Le chant de l’homme entre force et tendresse

« I Am A Man », le nouveau projet de Ron Miles affiche un cri de révolte. Au-delà de l’affirmation du droit d’exister, le trompettiste proclame sa musique comme principe politique. L’art permet à l’homme de s’exprimer et d’affirmer ainsi son existence. Un superbe album.

Le titre de l’album, « I Am A Man », fait référence à un dramatique accident survenu à Memphis en 1968. La rupture de la benne d’un camion à ordures coûta la vie à des hommes afro-américains affectés aux services d’assainissement de la ville. Le lendemain les travailleurs manifestent dans les rues et brandissent des pancartes avec le slogan « I Am A Man ».

En reprenant cette affirmation, Ron Miles élargit le sens de la phrase au-delà des droits civiques, jusque dans le champ de la création qui autorise la libre expression de chacun et lui permet ainsi d’exister.

Sur l’album « I Am A Man » (Enja-Yellowbird/L’Autre Distribution) enregistré en décembre 2016 et annoncé pour le 08 décembre 2017, le trompettiste Ron Miles élargit son trio habituel avec le guitariste Bill Frisell et le  batteur Brian Blade en invitant le pianiste Jason Moran et le contrebassiste Thomas Morgan. Ces cinq talentueux musiciens unissent leur sensibilité et leur créativité pour façonner un splendide album de jazz.

Sur « I Am A Man », l’art subtil des cinq musiciens transforme les sept compositions de Ron Miles en un manifeste jazz qui emprunte la couleur du blues et les accents d’un gospel éloigné du presbytère. Le projet de Ron Miles hésite entre un jazz post-bop tempéré et un hymne introspectif qui ne déparerait pas chez ECM. Une ode empreinte de tendresse et de force.

I Am A Man débute par un simple motif pris sur un rythme funky que le cornet développe ensuite avec lyrisme et mélancolie. La ballade Darken My Door commence dans un climat tendu qu’instaure le pianiste très vite rejoint pas le batteur et le bassiste. A trois, ils étoffent le climat avant l’arrivée du guitariste et du trompettiste qui vont ensuite se répartir la parole. Leurs chorus se succèdent comme de souples vagues musicales qui détendent l’atmosphère. Après un solo hypnotique le guitariste cède la parole au trompettiste qui réinstaure un climat porteur d’inquiétude.

The Gift That Keeps On Giving se détache du répertoire par son swing lumineux. Sur ce thème, Jason Moran apparaît dans la plénitude de son art. Guitare, trompette et contrebasse s’expriment avec souplesse et sans urgence soutenus par la batterie. Un mélodieux délice musical. Jasper fait référence au jaspe, cette pierre citée dans le chapitre 21 du Livre de la Révélation. Un morceau dont les vibrations lumineuses s’élèvent réchauffées par la sonorité chaleureuse du cornet de Ron Miles.

Revolutionary Congregation permet à Ron Miles de convoquer les figures héroïques de MalcomX, Martin Luther King et Gandhi qui ont lutté pour la liberté des opprimés. A l’unisson, cornet et guitare exposent le thème. Le cornet entame ensuite un chant fluide dont le flot se ralentit. Les sons distordus de la guitare entraînent le cornet dans un subtil chaos mais les instrumentistes s’unissent pour surmonter les dissonances et revenir subtilement vers le thème d’ouverture. Ensemble ils triomphent du désordre. En musique aussi l’union fait la force.

Ron Miles dédie ensuite la ballade Mother Juggler à sa mère et à toutes les mères, à celles qui permettent aux enfants de grandir et de s’élever. On retrouve avec bonheur les atmosphères réverbérées de la guitare de Bill Frisell et ses métriques ternaires. Le guitariste et le trompettiste phrasent à l’octave et la musique prend des teintes shorterriennes. Le piano s’exprime avec une délicatesse inouïe jusqu’au retour de la guitare et du cornet qui terminent le morceau ensemble avec le soutien du piano.

Is There Room In Your Heart For A Man Like Me sonne vraiment comme une ode à l’amour. Il ouvre avec des doubles notes répétées par la guitare derrière le solo de contrebasse. Après l’entrée du piano, guitare et cornet chantent la mélodie à l’unisson. La batterie assure une pulsation délicate qui soutient et propulse en même temps l’expression des solistes  Durant les minutes suivantes chacun des solistes improvise avec une grande liberté avant un changement de tempo de Brian Blade dont se saisit Bill Frisell pour improviser et conduire le groupe jusqu’à un magnifique moment d’improvisation collective.

Le projet de Ron Miles, « I Am A Man », puise sa force dans une architecture solide. Les rythmes médium et lents préférés aux tempi rapides et la riche texture harmonique permettent aux musiciens de développer de splendides mélodies et des improvisations délicates. Un régal musical soigné aux arrangements élaborés. A  écouter sans modération.

Ron Miles: I Am A Man from Derek O. Hanley on Vimeo.

Un pont entre Moondog et le XXIème siècle

Ensemble Minisym annonce la sortie de l’album « New Sound » pour le 08 décembre 2017. Ce projet original, porté par Amaury Cornut, revisite la musique de Moondog. Cet évènement projette au XXIème siècle l’œuvre de Louis Thomas Hardin alias Moondog.

Après quatre années de travail et un an d’attente, l’album « New Sound » (Les Disques Bongo Joe/L’Autre Distribution) parait le 08 décembre 2017 après une campagne de financement participatif réussie qui couvre les frais de studio, de mixage, de mastering et la conception graphique des visuels de pochette.

Sur les quatorze plages de « New Sound », l’Ensemble Minisym revisite la musique du compositeur américain Louis Thomas Hardin aka Moondog (1916-1999) qui a aussi été surnommé le « Viking de la 6ème avenue », surnom qui date de l’époque où le compositeur vivait dans les rues de New-York. .

Ensemble instrumental pour cordes et percussions l’Ensemble Minisym réunit Charles-Henry Beneteau à la theorbe et aux guitares, Hélène Checco au violon, Amaury Cornut sur dragon’s teeth, harmonium et grosse caisse, Alexis Degrenier à la vielle à roue et aux percussions, Benjamin Jarry au violoncelle et Gwenola Morin à l’alto.

A l’aide de cet instrumentarium singulier qui réunit violon, violoncelle, guitare/théorbe, organetto médiéval, harmonium indien, vielle à roue et percussions, les six musiciens de l’Ensemble Minisym profilent leur vision de la musique de Moondog. Le programme « New Sound » de l’Ensemble Minisym suit le fil de l’album « New sound of an old instrument » de 1979 où Moondog interprète à l’orgue des pièces composées à l’époque où il vivait dans les rues de New-York mais aussi d’autres morceaux écrits lors de son séjour en Europe.

Cet Ensemble Minisym a vu le jour au printemps 2013 à Nantes à l’initiative d’Amaury Cornut, spécialiste français de Moondog, L’ensemble joue les partitions écrites par Moondog et choisit de porter le nom d’un des premiers quatuors à cordes de Louis Thomas Hardin, intitulé Miniature Symphony, MiniSym.

On a déjà évoqué le compositeur Moondog, Amaury Cornut et l’Ensemble Minisym à l’occasion de la soirée du 11 juin 2016 des Nuits de Fourvière. Ce soir-là, la création « Moondog » proposée en hommage au compositeur fut pour le public lyonnais l’occasion de vivre une soirée Moondog singulière et fort réussie. Sur ces deux chroniques on peut retrouver des éléments concernant Moondog, Amaury Cornut, l’Ensemble Minisym et le concert mais pour en savoir plus sur Louis Thomas Hardin la consultation du site français, Moondog le Viking de la 5ème avenue, tenu par Amaury Cornut est incontournable, il constitue une mine absolue sur le compositeur et sa musique tout autant que la lecture de « Moondog », ouvrage écrit par le jeune exégète et publié aux éditions le Mot et le Reste. Cette biographie augmentée d’une discographie de Moondog est absolument passionnante.

« New Sound » propose quatorze pièces de Moondog. Huit d’entre elles sont présentes sur l’album « A New Sound of An Instrument » enregistré en 1979.

Oasis et Single Foot, composés à New-York ouvrent « New-Sound », tout comme ils le faisaient sur l’album de Moondog. On retrouve aussi les pièces Bug On A Floating Leaf, Sand Lily, Frost Flower ainsi que Barn Dance, Log In B et Elf Dance caractéristique du talent de mélodiste de Moondog, trois thèmes composés par Moondog en Europe. L’Ensemble Minisym interprète trois pièces inédites jusqu’à cet album. En effet, Logrundr in A, Groun in D minor et Marche funèbre (Vercingétorix) n’ont jamais été jouées ni même enregistrées par Moondog.

Sur « New Sound » la musique de Moondog interprétée par l’Ensemble Minisym projette dans le XXIème siècle l’écriture contrapunctique de Moondog, ses mélodies reprises en canon, la polyrythmie complexe de ses pièces et la modernité visionnaire de sa conception musicale. Ni vraiment savante ni vraiment populaire, « New Sound » procure la sérénité, incite à la bienveillance et ouvre sur un univers minimaliste où préexistent simplicité et modernité.

Un Sacre du Tympan drôlement animé

Sur l’album « Cartoons », Fred Pallem & le Sacre du Tympan s’attaquent aux génériques des dessins animés auxquels ils consacrent leur dernier projet. La musique joyeuse et peaufinée donne un coup de jeune aux thèmes et ravit les oreilles. Un remède contre la morosité !

Après les BO des films blaxploitation des seventies Fred Pallem & Le Sacre du Tympan s’amusent comme des petits fous avec les génériques des dessins animés et des films d’animation sur l’album « Cartoons » (Train Fantôme / L’Autre Distribution) sorti le 10 novembre 2017.

Comme à leur habitude, si les musiciens ne se prennent pas au sérieux ils n’en travaillent pas moins avec très grand sérieux. Avec finesse et humour, ils détournent les caractères des personnages pour les inscrire au cœur des musiques qui restituent vraiment l’ambiance des dessins animés d’origine.

Sur « Cartoons » le Sacre du Tympan réunit un tentet avec Jeremie Piazza (batterie), Fred Pallem (basse/guitare), Fred Escoffier (synthés), Guillaume Lantonnet (percussions), Sylvain Bardiau (trompette), Izidor Leitinger (trompette), Fred Gastard (saxophones), Mathias Mahler (trombone), Lionel Segui (tuba/trombone) et Joce Mienniel (flûtes/saxophone). Les prouesses des musiciens du big band donnent envie de revoir les dessins animés de ces héros qu’on avait presqu’oubliés.

Pêchu en diable, « Cartoons » stimule et insuffle de la vigueur, donne envie de sautiller, de faire des farces, de rigoler en mangeant des bonbons devant la télé. On retrouve une âme d’enfant et on se prend à siffler les airs lorsque l’album a cessé de tourner. On file même chercher la Game Boy rangée au fond d’un tiroir.

Avec maestria Fred Pallem & Le Sacre du Tympan parviennent à transformer les thèmes les plus ringards en des musiques rayonnantes d’énergie. A vrai dire on n’était pas fan de l’Inspecteur Gadget ni de Bob l’éponge mais la version proposée du thème d’Inspecteur Gadget et Spongebob Squarepants valent le détour.

L’album ouvre avec La Danse Macabre, musique d’une des « Silly Symphonies », un de ces courts métrages d’animation en noir et blanc de Walt Disney sortis en 1929. On entend défiler au pas cadencé des squelettes qui embouchent des trompettes bouchées. Ils n’en finissent pas de mener la danse finalement pas si macabre que ça.

« Cartoons » fait un second clin d’oeil au monde de Walt Dysney.  Un tendre échange entre une flûte et un saxophone baryton anime Je voudrais être un bonhomme de neige du dessin animé « La Reine des Neiges ».

Les morceaux se suivent en cascade. On perçoit le jaune des notes qui sortent du saxophone baryton qu’embouche Homer sur The Simpsons. Scooby Doo surmonte sa peur et bidouille les synthés pour affronter la section de cuivres et la batterie volubile alors qu’Inspecteur Gadget joue avec des synthés pétomanes.

On avait des souvenirs plus toniques de Dragon Ball Z que console un trombone nostalgique alors que Bob l’éponge dirige une fanfare plutôt humide sur Spongebob Squarepants. La musique du célèbre jeu vidéo Super Mario Bros va rallier les suffrages de tous les trentenaires qui ont grandi avec ce jeu. L’album se termine avec un Goldorak digne des meilleures SF.

De tout le répertoire on a une préférence pour le thème de Spiderman qui est propulsé de building en building par la guitare et la section de cuivres.

« Cartoons », un joyeux divertissement à partager largement mais attention… les enfants risquent de se réapproprier l’album sans même demander la permission. Merci à Fred Pallem et au Sacre du Tympan pour les dix titres de « Cartoons » qui offrent une cure de rajeunissement et d’allégresse.

Pure prouesse, six leaders élaborent un discours collectif

Enregistré par Blue Note All Stars, un groupe de six leaders du jazz actuel, propose « Our Point of View » avec onze titres d’un vigoureux jazz contemporain. Le discours collectif ne manque ni de mordant ni de souplesse.

BLUE NOTE ALL STARS avec Ambrose Akinmusire, Robert Glasper, Marcus Strickland, Lionel Loueke, Kendrick Scott, Derrick Hodge © Universal

Constitué en 2014, le Blue Note All-Stars été créé pour célébrer le 75ème anniversaire du légendaire label Blue Note Records où tant de musiciens devenus ensuite des icônes du jazz ont enregistré un de leurs premiers albums comme le firent Thelonious Monk, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Freddie Hubbard et Joe Henderson.

Déjà engagés chez Blue Note où leurs propositions musicales enrichissent le catalogue du label, six prodiges de l’avant-garde du jazz américain font entendre leur conception de l’esprit Blue Note version XXIème siècle sur « Our Point of View » (Blue Note/Universal) sorti le 06 octobre 2017.

Blue Note All Stars réunit Robert Glasper aux claviers et à la réalisation, Ambrose Akinmusire  à la trompette, Lionel Loueke à la guitare, Derrick Hodge aux  basse et contrebasse, Kendrick Scott à la batterie et Marcus Strickland au saxophone ténor.

Chacun oublie son ego. Les six visionnaires fédèrent leur créativité et leur expression. Le collectif fonctionne de la meilleure manière et il en résulte une musique enthousiasmante tout à fait représentative de l’esprit Blue Note.

Sur « Our Point of View » les six musiciens du Blue Note All Stars explorent collectivement le nouvel horizon du jazz et donnent à écouter une musique qui renouvelle les codes tout en demeurant respectueuse de la tradition. Le discours musical s’inscrit dans la continuation mais se profilent dans une perspective de modernité innovante.

Robert Glasper exprime ainsi le contexte dans lequel ces six musiciens travaillent ensemble : « Nous aimons tous l’histoire de la musique. Nous sommes tous amoureux de l’histoire du jazz, mais aucun de nous n’est tiré en arrière par l’histoire du jazz. Nous fabriquons notre propre histoire ici et maintenant.”  Il rajoute aussi que Blue Note All Stars “(C’)est un groupe d’esprits ouverts, des musiciens talentueux qui sont ensemble pour l’amour de la musique. Ils ne peuvent apporter que de bonnes choses”.

On se rallie à ces propos face au très réussi « Our Point of View ». Onze titres. Quatre vingt-dix minutes de musique. Des pièces originales signées par chacun des membres de l’orchestre et deux reprises de compositions de Wayne Shorter.

Une version de dix-huit minutes de Witch Hunt que Wayne Shorter avait gravé sur « Speak Evil » paru en 1965 chez Blue Note. Surprenant mais convainquant. La référence aux grandes années du label Blue Note est poussée plus loin puisque Wayne Shorter et son soprano se joignent aux six musiciens du Blue Note All Stars pour une version d’une autre de ses compositions, le thème Masqueleros. Le pianiste Herbie Hancock vient le retrouver. Deux compagnon musicaux devenus légendes de leur vivant.

La composition du batteur Kendrick Scott, Cycling Through Reality, insuffle un bel élan à l’album. Meanings, écrit par Marcus Strickland est l’occasion pour le saxophoniste de s’exprimer avec un lyrisme irrésistible. Sur sa propre composition, Henya, le trompettiste Ambrose Akinmusire installe un climat mystérieux avec la complicité de Derrick Hodge.

On succombe aux effets de guitare funky et à la rythmique afro-pop du très prenant Freedom Dance que signe Lionel Loueke. On ne résiste pas non plus à Message of Hope écrit par Derrick Hodge où le guitariste phrase avec flamme. L’écriture du bassiste donne vie à Second Light, un des thèmes les plus captivants de l’album.

Enregistré aux studios Capitol à Hollywood, « Our Point of View » est dédié à la mémoire du regretté président de Blue Note, Bruce Lundvall, qui a sorti le label Blue Note de son sommeil en 1984 et qui a signé Lionel Loueke, Robert Glasper et Ambrose Akinmusire. L’album ouvre d’ailleurs avec Bruce’s Vibe que Robert Glasper a composé et où l’on peut en entendre un extrait de discours de Lundvall. Le disque se referme avec Bruce, The Last Dinosaur, conçu par Ambrose Akinmusire comme un très court requiem.

Après Alfred Lion, le fondateur de Blue Note et Bruce Lundvall le continuateur on est en droit d’attendre que Don Was, qui a pris le contrôle de Blue Note en 2011, soit dans le même état d’esprit que ses prédécesseurs et conserve la singularité de ce label historique.

« Our Point of View », la musique collective de Blue Note All Stars. Six leaders unis pour pratiquer un jazz contemporain qui perpétue et renouvelle à la fois la tradition du jazz et celle du label Blue Note.

L’archet magique ouvre les portes d’un ailleurs pluriel

Son nom en lettres d’or et douze titres sur « Open Doors », le nouvel album de Didier Lockwood enregistré en studio. L’archet du violoniste devient baguette magique et ouvre les portes de nouvelles terres à découvrir. A la tête du « All Star Quartet » le violoniste fait merveille.

Le temps a semblé long aux admirateurs du violoniste depuis « For Stéphane », hommage à Stéphane Grappelli, dernier album enregistré par Didier Lockwood sous son nom et en studio en 2008. Leur patience est récompensée puisque le 25 novembre 2017 sort « Open Doors » (AMES/OkeH/Sony), le nouvel album de Didier Lockwood.

Certes le violoniste est apparu sur plusieurs autres albums comme « Live at Montmartre » en 2010 avec le pianiste danois Niels Lan Doky et son trio, « Brothers » en 2013 avec son frère le pianiste Francis Lockwood et « Apesantar », un opus de jazz fusion paru en 2016 avec Benoît Sourisse, Philippe Balatier et André Charlier.

Dans son nouveau projet « Open Doors » le violoniste rend hommage au jazz et à ses sources d’inspiration, dans la diversité de leurs expressions. Sur son nouvel album de Didier Lockwood, le leader revient à la tête du « All Star Quartet » avec à ses côtés un trio de haut vol.

Le fougueux pianiste italien Antonio Farao, le solide bassiste américain installé en France Darryl Hall et le swinguant batteur niçois André Ceccarelli. Ces trois musiciens exceptionnels ont déjà travaillé et enregistré ensemble sur l’album d’Antonio Farao, « Domi », sorti en 2011 sous le label Cristal. Cela laisse augurer une belle entente et une forte cohésion du trio.

« Open Doors », un album promesse que Didier Lockwood propose pour « Apprendre à voir l’invisible, entendre les silences, atteindre un ailleurs, aiguiser nos sens, rêver éveillés et alors redécouvrir le monde, lavés de nos préjugés »

Depuis plus de 40 ans, tel un violoniste tout terrain, Didier Lockwood a exploré de nombreux mondes musicaux. Le classique appris au Conservatoire et croisé fréquemment au long de sa longue carrière, le jazz-rock de Magma, l’héritage coltranien à travers le violon électrisé de Jean-Luc Ponty mais aussi le jazz pratiqué aux côtés d’Henri Texier, Didier Levallet ou François Jeanneau.

La rencontre décisive avec Stéphane Grappelli qui a lancé sa carrière et l’a fait fait « naître à lui-même ». Le superbe enregistrement avec David Liebman, Dave Holland et Peter Erskine sur l’album « New York Rendez-vous » de 1994 où Didier Lockwood pratique un jazz moderne et inspiré. Sans oublier les moments partagés avec les plus grands comme Miles Davis, Michel Petrucciani, Martial Solal, Richard Galliano, Philip Catherine, Christian Escoudé et bien d’autres encore.

Après toutes ses aventures musicales, Didier Lockwood est parvenu à échapper à toutes ses influences et à trouver sa propre trace loin du violon classique et de celui inscrit dans la tradition du quintet du Hot Club de France de Django Rheinhardt et Stéphane Grappelli. Il a élaboré son propre discours sur cet instrument marginal qu’est le violon dans le jazz. Il est devenu cet improvisateur performant mais soucieux de transmettre.

En effet, il y a 17 ans, il a créé le CMDL, Centre des Musiques Didier Lockwood, où il est encore très impliqué. Pour Didier Lockwood, l’enseignement développé doit permettre aux musiciens de s’exprimer en toute liberté, de transformer des « maladresses » en des « actes musicaux sublimés » et pour finir d’improviser c’est à dire, comme l’exprime de manière imagée le violoniste, de « composer sans gomme ».

Didier Lockwood et les musiciens du « All Star Quartet » transforment les douze plages de l’album « Open Doors » en une promenade musicale somptueuse et réjouissante. Avec une énergie inépuisable et une aisance déconcertante le violoniste s’amuse sur les tempi rapides, transforme les notes des ballades en perles d’émotion ou s’amuse sur des grilles bluesy ou modales. Le piano d’Antonio Farao fait alterner élégance et virtuosité. Maître du groove, le bassiste Darryl Hall soutient sans faillir le propos des solistes. Fin rythmicien, André Ceccarelli passe des balais aux baguettes sans perdre ce swing inusable qui lui appartient en propre.

Le monde musical du nouvel album de Didier Lockwood fait alterner les climats comme des rappels de tous les mondes explorés. Outre les neuf pièces écrites par le violoniste, le répertoire compte deux compositions du pianiste et le superbe The One Shot Duet proposé par les deux solistes où affleure le monde de la musique contemporaine.

Le bien nommé Quark permet de prendre la mesure de la force qui lie les musiciens entre eux. On perçoit à son écoute comment les quatre particules élémentaires que représentent les musiciens, lient leurs énergies entre elles pour devenir un quartet inspiré qui développe ses improvisations à un rythme d’enfer.

Prise sur un tempo furieux, la composition du violoniste Blues Fourth permet aux musiciens d’explorer avec brio un univers hard-bop post coltranien sur une grille modale qui leur permet toutes les libertés. La somptueuse Little Bossa se balance avec élégance et permet à Darryl Hall de développer un chorus où l’on peut apprécier son souci de la juste note. Le bleu colore le nostalgique Now I really Got The Blues qui porte bien son nom.

Difficile de préférer The ballad of Pat & Robin composée par le violoniste à Ballad for Four écrite par Antonio Farao. Sur les deux morceaux, la virtuosité s’efface au profit de lignes mélodiques délicates où affleure une émotion aux tendres couleurs. La souplesse de la section rythmique contribue pour beaucoup à ces oasis de douceur.

Open Doors, le premier morceau de l’album, ouvre les portes de ce nouveau monde où Didier Lockwood évolue avec un plaisir évident et un talent qui n’a rien perdu de sa brillance.

Le projet « Open Doors » de Didier Lockwood va prendre la route dès la fin de l’année 2017. Il tarde d’écouter sur scène les quatre musiciens du « All Star Quartet ».