1982… « Truth, Liberty & Soul - Live In NYC »

Trente ans après la disparition du bassiste et pour le dernier « Chorus » 2017… plongée dans l’univers unique du mythique bassiste Jaco Pastorius avec le double album inédit « Truth, Liberty & Soul - Live in NYC : The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording » sorti le 22 avril 2017.

Sorti le 22 avril 2017 le double album inédit « Truth, Liberty & Soul - Live in NYC : The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording » (Resonance Record/Berthus) propose une immersion dans l’univers de Jaco Pastorius (1964/1987), ce géant de la base électrique disparu le 21 septembre 1987.

L’enregistrement tiré des bandes originales restaurées et remastérisées par l’ingénieur du son Paul Blackemore permet d’écouter le bassiste à la tête de son fameux « Word of Mouth Big Band », un éclatant big band de vingt-deux musiciens. Les deux CD restituent l’intégralité du concert enregistré au Avery Fisher Hall de New York City le 27 juin 1982 lors du George Wein’s Kool Jazz Festival avec Jaco Pastorius à la tête du « Word of Mouth Big Band » qui réunit son sextet et les sections de saxophones, trompettes, trombones et cors.

« Word of Mouth Big Band » c’est Jaco Pastorius à la basse électrique, le saxophoniste Bob Mintzer, le trompettiste Randy Brecker, le joueur de steel drum Othello Molineaux, le percussionniste Don Alias, le batteur Peter Erskine.  les saxophonistes Frank Wess, Bob Stein, Lou Marini et Howard Johnson, les trompettistes Alan Rubin, Lew Soloff, Jon Faddis, Ron Tooley et Kenny Faulk, les trombonistes David Taylor, Jim Pugh et Wayne Andre, les cornistes John Clark et Peter Gordon et en invité spécial, le célèbre harmoniciste belge Toots Thielemans.

Outre la musique, un livret de 100 pages comble les amateurs et les curieux.avec photos, commentaires, témoignages inédits, textes signés Robert Trujillo, Bill Milkowski ou Zev Feldman et de témoignages de Peter Erskine, Bob Mintzer, Randy Brecker, John Pastorius.

On frémit durant les treize minutes du frénétique titre d’ouverture Invitation. Durant les deux minutes de Soul Intro on capte l’essence de la technique du bassiste. The Chicken constitue un des plus beaux moments de l’album. Sur Okonkolé y Trompa on est terrassé par la force du solo de congas de Don Alias. On apprécie autant les splendides compositions du bassiste, Three Views Of a Secret et Liberty City, que les thèmes de jazz que Jaco Pastorius se plaisait à interpréter Sophisticated Lady de Duke Ellington, Donna Lee de Charlie Parker, Giant Steps de Coltrane. De bout en bout, la force orchestrale du « Word of Mouth » est saisissante.

Autoproclamé le « plus grand bassiste du monde », le compositeur et bassiste Jaco Pastorius mérite effectivement ce qualificatif car il a révolutionné le jeu, le son et le rôle de la basse électrique et a laissé à tout jamais son empreinte dans l’histoire du jazz. Musicien exceptionnel il a influencé des générations de musiciens et reste aujourd’hui encore une figure mythique et une référence musicale incontestable.

Après avoir appris la batterie, le piano et la guitare, Jaco Pastorius se consacre à la basse après un accident et une opération au bras. Dès ses débuts il utilise une basse Fender dont il enlève les barrettes (frettes). Après des débuts discographiques aux côtés du guitariste Pat Metheny, il enregistre en 1976 son fameux album « Jaco Pastorius » qui marque le début de son succès et amorce sa célébrité.

Durant cette même année 1976, il enregistre avec la chanteuse Joni Mitchell l’album « Hejira » et intègre « Weather Report », le groupe de jazz fusion cofondé par Joe Zawinul et Wayne Shorter. Il joue sur deux morceaux du fameux album « Black Market ». C’est au sein de ce groupe mythique qu’il se fait connaître sur les scènes du monde entier et développe sa technique de jeu unique qui a bouleversé la place de la basse dans le jazz.

En 1981 Il quitte « Weather Report » et en 1982 fonde un sextet avec Bob Mintzer, Randy Brecker, Othello Molineaux, Don Alias et Peter Erskine puis son big band « Word of Mouth » dont l’album « Truth, Liberty & Soul… » restitue la splendeur.

Que ce soit à ses débuts, au sein « Weather Report », aux côtés de Joni Mitchell ou à la tête de ses groupes, Jaco Pastorius demeure à tout jamais une figure iconique du jazz. Il a en effet révolutionné, redéfini l’approche de son instrument, la basse électrique fretless.

Virtuose et inventif il a exploré toutes les ressources de cet instrument lui permettant de devenir un instrument soliste. Avec ses pédales d’effets, il a utilisé au mieux au mieux la dimension amplifiée de l’instrument, joué avec les amplis à la manière de Jimi Hendrix. Il a développé les dimensions, rythmiques, mélodiques et harmoniques de la basse.

Le charisme scénique de Jaco Pastorius a aussi contribué à fonder sa légende. Il possédait à la fois l’énergie d’un rocker capable de se déchaîner sans compter et la sophistication harmonique d’un jazzman raffiné. Cette profonde dualité existentielle a contribué à l’éloigner des scènes jusqu’à sa triste fin dans une altercation mortelle à l’extérieur d’une discothèque de Floride.

« Truth, Liberty & Soul - Live in NYC : The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording », un feu d’artifice de cent trente minutes. On perçoit à la fois ses talents de soliste, de compositeur et de chef d’orchestre, son groove énergique, son sens inouï de l’harmonie. Quatorze plages hors du temps qui restituent la force et la lumière de la musique de Jaco Pastorius alors à l’apogée de sa carrière.

Lumineuse et chaleureuse méditation

« Solo : Reflections and Meditations on Monk » sorti par le trompettiste Wadada Leo Smith le 20 octobre 2017 chez TUM Records compte parmi les albums essentiels de 2017.

A 76 ans, ce penseur musical qu’est Wadada Leo Smith associe encore une intense activité discographique et scénique. En cinquante ans de carrière il a expérimenté toutes les formations possibles, du solo au grand orchestre. Son dernier album solo est publié en même temps que « Najwa » où il se produit en octet avec quatre guitares et  une section rythmique, basse, batterie, percussions.

D’après le trompettiste, Monk constitue son influence principale, celle qui l’a conduit à être musicien. Wadada Leo Smith estime que l’essence de Monk se situe dans ses enregistrements en solo et il lui rend hommage  sur le même mode. Quoi de plus logique !

« Solo : Reflections and Meditations on Monk » (TUM Records), huit plages où Wadada Leo Smith embouche la trompette a capella. Ce parti pris osé et rare se solde par une réussite absolue.

Libéré des contraintes imposées par la collaboration avec d’autres interprètes, le trompettiste questionne les limites entre l’interprète et le compositeur et parvient à convaincre du bien fondé de sa démarche.

Toujours avant-gardiste, le trompettiste Wadada Leo Smith puise son inspiration aux sources de la tradition. De sa sonorité claire et ronde, chaleureuse et captivante émerge une musique empreinte de silence et de rêverie. Des phrases elliptiques poignantes, des circonvolutions éthérées, quelques bouffées expressives qui surgissent comme pour questionner plus avant la méditation du trompettiste sur la musique de Monk.

Parmi l’ensemble des nombreuses compositions de Monk, Wadada Leo Smith retient quatre standards du pianiste compositeur. Il en conserve les contours mélodiques qu’il caresse avec subtilité et laisse deviner les structures harmoniques. Seul avec sa trompette bouchée ou ouverte, il interprète Ruby, My Dear, Reflections, Crepuscule with Nellie, Monk, the Composer in Sepia - A Second Vision et ´Round Midnight.

En ouverture, Ruby, My Dear restitue une douce tranquillité. Reflections sonne dans un registre plus mélancolique et plus complexe. ‘Round Midnight est sans aucun doute un des standards le plus interprété par les musiciens de jazz. L’interprétation de Wadada Leo Smith pare le thème de mystère et de silence. Le trompettiste dilate l’espace et suspend le temps presqu’à l’infini. La version de Crepuscule with Nellie est porteuse d’ondes lumineuses imprégnées de grâce et d’amour.

Les thèmes signés du trompettiste alternent avec les œuvres de Monk. On ignore si les de compositions du trompettiste sont écrites ou de pures improvisation, à moins que les deux ne s’entremêlent. Le mystère demeure à ce propos.

Adagio: Monkishness - A Cinematic Vision of Monk Playing Solo Piano s’inspire des ballades de Monk. La pensée du trompettiste se teinte de mystère sur Monk and Bud Powell at Shea Stadium -A Mystery.

Monk and His Five Point Ring at the Five Spot Café puise son inspiration dans le documentaire où l’on voit Monk quitter son piano et y revenir, ce que le trompettiste simule par un motif réitératif qu’il souffle en bouffées expressives comme des interrogations sans réponses.

On est sensible au discours empreint de silence et de mystère que propose Wadada Leo Smith. Il renouvelle ainsi le propos de l’improvisation. Libre et élaboré, le chant du trompettiste surprend par sa simplicité et sa chaleur. Art subtil de création réalisé par un artiste qui maîtrise les codes stylistique et technique sans abuser d’effets. Cet album solo constitue une performance et une belle surprise qui emprunte une voie originale et engage une réflexion profonde et respectueuse sur la musique de Monk.

Opéra sans parole, entre écriture et improvisation.

Sorti le 31 mars 2017 chez Nato l’album « La Vida Es Sueño », (La Vie est Songe), est un opéra improvisé crée le 19 mai 2015 par Barre Phillips & EMIR dans le cadre du festival Musique Action 31 à Vandoeuvre-lès-Nancy sur la scène du Centre Culturel André Malraux.

Barre Phillips, ce géant de la contrebasse, a choisi et adapté « La Vida Es Sueño » (La vie est un songe), une pièce de théâtre écrite au XVIIème siècle en Espagne par Pedro Calderon de la Barca.

La musique est composée et interprétée par le collectif EMIR formé en 2001 par Barre Phillips. EMIR réunit autour de Barre Phillips, Laurent Charles, Emmanuel Cremer, Charles Fichaux, Lionel Garcin, Emilie Lesbros, Anna Pietsch, François Rossi et Patrice Soletti.

Pour Barre Phillips il était acquis « que la musique instrumentale puisse exprimer des sentiments, des émotions, des états d’âme, même des histoires… ». Il s’est ensuite demandé s’il était  « … possible de faire une œuvre, un opéra, qui soit l’abstraction de tout ce que l’on aime de l’opéra classique, mais sans paroles, uniquement avec son histoire et du son instrumental ? »

Dans la perspective de ce challenge il a d’abord choisi la pièce de théâtre, « La Vida Es Sueño » de Pedro Calderón de la Barca (1635). Puis d’après l’analyse du texte, il a trouvé une correspondance musicale et a réalisé une partition et agencé les interventions conformément à leur enchaînement dans la pièce. Chaque intervention est chronométrée mais l’expression musicale demeure improvisée.

Place ensuite au jeu des personnages qui alternent les répliques en duo, trio, etc … L’écriture sonore accompagne l’action de la pièce et des personnages et tient aussi lieu de décor. Pour finir l’opéra improvisé est créé le 19 mai 2015 par Barre Phillips & EMIR dans le cadre du festival Musique Action 31 à Vandoeuvre-lès-Nancy sur la scène du Centre Culturel André Malraux et gravé sur l’album « La Vida Es Sueño » (Nato).

« La Vida Es Sueño », un album étonnant. On se laisse porter par la force d’un flot musical confondant de liberté. On flotte entre expressivité et atonalité. La théâtralisation très cadrée des improvisations reproduit la dramaturgie de la pièce et son déroulement. Il reste juste à imaginer costumes et mouvements.

Trois journées et deux intrigues. Une réflexion sur l’illusion et la réalité, sur le jeu et le songe. L’action se déroule dans une Pologne fictive. Le texte est mis de côté, les intrigues de la pièce sont évoquées instrumentalement par les personnages, rois, reines, nobles et valets qui vivent leurs histoires de guerre, d’amours, contrariés puis ressoudés.

« Chaque acteur/musicien a développé un langage propre à son rôle et il improvise librement à partir de ces éléments. »

Deux voix, une guitare électrique, deux sets de percussion, deux saxophones, un violoncelle et une contrebasse. Les musiciens adoptent chacun un des rôles. Leurs instruments parlent leur langage d’instrument et dialoguent avec les voix qui chantent dans une langue imaginaire.

Ainsi l’on écoute Patrice Soletti (guitare électrique) et Charles Fichaux (percussions) dans le rôle du Roi Basilio, Laurent Charles (saxophones baryton et ténor) dans le rôle de Séguismundo, fils du Roi, François Rossi (percussion) dans le rôle de Clotaldo, noble et confident du Roi, Emilie Lesbros (voix) dans le rôle de Rosaura, dame de la cour, Lionel Garcin (saxophones alto et soprano) dans le rôle de Clairon, valet bouffon, Emmanuel Cremer (violoncelle) dans le rôle d’Astolfo, Duc de Moscovie, Anna Pietsch (voix) dans le rôle d’Estrella, Infante, Barre Phillips (contrebasse) et Anna Pietsch (voix) incarnant Soldats, Gardes, Musiciens, Cortèges.

« La Vida Es Sueño », la pièce originelle questionne quant à la place de la réalité. Se situe-t-elle dans la vie ou dans les rêves ? A l’écoute de l’album on se  demande quelle est la réalité de l’opéra ? Barre Phillips a rêvé un opéra sans parole avec des partitions improvisées. Il a transformé son rêve en réalité. On adhère…. ou pas mais on vit une expérience musicale unique à laquelle on s’abandonne bien volontiers après peut-être une première sensation d’inconfort qui disparaît fort vite.

Impalpables frontières entre deux cultures

Avec « Double Celli » c’est du jazz de chambre que propose Olivier Calmel. De fait, sur l’album « Immatériel » les frontières entre jazz et musique de chambre sont impalpables. L’orchestre à l’instrumentation insolite crée des atmosphères singulières. Un opus à découvrir.

L’album « Immatériel » (Klarthe/Harmonia Mundi) sorti le 17 novembre 2017 présente la musique d’Olivier Calmel et de la formation Double Celli qui annonce la couleur… deux violoncelles au cœur de la musique.

Dans « Double Celli », le leader réunit quatre instruments à cordes, deux violoncelles, un violon et un alto. D’emblée, l’on saisit qu’une telle instrumentation inverse en quelque sorte la forme du quatuor de chambre en priorisant les voix graves de deux violoncelles à celles des deux violons auxquels la musique de chambre a recours. Augmenté du piano du leader et d’une batterie, le quartet devient donc sextet.

Ainsi Olivier Calmel tient le piano et partage ses compositions avec le violoniste Johan Renard, le violoniste alto Frédéric Eymard, les violoncellistes Xavier Phillips et Clément Petit et le batteur Antoine Banville.

A l’écoute des quinze plages de l’album « Immatériel » on perçoit combien sont rendues impalpables les frontières entre jazz et musique de chambre, entre écriture et improvisation. Cela tient sans doute autant aux compositions de factures variées qu’au talent des musiciens qui déjouent les frontières musicales mais jouent avec générosité. Musique d’un collectif où les individualités convergent mais conservent leur singularité propre. Riches échanges tendus ou plus intimes mais toujours inventifs. 

L’oreille se laisse séduire par la douce matière musicale du titre d’ouverture, Au lever, mais apprécie tout autant le tumulte maîtrisé du second titre, Le hongrois qui déraille. On se laisse aussi porter par le très incantatoire Epistrophe (sans aucun lien d’ailleurs avec le monkien Epistrophy).

L’omniprésence des cordes n’en masque pas moins la prestation subtile et essentielle du rythmicien tout autant batteur que percussionniste. Avec finesse et efficacité il ajuste son propos aux couleurs si variées des morceaux de l’album. Il soutient ou entraîne et son chorus devient mélodie sur le superbe Pour El Ho.

Au centre même du répertoire, le sublime Immatériel incarne l’essence même de cet album qui fait coexister le lyrisme des interprètes et la maîtrise des improvisateurs, les caractéristiques de la musique de chambre et celles du jazz. Un condensé de sensibilité convaincant par son dynamisme nuancé.

Olivier Calmel © Claude Vittiglio

On craque pour la virgule inquiétante de Cordes Tutti et pour Un certain dimanche 23, un thème écrit sur un rythme à 7 temps par Olivier Calmel en souvenir d’un concert tendu comme en vivent tous les musiciens… ou comment immortaliser un moment stressant en une composition magnifique où le piano assure avec brio face aux instruments à cordes toujours brillants.

Le Prélude des Cinq rameaux rend un vibrant hommage à Roger Calmel (1920-1998), père d’Olivier Calmel. Écrit par le père du pianiste à l’occasion de la naissance de son fils, ce prélude est inclus dans une suite pour piano nommé « Les Cinq rameaux d’Olivier ». Olivier Calmel en a fait une adaptation libre et fait vivre la musique de son père par-delà les ans et les styles. Un somptueux moment.

L’album « Immatériel » transporte dans un univers dont la substance musicale ne cesse de varier au fil du répertoire. Elle épouse certains codes du jazz, emprunte d’autres formes à la musique chambriste mais outre la diversité de ces influences, elle génère des images dont la texture onirique repose sur la force de l’écriture d’Olivier Calmel et sur la virtuosité et la complicité des musiciens.

Dizzy Gillespie, géant du jazz inoubliable

« Passerelles » et « Always Too Soon »

En 2017 le pianiste Herve Sellin fait coup double en sortant le même jour, « Passerelles » et « Always Too Soon » chez Cristal. Deux répertoires différents. Deux albums empreints de l’esprit du jazz. Une double réussite.

Sur « Passerelles » Herve Sellin met en évidence les ponts qui existent entre classique, jazz et improvisation. Il consacre « Always Too Soon » à la musique que jouait Phil Woods.

En sortant le 20 octobre 2017 « Passerelles » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) et « Always Too Soon, Dedicated to Phil Woods » (Cristal Records/Sony Music Entertainment), le pianiste Hervé Sellin ne fait vraiment pas les choses à moitié. Sa double culture de pianiste classique de formation devenu pianiste de jazz et ses quarante années d’expériences musicales au service de la musique lui donnent toute légitimité pour mener à bien ce projet ambitieux  tout à fait réussi.

Issu de la filière classique et plus précisément du Conservatoire National Supérieur de Musique (CNSM) de Paris où il a obtenu en 1980 un double Prix de piano et de Musique de Chambre, Hervé Sellin est ensuite passé au jazz. Depuis 1993 il est professeur au Département Jazz et Musiques Improvisées du CNSM de Paris où il mène « Transversalissime », un travail artistique et pédagogique qui tente de rapprocher les musiques dites savantes, musique classique et contemporaine, et les musiques dites improvisées dont le jazz fait partie.

L’album « Passerelles » lance des ponts entre les univers du répertoire classique, le jazz et l’improvisation. Hervé Sellin utilise des matériaux classiques, les malaxe et les partage avec la pianiste classique Fanny Azzuro et trois jeunes musiciens issus de sa classe de jazz du Conservatoire de Paris, Rémi Fox au saxophone soprano, Emmanuel Forster à la contrebasse et Kevin Lucchetti à la batterie.

Hervé Sellin se joue des frontières et déjoue la complexité des musiques de Schumann, Satie, Dutilleux et Debussy. Il re-construit avec une grande sensibilité les musiques de ces grands compositeurs et les projette dans un monde où le swing est le grand gagnant. Les mélodies gardent leur évidence mais un nouveau dialogue s’établit entre elles, les harmonies et les rythmes qu’impulsent les musiciens.

Cinq Scènes d’Enfants de Robert Schumann, avec la pianiste Fanny Azzuro puis en quartet la 3ème Gnossienne d’Erik Satie suivi du « Choral et Variations » du 3ème mouvement de la Sonate de Henri Dutilleux dont on sait l’intérêt qu’il porte au jazz. Pour finir Hervé Sellin interprète seul le Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy. On y perçoit des accents de blues ou de ragtime que le compositeur n’aurait sans doute pas désavoué.

Certes Hervé Sellin n’est pas le premier jazzman à tenter de créer des liens entre classique et jazz mais sa démarche résulte directement de sa vie d’artiste et de pédagogue qu’il consacre en partie à tisser des transversalités entre ces deux mondes. « Passerelles » réussit l’alliage subtil entre l’écriture originelle des musiciens classiques et la dynamique du jazz.

L’album « Always Too Soon, Dedicated to Phil Woods » résonne d’un jazz enraciné dans le bop. Enregistré par Hervé Sellin en quartet l’opus rend un vibrant hommage au saxophoniste Phil Woods. Le pianiste est entouré du saxophoniste Pierrick Pedron, du contrebassiste Thomas Bramerie et du batteur Philippe Soirat.

Hervé Sellin, pianiste attitré du saxophoniste Johnny Griffin a aussi fait deux tournées (2010 et 2011) avec l’altiste Phil Woods. Une relation amicale s’est établie entre eux et l’album propose un répertoire de titres que le saxophoniste aimait à jouer. C’est l’alto de Pierrick Pedron qui a l’insigne honneur de se faire l’écho de la voix de Phil Woods, lui-même le digne successeur de Charlie Parker. C’est dire combien le bop habite les plages de « Always Too Soon ».

Si Pedron brille par son lyrisme et son improvisation bopienne en diable, le pianiste demeure le pilote incontestable de l’album. Il s’inscrit dans une filiation directe avec Thelonious Monk, l’un des pères du bebop, sur les trois plages qu’il lui consacre. Hervé Sellin sonne en effet très monkien.

Outre le répertoire qu’aimait jouer Phil Woods dont un clin d’oeil à Lennie Tristano qui l’a influencé, l’album propose aussi quatre compositions originales.

Willow Woods et Always Too Soon, d’Hervé Sellin ne déparent pas dans le répertoire, pas plus que Dark Machine proposé par Pierrick Pedron dans le plus pur esprit bop. On est séduit par le magnifique Remember Phil écrit par la pianiste, compositrice et chef d’orchestre Carine Bonnefoy. Un espace de respiration où la contrebasse boisée de Thomas Bramerie prend toute sa place. Le batteur Philippe Soirat y fait aussi preuve d’une délicatesse et d’une subtilité inouïe.

Sur « Always Too Soon », Hervé Sellin inscrit sa musique dans la grande tradition du jazz et dans une filiation directe avec la musique que jouait Phil Woods même si l’on ne trouve aucune composition du grand altiste trop tôt disparu. Onze plages habitées et interprétées avec force et sincérité, avec nuance et souplesse. Du jazz inspiré que l’on ne se lasse pas d’écouter.