Un moment intense et libre

Pour la troisième soirée du Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 le public retrouve le chemin du Théâtre les Arts. Au programme, le projet Hirsute proposé par la pianiste, compositrice et cheffe d’orchestre Anne Quillier. Un moment intense et libre. Véritable concentré d’énergie, la musique acoustique à l’écriture ébouriffée génère un univers farouche.

La talentueuse compositrice, arrangeuse et pianiste Anne Quillier n’en est pas à sa première venue à Cluny. Après 2015 et 2019, elle revient le lundi 19 août 2024 sur la scène du Théâtre les Arts à la tête d’un quintet qui réunit à ses côtés Pierre Horckmans (clarinette basse), Damien Sabatier (saxophone baryton), Michel Molines (contrebasse) et Guillaume Bertrand. Motifs répétitifs, montées en puissance, Le groupe délivre une musique complexe et énergique.

Hirsute, timbres et climats variés, mise au point très précise, tout est maîtrisé de bout en bout.

Le concert débute sur un tempo soutenu par Irruption volcanique. Riffs et slaps des souffleurs stimulent la pianiste dont les notes détachées dessinent une mélodie alors que la section rythmique gronde et ronfle. Après un retour au thème le morceau se termine et soulève des salves d’applaudissements enthousiastes.

Le répertoire se poursuit avec Serviteur Ivre. Après les arabesques du baryton, la contrebasse improvise à l’archet. La batterie ponctue le climat volcanique créé par le baryton percussif et très libre et la clarinette basse plus mélodique. Sur le clavier du piano, Anne Quillier apaise quelque peu cette ambiance explosive.

Mouche Borgne démarre plus calmement par un solo du clarinettiste mais très vite, poussé par section rythmique, il libère des envolées toniques rejoint par le baryton puis par l’ensemble du groupe. Énergie musicale et tempo augmentent. Après quelques phrases aux dissonances palpables du piano, la batterie prend le relai avant un retour au thème qui annonce la fin du morceau.

Après les remerciements chaleureux qu’adresse Anne Quillier à Didier Levallet et au Festival Jazz Campus en Clunisois, le groupe interprète Longue Route. La pièce commence par une mélodie lumineuse exposé par l’ensemble des musiciens avant que le baryton effervescent et turbulent n’impulse d’insolentes syncopes. Le rythme s’accélère avant le retour au calme de la fin du morceau.

Le concert continue et les morceaux s’enchaînent. Sur scène règne une euphorie collective Mélodies ludiques segmentées de ruptures, décalages rythmiques, ambiance cinématographique. Chaque morceau est pourvoyeur de surprises, le batteur s’explose littéralement sur ses percussions, le clarinettiste exulte entre improvisations tour à tour énergiques ou ténébreuses, le saxophoniste porte son expression au paroxysme et entraîne le groupe dans ses délires, stimulé par les soufflants, le contrebassiste se fait véloce, la pianiste improvise en symbiose avec les vents.

Le répertoire se termine dans une ambiance bucolique par une ballade poétique au rythme étiré. Outre les chorus des instrumentistes, une improvisation collective très syncopée conduit la musique vers des contrées plus enflammées avant le retour au calme de la fin.

Le quintet répond aux applaudissements fournis du public et revient pour un rappel. La musique éthérée et lente du début évoque un songe mais très vite, le tempo s’accélère et avec furie, la musique tourbillonne comme embarquée sur un manège.

La musique sauvage et lumineuse d’Hirsute a invité l’auditoire dans son univers sans concessions où se côtoient énergie et complexité.

Au-delà des conventions

La deuxième soirée du Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 investit de nouveau la scène du Farinier de l’Abbaye. Au programme, un concert solo de François Couturier. Le public se mobilise pour écouter cet artiste dont l’art croise improvisations et mélodies et cultive la pureté.

Le 18 août 2024, l’auditoire attend avec impatience de retrouver François Couturier que Didier Levallet présente comme un artiste qui « symbolise cette osmose entre la pensée de la musique éternelle et la liberté que le jazz a apporté dans la musique du XXème et XXIème siècles ».

Tout de noir vêtu et souriant, François Couturier propose au public de présenter un « patchwork ésotérique de musique contemporaine et mélodique ».

Après de délicates notes aigües égrenées et entrecoupées de silences, le pianiste délivre des gouttes de musique interrogatives et dissonantes puis le morceau se densifie et des cascades d’arpèges plongent l’auditoire dans un monde féérique. Une mélodie fluide se dessine, imprégnée de nostalgie et incitant à la rêverie. Après une modulation subtile, la musique s’élève, comme porteuse d’espoir. Tels des chants d’oiseau ou des feuilles légères portées au fil du vent les notes s’envolent. Une plage de silence fugace précède un mouvement allegro. Après des nappes sonores impétueuses, advient un moment contemplatif. Après avoir joué le thème Alphonsina Y El Mar, François Couturier termine le morceau en caressant doucement les cordes du piano alors qu’au loin sonnent les cloches de l’église.

Suite à des applaudissements fournis, le pianiste reprend. Début orageux et dense, piano martelé, suite d’arpèges percussifs. Les mains parcourent le clavier qui vibre dans les graves et chante dans les aigus. Sitôt l’introduction terminée, le musicien accélère le rythme, densifie son discours, augmente le volume, fait des clins d’œil à Gershwin et s’achemine vers une fin subite.

Le concert continue sur un tempo plus lent. Une mélodie se dégage où les notes cristallines tranchent avec la gravité profonde des accords plaqués par la main gauche. Le mouvement se ralentit, accueille et intègre le silence qui intensifie la dimension interrogative du morceau.

Très concentré, François Couturier entame la pièce suivante. Les deux mains dialoguent avec vigueur. Phrases rapides dans les graves puis les médiums. Alternance de graves véhémentes et de médiums impertinents et martiaux. La densité musicale augmente avant que la légèreté ne soit explorée du côté des aigus. Retour au propos interrogatif et salves de notes. S’installe alors un climat lancinant, singulier et étrange et un réel séisme sur les touches donne une dimension tragique au propos musical. Échappée vers la clarté sur un rythme plus lent. Note après note, le morceau s’achemine doucement vers le silence. Une mélodie itérative se répète ensuite et convoque la lumière. Une autre mélodie évoque ensuite une promenade onirique mais l’incertitude revient, le morceau s’étire, se distend en notes éparses et éphémères pour finalement s’achever dans un climat ténébreux.

Après avoir remis ses lunettes, François Couturier se remet au clavier. Sur un même arpège répété dans les médiums, s’épanouit dans les aigus une mélodie souple et légère, sorte de ritournelle mélancolique avant que ne s’installe un climat inquiétant accentué par l’exploration des graves. Le rythme s’accentue, la densité musicale enfle puis s’apaise pour une courte durée. Tout s’accélère de nouveau, les mains parcourent le clavier. On est comme aspirés dans un songe méditatif évocateur du monde de Satie. Grands écarts, notes comme des gouttes de pluie…. le musicien se tourne vers le public… « on va finir comme ça ! ». Le pianiste quitte la scène mais, rappelé avec enthousiasme par le public, il revient très vite.

François Couturier esquisse une douce mélodie aux accents baroques empreinte de sérénité, solaire et lunaire à la fois. Applaudi par l’auditoire, il consent à une deuxième morceau de rappel. Quelques notes installent un climat plus sombre qui laisse une grande place au silence. Comme issu d’une constellation, un rayon de lumière vient éclairer la musique qui se laisse pourtant tenter par des échappées du côté sombre du clavier. Une ovation s’élève alors que le pianiste salue et remercie le public.

On demeure saisi par l’apparente simplicité de la musique de François Couturier qui transcende toutes les conventions et touche à l’indicible.

Avec nos remerciements à Yves Dorison pour les photos de François Couturier.

Poésie musicale entre douceur et puissance

Pour le premier concert de son édition 2024, le Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 donne rendez-vous au public le samedi 17 août 2024 au Farinier de l’Abbaye à 20h30. La chanteuse Laura Tedja, le pianiste François Raulin et le contrebassiste Pascal Berne proposent le projet « Black is the colour ». L’auditoire attentif vibrera de bout en bout à l’écoute du trio. La musique poétique balance entre douceur et puissance, entre introspection et véhémence.

Le 17 août 2024, c’est une soirée de poésie musicale qui ouvre le Festival Jazz Campus en Clunisois 2024. Sur la scène du Farinier de l’Abbaye sont réunis, deux maîtres de stage du festival 2024, Pascal Berne (contrebasse) qui anime « Intergalactic Session », en hommage à Sun Ra, et Laura Tejeda qui conduit « Lâcher de voix » et François Raulin (piano) qui a lui aussi assumé la fonction de maître de stage à Cluny lors de précédentes éditions.

La chanteuse de formation lyrique issue de l’ARFI, LauraTejeda, le contrebassiste Pascal Berne et le pianiste François Raulin, tous deux Membres du Collectif « La Forge - Compositeurs Improvisateurs Réunis », présentent « Black is the colour » créé le 04/04/24 au Quartier Latin Jazz Club de Vienne. Il s’agit du troisième concert de ce projet très singulier.

Le concert débute par une berceuse flamenca sur un texte de Federico García Lorca suivie par Introduction to people de Carla Bley terminé par un chant révolutionnaire chilien. Les ambiances évoluent entre véhémence et désespérance, vigueur percussive et douceur caressante. La voix aigüe égrène des mélopées où alternent onomatopées énergiques et souffles empreints de tendresse. Elle est soutenue par le piano percussif et les cordes de la contrebasse que l’archet caresse ou stimule.

Vient ensuite un morceau corse « avec des influences asiatiques ». Après un début très percussif amorcé par le piano, la voix explose dans les aigus et l’archet accentue la dimension asiatique de l’écriture. Alors qu’un oiseau vole au-dessus du public et des artistes, s’installe dans la musique une dimension introspective dans laquelle se termine la pièce.

Un riff de contrebasse répété à l’envi débute Lamamada, pièce du Moyen-Orient du XIIème siècle. La voix aigüe et suppliante se lamente puis piano et contrebasse dialoguent dans les médiums et graves. Très libre le piano improvise. Sur ses phrasés interrogatifs la voix se joint à lui. Après ce morceau, le trio continue avec un « saut dans le monde du lyrique ». Un morceau de Rossini arrangé par Laura Tejeda. Très véhémente elle chante debout et sa voix s’élève avec force… la voute du farinier en frémit de plaisir, tout autant que le public d’ailleurs.

Après ce très court morceau, le trio interprète un chant de Noël composé par Pascal Berne. « Mais qu’est-ce que tu dis…… » Laura Tejeda chante debout, le piano la rejoint, le débit s’accélère … « faut pas pousser la mémé dans les ronces ». L’ambiance se calme, la chanteuse s’assied et sa voix se pose doucement, piano et contrebasse dialoguent. Très discursif le pianiste stimule le contrebassiste qui frappe le bois de son instrument. La chanteuse se relève et sa voix comme exaspérée s’élève dans les aigus jusqu’au paroxysme… promesse d’un sacré Noël !

Vient ensuite Diaraby, un chant d’amour mandingue, morceau traditionnel de la musique d’Afrique de l’Ouest. Le pianiste a positionné des morceaux de bois sur les cordes de son instrument. Le morceau débute par un court solo de contrebasse, entre sons de cordes pincées et frappes manuelles sur le bois. Le piano percussif prend la parole, suivi par la voix qui entonne une plainte aigüe. Une grande liberté expressive caractérise l’interprétation de ce morceau.

Les trois musiciens assis chantent ensemble face au public et entament un thème traditionnel bulgare, très expressif dans lequel la voix explose. Le public très réceptif applaudit avec enthousiasme. Après ce morceau le trio dédie une composition à Alain Gibert (membre de l’ARFI et tromboniste décédé en 2013). Il s’agit de Réveillez-vous tous les endormis, une pièce traditionnelle du centre de la France « qui n’est pas une bourrée, … c’est un « réveillé », les gamins toquent à la porte des fermes et demandent une pièce pour la chance. La voix commence seule dans les aigus… « souvenez-vous qu’un jour il faudra mourir »… puis piano et contrebasse entrent dans la danse qui devient effrénée avant un apaisement final bienvenu.

Le répertoire continue avec Black is the Colour, une chanson irlandaise pleine de douceur et méditative voire introspective. Sur un tempo très lent, piano et contrebasse échangent dans un climat lyrique, les graves de la contrebasse évoquent la chute de larmes de tristesse.

Pour finir, le concert, le trio se tourne vers l’Italie. Tous trois artistes sifflent et la chanteuse s’accompagne d’une percussion posée sur ses genoux. Piano et contrebasse entament un rythme sautillant, celui d’une ronde effrénée à laquelle il fait envie de participer.

Pour répondre aux applaudissement fournis et enthousiastes du public, le trio revient et remercient Didier Levallet (directeur artistique) et toute l’équipe du Festival de Cluny. Ils invitent Étienne Roche (contrebasse, chant) à les rejoindre sur scène pour un dernier morceau. Autour du piano, les deux contrebassistes conversent, la voix de l’invité et celle de la chanteuse dialoguent. Après un moment évanescent, la musique se fait tempétueuse et s’élève avec véhémence vers les cieux.

Après ce voyage musical poétique à travers les chants du monde, vient le temps du retour à la réalité avec la musique de « Black is the colour » pour tapisser l’écran de la nuit.