Polyrythmies et percussions entraînantes

Sur « Jongando » Catia Werneck explore de nouveaux territoires et rend hommage au Jongo, cette musique traditionnelle brésilienne considérée comme l’ancêtre de la samba.

Avec ce nouvel album « Jongando » (10h10/Sony Music Entertainment) sorti le 14 avril 2017 Catia Werneck prend ses distances avec son environnement habituel teinté de jazz et de bossa pour célébrer le Jongo avec dix titres rythmés et percutants alliant tradition et modernité.

Cette musique traditionnelle du Brésil précède la samba et a influencé par ses rythmes répétitifs le funk carioca, musique actuellement très prisée au Brésil. Le Jongo se caractérise par des polyrythmies complexes que mènent d’entraînantes percussions.

L’album « Jongando » est le fruit d’une rencontre décisive entre Catia Werneck et le bassiste, guitariste et arrangeur Munir Hossn. La chanteuse a écrit les textes et composé les musiques avec Munir Hossn qui a travaillé les arrangements et l’accompagne. Autour d’eux la solide section rythmique assurée par le contrebassiste Damian Nueva et les percussionnistes Adriano Tenerio et Ze Luis Nascimento

On est conquis par deux titres à la modernité convaincante, Opçao de vida et Carta do Ze. On a trouvé des repères plus traditionnels sur deux autres morceaux très plaisants, Rosario De Maria Jongo et Viva Eles.

L’album plutôt festif ménage une relative place à la mélancolie sur 30 Anos qui chante l’amour de la chanteuse pour le Brésil. Par contre si l’adaptation de la chanson de Jacques Brel, Les Cœurs Tendres, chantée en français a le mérite d’être très personnelle, son environnement musical très rythmique ne déclenche guère d’émotion a contrario de la chanson originale.

Porté par le rythme des percussions l’album « Jongando » concilie avec bonheur la tradition du Jongo et une réelle modernité. Si la voix de la chanteuse conserve son attrait habituel, la trame percussive séduit par sa richesse et sa diversité. Un album qui sort des sentiers battus.

Un univers pluriel sans frontière

Auteur, compositeur et interprète, le brésilien Vitto Meirelles revient en 2017 avec « Vem Rei ». Les rythmes croisent les mots et les mélodies sur un album aux sonorités colorées et chaleureuses.

Le carioca Vitto Meirelles invite quelques-uns des artistes qu’il a côtoyés à se joindre à  lui sur son nouvel album « Vem Rei » (10h10/Sony Music Entetainment) sorti le 24 avril 2017. Ainsi, on écoute entre autres, Gilberto Gil et Agnès Jaoui au chant, Vincent Segal au violoncelle, Arto Lindsay et Sébastien Martel à la guitare.

Vitto Meirelles a écrit et composé treize titres inspirés de la vie quotidienne mais aussi de la situation sociale et politique au Brésil. Il a conçu tous les arrangements de l’album où se télescopent rythmes et sonorités variées. Ainsi le chanteur promène sans transition sa douce voix entre rock, pop, jazz, bossa, reggae et samba.

Veim Rei, le morceau éponyme de l’album évoque la vision que Vitto Mereilles a de Mickaël Jackson. Composé le jour de la mort du chanteur, le titre un peu bruitiste fait résonner un climat mélancolique et énigmatique. On aime Preto e Branca qui évoque le racisme encore très présent au Brésil. Une histoire d’amour impossible entre un homme noir et une femme blanche chantée sur un rythme doux mais plein d’amertume.

On se laisse porter par le balancement du Reggae do João qui rend hommage au grand maître de la bossa nova, João Gilberto. Chanté en duo avec Gilberto Gil, le titre développe une douceur extrême sur une rythmique alanguie. Les sons contrastés du violoncelle de Vincent Segal et de la guitare électrique de Seb Martel ne sont pas sans rappeler les couleurs acidulées de la pochette.

Si l’on émet quelque réserves quant au duo Notre Vie interprété en Français par Vitto Mereiles et Agnès Jaoui pour une tonalité un peu trop pop voire même presque mièvre, on retient par contre le dernier titre de l’album, Dias e Dias. Sur ce morceau, le violoncelle de Segal sublime la voix du chanteur qui explore avec aisance une tessiture très large allant des aigus voilés aux graves baignés de tendresse.

« Veim Rei ». Un album où tous les rythmes se croisent. Des couleurs nuancées. Des sonorités très actuelles. Le piquant d’un bonbon acidulé et la douceur d’un fruit bien mûr.  Vitto Meirelles manie avec aisance l’art des contrastes.

Un album sensible et habité

« Sólo », le premier opus du jeune prodige de la guitare flamenca, Samuelito, est annoncé pour le 23 juin 2017. Un hommage à la guitare et aux musiques qui l’ont nourri. Entre sensibilité et énergie, huit compositions captivantes.

Sur ce premier album « Sólo » (Label Ouest/L’Autre Distribution), le guitariste propose un voyage au cœur des musiques qu’il aime et qui ont jalonné sa vie. De rencontre musicale en rencontre humaine, de la Bretagne à l’Afrique en passant par l’Espagne et les pays de l’Est, Samuelito trace sa voie et fait entendre sa voix généreuse venue du plus profond de son être.

En effet, Samuel Rouesnel surnommé Samuelito grandit littéralement dans un monde où résonne et vit la guitare. Son immersion débute dès sa petite enfance avec les disques de ses parents écoutés à la maison et aussi avec ces guitares dont les cordes font palpiter son univers, celles de son grand-père, de sa mère, de son père…

Quand il déchiffre sa première partition de flamenco à l’âge de 8/9 ans il a déjà commencé un cursus musique-études au Conservatoire de Caen. Cette musique fait écho en lui puis la guitare devient son instrument. Il poursuit ensuite des études de guitare classique au pôle supérieur du Conservatoire de Paris tout en apprenant parallèlement la guitare flamenca. Il entame ensuite une licence en Musicologie à la Sorbonne.

Ses rencontres et son travail lui permettent de forger un style très personnel ancré dans la tradition flamenca. Avant cet album il est régulièrement invité pour accompagner le cante, chant flamenco et le baile, danse flamenca. Il s’engage aussi dans des projets impliquant différents styles musicaux, comme le jazz manouche en duo avec Antoine Boyer, la guitare classique en duo avec Arnaud Dumond.

Interprète émérite Samuelito est aussi compositeur et participe à de nombreuses autres activités (musiques de film, master-class, rubriques musicales dans des magazines, …). Sorti en 2015, son premier projet personnel, un EP de 5 titres intitulé « Viajero » mélange le flamenco au jazz et aux musiques du monde.

Habité par le flamenco, Samuelito demeure ouvert à de nombreuses influences et s’intéresse aux musiques du monde, ce dont témoigne ce premier album « Sólo », enregistré comme l’indique son titre sous son nom et en solo.

Avec la carte blanche que lui offre son label, Samuelito réalise un rêve d’enfant en enregistrant l’album« Sólo ». Il entre seul en studio avec ses guitares (flamenca, classique, folk), ses percussions (cajon, cymbales, tambourins, calebasse, shakers, tempura indienne, crotales tibétaines, cymbale chinoise, balais, tom grave, bongos). Abreuvé à la culture flamenca, le guitariste breton natif de Normandie puise dans ses souvenirs pour nourrir ses compositions. Même si les embruns bretons flirtent avec les rythmes d’Afrique de l’Ouest, le flamenco imprègne l’album.

Les superbes photos de l’artiste figurant sur le livret et illustrant cet article sont signées par Prisca B.

« Sólo » Huit titres gravés en cinq jours. Huit compositions radieuses écrites à partir de mélodies évocatrices de souvenirs musicaux ou humains. Un album captivant qui témoigne d’une exigence musicale extrême et d’un travail subtil et soigné.

Samuelito a composé et arrangé la totalité des titres de l’album. Hormis Como el Aire déjà enregistré sur l’EP « Viajero » et devenu Comme l’air, tous les morceaux sont enregistrés pour la première fois. On apprécie l’originalité de Jërëjëf qui fait se rencontrer la buleria flamenca et les rythmes de l’Afrique de l’Ouest (mbalax, bembe…). On est touché par la mélancolie de Yarnvili à l’ambiance musicale typiquement bretonne.

Deux hommages. Construite sur une harmonie celtique, Tiegezh honore la mémoire de son grand-père avec qui il avait conçu la mélodie originale. Para Siempre célèbre la figure tutélaire que Paco de Lucia représente pour Samuelito. Une composition offerte à celui qu’il nomme son Maître.

Sur Sonámbulo, le guitariste intègre deux letras por siguiriya qui le conduisent à chanter. En cela le guitariste ne prétend en rien se positionner comme cantaor mais ce chant lui permet d’intégrer ainsi sur l’album l’univers mystique de la siguiriya flamenca (rythme à cinq temps) dont le guitariste dit qu’elle « résonne profondément au fond de lui ». Sa passion pour le flamenco transparaît vraiment à travers ce dernier titre de l’album.

« Sólo » révèle la personnalité de Samuelito. Un opus à la mesure de l’amour du guitariste pour son instrument, pour la musique en général et pour le flamenco, sa langue musicale préférée. Son interprétation généreuse fait cohabiter sensibilité et énergie sur un album captivant.

Une musique porteuse de lumière et d’espoir

Avec la parution de Golan Al Joulan-Vol 2, le contrebassiste Hubert Dupont se rappelle au bon souvenir de celles et ceux qui ont apprécié en octobre 2016 le premier volume de ce même projet. La musique délivre un message de paix et rayonne de sa force lumineuse.

Sur Golan Al Joulan-Vol 2 (Ultrabolic/Musea) sorti le 09 mai 2017, Hubert Dupont présente quarante et une minutes vingt de quatre titres enregistrés live en 2015 à Fontenay-sous-Bois dans l’établissement Musiques au Comptoir.

C’est avec bonheur que l’on retrouve autour du contrebassiste Hubert Dupont les deux membres du duo « Sabil », l’oudiste  Ahmad Al Khatib et le percussionniste Youssef Hbeisch ainsi que la flutiste Naïssam Jalal, le clarinettiste Matthieu Donarier et le violoniste Zied Zouari.

Celles et ceux qui ont apprécié les quarante-cinq minutes trente-huit de Golan Al Joulan-Vol 1 attendaient la sortie de ce second opus que l’on avait appelé de nos vœux dans la chronique publiée en novembre 2016. C’est d’ailleurs à cet article évoquant cet « ailleurs singulier » créé par Hubert Dupont et ses compagnons que l’on renvoie pour en savoir plus quant au contexte et au projet.

L’album Golan Al Joulan-Vol 2 ouvre avec une autre version de Tusi déjà présent sur le premier volet du projet. Sur Midday Promise, on est comblé par les échanges inventifs de la flutiste et du clarinettiste. Si Golan Al Joulan-Vol 1 présente uniquement des thèmes écrits par le leader, Golan Al Joulan-Vol 2 propose Furatain, une superbe composition d’Ahmad Al Khatib sur laquelle les interventions des musiciens se succèdent avec bonheur. Captivé par les interventions inventives et virtuoses des solistes, on se laisse emporter dans le tourbillon rythmique de la musique porteuse de lumière et d’espoir.

Sur « Golan Al Joulan-Vol 2 », portés par le public enthousiaste, les musiciens de l’orchestre unissent leurs talents pour faire résonner un propos à la fois nostalgique et prometteur de lendemains enchanteurs. Quelquefois proche de la transe, la musique soigne aussi la dimension mélodique et parvient à surprendre encore. Un jazz oriental d’une modernité rare.

Bien sûr on regrette un peu la coute durée de cet album mais pour y remédier on ressort le premier opus afin de prolonger le bonheur de l’écoute. On conseille d’ailleurs à celles et ceux qui découvrent le projet par le second volet de faire de même pour savourer plus longtemps la magie de cette musique.

Les deux volumes du projet Golan Al Joulan donnent corps au rêve d’Hubert Dupont pour qui « À la fois haut plateau et zone d’occupation, le Golan se rêve en terrain de jeu, en lieu d’échanges, en carrefour des modernités… Nous lui imaginons un avenir poétique. »

Réel vecteur de communication, la musique du contrebassiste et compositeur Hubert Dupont engage au dialogue et à l’écoute. Ainsi elle parvient à construire un nouveau langage commun. Comme le jazz et les musiques de l’Orient ont uni leurs idiomes, les hommes ne pourraient-ils pas suivre le modèle exemplaire des musiciens pour fonder un avenir pacifié pour le Golan et ses populations ? Tout est affaire de choix. On souhaite qu’un tel avenir puisse exister.

La consultation du site du contrebassiste Hubert Dupont permet de connaître les prochaines dates de concert de l’équipe de Golan Al Joulan et d’en savoir plus encore sur les projets du contrebassiste.

« Les chants perdus d’une terre abandonnée »

La vocaliste danoise Kira Skov et Maria Faust, la saxophoniste montante de la scène de Copenhague, sont réunies autour d’un projet musical inspiré par l’Estonie, pays d’origine de Maria. Il en résulte « In The Beginning », un album singulier et attachant.

Issu d’une création collective d’artistes, de techniciens et de beaucoup d’autres participants fédérés autour de Kira Skov et Maria Faust, l’album « In The Beginning » (StuntRecords/Una Volta Music) annoncé pour le 23 juin 2017, rend un hommage très personnel à l’Estonie et à son histoire. En 2016, les deux musiciennes ont sillonné les régions frontalières du sud de l’Estonie, pays natal de la saxophoniste.

Elles ont découvert un répertoire de chansons en voie d’oubli qui évoquent la foi, le doute et le pardon, la soumission et l’abandon du peuple estonien par la société moderne.

Touchées par ces textes, informées des récits historiques relatifs à cette région d’Estonie et conscientes de la disparition des traditions culturelles et musicales disparues absorbées par la transformation de la société moderne, Kira Skov et Maria Faust se sont mobilisées pour concevoir un projet musical inspiré de la sombre histoire de l’église catholique qui a absorbé les traditions rurales païennes. Leur musique inclut des contes inspirés d’hymnes orthodoxes, du folklore estonien et de la culture occidentale.

La musique est habitée d’une force particulière que l’on peut relier à un enregistrement réalisé dans une église russe orthodoxe construite en 1873 et abandonnée.

A n’en pas douter la réalisation de cet album a été un réel challenge dont on loue la réussite. Autour et dans ce lieu hors du temps démuni d’eau et d’électricité, il a fallu le soutien d’une équipe technique assemblée sur place avec des responsables de productions cinématographiques internationales et des habitants locaux volontaires. Par ailleurs le projet n’aurait pu voir le jour sans le talent et la persévérance des deux femmes, sans la conviction des musiciens réunis autour de Kira Skov et Maria Faust, sans l’adhésion au projet du producteur Mark Howard de Los Angeles présent pour l’enregistrement et sans le soutien d’un financement participatif.

La sortie locale de l’album prévue en mars 2017 a été repoussée suite au décès de Nicolai Munch-Hansen, bassiste sur l’album et compagnon de la chanteuse.

Les neuf plages de l’album « In The beginning » sont habitées d’une force indéniable. Les chants et la musique établissent un lien entre le passé de la terre estonienne oubliée et un présent ré-imaginé. Le récit plein de force et de lyrisme projette son empreinte au bord d’un nouveau monde créé par les musiciens et les chanteur(se)s.

Autour de Kira Skov (chant) et Maria Faust (saxophone alto) sont réunis Tobias Wiklund (trompette), Meelis Vind (clarinette basse), Ned Ferm (saxophone ténor), Nicolai Munch-Hansen (contrebasse) et Sebastian Rochford (batterie). Les trois derniers joignent leurs voix à celle du chœur composé de Silja Uhs, Marie Roos, Annely Leinberg, Raul Mikson, Meelis Hainsoo, and Joosep Sang.

Les paroles de tous les chants sont à porter au crédit de Kira Skov, hormis celle l’Ave Maria d’ouverture devenu Blessed Are The Women et celles du dernier chant de l’album My Heart Is An Old Man écrites par Maria Faust. Les deux musiciennes ont uni leurs talents pour composer les thèmes. Les arrangements pour les chœurs et l’orchestre reviennent à Maria Faust.

On loue aussi le livret proposé par Stunt Records avec les textes des chants intégrés parmi de superbes images noir et blanc témoignant du contexte. Un bel objet qui dissuade d’acquérir les titres en téléchargement.

Neuf plages superbes évoquent le passé de ce qui était et aurait pu être, le travail, la terre les souvenirs, les prières à Dieu qui a abandonné sa maison, les chants du passé, les pleurs, l’amour et surtout la liberté, la poésie et la possibilité de recommencer une fois encore.

On aime le brin de réverbération des sonorités qui dotent de fragilité des chants d’une force émotionnelle extrême. Si certains morceaux adoptent une forme proche des chants sacrés par la présence des chœurs mais aussi par la forme des compositions et la force des arrangements, la musique intègre beaucoup de modernité au sein des partitions. Cela est particulièrement prégnant sur Everything That Was And Could Have Been avec des échappées très libres des soufflants.

La pulsation jazz se mêle aux accents folk de Let The Lifting Up Of My Hands Be An Evening Sacrifice. Poetry Is Free sonne comme une ode dédiée aux idées de tous les peuples disparus. Le chant de la trompette et celui de la clarinette dessinent une ligne d’espoir en arrière fond de la voix de la chanteuse.

In The Beginning marque l’album de la force hypnotique de la voix de la chanteuse alliée à la dimension incantatoire des chœurs. La pulsation impulsée par le batteur et la ligne lyrique de la trompette y contribuent tout autant.

La vidéo d’annonce de l’album brille par la qualité de sa construction qui intègre de nombreux éléments de contexte, suggère l’ambiance globale par de superbes images de la nature et propose des écoutes représentatives de la beauté de l’album, en l’occurrence Blessed Are The Women en introduction du montage, Poetry is free au milieu de la vidéo et pour finir le splendide Everything That Was And Could Have Been évoqué précédemment.

Pour accompagner l’écoute de ce superbe album on conseille la lecture de « L’homme qui savait parler la langue des serpents » écrit par Andrus Kivirähk paru en 2007 en Estonie. Un roman qui invente la vie d’un habitant de la forêt durant le moyen-âge au moment où apparaît la religion, au moment où le monde ancestral et le folklore estonien disparaissent emportés par la modernité incarnée par les villageois, les chevaliers et tout ce qui vient de l’étranger, de l’Occident. Une réflexion ironique et pertinente sur le passage du temps, la mémoire et l’identité, sur le monde qui change. Comme l’album « In The Beginning », le roman « L’homme qui savait parler la langue des serpents » entre nostalgie du passé et espoir d’un avenir possible.

« In The Beginning«  Un hymne incantatoire émouvant et puissant qu réveille la mémoire du passé. Sur cet album hypnotique et poétique, les chants sculptent des psalmodies telluriques et des hymnes lumineux qui célèbrent la terre d’Estonie abandonnée. Habitée par des forces héritées du folklore païen et des contes populaires estoniens la musique présente pourtant un caractère actuel, moderne et coloré qui tranche avec la force perceptible du passé ombré de teintes grises.

Pour finir et pour mieux s’imprégner de l’ambiance de l’enregistrement de l’album « In The Beginning » pourquoi ne pas visionner le court documentaire de réalité virtuelle proposé par Mikkel Keldorf (Khora). Avec la présentation des deux musiciennes il permet de découvrir « The story Behind » et d’entendre Song for Maria et In the Beginning chanté de nuit dans une clairière. Et après cela… il est tentant d’écouter l’album dans son intégralité, sans oublier de visiter le site consacré au projet de Kira Skov et Maria Faust.

Un jazz esthétique empreint d’une nostalgie passéiste.

Le quartet acoustique de Jorgen Emborg avec le jeune harmoniciste Mathias Heise a gravé neuf compositions du leader sur l’album « What’s left? » sorti le 16 juin 2017. Un jazz agréable qui devrait plaire à un large public.

Pour son nouveau quartet acoustique le pianiste danois Jorgen Emborg s’est adjoint sur l’album « What’s left? » les services d’une section rythmique rôdée avec le contrebassiste Peter Hansen et le batteur Karsten Bagge. Les trois musiciens déroulent un tapis rouge au talentueux Mathias Heise, nouvelle révélation de l’harmonica chromatique qui joue sur du velours.

Il en résulte l’album « What’s Left? » (Stunt Records/Una Volta Music) sorti le 16 juin 2017. Le groupe livre une musique joyeuse dont l’écoute est tout à fait confortable et les mélodies aisément mémorisables. Soutenus par une section rythmique fiable et efficace, les solistes peuvent à loisir exposer les thèmes et développer sans risque aucun leurs improvisations au lyrisme contenu et maîtrisé.

What’s left? Le titre annonce par lui-même la musique proposée. On a l’impression de se trouver en terrain connu, celui d’un jazz lumineux certes mais sans aspérité et plutôt conventionnel. Une impression de « déjà écouté », comme les traces d’une esthétique passéiste agréable voire confortable mais sans surprise.

Pourtant on ne boude pas son plaisir et on se laisse porter par des rythmes empruntés à une musique brésilienne pourtant loin de toute folie ou par les trois temps du thème Never-Ending Waltz en cousinage direct avec « Bluesette » (la magnifique composition de Toots Thielemans). Les deux ballades What’s Left et Rule No 1 accueillent le silence et étirent le tempo propice ainsi à l’expression des solistes qui peuvent tout à loisir dérouler leur expression soignée.

Les interventions de Jorgen Emborg au piano électrique laissent entendre un son suranné qui détonne un peu dans le contexte. On le préfère sur le clavier du piano plus favorable à son expression sophistiquée. Un peu loin de l’esthétique de son « Quadrillon », Mathias Heise, le jeune prodige danois de l’harmonica chromatique, livre le meilleur de son art et développe des solos dont le lyrisme et la « fausse » simplicité évoquent une filiation en droite ligne avec le maître de l’instrument, un certain Toots Thielemans. D’ailleurs l’album se termine avec Theme for Toots, une très belle composition de Jorgen Emborg qui rend hommage au guitariste et harmoniciste belge, Toot Thielemans disparu le 22 août 2016.

En définitive un album esthétique, raffiné et soigné. Les mélodies bien léchées oublient pourtant de convoquer l’émotion. L’harmonica de Mathias Heise contribue par bonheur à lui donner du relief et des couleurs.

Les dix compositions de Jorgen Emborg de l’album « What’s Left? » ont été enregistrées les 10 et 11 octobre 2016 par Thomas Vang au Village Studio de Copenhague sauf le titre Theme for Toots enregistré au Moonsong Studio de Copenhague le 09 décembre 2016.

Un bijou de jazz à écouter en boucle

Le groupe Oregon présente « Lantern », son nouvel album. Un jazz raffiné, doux, aérien, évocateur de climats aux couleurs universelles fidèle à son esthétique d’origine. Une musique transculturelle qui génère des univers sereins et aboutis.

Il serait dommage de passer à côté de « Lantern » (CamJazz/Harmonia Mundi) ce nouvel album du groupe Oregon annoncé pour le 30 juin 2017. En effet la musique d’Oregon fait la synthèse entre les harmonies du jazz, les ambiances de la musique européenne et les rythmes issus de nombreuses musiques ethniques de par le monde.

Précurseur dans les années 70 de ce que d’aucuns ont appelé le jazz world, le groupe Oregon a créé un langage singulier et un son qui lui est propre à partir des influences multiples qu’il ne cesse d’explorer. Une fois écoutées, les mélodies imprègnent la mémoire et imposent leur souvenir.

Plus de quarante ans après sa création (1970) le groupe Oregon est toujours présent dans le monde du jazz, même si le personnel a quelque peu évolué depuis ses débuts. Du groupe d’origine demeurent le guitariste, pianiste et compositeur Ralph Towner et le multi-instrumentiste Paul McCandless (hautbois, cor anglais clarinette basse, saxophone soprano, flutes).

Dans l’orchestre actuel la batterie et les percussions sont tenues par Mark Walker qui a rejoint le groupe en 1996 (après le départ de Trilok Gurtu intégré dans Oregon en 1985 à la suite du décès de Colin Walcott). C’est le contrebassiste italien, Paolino Dalla Porta qui a rejoint le trio Towner/McCandless/Walker en 2015 après le départ de Glen Moore. Depuis son arrivée il a participé à trois tournées du groupe Oregon.

L’écriture de Ralph Towner participe pour beaucoup au raffinement des titres interprétés mais l’instrumentation du groupe intervient pour beaucoup dans la texture de la musique. En effet Paul McCandless apporte des sonorités précieuses lorsqu’il quitte le saxophone soprano pour emboucher le hautbois ou le cor anglais. De son côté Ralph Towner apporte des effets différents selon qu’il est à la guitare, au piano ou au synthé. S’il joue de délicatesse sur les cordes de la guitare, il se fait par contre plus énergique et stimule le tempo sur les morceaux plus teintés de jazz dont le fameux The Glide que le groupe joue depuis fort longtemps.

Les interventions de Mark Walker varient selon les climats de la musique. Fin percussionniste formé aux rythmes de Cuba et d’Amérique du Sud, il déstructure la musique et dessine des arabesques percussives flottantes. Par contre il se montre fort énergique à la batterie sur les rythmiques jazz. Paolino Dalla Costa s’allie au batteur et apporte souplesse, fraîcheur et profondeur à la dimension rythmique de l’orchestre sur les climats plutôt world. Les ambiances jazz lui sont tout aussi familières et on se souvient de ses interventions toniques au sein du Devil quartet de Paolo Fresu.

Sur « Lantern », Oregon continue à se renouveler tout en conservant l’idiome qui lui est propre. Un jazz universel qui se promène entre le swing du jazz et les couleurs des musiques ethniques. Avec dix titres originaux, le groupe fait preuve une fois de plus de son aptitude à créer une musique fraîche et enchanteresse.

Sous la supervision du producteur Ermanno Basso l’album « Lantern » a été enregistré et mixé par Johannes Wohlleben du 28 au 30 novembre 2016 aux Studios Bauer de Ludwigsbur en Allemagne et mastérisé par Danilo Rossi.

On est sensible à l’ambiance ludique et légère de Dolomiti Dance qui ouvre l’album et fait des clins d’oeil à la musique classique. On apprécie le côté tendrement latin de Not Forgotten ombré d’une saudade délicate. Le silence habite les improvisations inspirées que Ralph Towner développe à la guitare. On est aussi touché par Figurine, une ballade poignante et minimaliste.

Un battement plus vif habite Walk the Walk, une composition de Mark Walker et The Glide où Ralph Towner s’exprime au piano. Le tempo jazz sied vraiment au groupe qui sait tout autant s’immerger dans la musique plus avant-gardiste du titre Lantern qui donne son nom à l’album. Sur ce thème composé par le groupe, Oregon n’a rien à envier aux orchestres de musique improvisée européenne les plus créatifs.

L’album se termine par The Water Is Wide, un air traditionnel désarmant de banalité que les arrangements de Ralph Towner et l’interprétation des musiciens transforment en un vrai bijou.

Le groupe Oregon prévoit une tournée d’été qui le conduit en Allemagne, au Danemark, en Russie, en Italie, en Angleterre et en Pologne. A croire que les programmateurs français ne sont pas sensibles à sa musique. Dommage ! Il n’en reste pas moins qu’on conseille avec chaleur l’écoute de cet album « Lantern » à sortir le 30 juin 2017 sous le label Italien Cam Jazz. A ne rater sous aucun prétexte.

« Lantern ». Le groupe Oregon développe une écoute extrême et une interactivité de tout instant qui s’allient au talent des quatre musiciens. Ainsi, dans sa structure actuelle la formation Oregon développe le même esprit qu’à ses origines. Le groupe navigue avec bonheur dans des ambiances variées qui dessinent les contours d’une musique universelle dont les mélodies captivent.