Jazz à fond… fluide et complexe à la fois

Le 22 août 2024, la scène du Théâtre les Arts de Cluny accueille un groupe déjà venu en 2015, le trio qui réunit le violoncelliste Vincent Courtois et les deux saxophonistes Daniel Erdmann et Robin Fincker. Le trio présente son nouveau projet Line for lions, une musique fluide et complexe à la fois.

Vincent Courtois précise avant le début du concert que la musique de Line for lions reflète le regard que le trio porte sur « la musique qu’ils aiment », le jazz West Coast. Au cours du concert, il rendra par ailleurs hommage à Didier Levallet pour sa programmation toujours attentive à la jeune génération du Jazz, comme ce fut le cas pour lui, invité à jouer à Cluny alors qu’il commençait tout juste sa carrière.

Après 12 ans d’existence, le trio constitué de Vincent Courtois (violoncelle), Daniel Erdmann (saxophone ténor) et Robin Fincker (saxophone ténor et clarinette) présente sa nouvelle création Lines for lions dont le titre fait référence à une composition de Gerry Mulligan. Ainsi, le groupe confronte son expérience commune à la mémoire du jazz West-Coast.

Lines for lions, par le trio Courtois/Erdmann/Fincker, une musique exigeante et maîtrisée, élégante et sophistiquée où mélodies et improvisations coexistent en grande liberté.

Le concert débute avec morceau typique du style West Coast. Les deux ténors exposent le thème aux inflexions bop puis déroulent leurs improvisations fluides et furieuses alors que le violoncelle monte et descend ses gammes.

Le trio enchaîne avec une deuxième pièce. Après un début très enlevé, se font entendre les notes effleurées de la clarinette de Robin Fincker et du ténor de Daniel Erdman. Vincent Courtois fait vibrer les cordes de son instrument en les tapotant à l’archet et installe un climat impressionniste. Dans un registre très contemporain, il se fait ensuite lyrique et grinçant à l’archet puis joue en pizzicati alors que les vents dessinent des arabesques et des phrases, insolites et énigmatiques. La clarinette miaule et souffle une petite mélodie interrogative qui flirte avec l’étrange. Le ténor lui répond dans les graves et éructe en improvisant, vite rejoint par la clarinette débridée. Le morceau s’oriente alors vers un blues singulier.

Vincent Courtois se lève pour présenter le morceau suivant, Finally Giovanni, dédié à un ami qui a toujours rêvé d’être italien et a récemment découvert que son grand-père était italien. Daniel Erdman entame la mélodie puis les chants des deux saxophones se font écho alors que le violoncelle joue en pizzicati. A la suite de ce très court morceau, le trio continue. Après l’exposition du thème, les lignes musicales décalées des deux vents s’entrecroisent, se télescopent, s’échappent dans les aigus puis le violoncelle offre un solo audacieux qui laisse pantois l’auditoire. Les deux saxophones croisent ensuite le fer dans un idiome cool apparenté à celui de Woody Herman. Sonorités de cloche, écho de corne de brume, interrogations grinçantes de l’archet, pizzicatis pulsatiles, rapides et délirants avant que les trois compères ne se retrouvent pour le final.

Après des applaudissement nourris, le trio reprend. Slaps et anches s’interpellent en contrepoint et claquent au-dessus et d’une mélodie esquissée par le violoncelle. S’installe alors une ambiance aux accents méditatifs et dramatiques. De graves en aigus, Daniel Erdman souffle une complainte tremblée et dissonante qui résonne comme une lamentation, une prière désespérée. La plainte s’exaspère puis Robin Fincker se lance dans un monologue déchirant et époustouflant d’énergie.

Le concert se poursuit. A partir d’un riff répétitif joué par les saxophonistes, le violoncelle brode des circonvolutions puis une mélodie aux accents mingusiens. Le rythme change, les saxophones décalent leurs expressions dans l’espace musical habité par le rugissement sourd et pulsatile du violoncelle. Après une montée en puissance dans les aigus, les deux vents jouent le même thème et vrombissent de nouveau alors que le violoncelle bourdonne. Un moment ludique fort réjouissant.

Après une ovation soutenue, le trio revient pour un rappel. Le violoncelle début Médiums seul par une mélopée sur laquelle les deux saxophones viennent se greffer. L’osmose qui règne entre les trois musiciens est palpable. Ils offrent au public un moment insolite et chargé d’humour puis enchaînent avec un deuxième rappel. Rythme de bossa-nova sur les cordes du violoncelle, entrée à pas feutrés des saxophones qui joignent leurs chants aigus au-dessus des accords. La soirée se termine sur ce flux et reflux de vagues musicales d’une tristesse éphémère.

Entre évanescence et effervescence.

A l’occasion de sa cinquième soirée, le Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 investit de nouveau la scène du Théâtre les Arts de Cluny et accueille Elina Duni & Rob Luft Band. Accompagnée de son orchestre cosmopolite, la chanteuse vient présenter un répertoire multilingue qui mêle chansons traditionnelles albanaises et kosovares, chansons françaises, standards de jazz et compositions personnelles écrites avec le guitariste Rob Luft. Musique envoutante entre évanescence et effervescence.

Au Théâtre Les Arts de Cluny, la soirée du 21 août 2024 affiche « complet » pour la venue d’Elina Duni & Rob Luft Band. La chanteuse helvético-albanaise Elina Duni est entourée du compositeur et guitariste londonien Rob Luft, du contrebassiste Patrice Moret, du batteur Viktor Filipovski et du bugliste Matthieu Michel.

Avec eux elle présente un répertoire qui reprend quelques titres de son album « A Time To Remember » sorti en juin 2023 chez ECM.

Au programme de la soirée… générosité et partage, grâce et nostalgie, apaisement et ébullition.

Le concert débute par Absence, poème de l’écrivain Ismaïl Kadaré. Après la lecture du texte, la voix pure et aérienne de la chanteuse grimpe dans l’azur puis entame un scat en dansant, soutenue par la guitare qui enchaîne avec un solo. Le répertoire se poursuit avec un morceau traditionnel du folklore kosovare chanté dans les mariages. Une chanson du sud de l’Albanie évoque ensuite la paix trouvée dans la nature. Musique festive, rythmique composée, chorus enflammé de la guitare… les notes s’envolent !

« J’avoue j’en ai bavé pas vous, Mon amour… », le groupe propose une version d’abord langoureuse puis éruptive de La Javanaise de Gainsbourg. Souffle délicat du bugle qui gagne en puissance et échappe à la pesanteur au fur et à mesure de l’avancée du morceau, nappes de sons arpégés et réverbérés de la guitare, batteur aux balais puis scat sensuel de la chanteuse. Un moment musical riche en émotions.

Le répertoire se poursuit avec La fille des vagues auquel Elena Duni est très attachée. Il s’agit d’un « chant polyphonique du sud-ouest de l’Albanie chanté à 4 voix »… une jeune-fille regarde la mer en attendant son bien-aimé et demande aux oiseaux s’il se souvient encore d’elle ». Chorus virtuose de la guitare, chant expressif du bugle, le tempo évolue, la plainte délicate devient hymne martial.

« Mieux vaut ne penser à rien que de n’pas penser du tout… », Gainsbourg est de nouveau invité sur la scène. Chorus mélodieux et inspiré du bugle, impro bluesy de la guitare. La voix sensuelle de la chanteuse reprend ensuite le texte de Ces Petits Riens … « Je vous envie, je vous en veux, beaucoup… « . Conquis, le public sort de son envoûtement pour applaudir à tout rompre.

Sur scène, regard et sourires échangés témoignent de la complicité qui unit les cinq artistes, ce qui participe sans nul doute à la cohérence de musique. Soucieuse de partager avec l’auditoire, Elena Duni prend soin de conter l’histoire de chaque morceau. Cette contextualisation est visiblement appréciée par le public.

Elena Duni présente le morceau suivant, une autre chanson d’exil de l’Albanie du Sud. « Une femme reste et les hommes partent… un homme revient et parle à la maison, veut embrasser sa mère … ». Sur un rythme allègre elle chante et danse en ondulant. Sa voix pure s’élève avec de plus en plus de force au-dessus de l’environnement rythmique pulsatif. Contrebasse et batterie jouent en extrême symbiose. Le chorus de Rob Luft n’est pas sans évoquer les ambiances sonores de Pat Metheny. Alors que la batterie se déchaîne, les notes de la guitare s’envolent littéralement. Après de nombreuses nuances expressives, la musique s’apaise sans pour autant perdre de sa force.

Le répertoire se poursuit avec Évasion, une composition de Rob Luft sur un poème de la poétesse belgo-israélienne Esther Granek qui a échappé à la Shoah. En ouverture, la voix dramatise le propos sur une harmonisation lumineuse, les notes du bugle s’envolent avec éclat vers les étoiles, portées par la guitare et la section rythmique jusqu’à un final extatique. Le groupe continue avec Willow Weep for Me, un standard de jazz immortalisé par Nina Simone et Billie Holiday et arrangé par Rob Luft. Portée par une section rythmique tout en souplesse, la chanteuse scatte dans les aigus et pulse avec des accents souls, Patrice Moret tire avec vigueur les cordes de sa contrebasse puis la guitare aux accents hendrixiens se déchaîne avant un incandescent solo de batterie de Viktor Filipovski.

En duo, Elena Duni et Rob Luft interprètent Hier encore de Charles Aznavour. Notes délicates de la guitare, accords étirés, douceur de la voix, tout concourt à installer un climat d’intimité chargé de mystère et de mélancolie.

Après avoir célébré « la vie, le vin, la Bourgogne, Cluny et le festival », le groupe joue Couleur Café, un autre titre de Serge Gainsbourg « arrangé par Rob Luft sur un rythme de samba ». Grâce et volupté caractérisent cette interprétation. Après un début murmuré, la chanteuse se lance dans un scat décoiffant puis danse, toujours pieds nus, sur le solo du bugle. Après un véhément solo du guitariste, Elena Duni fait le chanter le public conquis qui applaudit à tout rompre.

Les artistes reviennent. Rob Luft se saisit de sa guitare acoustique et s’assied pour une version jazzy de Black Trombone de Serge Gainsbourg. La musique swingue. Elina Duni improvise comme un saxophone, le bugle prend un chorus époustouflant de groove, la section rythmique accélère le tempo puis revient au swing manouche, la contrebasse improvise dans les graves avant un retour au thème. Avec générosité, les artistes offrent un deuxième rappel, une chanson kosovare des années 60. « Une femme demande à la lune de retrouver son mari car elle seule sait où elle se trouve… ». Chant plaintif et nostalgique, chorus planant du bugle, guitare électrique déchaînée, section rythmique tonique. De la nostalgie à l’extase, la musique est portée à son paroxysme.

A la fin du concert, le public quitte la salle sans hâte, comme envoûté par le voyage original proposé par Elina Duni & Rob Luft Band.

Voix singulières et contrastées

La quatrième soirée du Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 investit de nouveau la scène du Théâtre Les Arts. Au programme de la soirée, le quartet d’Adèle Viret puis « Les Jours rallongent ». Les atmosphères contrastées et les propos singuliers proposés par les deux groupes interpellent et ravissent l’auditoire.

Le 20 août 2024, le public se presse dans la salle du Théâtre les Arts de Cluny. Didier Levallet évoque avec une certaine émotion la présence d’Adèle Viret, ancienne stagiaire de Jazz Campus en Clunisois, venue à la tête de son quartet sans oublier d’annoncer la deuxième partie de soirée et le projet « Les jours rallongent ».

La venue du Adèle Viret 4tet s’inscrit dans le cadre de Jazz Migration. Autour de la violoncelliste sont réunis, Oscar Viret (trompette), Wajdi Riahi (piano) et Pierre Hurty (batterie). Le quartet « sans basse » d’Adèle Viret dispense une musique épurée, légère et onirique, lyrique et douce. Il s’en dégage une atmosphère chambriste aux atmosphères intimistes et minimalistes où se bousculent jeux rythmiques pulsatils et improvisations orageuses énergiques ou souples et aériennes.

Le concert débute. Notes dépouillées du piano, cordes du violoncelle frottées par l’archet, note soufflée par la trompette. Le violoncelle esquisse une mélodie évanescente en harmonie avec la trompette floconneuse. Les balais de la batterie tapissent le fond sonore de friselis. S’installe alors une atmosphère proche de la musique baroque avant que le groupe ne conduise la musique vers un climat aux accents orientaux. Après les douceurs du début, l’ambiance se fait plus tonique avec un chorus enflammé du pianiste et un solo incandescent de la trompette.

Après Novembre et Choral for the sea, les deux premiers morceaux, Adèle Viret dit son émotion de se retrouver à Cluny et ce à plusieurs titres. Elle évoque une histoire de famille. D’une part avec son père (Jean-Philippe Viret) qui était venu à Cluny lorsqu’il était jeune musicien, après avoir consulté un flyer qui évoquait le festival et avait été accueilli comme stagiaire par Didier Levallet. D’autre part, elle se souvient de ses workshops de Vincent Courtois et aussi d’avoir écouté le regretté Denis Badault dont un disque inédit vient de sortir.

Elle annonce qu’elle propose un projet musical « Autour de l’eau » et le concert reprend avec Close of The Water, qui oscille entre retenue et explosion sonores.

Adèle Viret reprend la parole et précise qu’un album du quartet intitulé « Close of The Water » va sortir à l’automne.

Le set se termine avec les couleurs chatoyantes et apaisantes du titre Horizon. Débuté très lentement le morceau évolue, l’énergie monte après un chorus véhément et véloce du piano très percussif. Une grande symbiose semble régner au sein du quartet. Adèle Viret explore tous les registres de son instrument (archet, pizzicato).

Sollicité chaleureusement par les applaudissements du public, le quartet revient et interprète en rappel, Pour ceux qui sont loin, une ballade en forme de rêverie.

La seconde partie de soirée est assurée par le trio constitué de Christiane Bopp (trombone, voix), Sophia Domancich (piano) et Denis Charolles (batterie) pour leur projet « Les jours rallongent ».

Le set débute avec une composition de Denis Charolles, A la maison. Après l’introduction, la tromboniste prend un solo puis la pianiste se lance dans un dialogue intense avec le batteur. Autre composition du batteur, Wasabi évoque le Japon. Début martial piano/batterie alors que la tromboniste souffle dans l’embouchure de son instrument. Elle entame ensuite la mélodie de sa sonorité grave et large puis insère une sourdine dans le pavillon de l’instrument et joue sur les délicates interventions du batteur alors que la pianiste improvise avec une grande liberté.

Avec un couvercle de cuisine tenu sur le pavillon de son instrument, la tromboniste ouvre le troisième morceau qui débute sur un rythme lent. Le batteur souffle dans une trompette posée sur la caisse claire puis frotte les cymbales avec un archet, on se croirait dans une basse-cour. Puis sur les arpèges percussifs de la pianiste, le batteur frappe ses cloches et les autres percussions de ses mailloches et installe alors un climat étrange et malaisant. Le trombone résonne comme un cor de chasse à courre, l’improvisation de la pianiste évoque le galop des chevaux. Un dialogue tonique s’instaure entre la tromboniste qui frappe l’extérieur du pavillon tout en jouant et vociférant dans l’embouchure et le batteur qui frappe les peaux de ses toms avec les mains. Ambiance surprenante et enthousiasmante à la fois.

Le trio interprète présente ensuite une composition de Sophia Domancich au climat interrogatif. Le trombone et la batterie fantasque transportent l’auditoire dans les alpages suisses. Le batteur dialogue ensuite avec la pianiste qui se livre à une introspection musicale et improvise avec effervescence. Sur le piano les notes voltigent, caracolent, se bousculent et font résonner des échos monkiens avant que ne revienne la plénitude avec une ligne musicale apaisante que dessine le trombone.

Promenade sonore comme une complainte déchirée, le dernier morceau débute rubato, la tromboniste vocalise dans son instrument, les notes dissonantes du piano semblent étirées puis contractées, le batteur se déchaîne. Le public acclame avec vigueur la prestation originale du trio qui revient pour un rappel énergique dont les riffs saccadés font vibrer les cintres de la scène.

Surpris et bienveillant, le public quitte la salle visiblement enchanté par les contrastes musicaux de cette soirée singulière.

Un moment intense et libre

Pour la troisième soirée du Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 le public retrouve le chemin du Théâtre les Arts. Au programme, le projet Hirsute proposé par la pianiste, compositrice et cheffe d’orchestre Anne Quillier. Un moment intense et libre. Véritable concentré d’énergie, la musique acoustique à l’écriture ébouriffée génère un univers farouche.

La talentueuse compositrice, arrangeuse et pianiste Anne Quillier n’en est pas à sa première venue à Cluny. Après 2015 et 2019, elle revient le lundi 19 août 2024 sur la scène du Théâtre les Arts à la tête d’un quintet qui réunit à ses côtés Pierre Horckmans (clarinette basse), Damien Sabatier (saxophone baryton), Michel Molines (contrebasse) et Guillaume Bertrand. Motifs répétitifs, montées en puissance, Le groupe délivre une musique complexe et énergique.

Hirsute, timbres et climats variés, mise au point très précise, tout est maîtrisé de bout en bout.

Le concert débute sur un tempo soutenu par Irruption volcanique. Riffs et slaps des souffleurs stimulent la pianiste dont les notes détachées dessinent une mélodie alors que la section rythmique gronde et ronfle. Après un retour au thème le morceau se termine et soulève des salves d’applaudissements enthousiastes.

Le répertoire se poursuit avec Serviteur Ivre. Après les arabesques du baryton, la contrebasse improvise à l’archet. La batterie ponctue le climat volcanique créé par le baryton percussif et très libre et la clarinette basse plus mélodique. Sur le clavier du piano, Anne Quillier apaise quelque peu cette ambiance explosive.

Mouche Borgne démarre plus calmement par un solo du clarinettiste mais très vite, poussé par section rythmique, il libère des envolées toniques rejoint par le baryton puis par l’ensemble du groupe. Énergie musicale et tempo augmentent. Après quelques phrases aux dissonances palpables du piano, la batterie prend le relai avant un retour au thème qui annonce la fin du morceau.

Après les remerciements chaleureux qu’adresse Anne Quillier à Didier Levallet et au Festival Jazz Campus en Clunisois, le groupe interprète Longue Route. La pièce commence par une mélodie lumineuse exposé par l’ensemble des musiciens avant que le baryton effervescent et turbulent n’impulse d’insolentes syncopes. Le rythme s’accélère avant le retour au calme de la fin du morceau.

Le concert continue et les morceaux s’enchaînent. Sur scène règne une euphorie collective Mélodies ludiques segmentées de ruptures, décalages rythmiques, ambiance cinématographique. Chaque morceau est pourvoyeur de surprises, le batteur s’explose littéralement sur ses percussions, le clarinettiste exulte entre improvisations tour à tour énergiques ou ténébreuses, le saxophoniste porte son expression au paroxysme et entraîne le groupe dans ses délires, stimulé par les soufflants, le contrebassiste se fait véloce, la pianiste improvise en symbiose avec les vents.

Le répertoire se termine dans une ambiance bucolique par une ballade poétique au rythme étiré. Outre les chorus des instrumentistes, une improvisation collective très syncopée conduit la musique vers des contrées plus enflammées avant le retour au calme de la fin.

Le quintet répond aux applaudissements fournis du public et revient pour un rappel. La musique éthérée et lente du début évoque un songe mais très vite, le tempo s’accélère et avec furie, la musique tourbillonne comme embarquée sur un manège.

La musique sauvage et lumineuse d’Hirsute a invité l’auditoire dans son univers sans concessions où se côtoient énergie et complexité.

Au-delà des conventions

La deuxième soirée du Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 investit de nouveau la scène du Farinier de l’Abbaye. Au programme, un concert solo de François Couturier. Le public se mobilise pour écouter cet artiste dont l’art croise improvisations et mélodies et cultive la pureté.

Le 18 août 2024, l’auditoire attend avec impatience de retrouver François Couturier que Didier Levallet présente comme un artiste qui « symbolise cette osmose entre la pensée de la musique éternelle et la liberté que le jazz a apporté dans la musique du XXème et XXIème siècles ».

Tout de noir vêtu et souriant, François Couturier propose au public de présenter un « patchwork ésotérique de musique contemporaine et mélodique ».

Après de délicates notes aigües égrenées et entrecoupées de silences, le pianiste délivre des gouttes de musique interrogatives et dissonantes puis le morceau se densifie et des cascades d’arpèges plongent l’auditoire dans un monde féérique. Une mélodie fluide se dessine, imprégnée de nostalgie et incitant à la rêverie. Après une modulation subtile, la musique s’élève, comme porteuse d’espoir. Tels des chants d’oiseau ou des feuilles légères portées au fil du vent les notes s’envolent. Une plage de silence fugace précède un mouvement allegro. Après des nappes sonores impétueuses, advient un moment contemplatif. Après avoir joué le thème Alphonsina Y El Mar, François Couturier termine le morceau en caressant doucement les cordes du piano alors qu’au loin sonnent les cloches de l’église.

Suite à des applaudissements fournis, le pianiste reprend. Début orageux et dense, piano martelé, suite d’arpèges percussifs. Les mains parcourent le clavier qui vibre dans les graves et chante dans les aigus. Sitôt l’introduction terminée, le musicien accélère le rythme, densifie son discours, augmente le volume, fait des clins d’œil à Gershwin et s’achemine vers une fin subite.

Le concert continue sur un tempo plus lent. Une mélodie se dégage où les notes cristallines tranchent avec la gravité profonde des accords plaqués par la main gauche. Le mouvement se ralentit, accueille et intègre le silence qui intensifie la dimension interrogative du morceau.

Très concentré, François Couturier entame la pièce suivante. Les deux mains dialoguent avec vigueur. Phrases rapides dans les graves puis les médiums. Alternance de graves véhémentes et de médiums impertinents et martiaux. La densité musicale augmente avant que la légèreté ne soit explorée du côté des aigus. Retour au propos interrogatif et salves de notes. S’installe alors un climat lancinant, singulier et étrange et un réel séisme sur les touches donne une dimension tragique au propos musical. Échappée vers la clarté sur un rythme plus lent. Note après note, le morceau s’achemine doucement vers le silence. Une mélodie itérative se répète ensuite et convoque la lumière. Une autre mélodie évoque ensuite une promenade onirique mais l’incertitude revient, le morceau s’étire, se distend en notes éparses et éphémères pour finalement s’achever dans un climat ténébreux.

Après avoir remis ses lunettes, François Couturier se remet au clavier. Sur un même arpège répété dans les médiums, s’épanouit dans les aigus une mélodie souple et légère, sorte de ritournelle mélancolique avant que ne s’installe un climat inquiétant accentué par l’exploration des graves. Le rythme s’accentue, la densité musicale enfle puis s’apaise pour une courte durée. Tout s’accélère de nouveau, les mains parcourent le clavier. On est comme aspirés dans un songe méditatif évocateur du monde de Satie. Grands écarts, notes comme des gouttes de pluie…. le musicien se tourne vers le public… « on va finir comme ça ! ». Le pianiste quitte la scène mais, rappelé avec enthousiasme par le public, il revient très vite.

François Couturier esquisse une douce mélodie aux accents baroques empreinte de sérénité, solaire et lunaire à la fois. Applaudi par l’auditoire, il consent à une deuxième morceau de rappel. Quelques notes installent un climat plus sombre qui laisse une grande place au silence. Comme issu d’une constellation, un rayon de lumière vient éclairer la musique qui se laisse pourtant tenter par des échappées du côté sombre du clavier. Une ovation s’élève alors que le pianiste salue et remercie le public.

On demeure saisi par l’apparente simplicité de la musique de François Couturier qui transcende toutes les conventions et touche à l’indicible.

Avec nos remerciements à Yves Dorison pour les photos de François Couturier.

Poésie musicale entre douceur et puissance

Pour le premier concert de son édition 2024, le Festival Jazz Campus en Clunisois 2024 donne rendez-vous au public le samedi 17 août 2024 au Farinier de l’Abbaye à 20h30. La chanteuse Laura Tedja, le pianiste François Raulin et le contrebassiste Pascal Berne proposent le projet « Black is the colour ». L’auditoire attentif vibrera de bout en bout à l’écoute du trio. La musique poétique balance entre douceur et puissance, entre introspection et véhémence.

Le 17 août 2024, c’est une soirée de poésie musicale qui ouvre le Festival Jazz Campus en Clunisois 2024. Sur la scène du Farinier de l’Abbaye sont réunis, deux maîtres de stage du festival 2024, Pascal Berne (contrebasse) qui anime « Intergalactic Session », en hommage à Sun Ra, et Laura Tejeda qui conduit « Lâcher de voix » et François Raulin (piano) qui a lui aussi assumé la fonction de maître de stage à Cluny lors de précédentes éditions.

La chanteuse de formation lyrique issue de l’ARFI, LauraTejeda, le contrebassiste Pascal Berne et le pianiste François Raulin, tous deux Membres du Collectif « La Forge - Compositeurs Improvisateurs Réunis », présentent « Black is the colour » créé le 04/04/24 au Quartier Latin Jazz Club de Vienne. Il s’agit du troisième concert de ce projet très singulier.

Le concert débute par une berceuse flamenca sur un texte de Federico García Lorca suivie par Introduction to people de Carla Bley terminé par un chant révolutionnaire chilien. Les ambiances évoluent entre véhémence et désespérance, vigueur percussive et douceur caressante. La voix aigüe égrène des mélopées où alternent onomatopées énergiques et souffles empreints de tendresse. Elle est soutenue par le piano percussif et les cordes de la contrebasse que l’archet caresse ou stimule.

Vient ensuite un morceau corse « avec des influences asiatiques ». Après un début très percussif amorcé par le piano, la voix explose dans les aigus et l’archet accentue la dimension asiatique de l’écriture. Alors qu’un oiseau vole au-dessus du public et des artistes, s’installe dans la musique une dimension introspective dans laquelle se termine la pièce.

Un riff de contrebasse répété à l’envi débute Lamamada, pièce du Moyen-Orient du XIIème siècle. La voix aigüe et suppliante se lamente puis piano et contrebasse dialoguent dans les médiums et graves. Très libre le piano improvise. Sur ses phrasés interrogatifs la voix se joint à lui. Après ce morceau, le trio continue avec un « saut dans le monde du lyrique ». Un morceau de Rossini arrangé par Laura Tejeda. Très véhémente elle chante debout et sa voix s’élève avec force… la voute du farinier en frémit de plaisir, tout autant que le public d’ailleurs.

Après ce très court morceau, le trio interprète un chant de Noël composé par Pascal Berne. « Mais qu’est-ce que tu dis…… » Laura Tejeda chante debout, le piano la rejoint, le débit s’accélère … « faut pas pousser la mémé dans les ronces ». L’ambiance se calme, la chanteuse s’assied et sa voix se pose doucement, piano et contrebasse dialoguent. Très discursif le pianiste stimule le contrebassiste qui frappe le bois de son instrument. La chanteuse se relève et sa voix comme exaspérée s’élève dans les aigus jusqu’au paroxysme… promesse d’un sacré Noël !

Vient ensuite Diaraby, un chant d’amour mandingue, morceau traditionnel de la musique d’Afrique de l’Ouest. Le pianiste a positionné des morceaux de bois sur les cordes de son instrument. Le morceau débute par un court solo de contrebasse, entre sons de cordes pincées et frappes manuelles sur le bois. Le piano percussif prend la parole, suivi par la voix qui entonne une plainte aigüe. Une grande liberté expressive caractérise l’interprétation de ce morceau.

Les trois musiciens assis chantent ensemble face au public et entament un thème traditionnel bulgare, très expressif dans lequel la voix explose. Le public très réceptif applaudit avec enthousiasme. Après ce morceau le trio dédie une composition à Alain Gibert (membre de l’ARFI et tromboniste décédé en 2013). Il s’agit de Réveillez-vous tous les endormis, une pièce traditionnelle du centre de la France « qui n’est pas une bourrée, … c’est un « réveillé », les gamins toquent à la porte des fermes et demandent une pièce pour la chance. La voix commence seule dans les aigus… « souvenez-vous qu’un jour il faudra mourir »… puis piano et contrebasse entrent dans la danse qui devient effrénée avant un apaisement final bienvenu.

Le répertoire continue avec Black is the Colour, une chanson irlandaise pleine de douceur et méditative voire introspective. Sur un tempo très lent, piano et contrebasse échangent dans un climat lyrique, les graves de la contrebasse évoquent la chute de larmes de tristesse.

Pour finir, le concert, le trio se tourne vers l’Italie. Tous trois artistes sifflent et la chanteuse s’accompagne d’une percussion posée sur ses genoux. Piano et contrebasse entament un rythme sautillant, celui d’une ronde effrénée à laquelle il fait envie de participer.

Pour répondre aux applaudissement fournis et enthousiastes du public, le trio revient et remercient Didier Levallet (directeur artistique) et toute l’équipe du Festival de Cluny. Ils invitent Étienne Roche (contrebasse, chant) à les rejoindre sur scène pour un dernier morceau. Autour du piano, les deux contrebassistes conversent, la voix de l’invité et celle de la chanteuse dialoguent. Après un moment évanescent, la musique se fait tempétueuse et s’élève avec véhémence vers les cieux.

Après ce voyage musical poétique à travers les chants du monde, vient le temps du retour à la réalité avec la musique de « Black is the colour » pour tapisser l’écran de la nuit.