« Aguas », une respiration loin de l’agitation

Le pianiste Omar Sosa revient avec la chanteuse/violoniste Yilian Canizares pour un opus dédié à l’eau. « Aguas », se situe aux confluences de leurs racines afro-cubaines, de la musique classique occidentale et du jazz. Une musique empreinte de poésie, de nostalgie et de spiritualité.

Après la musique pure et translucide de « Transparent Water » publié en 2017 et enregistré avec le joueur de kora Seckou Keita, le pianiste cubain Omar Sosa croise son inspiration et sa musique avec celle de la violoniste et chanteuse cubaine Yilian Canizares.

On se souvient de l’album « Invocacion«  paru en 2015 et ressorti en 2017 par Naïve en version deluxe avec 2 remixes inédits. Nourrie de jazz, de musique cubaine et de musique classique, Yilian Canizares navigue alors entre douceur langoureuse et exubérance incandescente.

Une rencontre… un album

Omar Sosa et Yilian Canizares se sont rencontrés en 2014 alors que la chanteuse et violoniste assure la première partie du concert du pianiste. A partir de leurs points communs la connexion s’est faite entre ces artistes issus de deux générations différentes qui décident d’unir leurs univers.

« Aguas »

Ils sont rejoints par leur compatriote Inor Sotolongo aux percussions et ils enregistrent ensemble « Aguas » (MDC/PIAS) annoncé pour le 05 octobre 2018. Comme son titre l’indique, « Aguas » est dédié à l’eau et particulièrement à Oshun, la Déesse de l’Amour et Maîtresse des Rivières dans la tradition Lucumí, ou Santería, comme on l’appelle à Cuba, une pratique spirituelle importante pour les deux artistes.

A travers les onze plages de l’album, ces artistes cubains vivant en dehors de leur patrie commune alimentent leur musique à la source de leurs traditions et de leurs racines.

La musique restitue un climat irrigué de nostalgie. Le propos poétique et sensible contribue à créer des atmosphères sereines et pacifiées dont se dégage de douces émotions.

Même si l’apport dynamique des percussions est essentiel, les contrastes se font rares sur « Aguas » où les artistes ont centré leur créativité pour générer un univers d’où serait gommée en grande partie la dimension démonstrative souvent associée à la musique cubaine. Il en résulte un quasi lissage rythmique accentué par des lignes de violon empreintes de classicisme, un chant presque sans aspérité et des effets électroniques étirés et aquatiques.

Qu’il s’agisse pour Omar Sosa et Yilian Canizares d’un parti pris intellectuel pour se démarquer ou d’une réelle interaction fusionnelle et spirituelle existant entre les deux artistes, l’album parvient à créer un univers singulier propice à la contemplation.

« Aguas » pour respirer et prendre de la distance avec l’agitation et l’entropie du monde.

Les 12 & 13 novembre 2018 Omar Sosa et Yilian Canizares seront en concert à 20h30 au Bal Blomet à Paris, avec à leurs côtés le percussionniste Gustavo Ovalles.

Fresque mystique et explosive

Avec « Hazzan », le saxophoniste et compositeur Jacques Schwarz-Bart plonge dans la musique liturgique juive entouré d’un quartet impétueux. Les mélodies venues de la tradition croisent les rythmiques héritées de la diaspora africaine. Sur cet album lyrique et riche en couleurs, le saxophone élève une prière vigoureuse.

Après « Jazz Racine Haïti », le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart revient le 21 septembre 2018 avec « Hazzan » (Enja Yellow Bird/L’autre Distribution). Une création de jazz qui embrasse la musique liturgique juive, des séquences d’improvisation et des rythmes envoûtants.

Natif de Guadeloupe et fils de Simone et André Schwarz-Bart, le saxophoniste assume sa filiation et son identité ancrée dans ses doubles origines. Avec son projet « Hazzan », il prend le relai de ses deux parents écrivains dont les œuvres ont évoqué la Caraïbe et le martyr du peuple juif.

« Hazzan », du projet à l’album

Dans la tradition juive, le terme Hazzan peut se traduire par cantor ou chantre. Jacques Schwarz-Bart a choisi ce titre en souvenir des paroles d’un rabbin qui avait assimilé ses notes aux paroles d’une prière et l’avait perçu comme « un hazzan sur [son] saxophone » lorsque le musicien avait interprété Adon Olam en 2008 à la Fondation du Judaïsme français.

Il décide alors, trois ans après la mort de son père, de créer en sa mémoire un projet autour du jazz et de la hazzanout, cet art de chanter des prières juives. Après voir élaboré les premiers arrangements des quelques-unes de ces mélodies traditionnelles, Jacques Schwarz-Bart leur associe des rythmes issus de la diaspora africaine des États-Unis, de la Caraïbe ou des Gnaouas.

Il a ensuite approfondi ses recherches dans les traditions juives d’Europe, du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord en sélectionnant des chants différents dont les couleurs puissent participer à créer une fresque mystique et ardente.

Pour réussir son challenge, le leader a réuni une impétueuse équipe qui soutient le chant de son saxophone. Stéphane Kerecki (contrebasse), Gregory Privat (pianiste) rompu à la tradition afro-caribéenne tout autant que le batteur Arnaud Dolmen. Le chanteur David Linx les rejoint sur deux titres.

Impressions musicales

L’album ouvre avec Shabbat Menuka Hi une célébration collective où le thème est exposé à l’unisson par le ténor et le piano. Le titre du morceau fait comme un clin d’oeil à la tradition du Gwoka. Après une improvisation incandescente du piano fougueux, le ténor en verve élève son cri comme une prière musicale dont le flot génère la transe que la rythmique soutient et que la voix du chanteur entretient.

Le saxophoniste se fait tour à tour serein, enflammé, lyrique (Ma Nishtana), sobre et profond (Avinu Malkenu). Sur son ténor volubile, Jacques Schwarz-Bart fait montre d’une impressionnante maîtrise des sur-aigus.

On a vibré à l’écoute du thème Ahot Ketana ouvert par le chant lumineux de David Linx dont la prière alterne avec celle du saxophone devenu serein. On a apprécié l’ambiance de Daienu, ritournelle joyeuse qui groove sur un tempo médium swing où piano et ténor s’enflamment à tour de rôle.

On a savouré le calme et la simplicité du très court Havdalah. On a cédé à l’enchantement de Ma Nishtana irradié de lumière par le solo ciselé du piano. On a succombé au dialogue fécond de la batterie et du ténor sur Adon Olam que les deux instruments interprètent seuls.

Sur « Hazzan » Jacques Schwarz-Bart élabore une fresque de dix prières qui honorent ses doubles racines. Un album au climat incantatoire où le jazz côtoie la hazzanout, les rythmes africains et carribéens.

Rendez-vous le 04 novembre 2018 au Studio de l’Ermitage dans le cadre du festival « Villes des Musiques du Monde » pour retrouver Jacques Schwarz-Bart avec la formation de l’album, Gregory Privat (piano), Stéphane Kerecki (contrebasse) et Arnaud Dolmen (batterie), Le saxophoniste se produit aussi le 16 novembre 2018 à Ermont dans le cadre du festival « Jazz au Fil de l’Oise », avec Fred Nardin au piano.

Pour une rentrée en fanfare !

Le 21 septembre 2018, NOLA French Connection Brass Band sort un album bourré d’énergie. Sept titres survitaminés pour aborder la rentrée en fanfare. Impossible de résister à la joyeuse bande de frappeurs, souffleurs, chanteurs. Ils dissipent l’ennui, effacent la fatigue et communiquent leur entrain joyeux.

NOLA French Connection Brass Band… c’est un brass band français venu en droite ligne de La Nouvelle-Orléans, la ville-mère des marching bands, ces fanfares populaires qui déambulent dans les rues.

Cette bande de neuf musiciens parisiens déborde d’énergie. Ils frappent caisses et percussions, soufflent dans trompettes, trombones et saxophone sans oublier de chanter à en perdre haleine avec un entrain étonnant et une énergie débordante.

« Street Kings » en témoigne…

Naissance de NOLA French Connection Brass Band

Lors d’un séjour en Louisiane à La Nouvelle-Orléans dans le quartier de Jackson Square, quelques-uns de ceux qui constituent le groupe actuel ont eu l’occasion de jouer avec des musiciens locaux. Amateurs des groupes phares du style, comme le Hot 8, Dirty Dozen Brass Band ou Rebirth Brass Band, les musiciens, dès leur retour en France décident de créer leur brass band en 2016.

NOLA French Connection Brass Band©Philip Ducap

En hommage à la Nouvelle-Orléans, ils le nomment NOLA (New Orleans Louisiana) French Connection Brass Band et les voilà partis… Les morceaux sont de leur cru, paroles et musique.

Ça sonne funk, soul, hip hop et jazz… ça envoie et ça donne la pêche !

Le groupe veut transmettre la musique des second lines néo-orléanaises. Dans les fanfares de rue, il y avait en première ligne les fanfares officielles, au jeu plutôt classique. Venaient ensuite les fanfares plus dansantes, celles qui constituaient la seconde ligne, qui exécutaient leurs pas de danse en ligne en jouant du jazz, un jazz qui au fil des années a trempé son expression dans le bain de la soul et la marmite du funk.

Depuis sa création, NOLA French Connection Brass Band enchaîne les déambulations de rues et se produit sur scène avec succès. En 2018, il est sélectionné pour le concours de La Défense Jazz Festival où il s’est produit le 27 juin.

Après la rue et les scènes… les studios

Aujourd’hui les neuf musiciens parisiens perpétuent la tradition néo-orléanaise dans les rues et sur les scènes. Pour mieux faire découvrir leur musique, ils sont entrés en studio et…  le 21 septembre 2018 sort leur album, NOLA French Connection (Fo Feo Productions).

Les neuf musiciens ont gravé sept titres qui résonnent comme un concentré de groove !

Avec Hippolyte Fevre (trompettes), Gabriel Levasseur (trompette), Nicolas Benedetti (trombone), Michael Ballue (trombone) et Bastien Weeger (saxophone ténor), les soufflants envoient des riffs puissants et cuivrés. Avec Johan Barrer (grosse caisse), Florent Berteau (caisse claire) et Tao Erhlich (percussions), caisses et percussions assurent avec Rémi Cretal (sousaphone) une rythmique infaillible. Les voix enivrantes chantent à en perdre haleine.

De quoi transformer, salon, chambre, habitacle de voiture en un néo-Jackson Square. Idem dans le bus ou le métro, il suffirait de faire circuler les écouteurs pour que la musique dynamise l’atmosphère et transforme la monotonie quotidienne des transports en commun en un moment festif. On imagine sans peine le clip qui évoquerait cette transformation.

Les compositions de l’album s’articulent autour de questions/réponses entre les neuf instrumentistes. Les refrains chantés en chœur sont parsemés de chorus et riffs de cuivres avec des clins d’œil aux maîtres, Bootsy Coolins, George Clinton ou Maceo Parker.

On a un petit faible pour Coffee Machine Blues. Le sousaphone tient la ligne de basse en soutien aux mélodies, aux riffs et aux improvisations des trompettes, trombones et du saxophone ténor, tous soutenus par les solides rythmiciens.

Quelques RV de concerts pour écouter live Nola French Connection. Dès 19h30 les 15 & 16 octobre 2018 à Paris à La Boule Noire pour la sortie de l’album. Possible aussi de les retrouver le 12 octobre 2018 à Nancy en première partie de soirée sous le chapiteau du Parc de la Pépinière lors du Nancy Jazz Pulsations, le 18 octobre 2018 à Tourcoing lors du Tourcoing Jazz Festival.

Voyage musical entre fête et spiritualité

Inspiré par les musiques de la Caraïbe, le saxophoniste Samy Thiébault présente « Caribbean Stories ». Empreint d’une musicalité festive, l’album invite à un voyage métissé qui vibre d’humanité et de spiritualité. Des histoires musicales caribéennes à découvrir dès le 21 septembre 2018.

En juin 2018, le single et le clip « Calypsotopia » ont déclenché intérêt et curiosité mais il aura fallu attendre jusqu’au 21 septembre 2018 pour découvrir « Caribbean Stories » (Gaya Music Production/L’Autre Distribution), le nouvel album du compositeur, saxophoniste et flutiste Samy Thiébault.

Le musicien a plongé son inspiration et ses instruments à la source et même jusque dans l’âme des musiques caribéennes. Il les a explorées et revient conter ses enchanteresses « Caribbean Stories ». L’opus célèbre l’esprit de la fête et incite à la danse mais il laisse aussi place à des instants introspectifs voire méditatifs.

Samy Thiébault

Samy Thiebault©Youri Lenquette

Né en Côte d’Ivoire, celui qui est à l’origine de « Caribbean Stories » est issu d’un père français et d’une mère marocaine. Il entreprend parallèlement un cursus de philosophie et de musique. Il entre au CNSM de Paris dans la classe de jazz dont il sort en 2008.

Depuis 2004 c’est dans le jazz que Samy Thiébault s’est fait un nom. Au fil des ans on le découvre sur « Blues For Nel » (2004). Ses productions discographiques se suivent : « Gaya Scienza » (2007), « Upanishad Experiences » (2010), « Clear Fire » (2013), « Feast of Friends (2015) autour des Doors et « Rebirth » (2016) porteur de ses nombreuses influences musicales parmi lesquelles Coltrane, les musiques du Maroc et de la Côte d’Ivoire sans oublier la musique classique occidentale. Au fur et à mesure des années, le succès ne se dément pas et il devient un artiste reconnu sur les scènes nationales et internationales.

« Caribbean Stories »

En 2018, on ne va pas ergoter pour savoir si « Caribbean Stories » est à classer dans le jazz ou non car de facto, il s’agit de la musique de Samy Thiébault, de celle qu’il pratique aujourd’hui. Une expression très personnelle mâtinée d’influences diverses qui émargent du côté de Cuba, des Antilles, du Vénézuela, de l’Afrique, de Puerto Rico sans oublier de regarder du côté de Coltrane. De fait, le maître mot qui préside à l’album est sans doute le terme métissage.

En effet, les racines des musiques caribéennes plongent dans les origines et les cultures des hommes déracinés qui ont peuplé ces territoires de la mer des Caraïbes. Calypso, merengue, bolero, chachacha, valse, son et danson émanent des cultures africaines, européennes et sud-américaines qui les ont irrigués. Leur histoire porte les cicatrices mais témoigne surtout de la richesse de celles et de ceux qui, nés dans la souffrance ont fondé leur culture et leur identité dans le terreau de leur diversité. Les musiques de la Caraïbe sont multiples et diffèrent mais elles ont toutes en commun cette pluralité d’origines dont elles se nourrissent.

Pour porter le répertoire de son nouveau projet, Samy Thiébault est accompagné d’une nouvelle équipe à l’image de sa musique. Autour de lui le leader a réuni une solide section rythmique avec le percussionniste cubain Inor Sotolongo, le batteur Arnaud Dolmen, originaire de la Guadeloupe et le contrebassiste natif de Cuba, Felipe Cabrera chargé aussi des fondements harmoniques. Les guitaristes Hugo Lippi et Ralph Lavital apportent leur contribution et des influences venues d’Angleterre et de Martinique. Le tromboniste Fidel Fourneyron, très attaché aux musiques cubaines, dialogue avec le saxophone ténor et la flûte alto de Samy Thiébault.

Impressions musicales

L’album ouvre avec Santeria. Le saxophone introduit seul le motif musical qu’il reprend soutenu par le groupe. La mélodie du ténor élève ensuite son chant qui croise celui de la guitare. Les improvisations du saxophone et de la guitare sont ponctuées par une section rythmique très présente. On a l’impression de suivre une procession de santeria, cette religion cubaine dérivée du culte yoruba.

Poesia Si Fin débute sur un tempo de chachacha qu’introduisent contrebasse et section rythmique. Le saxophone chante une mélodie mélancolique avant de souffler une incantation lascive aux aigus teintés de nostalgie. Il passe ensuite la main à la guitare qui fait claquer ses notes, façon Benson.

Les Mangeurs d’étoiles déroulent une voûte musicale hypnotique. Après une douce introduction du ténor sur un motif répétitif de guitare, Samy Thiébault s’enflamme et se lance dans un solo fiévreux au discours coltranien. On demeure captif du rythme lancinant et des volutes que le saxophone déroule. On est comme ensorcelé.

Sur un tempo de calypso, trombone et saxophone en totale symbiose incitent à une danse chaloupée que percussions et batterie soutiennent. Les chœurs reprennent en créole et ouvrent l’espace au trombone à la sonorité charpentée. Avec souplesse la guitare s’invite et l’on se prend à chanter avec le groupe jusqu’au bout de la nuit sur Calypsotopia.

Ballade teintée de mélancolie suave, Tanger la Negra adopte un tempo de bolero. Le ténor méditatif déroule son chant nostalgique soutenu par les accords caressants de la guitare et par les harmonies douces de la contrebasse.

Samy Thiebault©Youri Lenquette

Puerto Rican Folk Song résonne du rythme de la jibara, une musique traditionnelle de Porto Rico. Trombone et ténor entrecroisent chants et contre-chants puis dialoguent par improvisations interposées. Leurs sonorités chaleureuses et cuivrées laissent ensuite place aux percussions et aux chœurs. L’ambiance se fait envoûtante.

Sur Let Freedom Reign le trombone de Fidel Fourneyron et la flute alto de Samy Thiébault exposent la mélodie comme une incantation accompagnée par une rythmique délicate et inspirée. Le solo de trombone fait entendre une prière profane déchirante que la flute relaie.

Le ténor cisèle la mélodie et la guitare tresse les contre-chants sur Presagio qui s’amuse avec les syncopes. On se laisse porter par le flux du saxophone qui s’évade pour improviser mais redevient mélodiste avant de laisser les rythmiciens et la guitare terminer le rêve.

Librement inspiré d’un traditionnel vénézuélien, Pajarillo Verde tourne sur un tempo de valse folle que la rythmique agrémente d’un balancement propre aux Antilles. La guitare légère et sensuelle laisse le saxophone tournoyer avant de revenir au thème. L’album se termine avec Aida, une ballade qui hésite entre gravité et exaltation, entre chant volubile et sensible du ténor et soutien lumineux de la guitare.

Sur « Caribbean Stories », Samy Thiébault et ses complices tissent les fils des musiques issues de la Caraïbe et d’autres ailleurs. Ils les combinent en un ouvrage singulier et poétique. Dix plages, dix atmosphères différentes, dix histoires captivantes. Au final, un disque envoutant et ressourçant pour aborder l’automne avec le soleil entre les oreilles et dans le corps.

Rendez-vous le 15 novembre 2018 à Paris au Café de la Danse pour le concert de sortie de l’album de Samy Thiébault « Caribbean Stories ». Un moment à ne manquer pour retrouver Hugo Lippi (guitare), Ralph Lavital (guitare), Felipe Cabrera (contrebasse), Arnaud Dolmen (batterie), Inor Sotolongo (percussions) et Daniel Zimmerman (trombone).