L’élégance furieuse de « Sfumato »

« Sfumato », le dernier album en quintet du saxophoniste Émile Parisien poursuit une aventure commencée en 2015 à « Jazz in Marciac ». Le pianiste allemand Joachim Kühn apporte son expérience et son talent. Énergie et liberté font bon ménage.

L’album « Sfumato » (ACT/[PIAS]) annoncé pour le 07 octobre résulte d’une aventure musicale initiée en 2015 lors d’une carte blanche proposée au saxophoniste Émile Parisien par le festival « Jazz in Marciac ».

Après avoir joué avec Daniel Humair et Michel Portal, rien d’étonnant à ce qu’Émile Parisien se soit rapproché du légendaire pianiste Joachim Kühn qui, avec les deux premiers cités, a contribué à l’émergence d’un jazz européen. Ainsi le nouveau projet d’Émile Parisien en quintet réunit Joachim Kühn au piano, Manu Codjia à la guitare, Simon Taillieu à la contrebasse et Mario Costa à la batterie. Deux invités prestigieux, le clarinettiste Michel Portal et l’accordéoniste Vincent Peirani, rejoignent le quintet sur trois plages de l’album.

« Sfumato », le jazz libre et créatif d’un quintet intergénérationnel. Les années de différence qui séparent le pianiste de ses jeunes partenaires ne font pas obstacle à leur entente car une même philosophie musicale les unit. Créer une musique instantanée construite en symbiose où improvisation et énergie s’allient pour créer des climats émotionnels variés.

Ouvert sur toute les cultures et les genres musicaux Émile Parisien est un artiste multi-récompensé, désigné « Artiste de l’année » par le Prix Django Rheinhardt en 2012, distingué aux » Victoires du Jazz » à deux occasions, (2009 et 2014), nommé « Artiste Spedidam ». Sa large vision musicale lui a permis de se produire en en quartet, en duo, avec Yaron Herman, Vincent Peirani, Michel Portal et Daniel Humair. Il a aussi prêté ses services à Stéphane Kerecki, Anne Paceo et bien d’autres. Émile Parisien est un des représentants de la jeune scène européenne actuelle du jazz contemporain comme jadis le fut Joachim Kühn.

C’est en effet au sein du trio Kühn/Jenny-Clark/Humair que le pianiste a contribué à dessiner un jazz européen créatif. Dans cette même dynamique de jazz libre, Joachim Kühn a aussi joué avec Ornette Coleman, Archie Shepp ou Pharoah Sanders. C’est donc son talent et sa riche expérience que le pianiste apporte au quartet d’Émile Parisien. Ainsi, Joachim Kühn, par son jeu qui allie classicisme et modernisme vient tempérer la virtuosité étincelante d’Émile Parisien. Dans Duet for Daniel Humair les deux solistes rivalisent de liberté et construisent un discours moderne et nuancé proche de la musique contemporaine. 

Émile Parisien vit le jazz tant avec son esprit qu’avec son corps. S’il s’agite sur scène et peut dérouter certains spectateurs par ses mouvements anarchiques, le saxophoniste produit une musique au swing indubitable. Le voir s’agiter et grimacer sur scène fait souvent oublier que sa musique coule avec une fluidité toute naturelle. Cela devient une évidence à l’écoute de « Sfumato ». En effet a contrario de ses postures corporelles ou de ses mimiques faciales, le flow du saxophoniste respire. Même sur les tempi rapides une musique précise coule du saxophone soprano en fusion.

Les musiciens s’amusent et content des histoires. Le Clown Tueur de la fête foraine narré en trois parties et les deux épisodes de Balladibiza. Les invités, Michel Portal et Vincent Peirani, ne sont pas en reste sur les trois titres où ils interviennent. Ils participent à la tonalité alternativement sombre et lumineuse de l’album.

Tous les instrumentistes du groupe jouent à part égale. La virtuosité éblouissante d’Émile Parisien. Le jeu lyrique de Joachim Kühn. La guitare réverbérée et écorchée de Manu Codjia. Le groove tellurique de Mario Costa et Simon Tailleu qui soutiennent  avec brio l’expression des solistes. On a particulièrement été sensible aux deux compositions de Joachim Kühn qui mettent en valeur l’alchimie du groupe. Arôme de l’Air tonique et enlevé et Brainmachine plus sombre et torturé.

Des plages de l’album se dégage un flou artistique. Difficile en fait de définir le climat global du disque qui navigue dans des atmosphères aux couleurs changeantes. N’est-ce pas ce qu’annonce le titre de l’album en faisant référence à une technique de peinture, le sfumato qu’employaient les artistes de la Renaissance pour flouter la réalité ?

Comme si la virtuosité des musiciens dissimulait la réalité de la musique pour mieux la révéler. « Sfumato », un album où les artistes suggèrent la musique et la mettent en perspective. Un jazz d’une liberté tout à fait contrôlée et d’une grande vitalité où alternent écriture et séquences d’improvisation.

« Soul Eyes », l’album Blue Note de Kandace Springs

Le Label Blue Note accueille Kandace Springs, une nouvelle chanteuse-pianiste. Annoncé pour le 30 septembre, son premier album porte le nom du standard de Mal Waldron, « Soul Eyes ». C’est plutôt un bon présage et on se réjouit de découvrir cette nouvelle voix.

La venue d’une nouvelle artiste attire d’autant plus l’attention qu’elle revendique l’influence de grandes chanteuse de jazz. En effet, Kandace Springs, pianiste, chanteuse et songwriter de 27 ans installée à Nashville revendique clairement l’influence d’artistes de jazz telles que Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Roberta Flack et Norah Jones.

En 2014, la chanteuse était plutôt orientée R&B/hiphop, idiome dans lequel elle obtenait alors un franc succès. Malgré cela Kandace Springs se remet en question et souhaite trouver une autre direction musicale. C’est dans cet intervalle qu’elle attire l’attention de Prince qui  l’invite à se produire avec lui lors d’un concert donné pour le 30ème anniversaire de « Purple Rain ». L’honneur est grand et Prince l’encourage à persévérer et à trouver son propre son.

« Soul Eyes » un album qui chante l’amour. Un délicat voile nimbe le chant de Kandace Springs d’une aura magique qui devrait toucher le cœur d’un large public. Son chant teinté de nostalgie se promène entre une soul très cool et un chant jazzy nocturne.

Pour enregistrer l’album « Soul Eyes » la chanteuse retrouve les producteurs, Carl Sturken et Evan Rogers avec lesquels elle a déjà travaillé mais elle se rapproche du célèbre producteur Larry Klein dont on sait qu’il a été en proximité de Melody Gardot, Lizz Wright et Joni Mitchell.

Kandace Springs©Mathieu Bitton

Sur l’album « Soul Eyes », Kandace Springs assure le chant et les parties de piano. Elle est accompagnée des guitaristes Dean Parks et Jesse Harris, de l’organiste Pete Kuzma, du bassiste Dan Lutz, du batteur Vinnie Colaiuta et du percussionniste Pete Lorpela. Terence Blanchard la rejoint sur deux morceaux dont le titre éponyme et Too Long to Last à l’ambiance torride où le trompettiste délivre un solo déchirant.

Le père de Kandace Springs était chanteur à Nashville et ainsi la musique a très tôt fait partie de l’environnement de la jeune-femme. Elle apprend le piano à10 ans mais la passion de la chanteuse pour la musique remonte vraiment à l’écoute du premier album de Norah Jones, « Come Away With Me » que lui offre un ami de son père en 2002. Elle tombe sous le charme du titre The Nearness of You qui devient en quelque sorte un repère marquant pour sa personnalité musicale. C’est d’ailleurs ce titre qu’elle chante lors de concerts à Nashville. Ceux qui ont découvert Rihanna, les producteurs Carl Sturken et Evan Rogers la repèrent alors et lui proposent de signer avec leur maison de production mais à 17 ans Kandace Springs temporise et continue à chanter à Nashville.

Kandace Springs©Mathieu Bitton

Quelques années plus tard, après avoir hésité à entrer dans une école de design automobile, la jeune-femme recontacte les producteurs. Elle rejoint New-York et travaille d’arrache-pied jusqu’à obtenir une audition avec le président de Blue Note, Don Was qui tombe sous le charme de son interprétation de I Can’t Make you love me de Bonnie Rait. Aujourd’hui Kandace Springs appartient à l’écurie « Blue Note » et met un pied dans le monde du jazz.

Sur le CD « Soul Eyes » la chanteuse Kandace Springs interprète le standard de Mal Waldron qui donne son nom à l’album. Elle a aussi choisi deux titres écrits par le guitariste Jesse Harris, Talk to Me et Neither Old Nor Young. Elle reprend par ailleurs deux chansons de Shelby Lynne, Thought it Would Be Easier et Leavin’. La chanteuse intègre quelques influences funk en incluant The World is a Ghetto dont elle donne une interprétation souple et chaleureuse. Elle a co-écrit avec Carl Sturken et Evan Rogers la ballade Fall Guy et Novocaine Heart. On préfère le tempo plus tonique du second titre à l’ambiance quasiment sirupeuse du premier.

C’est Rain Falling qui termine l’album. Kandace Springs interprète seule piano-voix, ce titre de sa composition. Cette ballade nostalgique et soignée se détache de la couleur globale de l’album et laisse augurer une possible incursion de la chanteuse dans un monde musical où le blues et le jazz seraient invités plus largement comme sur le clip où elle interprète « Soul Eyes » seule au chant et au piano

 « Les Nébuleuses », un album qui ne manque pas de souffle

Après sa relecture en grand orchestre de l’œuvre de John Coltrane, « A Love Supreme », Christophe Dal Sasso inaugure un nouveau cycle de compositions. L’album « Les Nébuleuses » est inspiré du phénomène astronomique du même nom. De la théorie du big band à la théorie du big bang !

L’album « Les Nébuleuses » (jazz&people/Harmonia Mundi) est sorti le 23 septembre sous le label de jazz participatif français jazz&people. Il s’agit du nouveau projet du flutiste, compositeur et arrangeur Christophe Dal Sasso inspiré cette fois par le phénomène astronomique des nébuleuses. C’est le même label participatif qui avait soutenu le précédent projet de Christophe Dal Sasso  et Lionel Belmondo « John Coltrane : A Love Supreme » paru en 2014. Dave Liebman avait alors apporté sa participation lors de concerts inoubliables.

Aussi diverses que les nébuleuses de l’espace, les compositions de Christophe Dal Sasso proposent des univers différents. L’écoute de l’album « Les Nébuleuses » précipite l’auditeur dans une musique singulière. Entre forme écrite et impro­visation, prin­cipes sériels et jazz post-coltranien, le projet musical est ambitieux et exigeant.

Sept pièces directement inspirées des nébuleuses dont elles portent le nom et des images restituées par le télescope spatial Hubble, livrant le spectacle fascinant de ces entités extrêmement lointaines et incertaines aux géométries étonnamment régulières ou bien totalement entropiques, parfois vivement colorées par les gaz ionisés dont elles sont faites.

Pour restituer ces univers, Christophe Dal Sasso associe un trio à cordes et un quintet de jazz. Cette formation est à l’image de ces nébuleuses célestes qui restent imprévisibles dans leurs évolutions. Elles sont constamment menacées de s’effondrer sur elles-mêmes et de disparaître. Le compositeur parvient à projeter à travers sa musique ces états variables et instables qui prennent corps à travers des textures sonores mouvantes.

Constitué de Youri Bessières (violon), Martin Rodriguez (violon alto) et Jean-Philippe Feiss (violoncelle), le trio à cordes élabore une trame structurée. Sur ce tissu souple et stable vont pouvoir se nouer les interactions dynamiques du quintet de jazzmen qui réunit Christophe Dal Sasso (flûte), Pierre de Bethmann (piano, Fender Rhodes), David El-Malek (saxophones ténor et soprano), Manuel Marchès (contrebasse) et Lukmil Perez Herrera (batterie). L’écriture du composietur varie d’un titre à l’autre et restitue le caractère instable des nébuleuses aidé en cela par la force des improvisations des instrumentistes. Chaque composition constitue une œuvre en soi.

Dans l’espace musical créé par le quintet jazz et le trio à cordes oscillent les vibrations des pulsars et flotte la matière gazeuse interstellaire. Au gré des pièces, les trajectoires instrumentales s’entrecroisent ou se télescopent. Sur l’orbite régulière des cordes, les mélodies ascendantes du saxophoniste se chargent de l’énergie que dégage le pianiste. La batterie véhémente sculpte des paysages éclatés où la contrebasse libère son chant chromatique.

Avec « Nébuleuses », on se promène musicalement de La Nébuleuse d’Orion qui ouvre le disque à La nébuleuse de l’Hélice qui le termine. Chaque titre génère sa propre ambiance, son univers unique. Ainsi La Nébuleuse du Crabe résonne d’étrangeté alors que La Nébuleuse de l’Œil du Chat tournoie sur elle-même. NGC 2440 sécrète comme une aura vaporeuse censée évoquer la naine blanche située au cœur de la nébuleuse du même nom.

Les trois parties de la pièce intitulée Les piliers de la création évoquent les trois colossales colonnes de poussières interstellaires qui ont contribué à inspirer le nom de la nébuleuse. Christophe Dal Sasso utilise le système de composition par miroirs et transposition de Pierre Boulez. Chaque pièce possède un aspect rythmique spécifique. Écoute bouleversante. On s’élève dans un monde musical dépaysant.

On a aussi décollé aux vibrations du titre V838 situé au centre du répertoire de l’album et dédié au quintet de jazz. Au Fender Rhodes, Pierre de Bethmann insuffle une énergie spatiale. Propulsé par le batteur, David El-Malek décolle littéralement. On est aspiré dans un monde qui n’est pas sans rappeler le jazz électrique des années 70.

Christophe Dal Sasso n’est pas le premier à avoir été inspiré par l’univers interstellaire. En effet « Les Nébuleuses » ont une généalogie. Avant lui, la pianiste Mary Lou Williams a développé une série de compositions inspirées par les constellations du Zodiaque. On se rappelle aussi les explorations interstellaires de John Coltrane en quête d’un son cosmique. On se souvient enfin du « Jazz in the Space Age » de George Russell qui prophétisait en 1960 la généralisation de concepts chromatiques que l’on trouve à l’œuvre dans ce disque « Les Nébuleuses ».

Après avoir rêvé sur les insondables mystères de l’univers, Christophe Dal Sasso traduit sa rêverie par le biais d’une œuvre qui explore différentes formes musicales et bouleverse les repères habituels. « Les Nébuleuses » un album incontournable qui interpelle et impose sa singularité.

Étranges poèmes enluminés de Beauté

Après « Birds Requiem », Dhafer Youssef revient avec « Diwan of Beauty & Odd ». Union parfaite entre la musique soufi et le jazz d’aujourd’hui, cet album célèbre la beauté et l’étrange.

Dédié à Damas et entièrement enregistré dans le mythique studio de Sear Sound à New-York, l’album « Diwan of Beauty & Odd » (OKeh/Sony) sorti le 16 septembre, propose treize poèmes musicaux. Une plongée sonore dans un monde céleste où Dhafer Youssef invite un orchestre de jazz à sa mesure. A ses côtés, la fine fleur du jazz new-yorkais. Le pianiste Aaron Parks, le trompettiste Ambrose Akinmusire, le contrebassiste Ben Williams et le batteur Mark Guiliana. Il s’agit du premier album que l’artiste enregistre entièrement avec un groupe de musiciens américains.

L’alliage des influences orientales et du groove urbain, la coexistence de la tradition et de la modernité projettent à travers ce nouvel opus musical un message de paix.

Le chant lumineux de Dhafer Youssef génère une énergie positive qui suspend le temps. A l’écoute de « Diwan of Beauty & Odd » on flotte comme en apesanteur. On savoure les délices de l’étrange où même l’ombre s’éclaire de beauté.

Certes cet album est plus enraciné dans le jazz que « Birds Requiem » mais on retrouve les chants traditionnels soufis, ses mélodies aériennes et les envols saisissants de la voix de Dhafer Youssef. La brillance des performances vocales de l’artiste coexiste avec une forte portée émotionnelle.

Le trompettiste Ambrose Akinmusire pénètre et épouse l’univers du chanteur. C’est merveille de les écouter se répondre ou jouer à l’unisson. Le toucher délicat du pianiste Aaron Parks soutient et sublime l’élévation du chant. Leur communion sur le titre d’ouverture Fly Shadow Fly est saisissante. Même après l’entrée de la batterie et du oud, le piano brode encore de précieuses enluminures.

Dhafer Youssef transcende les genres et les frontières des mesures simples. Pour mieux camper l’étrange et magnifier la beauté il utilise les mesures impaires qui complexifient les structures et créent une tension palpable. La section rythmique épouse alors les mélodies et induit un groove organique dont Dhafer Youssef prétend qu’il incarne la vie. Cette pulsion insuffle son énergie à la voix qui élève sa prière vers des contrées célestes où désir et mélancolie irriguent la vie pour le meilleur et pour le pire.

Une profonde cohérence du répertoire fait apparaître l’album est comme un tout où chaque titre contribue à valoriser et à compléter l’autre. Certes chaque thème a son identité propre et on peut distinguer des moments où le battement ternaire du jazz prévaut sur l’atmosphère hypnotique du chant soufi comme par exemple Cheerful Meshuggah mais in fine, l’album est plus que la somme de tous ces titres pris séparément. Il vaut par son ensemble et s’impose comme un tout insécable.

Les illustrations du livret et celles de la couverture évoquent le monde de Francis Bacon et sa peinture où coexistent beauté et étrangeté. On a souri en lisant la dédicace que Dhafer Youssef fait figurer à la fin de son album. Il dédie « Diwan of Beauty & Odd » « à ceux qui ne l’écouteront pas et à ceux qui ne l’aimeront pas ». Dommage … on l’a écouté et on l’a aimé mais même s’il ne s’adresse pas directement à nous, on ne s’en séparera pas !

« Diwan of Beauty & Odd »,  une ode poétique et lumineuse à un monde pacifié dont le cœur battrait au rythme de la musique de Dhafer Youssef.

« Chimichurri », entre nostalgie mélodique et frénésie percussive

Après cinq ans de collaboration sur les scènes, Baptiste Trotignon et Minino Garay annoncent la sortie de « Chimichurri », leur premier album en duo. Un voyage musical entre les univers des deux musiciens.

« Chimichurri », une instrumentation acoustique minimale, un piano et des percussions. « Chimichurri », deux musiciens prodigieux, le pianiste Baptiste Trotignon immergé dans la culture européenne et le percussionniste-batteur Minino Garay inscrit dans la tradition sud-américaine et le monde afro-américain.

Annoncé pour le 23 septembre 2016, l’album « Chimichurri » (OKeh/Sony) se promène à travers les univers musicaux des deux artistes et narre une histoire tressée entre Nord et Sud, entre « le son du bois et celui des peaux ».

« Chimichurri », un séduisant équilibre entre énergie et mélodie. Deux instrumentistes complices inventent une musique qui navigue entre nostalgie et frénésie. Un jazz brut aux saveurs épicées qui célèbre l’esprit de la fête mais n’oublie pas la poésie.

Les deux musiciens jouent ensemble sur scène depuis 2011 et cet album est donc la suite logique de leur travail. Enregistré en mai 2015 à Buenos Aires, l’album « Chimichurri » est le premier du pianiste sous le label OKeh.

Tout au long des quinze titres du disque, énergie et nostalgie circulent, mélodie et percussion rivalisent et s’équilibrent. Il arrive que les touches du piano se fassent percussives alors que la mélodie se blottit sur les peaux des percussions. Comme si le fameux condiment sud-américain évoqué dans le titre de l’album, le piment Chimichurri, induisait un équilibre harmonieux entre tous les éléments qui fondent le disque. Très savamment organisé, le répertoire fait alterner les ambiances. Il propose quelques mélodies très populaires, deux standards du jazz et du tango ainsi que deux compositions de Baptiste Trotignon.

La Cumbiada de Gerardo Di Giusto et les deux célèbres tangos de Carlos Gardel, La Perigrinacion et Sus Ojos Se Cerraron émargent du côté de l’Argentine. C’est un climat afro-cubain tendu qui s’installe sur Vamos, la composition de Baptiste Trotignon, déjà enregistré par les deux artistes sur l’album du même nom enregistré par Minino Garay en 2015.

On retrouve avec plaisir l’univers de « West Side Story » de Leonard Bernstein évoqué à travers cinq titres. Maria, Tonight, I Feel Pretty, Somewhere sont irrigués d’une pulsation portoricaine à laquelle un jazz brut et organique « tire la bourre ». Les rythmes s’accélèrent, vibrent et finalement explosent en crescendo, à la fin du célèbre America.

Sur un tempo rapide, Baptiste Trotignon fait preuve d’une virtuosité extrême pour interpréter le Chorinho Pra Ele d’Hermeto Pascoal où l’on cherche sans le trouver le balanço brésilien. Côté du jazz c’est Monk et Parker qui sont honorés. Sur Trinckle Tinkel Baptiste Trotignon fait des clins d’œil à Fats Waller et à Errol Garner. Par ailleurs, il prend Passport sur un tempo d’enfer que Bud Powell n’aurait pas renié. Une douce légèreté plane sur Jenny Wren de Paul Mc Cartney alors que le climat de Fly, composé par le pianiste, se fait plus plus romantique.

Du dialogue entre le piano de Baptiste Trotignon et les percussions de Minino Garay émerge un album plein de contrastes. « Chimichurri » évolue entre une énergie presque brute qui frôle le chaos et de tendres mélodies où la poésie prend le dessus.