Une élégante fraîcheur

Le 04 mai 2018 Kenny Barron présente chez Blue Note son tout dernier projet, « Concentric Circles ». L’album confirme, s’il est encore besoin de la préciser, le talent de ce pianiste élu sept fois « meilleur pianiste de l’année » par les JJA. Un album à l’image de la prestigieuse carrière de l’artiste.

En 2018, le pianiste, compositeur et chef d’orchestre Kenny Barron va célébrer son 75e anniversaire et le 50e anniversaire d’une carrière remarquable. A cette occasion il présente le 04 mai 2018 son nouvel album « Concentric Circles »(Blue Note/Universal).

Natif de Philadelphie, Kenny Barron a mené une brillante carrière au cours de laquelle il a collaboré avec la plupart des géants du jazz parmi lesquels on peut citer Dizzy Gillespie, James Moody, Milt Jackson, Stan Getz, Chet Baker, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Joe Henderson et Yusef Lateef  et aussi plus récemment Wallace Roney, John Stubblefield, Cecil McBee et Victor Lewis.

Au fil des années, le pianiste continue à enregistrer et à tourner avec des groupes musicaux aux configurations variées (duo, trio, quartet). Sur les deux précédents albums de Kenny Barron sortis chez Impulse « The Art of Conversation » (2014) et « Book of Intuition » (2016), le pianiste a mis en évidence la dimension intime de son art, en duo avec le contrebassiste Dave Holland et en trio avec Johnathan Blake et Kiyoshi Kitagawa.

Sur « Concentric Circles », Kenny Barron est cette fois à la tête d’un nouvel orchestre, un quintet. Ses fidèles musiciens, le bassiste Kiyoshi Kitagawa et le batteur Johnathan Blake sont rejoints par deux nouvelles recrues, Mike Rodriquez (trompette et bugle) et Dayna Stephens (saxophone).

« Concentric Circles permet au pianiste d’élargir encore sa palette sonore sur les onze plages enregistrées en quintet parmi lesquelles figurent huit compositions originales et trois reprises de titres redevables à Caetano Veloso, Thelonious Monk et Lenny White.

« Concentric Circles »

L’album s’ouvre avec DPW une composition au tempo hard bop où, à 75 ans, Kenny Barron confirme qu’il est le dépositaire d’une tradition du piano moderne. Sur ce morceau composé en 2013 il imprime une ambiance où le jeu du saxophoniste et du trompettiste rappelle les atmosphères du « VSOP » d’Herbie Hancock avec en prime, un solo turbulent du batteur et une improvisation lyrique du leader au jeu toujours maîtrisé.

L’écriture de la douce valse Concentric Circles confirme le talent de mélodiste de Kenny Barron. Le propos du pianiste demeure souple et élégant sur le clavier alors que le saxophone ténor déploie un jeu fluide face au bugle véloce et à la contrebasse chantante.

Avec ses rythmes en 6/8, la batterie bouscule Blue Waters, une nouvelle composition du pianiste. Elle s’inscrit tout à fait dans l’esprit du label Blue Note. Le quintet groove tour à tour sur les courtes improvisations de la trompette,du saxophone ténor et du piano inspiré. Comme un clin d’œil aux « Jazz Messengers » d’Art Blakey

A Short Journey assombrit le climat lumineux du début de l’album. Cette ballade écrite par le pianiste se distingue par un climat onirique à l’esthétique tamisée créé par la trompette et le saxophone soprano, le toucher méditatif du piano et les cymbales en suspension. On se prend à penser à l’album « In a Silent Way » de Miles Davis.

Sur Aquele Frevo Axe, composition de Caetano Veloso, Kenny Barron renouvelle son affection vis à vis de la bossa nova. La lumière revient sur l’album avec cette interprétation raffinée et fidèle à l’esprit de la musique brésilienne. Les arrangements lumineux et chaloupés des soufflants subliment le morceau dont se dégage une impression de tranquillité envoutante.

L’amour de Kenny Barron pour les rythmes latins se manifeste de nouveau sur Baile où, sur un tempo médium trompette et saxophone ténor s’en donnent à cœur joie et échangent avec le piano ludique. La nouvelle pièce de Kenny Barron, Von Hangman vibre de couleurs contrastées. Sur un tempo rapide, la section rythmique pousse les bouillonnants saxophone et trompette dans leurs retranchements.

L’émotion surgit à l’écoute du morceau In The Dark composé à l’origine pour la partition d’un film. Le jeu en apesanteur du piano et sa sonorité cristalline tranchent avec le solo lunaire du saxophone ténor et l’improvisation nocturne de la trompette et sa sourdine. La souplesse de la section rythmique contribue pour beaucoup à l’atmosphère planante et contemplative du titre.

Le tempo énergique de L’s Bop permet aux solistes de libérer un swing torride. Les deux cuivres et le piano exultent sur ce chatoyant morceau de hard bop. Le batteur délivre un solo riche en figures rythmiques énergiques que soutient le piano avec fougue. A partir d une ligne de basse funky jouée main sur le piano I’m Just Sayin’ entretient une forte tension que soutient la contrebasse et les syncopes de la batterie,l es improvisateurs se lâchent et groovent à fond.

Encore une fois, Kenny Barron rend hommage à l’iconique Thelonious Monk qui a toujours inspiré et influencé son jeu. Il termine l’album avec une reprise de Reflections, qu’il a pourtant enregistré de nombreuses fois à commencer avec son groupe « Sphere » en 1982 sur « Four in One ». Unn interprétation somptueuse où il renouvelle son inspiration et surprend encore.

Avec « Concentric Circles » Kenny Barron propose un nouveau bijou musical inspiré. Même s’il n’a plus rien à prouver le pianiste manifeste encore une grande spontanéité et produit en quintet une musique parfaitement maîtrisée à l’image de sa carrière.

Le paroxysme d’un art musical festif

Avec l’album « Sauvage Formes » l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp XXL propose une musique ludique et libérée qui embrase les huit pistes du CD. Un trésor à faire résonner tous azimuts pour stimuler les tiédeurs bien-pensantes, dynamiter les faux-semblants et rendre jaloux les pseuso-novateurs.

Créé en 2006, l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp (OTPMD) a fait vibrer les scènes, a bouleversé les repères des orchestres grand format, enregistré trois albums entre 2007 et 2014.

S’il a évolué, il a conservé son identité. Comme son nom l’indique, le groupe continue à emprunter à Marcel Duchamp cet état d’esprit provocateur générateur de révolte esthétique mais, son leader, Vincent Berthollet a voulu développer aussi l’autre partie du titre de cet orchestre qui se dit Tout Puissant.

Après s’être inventé sur scène en version XXL avec 14 musiciens, à l’occasion de ses 10 ans, c’est sous cette forme élargie que l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp XXL enregistre « Sauvage Formes » en octobre 2017. Le disque est produit par John Parish qui a supervisé enregistrement, mixage et mastérisation.

Sorti le 27 avril l’album « Sauvage Formes » (Les Disques Bongo Joe/L’Autre Distribution) est sidérant de dynamisme et d’incandescence. L’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp XXL s’abreuve de l’énergie de la vie et en restitue l’essence. Dans un superbe désordre organisé les musiciens semblent comme habités par une exaltation frénétique. Ils déclenchent une musique transique qui envoute et frôle l’incandescence.

Format XXL

Hormis le violoncelle et l’alto, tous les instruments sont doublés, contrebasse, guitare, violon, marimba, batterie, trombone quant au chant il sonne puissance 14 puisque tous les membres de l’orchestre donnent de la voix, Vincent Bertholet et Seth Bennett (contrebasse), Joanna Burke et Liz Moscarola (violon), Aby Vuliamy (alto), Naomi Mabanda (violoncelle), Maël Salètes et Titi (guitare), Anne Cardinaud et Aida Diop (marimba), George Murray et Séni (trombone), Guillaume Lantonnet (percussions, batterie) et Wilf Plum (batterie).

42 minutes de musique festive

Coloré par un motif itératif porté par les marimbas, Blow Sauvage annonce la couleur. La voix s’en mêle et entraîne les cordes frottées et celles des guitares. Section rythmique et trombones portent l’invocation crescendo jusqu’au paroxysme.

Le tempo post-rock et les sons distordus de Sous mes Yeux se calment et ouvrent la porte à Across the Moor avec sa ligne de contrebasse récurrente, les percussions et le triangle inlassables qui précèdent un chant envoutant. Les trombones gonflent la matière sonore et invitent à une danse qui annonce l’arrivée des…Bêtes féroces venues en droite ligne de la savane africaine. Motif répétitif repris par les voix, un slam convoque les violons et la révolte salvatrice advient « nous avançons… nous sommes devenus des bêtes féroces de l’espoir ».

Tel un opéra pop et symphonique, The Unknown se métamorphose et tient en haleine. Percussions, marimbas, cordes, voix et trombones rugissants déroulent une musque scintillante qui éblouit et finit avec emphase.

Sur Lost and Found, le tempo binaire tendu par la section rythmique et les marimbas alterne avec une mélodie vocale fragile et cajoleuse que le motif des guitares pousse à évoluer en une sorte de chorale africaine au chant enivrant.

Le collectif des voix entonne Danser soi-même, une ballade/comptine où une voix d’homme développe une philosophie surréaliste autour de « Danser est le fin mot de vivre » mais il laisse le fin mot de l’histoire à la flute … On ne peut s’empêcher de croiser ces mots avec ceux de Jean Teulé sur « Entrez dans la danse »… gare au mauvais danseurs !

L’album se termine avec So We All Sauvage et son tapis sonore de cordes et de cuivres qui tourne en boucle. Les voix de femmes aux intonations nordiques se répondent en canon sur la mélodie trouée par les fulgurances des guitares. La tension monte, on se laisse gagner par la joie et l’allégresse et on se surprend à chanter avec l’OTPMD XXL.

« Sauvage Formes, un quatrième album que l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp XXL a voulu à l’image de son nom. Une musique sauvage mais domptée, un désordre très bien organisé qui un mouvement frénétique et exalté. La transe musicale incandescente est communicative et son énergie traverse l’album. On brûle d’écouter l’OTMD XXL sur scène avec son nouveau projet.

Des climats instrumentaux captivants

Le 04 mai 2018, Eliane Elias revient avec l’album « Music from Man Of La Mancha » enregistré en 1995 avec deux combos différents. Un opus instrumental entre jazz et musiques latino-brésiliennes. Les arrangements lumineux mettent en valeur le jeu énergique et sensuel de la pianiste.

Après un Grammy obtenu en 2015 pour « Made in Brazil » et un autre pour « Dance of Time » en 2017, la pianiste brésilienne Eliane Elias revient le 04 mai 2018 avec « Music from Man of La Mancha » (Concord/Universal), un album instrumental qu permet d’apprécier ses talents d’arrangeuse, de pianiste et d’improvisatrice.

Vingt-huit ans séparent l’enregistrement et la sortie du 26ème album de la carrière d’Eliane Elias. En effet, « Music from Man Of La Mancha » a été gravé en 1995 mais pour des raisons contractuelles le disque n’est pas sorti au moment de l’enregistrement. Le temps a passé, la pianiste Eliane Elias a eu la brillante carrière que l’on connait et Mitch Leigh, compositeur de l’œuvre originale est décédé en 2014. Le plaisir n’en est que plus grand de découvrir cet album somptueux.

Le projet

A l’origine, c’est Mitch Leigh, le compositeur de la musique de « Man Of La Mancha » crée à Broadway en 1964 qui sollicite lui-même Eliane Elias. Après avoir succombé à l’écoute de son superbe album « Eliane Elias plays Jobim » sorti en 1990 chez Blue Note, il lui demande de concevoir des arrangements pour sa propre musique et lui laisse carte blanche.

Il confie une copie de la musique originale à Eliane Elias qui après écoute retient neuf titres. Elle accepte de s’engager dans le projet, d’enregistrer et de devenir coproductrice d’un album pour lequel Mitch Leigh lui accorde une absolue liberté artistique.

Les musiciens

Eliane Elias a recours à deux combos différents dans lesquels elle tient le piano. De principe, elle reconduit le trio présent sur « Eliane Elias plays Jobim »  avec le contrebassiste Eddie Gomez et le batteur Jack DeJohnette à qui elle confie cinq plages.

Pour les quatre autres morceaux du répertoire, elle se tourne vers le contrebassiste Marc Johnson et le batteur Satoshi Takeishi, musiciens avec lesquels elle travaille alors.

Elle sollicite le percussionniste Manolo Badrena pour poser ses couleurs rythmiques et sonores sur huit des neuf pièces de cet album instrumental.

L’album

Eliane Elias fait le choix de rester au plus près des mélodies dont elle préserve le message musical. Par contre elle prend le parti de centrer ses arrangements sur les climats harmoniques et rythmiques qu’elle va faire varier au fil des neuf plages de l’album.

En effet, chaque morceau est traité de manière individuelle. Eliane Elias diversifie les ambiances tout en ménageant des interactions entre les pièces. Pour créer des dynamiques différentes, elle s’appuie sur les points forts de chaque trio, sur les talents individuels de chaque instrumentiste et improvisateur et sur la richesse de leurs échanges. 

Les arrangements se distinguent par leur richesse et leurs variations. Elle ajoute des introductions, invente des interludes, combine et harmonise les modulations, déconstruit et reconstruit les séquences rythmiques jusqu’à obtenir des climats mouvants aux couleurs contrastées. Chaque morceau est traité de manière différente ce qui ajoute encore de la diversité à profondeur des textures musicales.

Si Eliane Elias fait preuve d’une maîtrise totale sur les climats harmoniques et la texture rythmique, elle continue par ailleurs à impulser la direction musicale du projet à partir de son clavier. Virtuose et inspirée, elle développe un jeu de piano qui impressionne par son énergie et ses nuances. Au fil du répertoire elle réussit le tour de force de renouveler son expression pianistique .

Impressions musicales

Les deux premiers titres de l’album présentent les trios. Deux arrangements contrastés conçus en écho autour d’un thème commun. Entourée de Marc Johnson à la contrebasse, Satoshi Takeishi à la batterie et Manolo Badrena aux percussions, Eliane Elias insuffle l’allégresse à To each His Dulcinea. La fougue percussive du tempo partido alto transforme le thème en une samba jazz peu conventionnelle.

Sur Dulcinea, le climat évolue et devient romantique. Une ballade aux riches harmonies où, entourée d’Eddie Gomez et Jack DeJohnette, la pianiste développe un jeu sensible.

What Does He Want of Me rayonne de soleil. Une bossa nova prise sur un tempo médium où le jeu de la pianiste enivre par le balanço et la légèreté de ses phrases.

De facture plus moderne, The Barber’s Song se rapproche du baião. Avec audace la pianiste disjoint les rythmes. Les accords funky de la main droite harmonisent la mélodie déroulée par la main gauche. Les bigarrures colorées des percussions assurent un groove qui ne manque pas de délicatesse.

Les bizarreries rythmiques du tempo ternaire de It’s All the Same font ressortir la technicité et la vélocité du piano. Après la légèreté du début, le morceau prend des teintes passionnées. Un solo expressif de la contrebasse fait appréhender l’imminence d’un drame qui ne survient pas puisque tout rentre dans l’ordre avec un retour au thème arc-en-ciel du début.

Avec I’m Only Thinking Of Him on s’immerge dans un bain de latin jazz absolu. Sur un tempo impair, le jeu contrasté du piano invite à entrer dans une danse frénétique à peine retenue à laquelle succombe la contrebasse irradiée d’énergie.

La batterie enflamme Man Of La Mancha et embarque le morceau sur les vagues d’un rythme envoutant. Habillé des brillantes couleurs de la samba, The Impossible Dream vibre sous le flux des cadences syncopées et des décalages rythmiques.

L’album se termine avec A Little Gossip pris sur le rythme vibrant du frevo. A chaque instant on s’attend à entendre entrer le souffle bouillonnant d’un saxophone rollinsien. Ambiance de carnaval endiablée qui appelle à entrer dans une danse frénétique.

Eliane Elias parvient à dépayser la partition de « Music From Man of La Mancha » dans le monde d’un jazz latin qui projette rythmes et couleurs du Brésil sur les thèmes de Broadway. Les climats fluctuent entre calme et amour, oscillent entre romantisme et passion. Une absolue réussite.