Des climats instrumentaux captivants

Le 04 mai 2018, Eliane Elias revient avec l’album « Music from Man Of La Mancha » enregistré en 1995 avec deux combos différents. Un opus instrumental entre jazz et musiques latino-brésiliennes. Les arrangements lumineux mettent en valeur le jeu énergique et sensuel de la pianiste.

Après un Grammy obtenu en 2015 pour « Made in Brazil » et un autre pour « Dance of Time » en 2017, la pianiste brésilienne Eliane Elias revient le 04 mai 2018 avec « Music from Man of La Mancha » (Concord/Universal), un album instrumental qu permet d’apprécier ses talents d’arrangeuse, de pianiste et d’improvisatrice.

Vingt-huit ans séparent l’enregistrement et la sortie du 26ème album de la carrière d’Eliane Elias. En effet, « Music from Man Of La Mancha » a été gravé en 1995 mais pour des raisons contractuelles le disque n’est pas sorti au moment de l’enregistrement. Le temps a passé, la pianiste Eliane Elias a eu la brillante carrière que l’on connait et Mitch Leigh, compositeur de l’œuvre originale est décédé en 2014. Le plaisir n’en est que plus grand de découvrir cet album somptueux.

Le projet

A l’origine, c’est Mitch Leigh, le compositeur de la musique de « Man Of La Mancha » crée à Broadway en 1964 qui sollicite lui-même Eliane Elias. Après avoir succombé à l’écoute de son superbe album « Eliane Elias plays Jobim » sorti en 1990 chez Blue Note, il lui demande de concevoir des arrangements pour sa propre musique et lui laisse carte blanche.

Il confie une copie de la musique originale à Eliane Elias qui après écoute retient neuf titres. Elle accepte de s’engager dans le projet, d’enregistrer et de devenir coproductrice d’un album pour lequel Mitch Leigh lui accorde une absolue liberté artistique.

Les musiciens

Eliane Elias a recours à deux combos différents dans lesquels elle tient le piano. De principe, elle reconduit le trio présent sur « Eliane Elias plays Jobim »  avec le contrebassiste Eddie Gomez et le batteur Jack DeJohnette à qui elle confie cinq plages.

Pour les quatre autres morceaux du répertoire, elle se tourne vers le contrebassiste Marc Johnson et le batteur Satoshi Takeishi, musiciens avec lesquels elle travaille alors.

Elle sollicite le percussionniste Manolo Badrena pour poser ses couleurs rythmiques et sonores sur huit des neuf pièces de cet album instrumental.

L’album

Eliane Elias fait le choix de rester au plus près des mélodies dont elle préserve le message musical. Par contre elle prend le parti de centrer ses arrangements sur les climats harmoniques et rythmiques qu’elle va faire varier au fil des neuf plages de l’album.

En effet, chaque morceau est traité de manière individuelle. Eliane Elias diversifie les ambiances tout en ménageant des interactions entre les pièces. Pour créer des dynamiques différentes, elle s’appuie sur les points forts de chaque trio, sur les talents individuels de chaque instrumentiste et improvisateur et sur la richesse de leurs échanges. 

Les arrangements se distinguent par leur richesse et leurs variations. Elle ajoute des introductions, invente des interludes, combine et harmonise les modulations, déconstruit et reconstruit les séquences rythmiques jusqu’à obtenir des climats mouvants aux couleurs contrastées. Chaque morceau est traité de manière différente ce qui ajoute encore de la diversité à profondeur des textures musicales.

Si Eliane Elias fait preuve d’une maîtrise totale sur les climats harmoniques et la texture rythmique, elle continue par ailleurs à impulser la direction musicale du projet à partir de son clavier. Virtuose et inspirée, elle développe un jeu de piano qui impressionne par son énergie et ses nuances. Au fil du répertoire elle réussit le tour de force de renouveler son expression pianistique .

Impressions musicales

Les deux premiers titres de l’album présentent les trios. Deux arrangements contrastés conçus en écho autour d’un thème commun. Entourée de Marc Johnson à la contrebasse, Satoshi Takeishi à la batterie et Manolo Badrena aux percussions, Eliane Elias insuffle l’allégresse à To each His Dulcinea. La fougue percussive du tempo partido alto transforme le thème en une samba jazz peu conventionnelle.

Sur Dulcinea, le climat évolue et devient romantique. Une ballade aux riches harmonies où, entourée d’Eddie Gomez et Jack DeJohnette, la pianiste développe un jeu sensible.

What Does He Want of Me rayonne de soleil. Une bossa nova prise sur un tempo médium où le jeu de la pianiste enivre par le balanço et la légèreté de ses phrases.

De facture plus moderne, The Barber’s Song se rapproche du baião. Avec audace la pianiste disjoint les rythmes. Les accords funky de la main droite harmonisent la mélodie déroulée par la main gauche. Les bigarrures colorées des percussions assurent un groove qui ne manque pas de délicatesse.

Les bizarreries rythmiques du tempo ternaire de It’s All the Same font ressortir la technicité et la vélocité du piano. Après la légèreté du début, le morceau prend des teintes passionnées. Un solo expressif de la contrebasse fait appréhender l’imminence d’un drame qui ne survient pas puisque tout rentre dans l’ordre avec un retour au thème arc-en-ciel du début.

Avec I’m Only Thinking Of Him on s’immerge dans un bain de latin jazz absolu. Sur un tempo impair, le jeu contrasté du piano invite à entrer dans une danse frénétique à peine retenue à laquelle succombe la contrebasse irradiée d’énergie.

La batterie enflamme Man Of La Mancha et embarque le morceau sur les vagues d’un rythme envoutant. Habillé des brillantes couleurs de la samba, The Impossible Dream vibre sous le flux des cadences syncopées et des décalages rythmiques.

L’album se termine avec A Little Gossip pris sur le rythme vibrant du frevo. A chaque instant on s’attend à entendre entrer le souffle bouillonnant d’un saxophone rollinsien. Ambiance de carnaval endiablée qui appelle à entrer dans une danse frénétique.

Eliane Elias parvient à dépayser la partition de « Music From Man of La Mancha » dans le monde d’un jazz latin qui projette rythmes et couleurs du Brésil sur les thèmes de Broadway. Les climats fluctuent entre calme et amour, oscillent entre romantisme et passion. Une absolue réussite.

Un jazz contrasté entre nervosité et détente

Le label de jazz participatif français jazz&people présente « Tell Me Something New », le premier album du Dexter Goldberg Trio. Le pianiste Dexter Goldberg propose un répertoire de compositions originales. L’osmose palpable du trio libère un jazz exigeant, moderne et équilibré qui navigue entre nervosité et détente.

Après avoir participé comme sideman sur les albums du saxophoniste américain Ricky Ford sur « 7095 » en 2011 et « Sacred Concert » en 2013 et sur « Pure imagination » du Michel Goldberg Jazz Quartet en 2013, le pianiste Dexter Goldberg prend son essor comme leader avec la sortie à venir de l’album « Tell Me Something New » ( jazz&people/PIAS), enregistré à la tête de son trio.

Annoncé pour le 04 mai 2018 sous jazz&people, le label participatif français, l’opus « Tell Me Something New » présente un répertoire de neuf titres originaux composés par le jeune pianiste. Ancrées dans la grande tradition du jazz, les compositions de Dexter Goldberg évoquent des parentés architecturales inspirées d’Ahmad Jamal mais apparaissent aussi proches d’autres esthétiques plus modernes comme celle de Tigran Hamasyan.

Une musique contrastée

A la première écoute, on est frappé par la virtuosité et la dextérité de son jeu caractérisé par une forte dominante rythmique. On perçoit aussi combien son toucher percussif et vif fait alterner des épisodes nerveux et saccadés avec des passages plus fluides voire aériens sans pourtant jamais vraiment de lyrisme.

Autour du pianiste sont réunis le contrebassiste Bertrand Beruard et le batteur Kevin Lucchetti. Le trio développe une complicité palpable. Immergés dans une osmose indéniable, les trois musiciens prodiguent une musique moderne et équilibrée. Si la matière musicale privilégie la dimension rythmique elle développe aussi une grande richesse harmonique sans omettre de nuancer les climats.

Un prénom augure-t-il d’une carrière ?

Porter le prénom du grand Dexter Gordon n’a pas suffi à Dexter Goldberg pour mener carrière et se forger une personnalité musicale. Issu d’une famille de musiciens, Dexter Goldberg commence par l’apprentissage des percussions, ce qui est sans doute à relier avec la dominante rythmique de son jeu. Il se met au piano vers l’âge de 16 ans. 

Il quitte ensuite la Bretagne pour Paris où en 2010 il intègre le département jazz du CNSM à 23 ans. Il étudie le piano et la composition avec Pierre de Bethmann, Dré Paellmaerts, Riccardo Del et François Théberge et obtient son diplôme en 2014. Parallèlement il fait des rencontres musicales essentielles, comme avec Ricky Ford et aussi le batteur Sangoma Everett avec lequel il fait une tournée au Maroc.

Ces expériences et apprentissages lui ont permis de développer ses potentialités et en 2014 il forme le Dexter Goldberg Trio. En 2015, dans le cadre du programme Fresh Sound du festival « Jazz à l’Étage » de Rennes, il bénéficie d’une résidence à La Harpe à l’issue de laquelle il présente ses propres compositions en première partie du set de Dianne Reeves lors de la clôture du 6ème festival Jazz à l’Étage, le 21 mars 2015.

L’aventure du trio continue avec une nouvelle étape, l’enregistrement de « Tell Me Something New » au Studio Sextan de Malakoff du 27 au 29 octobre 2016 suivi d’une campagne de financement participatif réussie et la sortie à venir de l’album le 04 mai 2018.

Impressions musicales

La décontraction et la souplesse de Tell Me Something New. La fougue sautillante et les respirations de A chord into Me. Le tempo rapide de RER B glissant comme un train sur les rails. La sérénité des riches harmonies de l’onirique et pluvieuse Rainbow.

La rêverie raffinée d’une promenade à trois temps sur Osmose. L’atmosphère mélancolique et classique de Nostalgia. La volubilité du brillant Smart tone. La liberté de tonalité de Waves of Sand. La cristalline subtilité des harmonies et le swing de la composition I’ll be OK.

Au fil de « Tell Me Something New » alternent atmosphères alertes, nerveuses et tendues, ambiances aériennes à tendance méditative. Entre tension et décontraction la musique exigeante explore des pistes ludiques, se libère et se renouvelle.

Pour découvrir live la musique du Dexter Goldberg Trio, rendez-vous le 17 mai 2018 à Elancourt, le 18 mai 2018 à 21h à Paris au Sunside et le 19 mai 2018 au Festival « Saint Jazz sur Vie ».

Baume musical symbolique et résilience émotionnelle

Le trompettiste Terence Blanchard publie chez Blue Note un nouvel album intitulé « Live ». Avec son groupe, The E-Collective, il présente des extraits de concerts enregistrés sur des scènes proches de trois collectivités afro-américaines affectées récemment par la violence armée. Une musique élégante et puissante en guise d’outil symbolique porteur de résilience.

La puissance créative et artistique du trompettiste et compositeur Terence Blanchard est éclatante. Depuis 2004 six récompenses prestigieuses témoignent de sa carrière de trompettiste de jazz mais aussi de compositeur de dizaines de BO de films dont celles où il est associé à Spike Lee.

Toujours lyrique, sa musique donne à entendre une sorte de teinte douce-amère en écho aux tragédies douloureuses affectant la communauté afro-américaine.

Terence Blanchard n’en est pas à son premier engagement en ce sens avec The E-Collective. On se souvient en effet de leur premier album de 2015 intitulé « Breathless » en hommage à Eric Garner, mort étouffé par les forces de l’ordre durant une manifestation.

Avec « Live » (Blue Note/Universal) attendu le 20 avril 2018, Terence Blanchard et The E-Collective réitèrent. Entouré de Charles Altura à guitare, Fabian Almazan au piano et synthétiseurs, David Ginyard à la basse et Oscar Seaton à la batterie, le trompettiste dresse sa musique face à toutes les violences armées ciblées contre les citoyens de couleur ou des membres des forces de l’ordre.

Terence Blanchard s’exprime d’ailleurs ainsi via une déclaration fournie par Blue Note : « J’ai voulu que la musique soit une force de guérison dans les domaines où nous travaillons — laisser la musique capter votre colère et les frustrations. Je ne dis pas aux gens de ne pas être en colère mais quand les choses deviennent trop fortes, la musique est là pour vous aider à guérir ».

L’album « Live » au plus près de la réalité de terrain

Les sept pistes du disque ont été symboliquement extraites de concerts présentés sur les sites de trois collectivités qui ont connu une escalade des conflits entre les forces de l’ordre et citoyens afro-américains.

The Dakota à Minneapolis où Philando Castile a été fusillé par un policier le 06 juillet 2016, The Bop Stop à Cleveland où Tamir Rice âgé de 12 ans a été abattu par la police le 22 novembre 2014 et le Wyly Theatre à Dallas où les policiers Lorne Ahrens, Michael Krol, Michael Smith, Brent Thompson et Patricio Zamarripa ont été tués lors de la marche pacifique de Black Lives Matter les 7 et 8 juillet 2016.

La musique comme baume de guérison émotionnelle contre la violence

Sur « Live », Terence Blanchard et The E-Collective présentent sept titres puissants enregistrés live en concert. Comme une vitrine, le disque restitue le reflet d’une amère prise de conscience de la violence récurrente qui affecte la communauté afro-américaine mais il se profile aussi comme un baume de guérison émotionnelle susceptible d’apaiser les souffrances.

Impression musicales

Un thème de Marcus Miller, Hannibal, ouvre l’album par une introduction nébuleuse au synthé suivie d’une intervention de la trompette équalizée qui impulse un tempo funk, soutenu par la basse tellurique. La guitare s’enflamme mais pour finir le calme revient.

En introduction de sa composition Unchanged le guitariste instaure un climat apaisé puis la trompette cisèle le thème avec douceur suivie par le piano devenu rêveur.

Les cinq autres titres sont à porter au crédit du trompettiste. Au début de Kaos le piano installe une ambiance apaisée puis le thème advient, exposé par la trompette. Soutenue par la basse, elle mène le rythme et électrise piano et guitare. Échauffé par la section rythmique, le climat devient chaotique et confine au paroxysme.

On reste saisi par Dear Jimi, joué en hommage à Jimi Hendrix. Pas un souffle de trompette. Terence Blanchard expose la mélodie mélancolique au synthé. La guitare contribue à illuminer le morceau et lui confère une dimension poignante.

On vibre au climat incandescent de Soldiers qui sonne comme un clin d’oeil à Herbie Hancock et ses Head Hunters. Débutée dans une ambiance hip hop la musique est vite irradiée par le son trafiqué de la trompette qui dialogue avec la guitare véhémente soutenue par la basse.

Plus loin, les effets de distorsion de la trompette et la guitare déchaînent le vent d’une tempête énergique sur Can Anyone Hear Me qu’on dirait habité des climats de Weather Report.

L’album se termine avec Choices et ses atmosphères alternatives. Intro éthérée du piano puis trame sonore dramatique jouée par la trompette équalizée à la sonorité frénétique et gémissante. La voix slame ensuite, déclame et réclame un autre choix pour l’humanité que la mort par balles. Une ambiance final apaisée dilue les tensions.

Sur « Live », dans un climat funk et groovy, cinq musiciens inspirés par leur idéaux mettent en avant une musique ouverte et porteuse d’espoir. Elle se fait survoltée, déborde d’énergie et s’enflamme violemment comme en écho à la violence. Par contre elle devient méditative, déroule des motifs calmes et sereins et fait baisser le niveau de révolte. Un opus proposé comme un baume apaisant pour cicatriser les plaies laissées par la violence.