface toute dimension country ou folk à la composition de Felice et Boudleaux Bryant.

Après l’évanescent In Circles, on revient au jazz avec Encore (A), une pièce de Keith Jarrett où la batterie occupe le terrain. Le trio interprète avec tendresse la ballade Lullaby où la douceur de la guitare tranche avec le volubile jeu de cymbales de la batterie. Le Trudgin’ de Jimmy Giuffre est l’occasion pour la guitare de livrer une version lancinante de ce titre pas très connu du compositeur avec des phrasés aux dissonances marquées qui contrastent avec l’accompagnement tonal et presque recueilli de la contrebasse.

On demeure sur le territoire monde du jazz avec le célèbre standard I’m Getting Sentimental Over You dont la guitare explore la mélodie de fond en comble pour en retituer une version sensible et romantique à souhait où la batterie adopte les balais. L’album se termine en beauté avec une reprise de  Crying, la chanson de Joe Melson que Roy Orbison a immortalisé en 1962. Une fois encore la guitare déclenche un doux frisson d’émotion.

Sur « Love Hurts » Julian Lage réussit le tour de force de transformer des chansons pop larmoyantes en de superbes morceaux irrigués de mélancolie. Le guitariste met son inventivité au service d’un jeu d’une intense expressivité. Toujours virtuose, le guitariste privilégie un jeu fluide et souple, sans effet surplus ni esbroufe. A sa manière, il jette un pont musical entre le passé musical de l’Amérique et son propre langage.

A écouter les yeux fermés !

Porté par le saxophoniste Javier Girotto, « Tango Nuevo Revisited » répond au mythique « Tango Nuevo » enregistré en 1974 par Astor Piazzolla et Gerry Mulligan. Plus de quarante après, un trio saxophone baryton-bandonéon-piano fait écho au tentet qui a immortalisé un disque où tango et jazz croisent leurs univers. Le répertoire en ressort revitalisé. Un travail d’orfèvre à écouter les yeux fermés !

En 1974, Astor Piazzolla (bandonéon) et Gerry Mulligan (saxophone baryton) ont enregistré le disque « Tango Nuevo » en version orchestrale.

En 2018, exit cordes, guitare, basse, marimba et batterie. Javier Girotto unit son saxophone baryton au bandonéon de Gianni Iorio et au piano d’Alessandro Gwiss et le trio enregistre l’album « Tango Nuevo Revisited » (ACT/PIAS) à sortir le 22 février 2019.

En dix titres, le trio de Javier Girotto fait bien plus que revisiter « Tango Nuevo ». Avec « Tango Nuevo Revisited », il réalise un véritable travail d’orfèvre.  Il transcende et régénère la musique originale.

Le tango de 1900 à nos jours

Dans les années 1900 le tango argentin a intégré les influences des musiques européennes et celles de l’Amérique latine. Avec le fameux compositeur et bandonéoniste Astor Piazzolla, le tango a opéré une mutation et a renouvelé son langage qu’il a croisé aussi avec celui du jazz comme dans « Tango Nuevo ». Depuis, tango et jazz ont continué leur évolution et intégré d’autres influences.

Dans les années 2010, Siggi Loch, le boss du label ACT souhaite donner une suite à l’album mythique de Piazzolla et Mulligan. Par l’intermédiaire de Paolo Fresu, il découvre le saxophoniste argentin Javier Girotto qui a quitté son pays d’origine pour rejoindre celui ses grands-parents, l’Italie, et s’est établi à Rome.

Javier Girotto a découvert « Tango Nuevo » à l’âge de dix ans et accepte la proposition de Siggi Loch. Pour ce faire, le très actif, le musicien dont on ne compte plus les collaborations ni les réalisations discographiques, constitue un trio avec Gianni Iorio (bandonéon) et Alessandro Gwiss (piano).

La force orchestrale du trio

En 1974, Piazzola et Mulligan et leurs huit compagnons innovaient en infusant la syntaxe du tango à l’idiome du jazz dans un bain orchestral où coexistaient bandonéon, saxophone baryton, guitare, marimba, basse, batterie et cordes (violoncelle, violon et alto).

En 2018, ils ne sont que trois, un saxophoniste baryton, un bandonéoniste et un pianiste, mais on a l’impression d’entendre tout un orchestre tant est grande la force de leur interprétation et la richesse de leurs arrangements. Parler de musique de chambre serait tentant puisqu’ils ne sont que trois musiciens, mais la densité peu commune de la musique engagerait plutôt à évoquer la force orchestrale du trio.

« Tango Nuevo Revisited »

Hormis la composition Twenty Years After de Piazzolla, l’album « Tango Nuevo Revisited » reprend les sept autres titres de l’album mythique. Le trio ajoute trois morceaux, deux compositions de Piazzola, Escualo et Fracanapa et Etude For Franca de Gerry Mulligan.

L’album ouvre avec le même titre que le disque de 1974, Close Your Eyes and Listen auquel le trio insuffle une tendre mélancolie dont le lyrisme charme et émeut.

La version teintée de jazz de Deus Tango résonne de légèreté et d’enthousiasme. La lamentation du baryton ouvre Twenty Years Ago auquel bandonéon et piano apportent des improvisations fluides, lyriques et lumineuses. Le trio propose ensuite une version alerte de Summit qui se distingue de la version originale très orchestrale. Les solos rugissants du baryton et le chorus virtuose du bandonéon éblouissent et étourdissent au point de faire tourner la tête.

Le trio continue avec une version enthousiaste de Reminiscence où le piano aérien tourbillonne. Sur le thème de Mulligan, Aire de Buenos Aires, les trois protagonistes communient à cœur ouvert et enlèvent le morceau avec frénésie. Après un prologue sensible joué par le bandonéon, le baryton à la sonorité veloutée transforme Etude for Franca en une ballade sensuelle.

Le trio irradie de flamboyance une version du thème Escualo servi par une mise en place précise. Sur Fracanapa les trois instruments manient le contrepoint avec une ferveur contrôlée. Le tango de Piazzolla vibre d’une modernité inouïe. L’album se termine avec Years of Solitude qui incarne à lui seul la quintessence de l’art de ce trio singulier.

La large palette expressive du trio de Javier Girotto confère à « Tango Nuevo Revisited » une aura musicale qui associe la mélancolie du tango à la liberté du jazz avec un léger grain de fantaisie.