Un jazz ensauvagé à la poésie fauve

Avec « Wild Beasts », le clarinettiste Jean-Marc Foltz et ses trois complices proposent un safari-jazz aux accents félins. Huit tableaux musicaux expressifs constituent les étapes de ce voyage. Par ses audaces, la musique charpentée évoque la liberté de la faune sauvage et comme elle, ne s’embarrasse guère des contraintes. Un jazz ensauvagé paré d’une poésie coloriste.

Après le road-trip andin de « Viracochas » sorti en 2013, le clarinettiste Jean-Marc Foltz est de retour avec « Wild Beasts » (Vision Fugitive/L’Autre Distribution), la suite de son aventure musicale avec le guitariste Philippe Mouratoglou, le contrebassiste Sébastien Boisseau et le batteur Christophe Marguet. Annoncé pour le 28 février 2020 chez Vision Fugitive, l’album présente une musique saisissante où coexistent force et poésie.

Objet précieux pour l’oreille, l’album soigne aussi son esthétique dont l’illustration de la pochette est à porter au crédit du dessinateur Emmanuel Guibert, lauréat 2020 du Grand Prix du Festival International de la bande dessinée d’Angoulême. Gageons que sa réussite soit prédictive de celle de l’album.

Le nouveau projet du clarinettiste Jean-Marc Foltz se présente tel un voyage onirique, un safari musical dans une jungle poétique que les quatre musiciens imaginent à partir des clichés en noir et blanc d’animaux captés dans leur habitat sauvage par l’objectif du photographe Nicolas Bruant.

« Wild beasts », une poésie fauve empreinte de liberté

Wild Beasts©Maxim Francois

Composés par le clarinettiste, les huit titres de l’album « Wild Beasts » donnent à écouter huit tableaux d’un jazz poétique aux couleurs fauves. En feuilletant le livret, on ne peut s’empêcher de faire un parallèle entre la liberté qui habite les huit plages et celle des animaux sauvages dont les superbes clichés en noir et blanc du photographe Nicolas Bruant illustrent le livret.

Par la puissance et les nuances de leur expression, les quatre musiciens, à la fois fauves et poètes, transportent la musique à la confluence de deux dimensions, celle de la culture et celle de la nature. En effet, si la musique reflète la culture des artistes qui lui donnent vie, elle participe aussi à enrichir celle du public qui l’écoute. Par ailleurs, lorsque l’artiste improvise, on peut considérer cette création instantanée comme une forme distanciée des contraintes de l’écriture, une expression spontanée qui opère un retour à la nature d’une musique originelle.

Au fil des titres

Sur un motif répétitif de batterie, la clarinette basse et la guitare installent un décor musical onirique en suspension. Au fil des mesures Run to Live, le morceau se tend et s’électrise. Le solo voltigeur de la clarinette basse plante le décor et entame une course éperdue pour survivre. Plus tard, à l’unisson avec la guitare, la clarinette basse entonne la mélodie au tempo saccadé de Croc. Comme un animal aux aguets, la contrebasse montre les crocs. Soutenu par une batterie bruitiste, elle fait entendre son grondement tellurique avant que la mélodie musclée ne reprenne son cours.

Changement de climat avec le décoiffant Betty Devil. Son écriture contemporaine et ludique inspire la clarinette basse et la guitare dont la connivence est palpable. Absolument magistral !

Wild Beasts©Maxim François

Sur Lions Die Alone, le paysage se fait méditatif. La palette expressive des instruments se colore de nuances alternativement graves ou inquiétantes. La contrebasse vibrante rend le climat poignant et le souffle boisé fait frémir la clarinette au-dessus des cymbales délicates. Peaceful Majesty instaure ensuite un climat contemplatif. Le tandem magique, clarinette-guitare dessinent une fresque subtile qui invite au voyage intérieur et à la méditation.

Après une introduction solo de la clarinette basse, le quartet déroule la mélodie fragmentée et humoristique du titre Hippopotorganum Magnum. Son écoute fait résonner les réminiscences des phrasés d’un certain Eric Dolphy. Plus loin, le chant de la clarinette basse émerge comme une prière de From bear to Fox. En parfaite osmose, les quatre instrumentistes habillent l’espace musical d’une intensité lumineuse quasi spirituelle

L’opus se termine avec Monkey Rag où le quartet invite à une parodie fort réussie de ragtime. Le jeu musical acrobatique, évoque des singes qui sautillerent de branche en branche et la clarinette enflammée libère des sons aux accents fauves et primitifs soutenue par une paire rythmique d’une exceptionnelle inventivité. Le final ludique vaut son pesant d’or et en concert devrait déclencher des tonnerres d’applaudissements.

« Wild Beasts », une proposition musicale originale aux accents fauves qui jongle entre écriture subtile et improvisation picturale. Un jazz libéré des contraintes. Une musique dont la poésie enchante par ses couleurs sauvages. Un album qu’il plaît à écouter encore et encore pour mieux s’en imprégner.

Pour se replonger dans les climats de « Wild Beasts » et retrouver Jean-Marc Foltz (clarinettes), Philippe Mouratoglou (guitare), Sébastien Boisseau (contrebasse) et Christophe Marguet (batterie), RV pour le concert de sortie de l’album à Paris, le 05 mars 2020 au Sunset.

Sans œillères ni dogmatisme

Dans une approche très personnelle, Pierre de Bethmann Trio persiste depuis plus de six ans à explorer des compositions inscrites au patrimoine musical collectif. Après deux premiers albums, le pianiste Pierre de Bethmann, le contrebassiste Sylvain Romano et le batteur Tony Rabeson présentent « Essais/Volume 3 » annoncé pour le 21 février 2020. Sans œillères ni dogmatisme, le trio exerce avec brio son talent dans l’art de la reprise.

Le 21 février 2020, le label Alea sort « Essais/Volume 3 », le troisième opus du Pierre de Bethmann Trio. Après « Essais/Volume 1 » (2015) et « Essais/Volume 2 » (2018), enregistrés exclusivement au piano acoustique, Pierre de Bethmann invite son Fender Rhodes à inscrire sa voix dans l’univers de ce troisième opus.

Sur cet album, le trio continue à explorer des standards issus de traditions musicales différentes. Avec ses complices Sylvain Romano (contrebasse) et Tony Rabeson (batterie), le pianiste Pierre de Bethmann reprend et dépayse huit morceaux venus d’Europe et d’outre-Atlantique, issus du monde de la chanson française et de la pop américaine, de la musique classique et du jazz.

L’univers du trio

En étroite complicité, Pierre de Bethmann, Sylvain Romano et Tony Rabeson cultivent leur univers si personnel. Un univers où complexité et fluidité coexistent sans se faire de l’ombre. Un univers qui accorde une place essentielle à la mélodie mais où les schémas rythmiques et harmoniques proposent des univers aux dynamiques et aux couleurs changeantes. Un univers qui se plait à dépayser les musiques et à surprendre les oreilles.

Sans œillères ni dogmatisme, le trio exerce son talent à cultiver l’art de la reprise. Il utilise comme base de travail, des thèmes issus de traditions musicales différentes, les projette sur des toiles de fond enjazzées et laisse émerger son inspiration qui explose dans des improvisations créatives. Pierre de Bethmann Trio travestit les morceaux au gré de sa sensibilité et de son imagination.

« Essais/Volume 3 »

Enregistré comme les deux précédents volumes au Studio Recall (Pompignan) par Philippe Gaillot, l’album restitue la musique du trio dans une dynamique permettant de capter les interactions et les vibrations complices qui circulent entre les musiciens.

Comme sur les deux autres opus, le répertoire de l’album « Essais/Volume 3 » maintient toujours un savant équilibre entre les différents territoires explorés. Le trio reprend huit morceaux composés entre 1851 et 1984 en Europe ou aux Etats-Unis. Succès la chanson française et de la pop américaine, sonate classique passée à la postérité, standard de jazz avéré ou composition en voie de le devenir.

Au cœur d’un bestiaire incertain, La Cane de Jeanne de Georges Brassens coexiste avec L’Ours de Jean-Loup Longnon. La mélancolie habite l’univers lyrique de la sonate opus 105 de Schumann et celui plus dépouillé du célèbre Que Sera Sera, le fender électrise la soul de Stevie Wonder et le blues de John Scofield, la reprise de Cole Porter pétille de modernité alors que des schémas rythmiques véloces font exploser l’univers de Sam Rivers.

Huit reprises, huit univers

En ouverture, le jeu souple et volubile du Fender Rhodes transforme La Cane de Jeanne de Brassens en un volatile coquin qui se dandine sur une rythmique élastique. Une parodie vivifiante !

C’est ensuite dans le pur respect de l’esthétique chambriste que le trio reprend la Sonate opus 105 de Schumann. Avec une légèreté et une fluidité remarquables, Pierre de Bethmann développe un chorus ancré dans l’art de la fugue où résonnent des échos évocateurs d’un certain Jarrett. Plus loin, fortement imprégnés par la version originale du Cyclic Episode de Sam Rivers de 1965, piano, contrebasse et batterie déroulent avec vélocité, la richesse harmonique et rythmique de ce standard. Il vient l’envie d’applaudir à l’écoute du chorus de batterie qui permet d’apprécier le jeu félin et nerveux de Tony Rabeson.

Plus loin, la contrebasse de Sylvain Romano métamorphose dès l’ouverture la chanson Que Sera, Sera, en une ballade mélancolique et lunaire. Sur un tempo en suspension, le piano charmeur invite ensuite à le suivre dans un songe musical lumineux. Après cette parenthèse radieuse, le trio fait groover Dark Blue de John Scofield. Pas question de blues rugueux. Entre piano et fender, le morceau prend des allures plus sophistiquées et la paire rythmique teinte l’ambiance d’un battement funky. Entre force et douceur, le trio projette des reflets satinés sur les ombres du blues.

Le trio s’empare ensuite de la composition de Cole Porter, Easy to Love. Soutenue par les accords pointillistes du fender, la contrebasse éloquente détourne le morceau hors des sentiers battus. Surgit alors l’Inattendu incarné par un chorus de piano qui coule avec aisance et pétille de swing sur lequel rebondit la batterie inspirée.

Sur L’Ours, conte symphonique écrit par le trompettiste Jean-Loup Longnon, le trio adopte la forme d’une ballade au climat énigmatique. Le minimalisme est de mise avec un solo de contrebasse confidentiel et une batterie qui peint des volutes à la pointe de ses balais. C’est dans un style soul soft que, fender en tête, le trio reprend le célèbre I Can’t Help It de Stevie Wonder… et l’on se prend à esquisser un pas de danse élégant sur le dernier titre de cet album que l’on s’empresse aussitôt de remettre sur la platine.

Avis aux amateurs… après le Volume 3 des Essais de Pierre de Bethmann Trio, le label Alea devrait proposer le Volume 4 dans le courant de l’année 2020. En effet, la session d’enregistrement a été si féconde qu’elle permet d’envisager la sortie de deux albums, et de cela nul ne se plaindra.

Pour se replonger dans l’univers de « Essais/Volume 3 », plusieurs concerts se profilent. RV le 14 février 2020 à 20h30 au Théâtre de Coutances, le 06 mars 2020 à Reims au Café du Palais, le 27 mars 2020 à 21h au Crescent de Mâcon et le 28 mars 2020 à Toulouse, salle Le Taquin. Sans oublier les concerts de sortie de l’album qui se dérouleront les 13 & 14 mars 2020 à 21h30 au Sunside à Paris dans le cadre des Rendez-Vous mensuels de Pierre de Bethmann au Sunside.

Fusion musicale sensible

Robin McKelle présente « Alterations », un huitième album consacré à la reprise de chansons popularisées par des artistes féminines. Sa démarche s’inscrit dans l’histoire du jazz où les standards réinterprétés à l’envi n’en finissent pas d’être recréés. Dans cette dynamique, la chanteuse modifie le cadre originel des morceaux, son chant revisite le contexte musical et les titres prennent de nouvelles couleurs. Avec musicalité et sensibilité, elle fusionne de nombreux genres dans sa musique. Une belle réussite !

Après « Melodic Canvas » (2018) à l’esthétique acoustique et plutôt minimaliste, la chanteuse Robin McKelle revient en force avec « Alterations » (Membran/Sony), un opus qui redonne vie à des reprises de chansons inscrites dans la mémoire collective par des interprètes féminines. Enregistré à New-York avec une équipe de musiciens accomplis, l’album est annoncé pour le 14 février 2020.

Dans son acception la plus générale, le terme alteration est associé à l’idée de changement, de modification. Dans le langage musical, une altération augmente ou diminue une note d’un demi-ton. En nommant son album « Alteration », Robin McKelle annonce ainsi clairement que sa démarche procède de cette logique de variation. En effet, elle sort les chansons de leur cadre habituel, en modifie la forme et leur donne un nouveau corps via un habillage musical différent tout en respectant le cristal de leur essence originelle principalement sous-tendu par le texte.

Aux neuf chansons dont les années d’origine s’étalent entre 1956 et 2011, Robin McKelle ajoute Head High, une superbe composition personnelle qui honore la mémoire de ces artistes.

« Alterations est un hommage à ces femmes qui ont changé ma vie… à des chansons qui m’ont fait trembler. Il m’a fallu un immense courage pour rendre miennes les sculptures sonores parfaites de ces artistes que j’admire autant pour leur musique que pour leur parcours. Poser mon empreinte sur celle laissée par Amy Winehouse ou Joni Mitchell n’aurait pas été possible avant… ». Robin McKelle

« Alterations » met en valeur les chansons de différents genres, de diverses époques qu’ont popularisé des femmes célèbres de Billie Holiday à Amy Winehouse, en passant par Dolly Parton, Janis Joplin, Sade, Carole King, Adele et Lana Del Rey. Par la force et la grâce de sa voix de contralto, tantôt suave et sensible, tantôt rugueuse et éraillée mais toujours fort expressive, Robin McKelle décontextualise les morceaux de leur cadre d’origine et les restitue dans un idiome musical sensible qui fusionne jazz, soul, rythm’n blues, blues et rock.

De « Introducing Robin McKelle » à « Alterations »

De 2006 à 2018, huit albums

Robin McKelle@Frank Bullitt

Née à Rochester aux Etats-Unis en 1976, Robin McKelle a étudié le jazz à l’Université de Miami puis au Berklee College of Music de Boston d’où elle sort diplômée. Elle entame ensuite sa carrière comme pianiste et choriste au début des années 2000. En 2004 elle est récompensée du troisième prix du concours Thelonious Monk Jazz Competition de Washington. Elle intègre alors le Boston Pops Orchestra comme soliste.

Après un album auto-produit « Never Let Me Go » (2000), la chanteuse enregistre « Introducing Robin McKelle » (2006) et « Modern Antique » (2008), ses deux premiers albums où elle reprend des standards de jazz et de rythm’n blues des années 40 et se produit accompagnée par un big band. Après « Mess Around » (2010) entre rythm’n blues, jazz et soul, elle sort avec son sextet The Flystones « Soul Flower » (2012) et « Heart Of Memphis » (2014), deux albums imprégnés d’influences soul et funk puis « Merry Christmas Vol 1 » (2014), un EP de trois titres consacrés aux chants de Noël.

C’est ensuite la sortie de « The Looking Glass » (2016), un opus aux échos raffinés de pop-soul-jazz et « Melodic Canvas » (2018) un album plus intime où jazz et soul cohabitent.

En 2020, « Alterations »

Dans un premier temps, Robin McKelle a sélectionné deux cents chansons puis par élimination a retenu neuf titres auxquels elle ajoute Head High, une composition personnelle.

Elle enregistre l’album « Alterations » à New-York avec un quartet de musiciens accomplis qui réunit le pianiste américain Shedrick Mitchell, aussi à l’orgue et au Fender Rhodes, le bassiste Richie Goods, ancien élève de Ron Carter et Ray Brown, le batteur Charles Haynes présent aux côtés de Lady Gaga ou Kanye West mais aussi immergé dans le jazz et le guitariste Nir Felder, qu’on a vu s’aventurer sur les territoires d’Esperanza Spalding, Jack DeJohnette ou Meshell Ndegeocello. Le groupe est renforcé par le saxophoniste ténor Keith Loftis qui les rejoint sur Head High et le trompettiste Marquis Hill sur Born to die.

Chaque plage propose un univers différent et pourtant l’ambiance globale de l’album restitue une impression d’unité, de cohérence. Cet état de fait résulte en grande partie de la qualité des arrangements qui assurent une sorte de continuum dans la musique, qu’il s’agisse de jazz, de soul, de rythm’n blues ou de blues. Ainsi les transitions d’un titre à un autre s’opèrent avec un grand naturel et dans une continuité qui évite tout télescopage esthétique. Au final, le plaisir de l’écoute est constant.

Au fil des titres

On se laisse convaincre par l’expressivité poignante de la voix de Robin McKelle sur Back to Back d’Amy Winehouse. Elle transforme la chanson d’amour en une mélodie mélancolique aux couleurs afro-latines. La voix se love entre orgue, percussions et cymbales, exit la noirceur, place à une lumière feutrée. C’est ensuite un lifting délicat que la chanteuse réserve au tube Rolling In The Deep qu’interprétait Adele. Gorgée d’énergie, la voix se promène entre soul et jazz et le court chorus bluesy de la guitare est exaltant.

Avec sa composition, Head High, on plonge dans l’idiome hard bop. La voix groovy et pétillante évoque le souvenir de Betty Carter, le ténor se fait impétueux et le morceau devient frénétique à souhait. Un pur moment de bonheur !

Hommage sensible à Billy Holiday, Don’t Explain développe un chant gorgé d’affliction dont la dimension dramatique rejoint celle du titre original. L’arrangement musical subtil, le solo inspiré de contrebasse et les chœurs qui doublent le chant ajoutent à la dimension intime de ce morceau. Plus tard c’est une relecture sentimentale que la chanteuse donne de la romance pop Born To Die qu’a chanté Lana Del Re. La trompette bouchée magnifie la douceur exquise de cette ballade que délivre la voix suave aux mille nuances.

Plus loin, Robin McKelle insuffle un groove funk et galvanisant au thème qu’interprétait Dolly Parton. Jolene se trouve ainsi métamorphosé et électrisé par les soli des instrumentistes et la voix rocailleuse qu’adopte la chanteuse. Imprégnée d’une forte charge émotionnelle, la voix rafraîchit ensuite River, la composition de Joni Mitchell qu’illumine un chorus de guitare inspiré et touchant. Plus tard, sur la chanson de Sade, No Ordinary Love, le chant alterne  entre ballade et accents latins alors que le solo tendu de la guitare pousse le morceau et la voix vers une transe irrésistible.

Mercedes Benz, l’hymne solo que proclamait Janis Joplin, devient un cantique aux accents de gospel. La voix déchirante de Robin McKelle inspire à la guitare une intervention blues-rock qui enflamme les tympans. Une version intense et profondément soul à réécouter en boucle. L’album se termine par un duo sensible entre la voix et le piano qui reprennent la chanson de Carole King, You’ve Got A Friend.

Libre à chacun(e) de préférer les versions originales mais nul(le) ne peut dénier à Robin McKelle de s’être approprié de manière très personnelle ces succès  internationaux qu’elle a repris avec brio. Sa voix souple et sensible pose avec légèreté et détermination des accents jazz, soul ou blues sur ces chansons populaires qu’elle habille de nouvelles couleurs et interprète avec un talent infini.

Pour s’immerger dans l’univers musical de l’album « Alterations » et retrouver Robin McKelle, plusieurs concerts se profilent. RV le 05 mars 2020 au Théâtre de Cambrai, le 07 mars 2020 à Dreux dans le cadre de Jazz de Mars, le 13 mars 2020 à Wissous au St-Ex, le 14 mars 2020 à Montbrison au Théâtre des Pénitents, les 16 & 17 mars 2020 à Paris au New Morning, le 26 mars 2020 dans le cadre du festival de Jazz International de Megève, le 15 avril 2020 à Colmar, salle des Catherinettes et le 20 mai 2020 au Théâtre National de Nice. ICI pour consulter l’ensemble des dates de concert.

Un opus élégant et soigné

Avec « Toku In Paris, », le trompettiste et chanteur japonais Toku présente son nouveau projet enregistré en Europe. Entouré de six musiciens chevronnés, il invite la chanteuse, parolière et compositrice Sarah Lancman. L’oreille se laisse entraîner avec bonheur à leur suite dans une promenade poétique sur des routes où se croisent amour et jazz. Un opus soigné dont l’élégance sereine se double de charme et de sensibilité.

Avec douze albums à son actif en tant que leader, le trompettiste chanteur et compositeur japonais Toku publie « Toku In Paris », son premier album européen.

Sorti le 24 janvier 2020 en partenariat entre Sony Japan et le label Jazz Eleven fondé par Giovanni Mirabassi et Sarah Lancman, l’opus déroule un répertoire de huit compositions originales du leader auxquelles s’ajoutent deux autres titres de Sarah Lancman et une reprise de Michel Legrand.

Avec une équipe de six musiciens parmi les meilleurs des scènes jazz européennes, Toku propose un album personnel où chaque morceau dessine un univers qui lui appartient en propre et participe à la cohérence d’un répertoire de onze titres construit avec soin, comme celui d’un concert.

Toku

Né dans la préfecture de Niigata au Japon, Toku a grandi en écoutant toutes sortes de musiques. Après le cornet, il apprend la trompette et le cor. Au lycée, il intègre un groupe qui reprend des titres de pop et de rock. Il découvre ensuite le jazz et déménage aux Etats-Unis où il apprend l’anglais et pratique le jazz avec son colocataire qui s’avère être pianiste de jazz. C’est là en quelque sorte que débute sa carrière de jazzman !

Toku©Akira Kitajima

En effet il est ensuite repéré par le DJ Rob Crocker à la suite de quoi il signera “Everything She Said”, son premier album chez Sony Music Records Inc. en janvier 2000 et en août de la même année il débute au Blue Note de Tokyo puis au New Millenium Hall de l’Université de Séoul (Corée du Sud). Les albums vont ensuite se succéder à commencer par Bewitching (2001) puis Chemistry of Love (2002) où il commence à chanter. Avec You are so beautiful qu’il interprète pour une publicité télé Hitachi et le single Do-Re-Mi pour la campagne publicitaire Odyssey de Honda, il acquiert plus de notoriété. Plus tard, les albums se succèdent jusqu’à ”Toku Sings and Plays Stevie Wonder ～a jazz tribute from Atlanta” (2011), ”Dear, Mr Sinatra” (2015) et « Shake », son douzième album en 2017.

Sa carrière l’a vu collaborer avec Cindy Lauper et avec de grands jazzmen tels que Kenny Baron, Ron Carter, Chris Cheek, Lew Soloff ou Philippe Catherine. Entre tradition et modernité, Toku mène sa carrière d’instrumentiste et chanteur influencé par la musique de jazz et celle de son pays. Il a aussi récemment participé à l’album de la chanteuse Sarah Lancman, « A contretemps » sorti en 2018.

C’est entouré d’une équipe de jazzmen expérimentés qu’il enregistre l’album « Toku In Paris » (Jazz Eleven) en juillet 2019 à Paris.

« Toku In Paris »

L’album s’articule autour d’un répertoire original de onze titres composés en majorité par Toku, avec deux pièces créditées (paroles et musique) à Sarah Lancman et la reprise de Je ne pourrais jamais vivre sans toi composé par Michel Legrand pour le film de Jacques Demy « Les Parapluies de Cherbourg ».

Toku s’entoure d’un groupe d’émérites jazzmen parmi lesquels Giovanni Mirabassi au piano et Pierrick Pedron au saxophone alto sur cinq titres. La batterie est partagée entre André Ceccarelli et Lukmil Perez et la contrebasse entre Thomas Bramerie et Laurent Vernerey. Le leader invite Sarah Lancman qui le rejoint pour un duo vibrant

La voix du chanteur évoque quelques familiarités avec celle de Kurt Elling au niveau du registre et du grain chaleureux.

Le baryton crooner à la voix sensuelle et profonde développe sur trompette et bugle, un jeu doté d’une force sereine tempérée d’une douceur féline. Avec ses complices il élabore un album que n’entache aucun étalage virtuose. Les interventions soignées et maîtrisées de tous les intervenants contribuent à faire de « Toku In Paris » un voyage musical aux vibrations dynamiques et aux accents élégants.

L’amour au fil des titres

En ouverture, Toku pose sa voix de crooner sur Love is Calling you. La section rythmique réactive et incisive soutient un tempo assez vif sur lequel l’alto pétillant et la trompette mordante voltigent.

Deux thèmes dont Sarah Lancman a écrit les paroles et composé la musique évoquent ensuite le retour et le départ de l’aimée(e). She Comes back Again, sur un tempo de valse, fête le retour de celle qu’on aime, avec un bugle élégant et raffiné et un piano vitaminé. Au rythme d’une ballade, After You, murmure la tristesse de la solitude après le départ de l’être chéri… notes perlées du bugle, piano evansien.

Dédié à Horace Silver, Strollin’ in Paris recèle (peut-être) un double clin d’œil, le premier à Chet Baker qui a enregistré l’album intitulé « Strollin »’ (1986), du nom de la composition du pianiste et le second à celle de John Lewis, Afternoon in Paris. Le morceau de Toku fait résonner des réminiscences West Coast et invite à déambuler dans les rues de Paris ou sur la Seine. Plus tard, l’énergie d’un chorus de l’alto sous influence bop apaise la mélodie soul que la voix chagrinée pose sur I Think Love You et son motif de basse réitératif.

Place ensuite à deux thèmes composés par le leader, deux instrumentaux de belle facture. Sur Nuageux joué en quartet, les balais d’André Ceccarelli dessinent des arabesques et le bugle brumeux à souhait instaure l’atmosphère voluptueuse d’un songe à la tonalité mélancolique que renforcent les arpèges aériens et les notes vagabondes du piano romantique. Dès l’ouverture, exposé à l’unisson par trompette et alto, Be Careful émarge dans l’esthétique hard bop. La trompette caracole puis l’alto au son tranchant ébouriffe les notes puis passe le relai à un piano enthousiaste et à une impro courte mais étincelante de la batterie. Par son titre, le morceau annonce le piège qu’il recèle lorsque le tempo en 4/4 accueille une mesure en 3/4, avec le risque que cela représente de plantage… mais avec de tels experts, aucun danger, tout se déroule sans anicroche malgré le rythme trépidant adopté par les instrumentistes.

Advient alors la reprise sobre et inspirée du superbe titre, I Will Wait For You (Je ne pourrais jamais vivre sans toi) de Michel Legrand. Le piano ouvre l’espace au bugle chaleureux avant que le duo Sarah Lancman/Toku ne vibre ensuite de tendresse. Douce voix de velours de la chanteuse et baryton au léger vibrato… le moment se savoure !

Sur un tempo de boléro, l’amour habite ensuite Still In Love With You, que Lukmil Perez pilote d’un groove souple et félin, avec la complicité efficace et discrète de Thomas Bramerie. Le miel vocal et les étoiles célestes soufflées via le pavillon de l’instrument invitent au rêve. L’atmosphère se fait encore plus intime sur Blue Smoke, une ballade épurée où la voix chaude et sensible du chanteur dialogue avec le piano romantique.

Construit comme celui d’un concert, le répertoire de l’album se termine par une pièce instrumentale qui rallie le quintet pour le bien nommé Closing à la couleur funky soul. Chorus flamboyant de l’alto, solo attendri de la trompette, chorus incisif du piano. Les contrechants de la trompette et l’accompagnement churchy du piano contribuent au climat nostalgique de ce dernier titre qui donne envie de faire de nouveau tourner l’album sur la platine pour mieux s’en imprégner.

Pour s’immerger dans le monde de « Toku In Paris », plusieurs dates se profilent. En effet Toku part à la conquête de la France et de l’Europe qui ne devraient guère résister à son charme. RV avec Toku European All Stars qui réunit Toku (voix, trompette), Pierrick Piedron (saxophone alto), Giovanni Mirabassi (piano), Laurent Vernerey (contrebasse) et André Ceccarelli (batterie), le 12 février 2020 au Jazz Club d’Annecy et le 13 février 2020 à Luynes au Club Jazz Fola. Pour le concert de sortie d’album à la Maison de la Culture du Japon, à Paris, le 15 février 2020, le quintet est rejoint par Sarah Lancman sur les deux sets de 16h30 et 20h. ICI pour d’autres dates.

Un trio au programme explicite

Associé au saxophoniste Christophe Monniot et au batteur Tom Rainey, Claude Tchamitchian présente « Poetic Power ». Cet album matérialise la nouvelle aventure musicale du contrebassiste dans la formule orchestrale réduite du trio. Après ses projets orchestraux à l’écriture foisonnante, le leader joue la carte de l’épure. Entre écriture et improvisation, les échanges des musiciens développent une promenade déambulatoire libre et inventive, poétique et puissante.

Familier des projets orchestraux à l’écriture dense et complexe, « Need Eden » et « Traces », Claude Tchamitchian captive aussi par ses albums en solo dont le dernier, « In Spirit » sorti en 2019 a permis d’accéder à l’intimité de son univers. Pour son dernier projet musical, le contrebassiste fait le choix du trio « Poetic Power » pour lequel il réunit à ses côtés le saxophoniste Christophe Monniot et le batteur Tom Rainey.

Autour de nouvelles compositions du leader, l’aventure musicale des concerts de 2019 débouche sur l’enregistrement d’un disque au Studio de la Buissonne. La sortie de l’album « Poetic Power » (Emouvance/Socadisc) est annoncée pour le 14 février 2020.

Très réactifs, saxophones, contrebasse et batterie échangent et tissent une musique foisonnante et changeante. Aérienne et lyrique, tellurique et dramatique, organique et puissante, elle mue et évolue, réserve de surprenantes transformations où fragilité et force croisent le fer. « Poetic Power », un voyage onirique entre terre et ciel.

Poetic Power Trio

Compositeur inspiré et leader engagé, le contrebassiste Claude Tchamitchian fait figure de référence dans le monde de la musique improvisée. Impliqué dans la Compagnie et le label « Emouvance », il mène par ailleurs de nombreuses aventures artistiques où il se confronte à d’autres univers que le sien qu’il continue aussi à explorer. Après le tentet, le sextet et le solo, il revient avec le Poetic Power Trio qui réunit à ses côtés Christophe Monniot (saxophones) et Tom Rainey (batterie).

Musicien à l’esprit libre et ouvert, virtuose effervescent et improvisateur remarquable, Christophe Monniot poursuit sa carrière de leader tout en s’investissant dans d’autres projets. Ainsi, il rejoint Claude Tchamitchian au sein du Poetic Power Trio auquel il prête sa fougue et son jeu si peu académique.

Considéré comme l’un des batteurs les plus inventifs de la scène new-yorkaise, l’Américain Tom Rainey mène sa carrière depuis plus de trente ans entre avant-garde aventureuse et jazz ludique. Ouvert à toutes les aventures, il imagine des formules rythmiques atypiques qui défient les formats pré-établis et évoluent en permanence. Son jeu très expressif contribue pour beaucoup aux climats surprenants et poétiques du Poetic Power Trio.

Composé de trois fortes individualités, le Poetic Power Trio fait montre d’une cohésion qui ne se dément pas d’un bout à l’autre des six titres du répertoire de l’album « Poetic Power ».

« Poetic Power », l’album

C’est à partir des échanges très réactifs des trois musiciens que la suite orchestrale de « Poetic Power » prend vie et propose une déambulation poétique.

Au fil des six compositions du leader, le trio entreprend une pérégrination imaginaire et sensible dans des paysages aux lumières et aux reflets changeants.

La musique sculpte un rêve dont les reliefs contrastés restituent les échos d’une marche parmi les éléments de la nature. Le saxophone lyrique et aérien, la batterie fluide et vive et la contrebasse précise et profonde évoquent le souffle du vent à moins que ce ne soit la respiration de l’ombre, Shadow’s Breath. Sur L‘Envolée Belle, la contrebasse gronde, le saxophone volubile se fait tranchant et la batterie pulsatile ponctue les envols du sax’oiseau dont les effets électroniques troublants dédoublent la voix de l’instrument.

Impressionniste, la contrebasse boisée fait résonner les harmoniques sur So close, so far qui explore un univers aux facettes multiformes. Narrative et expressive, la batterie dynamise ou calme les interventions de ses compagnons très réactifs à ses ponctuations. Sur Unnecessary Fights, elle arbitre avec brio et délicate fermeté le combat inutile de la contrebasse tellurique et du saxophone volcanique et furieux.

Il fait bon voyager sur les sentiers imaginaires de l’album, « Poetic Power. Comme dans un rêve éveillé, les pieds ancrés dans le sol et la tête perchée dans les étoiles, on ressent la caresse du vent, on foule l’herbe encore humide, on pose le regard sur l’eau limpide, on devine le souffle de l’ombre, on gravit la colline… comme par magie, la puissance poétique de la musique opère.

Pour retrouver live Claude Tchamitchian Trio et les paysages de « Poetic Power », RV à Paris le lundi 16 mars à 20h30 au Pan Piper

Une porte ouverte sur un univers vibrant

Sur « Atea » l’accordéoniste Didier Ithursarry ouvre la porte de l’univers qu’il a créé avec Pierre Durand à la guitare et Joce Mienniel aux flûtes. Loin des formats habituels, le trio invite à pénétrer dans un espace vibrant qui puise son inspiration dans le monde, ses paysages et ses traditions musicales. Inspirés, les musiciens fondent un monde imaginaire qui transporte l’oreille dans des ailleurs dépaysants, vibrants et passionnants.

Annoncé pour le 31 janvier 2020, l’album « Atea » (LagunArte Productions/L’autre distribution) fait partie des bonnes surprises de ce début d’année. Entouré du guitariste Pierre Durand et du flûtiste Joce Menniel, l’accordéoniste aux origines basques, Didier Ithursarry, chemine loin des chemins battus, aux antipodes du déjà (trop) vu, connu, entendu.

Le Cuareim Quartet rejoint le trio sur la Forró Suite arrangée par Geoffroy Tamisier. Ce quatuor à cordes né au Mexique de la rencontre de Rodrigo Bauza (violon), Federico Nathan (violon), Olivier Samouillan (alto) et Guillaume Latil (violoncelle) contribue à enrichir le propos des six mouvements de la suite.

Didier Ithursarry place sa musique sous le signe des « Illuminations » (Départ/Illuminations) d’Arthur Rimbaud….

Assez vu. La vision s’est rencontrée à tous les airs.
Assez eu. Rumeurs des villes, le soir, et au soleil, et toujours.
Assez connu. Les arrêts de la vie. – Ô Rumeurs et Visions !
Départ dans l’affection et le bruit neufs !

« Atea », la porte

Le titre de l’album résonne comme une clé. En langue basque, Atea signifie la porte, celle qu’on ouvre ou ferme, celle qui rassure, qui claque, qui invite ou intrigue. Témoin, gardienne d’histoires de vies, d’humeur et de sueur. Protectrice de secrets.

Entrer ou sortir. S’arrêter. S’abriter. Traverser. Passer d’un monde à un autre, de l’ici vers l’ailleurs, du souvenir à la destination rêvée, du réel à l’imaginaire, jusqu’à l’inconscient. Accueillir l’autre et ses traditions puis échanger.

De fait, sur « Atea », le trio de Didier Ithursarry ouvre grand sa porte à des influences venues d’ailleurs. Enrichis de ces apports, les musiciens inspirés s’aventurent sur des sentiers non balisés. Ils captent l’air, la lumière, le vent, les poussières, les effluves, les sons et de ces ailleurs musicaux dont ils s’abreuvent. Ils invitent ensuite l’oreille à franchir le seuil de leur univers musical et l’accueillent dans l’intimité de leur musique.

Via les impressions transmises par la musique, on accède à des paysages, des sensations, on franchit la porte du 221B Baker Street à Londres, on s’aventure dans une habitation du Pays Dogon au Mali, on suit le chemin laborieux des forçats de Guyane, on s’abrite sous une tente dans le désert de Gobi entre Chine et Mongolie, on passe le seuil d’une maison du quartier Lapa de Rio, on fait escale au Mexique, on pénètre dans une ferme basque… et partout, on se sent chez soi.

Au fil des douze titres… entre danse et rêverie

Avec l’accordéon, la guitare et les flûtes, on embarque dans un voyage sensible, captivant et envoûtant ponctué par des mouvements virevoltants, vigoureux, légers, poétiques, langoureux ou mélancoliques.

En parfaite symbiose les trois musiciens ouvrent une première porte sur l’univers de Forçats. A l’unisson, l’accordéon, la guitare et la flûte mêlant souffle et effets de voix entament une mélodie intrigante. Avec eux on entre dans la danse virevoltante et harassante de la marche et des travaux des forçats. La caravan’trio donne ensuite à entendre sa marche laborieuse qui parcourt tour à tour la steppe, le désert et les oasis du très expressif Gobi. Une sorte de blues où l’on ressent tour à tour le soleil ardent et le froid nocturne. Le vent piquant tourbillonne à travers les notes enivrantes de la flûte virtuose.

Dans un développement quasi cinématographique, le trio étoffé du « Cuareim Quartet » développe les six mouvements de la Forró Suite et emporte la musique dans le Nordeste du brésil. D’entrée, l’accordéon à la sonorité lunaire caresse une mélodie mélancolique sur un écrin de cordes. Sur le deuxième mouvement, les sept musiciens jouent ensemble jusqu’à donner le tournis. Les envolées bondissantes de la flûte, le phrasé sensuel de l’accordéon et le rythme lascif de la guitare donnent le tournis et l’envie de danser le baião avec eux. Sur le troisième mouvement, le quartet à cordes ouvre un espace musical onirique puis, accordéon et guitare dessinent des lignes musicales sensibles chargées d’un tendre spleen. La guitare insuffle ensuite un climat plus folk au quatrième mouvement où les nappes sonores des cordes et la flûte au timbre coloré content une histoire musicale mystérieuse. Les notes tendres et lyriques de l’accordéon flottent plus tard sur le tapis sonore romantique que tisse le quartet à cordes. La suite s’achève par une farandole qui reprend le thème du deuxième mouvement et incite à danser jusqu’à l’ivresse.

Avec Mali le voyage change de continent. Sur une rythmique réitérative de l’accordéon, guitare et flûte attisent le feu de la mélodie jusqu’à l’hypnose. Avec Sherlok, on franchit la porte d’un monde étrange chargé d’une langueur mélancolique où la musique éthérée flotte comme en apesanteur.

C’est ensuite un hommage tendre et sensible à l’âme basque que rend l’accordéon en solo sur Gizian Argi Hastian, une très belle mélodie que le poète musicien Etxahun Iruri, a composé en travaillant dans les champs et en soignant ses bêtes. l’album se termine par un feu d’artifice d’allégresse avec Mariachi for Aita que l’accordéoniste adresse au père, aita en basque, le sien sans doute mais pourquoi pas à tous les pères.

Pour s’immerger dans l’univers lumineux et vibrant de « Atea » et retrouver Didier Ithursarry (accordéon); Pierre Durand (guitare) et Joce Mienniel (flûtes),  RV à Paris le 18 mars 2020 lors du concert de lancement de l’album au Studio de l’Ermitage.

Quand Liberté rime avec Poésie, Humour & Musique

Le vocalchimiste André Minvielle et le quintet normand Papanosh ont mis en musique textes et poèmes de Jacques Prévert. Sur « Prévert Parade », les six complices font swinguer la poésie de Prévert. Animées par un même esprit libertaire, poésie et musique dialoguent en fanfare. Mots et tempo battent des mains, les vers valsent et entrent en transe. Une fête enlevée où liberté rime avec Poésie, Humour et Musique.

« Prévert Parade » (La C.A.D./Label Vibrant/L’Autre Distribution) scelle sur disque la rencontre entre la poésie de Jacques Prévert et la musique du chanteur André Minvielle et de Papanosh, le quintet du collectif rouennais « Les Vibrants Défricheurs ». Le chanteur gascon s’est associé aux cinq trublions de Papanosh pour composer des musiques sur des textes de Jacques Prévert.

Une même liberté habite les vers et la musique. Présent au fil des rimes, l’humour résonne et rebondit aussi au long des portées musicales. Au final, ça valse, ça grogne, ça éructe, ça groove en fanfare. Une ode joyeuse où notes et mots dansent en chœur. Pour les oreilles curieuses en quête de surprise, « Prévert Parade » est une aubaine inouïe.

Le projet « Prévert Parade »

C’est lors d’une des fameuses Hestejadas de las arts d’Uzeste Musical qu’André Minvielle croise la route du collectif normand Papanosh. La première rencontre se poursuit par d’autres collaborations entre les allumés inspirés toujours avides d’inventer et de renouveler leur art et le vocalchimiste gascon collecteur d’accent, scatteur devant l’éternel et jongleur de syllabe.

Pour ce qui concerne Prévert, l’histoire commence lorsque Fellag confie à André Minvielle le poème « Étranges étrangers » de Prévert que le chanteur interprète à sa manière et enregistre en 2016 sur son album « 1Time ». Lors d’une soirée hommage au Théâtre des Bouffes du Nord à Paris, la petite-fille de Prévert, Eugénie Bachelot-Prévert, propose au chanteur de continuer un travail de relecture des poèmes de Prévert.

Pour ce faire, André Minvielle travaille avec Papanosh composé de Raphaël Quenehen (saxophones, chant), Quentin Ghomari (trompette, trompette à coulisse), Sébastien Palis (piano, orgue, chant), Thibault Cellier (contrebasse, chant), Jérémy Piazza (batterie, percussions, chant), dans la perspective d’une création autour des poèmes de Jacques Prévert dont les contenus demeurent (tristement) d’actualité dans le monde actuel.

Le pari est de taille car il s’agit de mettre en musique les mots du poète sans omettre de conserver son esprit libertaire mais il est vrai que tant Minvielle que Papanosh émergent largement sur ce territoire. Ainsi, co-produite par l’association Les Chaudrons d’André Minvielle et La Fraternelle de Saint Claude (39), la création « Prévert Parade » voit le jour en 2018 après une résidence du 10 au 15 septembre 2018 à La frat’.

L’album « Prévert Parade »

De fait la versification poétique de Prévert possède un rythme intrinsèque et génère une tension rythmique qui fait fi des règles de la métrique musicale. Pourtant Prévert a peu écrit pour la chanson, ce sont les musiciens qui ont mis ses textes en musique, musiciens parmi lesquels on peut certes citer Kosma mais aussi Sebastian Maroto, Henri Crolla, Christiane Verger, Hanns Eisler, Louis Bessières, et plus récemment Vanina Michel.

Il a fallu la liberté inventive parée d’un brin de folie des compositions d’André Minvielle, Quentin Ghomari, Thibault Cellier, Sébastien Palis et Raphaël Quenehen pour insuffler une vie musicale au douze poèmes de Jacques Prévert gravés sur l’album « Prévert Parade » (La C.A.D./Label Vibrant/L’Autre Distribution) à paraître le 31 janvier 2020. Si les poèmes choisis pour figurer sur « Prévert Parade », mettent l’humour et l’absurde au cœur de leur propos, il n’empêche que la dimension politique n’en est pas absente loin de là. L’armée n’y a pas bonne presse, pas plus que les tenants du pouvoir. 

On peut dire que les six complices ont mis Les petits plats dans les grands pour faire Cortège aux poèmes de Jacques Prévert. Si La guerre est évoquée c’est pour lui préférer la paix, Les belles familles convoquent L’Amiral auquel elles donnent Quartier libre à Alicante. Ensuite les musiciens convoquent La brouette ou les grandes inventions qu’ils poussent Un matin rue de la Colombe. C’est alors que d’Étranges étrangers chantent pour que n’advienne pas Le combat avec l’Ange. Destiné se présente avant que ne retentisse le bluesy Chant Song. Le répertoire se termine avec Séganagramme, paroles de Minvielle et musique de Raphaël Quenehen.

Loin de toutes les conventions, « Prévert Parade » propose une musique populaire imprégnée de liberté, d’humour et d’un grain de folie qui éclairent la poésie de Prévert de vibrations actuelles. Fanfare insolente, marche martiale, groove cuivré, murmures feutrés, rythmiques cubaines, java-valse, blues poignant, fulgurances free, et syncopes énergiques entrent en résonance avec les mots du poète.

Pour découvrir et vivre live « Prévert Parade », quelques RV se profilent, le 11 février 2020 au Théâtre de Gascogne à Mont-de-Marsan, le 12 février 2020 à Cenon au Rocher de Palmer, le 14 février 2020 au Théâtre d’Orléans à Orléans et le 24 mars 2020 à La Dynamo de Banlieues Bleues à Pantin dans le cadre du 37ème festival Banlieues Bleues.