JALEO dédie son 3ème album à Paco de Lucia

L’aventure de JALEO continue avec ce troisième album que Louis Winsberg dédie à Paco de Lucia. « For Paco » demeure dans la veine habituelle de JALEO. Une fenêtre ouverte sur univers chaleureux enraciné dans un flamenco joyeux.

« For Paco » (Label Bleu/L’Autre Distribution) n’est pas un album destiné aux puristes de flamenco ni même aux inconditionnels de jazz traditionnel. Cet album convient par contre à ceux et celles qui ont apprécié la démarche de Paco de Lucia, ce guitariste légendaire qui a modernisé le flamenco dans les années 70 en explorant la musique classique et le jazz. Son art construit à partir d’une technicité éblouissante a conservé une dimension sensible et une inventivité sans pareille.

C’est dans une telle logique que Louis Winsberg a créé JALEO à la fin des années 90. En recherche d’un monde qui lui appartienne en propre, le guitariste a exploré librement les univers musicaux qu’il connaissait. Il les a mêlés, invitant à ses côtés des musiciens prêts à s’engager dans cette quête, celle d’un ailleurs qui bouscule les frontières et les identités jusqu’à en définir une nouvelle histoire, celle de JALEO.

Deux albums ont suivi. Ce fut d’abord « Jaleo » en 2001 puis le « Bal des Sud » en 2005. Construit autour de Louis Winsberg, le groupe JALEO a tourné dans les festivals et sur les scènes de quatre continents. Le public a toujours réservé un bel accueil à la musique et aux spectacles lumineux et généreux de JALEO. Avec ce troisième disque, « For Paco » la trilogie JALEO advient.

Louis Winsberg dédie cet opus à Paco de Lucia. « … lui qui a su ouvrir  le monde du Flamenco au jazz et à l’improvisation…et mener son art à un niveau de pureté  et de puissance très rare. Durant toute ces années il a éclairé ma musique, moi qui vient du jazz et qui cherche ailleurs, quelque part vers ma « Méditerranée » »

Certes les échos de la musique de Paco résonnent dans « For Paco » mais on n’y retrouve pas le répertoire du maître. L’album est irisé de flamenco mais JALEO demeure fidèle à ses codes, JALEO explore la musique avec liberté et dépasse les frontières de l’Andalousie. Ainsi la guitare côtoie oud, mandoline, saz et bouzouki. Bien sûr la voix flamenca contribue toujours à l’esthétique musicale et le rythme est encore marqué par les palmas, le cajon et les talons de la danseuse mais les percussions indiennes les rejoignent.

Dans « For Paco », JALEO chahute les références habituelles, les détourne, les contourne…  et le tour est joué, la magie-JALEO fonctionne.

Pour enregistrer cet album lumineux, Louis Winsberg a réuni le quintet de base constitué de lui-même aux guitares, oud, saz, mandoline, bouzouki et percussions, Sabrina Romero (chant, danse, cajon), Jean-Christophe Maillard (saz, guitares, choeurs), Cédric Baud (guitare, saz, mandoline) et Stéphane Edouard (percussions, tablas). La couleur prédominante est donnée par les guitares, les voix et les percussions?

Quelques compagnons de longue date sont venus épauler l’équipe, tels les percussionnistes Miguel Sanchez et Nantha Kumar. Jorge Pardo, membre du sextet légendaire de Paco de Lucia, intervient à la flute et illumine El Pescador et Que Mas de ses aigus brillants.  Le cantaor El Piculabe ajoute sa voix poignante sur la seconde partie du thème Podemos soutenu par une section de cordes un peu vaine que l’on retrouve sur For Paco et sur Paloma.

« For Paco » c’est une fête chaleureuse et colorée. C’est aussi une sensation de paix venue sur les ailes de la colombe. « For Paco », c’est quoi d’autre ? Peut-être la liberté du pêcheur qui rêve de jouer une buleria sur les sommets de l’Himalaya et finalement esquisse les pas d’une salsita. « For Paco » c’est enfin croire au possible d’une autre musique dédiée à Paco.

Avec les volutes d’une voix aux accents soufistes, Bulerhimalaya ne se contente pas d’ouvrir l’album, il ouvre la musique vers des horizons plus lointains que ceux de l’Andalousie. For Paco porte en lui de lointains échos de « Zyryab » que Paco aimait à jouer et à transfigurer. Avec légèreté les cordes des guitares chantent tendremen Salsita. Podemos hésite entre détermination et lamentation

On aime les fulgurances des voix et l’enthousiasme des percussions. On vibre aux nuances et aux contrastes des ambiances qu’enchantent les guitares. On se réjouit donc à double titre de la sortie de « For Paco » le 10 novembre. D’une part parce qu’il s’ajoute aux précédents albums et d’autre part parce que JALEO est de nouveau de retour sur les routes depuis le 29 octobre.

Comme annoncé dans la chronique consacrée au 28ème Festival « Les Guitares », Jaleo se produit le 03 décembre à l’Espace Tonkin de Villeurbanne avec Louis Winsberg (guitares), Sabrina Romero (chant, anse, cajon), Alberto Garcia (chant, palmas), Cédric Baud (saz, guitares) et Stéphane Edouard (percussions).

Il est aussi possible d’écouter le répertoire de JALEO  » le 07 décembre au Studio de l’Hermitage à Paris.

… et en attendant quelques images et sons pour patienter !

« Nearness », le dialogue intime de J.Redman et B. Mehldau

Le saxophoniste Joshua Redman et le pianiste Brad Mehldau conversent en duo sur « Nearness ». Cet album sorti le 09 septembre chez Nonesuch présente six titres captés « live » en 2016 lors de leur tournée européenne en duo. Pureté de l’expression et beauté d’un dialogue intime.

Ces deux musiciens aujourd’hui quarantenaires ont mené leur carrière de leader sans jamais se perdre de vue. Le début de leur collaboration remonte aux années 90, lorsque Brad Mehldau était membre du quartet de Joshua Redman et participait en 1994 au disque « Moodswing » du saxophoniste. Ils ont ensuite mené séparément leur carrière de leader mais en 2010, Joshua Redman participe à l’enregistrement du double album du pianiste « Highway Rider ». En 2013 ils se retrouvent encore mais cette fois, Brad Mehldau n’est pas seulement derrière le clavier, il produit et arrange l’album « Walking Shadows » que le saxophoniste enregistre avec des cordes.

On les a écoutés avec délice en duo un certain 16 juillet 2011 sur la scène du grand Théâtre de Fourvière où ils ont déjà télescopé leur art avec brio. Ils se sont ensuite retrouvés le 31 juillet à Marciac où leur duo a aussi créé le choc.

L’album « Nearness » comble donc d’aise celles et ceux qui ont déjà savouré l’expression scénique du duo Redman/Mehldau. Il est l’occasion pour les autres de découvrir la proximité qui rapproche les deux musiciens.

« Nearness » cultive la musicalité. La construction des phrases confine à la pureté mais l’émotion affleure avec pudeur au détour des harmonies. On est captivé par la conversation complice de Joshua Redman et Brad Mehldau. On se laisse griser par leur maîtrise du tempo.

Que les amateurs de standards se réjouissent, trois thèmes du « Real Book » figurent sur l’album. Ornithology de Benny Harris et Charlie Parker pris sur un tempo d’enfer comme pour prouver d’emblée que les deux solistes maîtrisent le rythme. In Walked Bud de Thelonious Monk où Brad Mehldau laisse entrevoir toute l’étendue de sa virtuosité. The Nearness Of You de Hoagy Carmichael et Ned Washington où durant seize minutes l’émotion habite l’album. Le silence est palpable et la sobriété sensible des deux interprètes renouvelle ce titre tant de fois interprété.

L’autre moitié de l’album est constituée par des compositions originales. Mehlsancholy Mode de Joshua Redman sonne comme une déclaration d’amitié du saxophoniste au pianiste et se déroule au rythme d’un échange tempéré. La composition de Brad Mehldau, Always August résonne d’une musicalité équilibrée. Empreint de sérénité, ce titre se dessine comme un des meilleurs moments de l’album où saxophone soprano et piano dialoguent dans une parfaite symbiose. La musique s’écoule avec fluidité et respire. Avec Old West, écrit par Brad Mehldau, le duo explore librement les territoires de l’improvisation.

Sur « Nearness » les deux virtuoses produisent une musique peaufinée et raffinée non dénuée d’énergie et de créativité. En faisant alterner trois standards et trois compositions originales, Joshua Redman et Brad Mehldau incarnent de manière évidente les valeurs sûres d’un jazz qui ne renie pas ses racines mais sait se renouveler.

Après avoir écouté avec délice la conversation intime enregistrée par Joshua Redman et Brad Mehldau sur l’album « Nearness », on aura le plaisir de vivre en direct leur complicité musicale sur les scènes françaises. Le 13 novembre à 16h sur la scène de l’Auditorium de Lyon et le 14 novembre à 20h30 dans la Grande Salle Pierre Boulez de la Philarmonie de Paris.

Avec élégance, Fernando DelPapa réinvente la samba

Dans son premier album solo « Eu Tambèm », Fernando DelPapa affirme son identité et aborde de nouveaux territoires. Le cavaquinhiste crée un univers très personnel. D’élégantes mélodies immergées dans la tradition brésilienne.

Originaire de São Paulo au Brésil, Fernando DelPapa joue du cavaquinho dès l’âge de 13 ans. Il gagne Paris en 2000 où il s’engage dans des études d’ethnomusicologie. Parallèlement il s’engage dans les aventures musicales de différents groupes :Orquestra do Fubá, Roda do Cavaco et Terça Feira Trio où il se fait connaître sous le nom de Fernando Cavaco.

Dans le même temps il côtoie le monde du jazz et joue avec André Minvielle, David Linx, Vincent Segal, Márcio Faraco et de nombreux musiciens brésiliens de passage en France.

Au fil des ans, le natif de de São Paulo souhaite créer un projet où puisse s’exprimer son identité propre. Sans quitter le cavaquinho, il s’affranchit de toute contrainte et sectarisme musical. Il monte alors le projet pour lequel il reprend son nom, Fernando DelPapa. Le titre de l’opus annonce la couleur… « Eu Tanbèm » c’est à dire « Moi aussi ».

Pour précision, l’album « Eu Tambèm » (Helico Music/L’autre Distribution) sorti le 23 septembre 2016 a pu être réalisé grâce à un financement participatif.

« Eu Tambèm », réinvente la samba en douze morceaux dont dix titres originaux signés paroles et musiques par Fernando DelPapa lui-même. Un voyage mélodique et rythmique aux nuances douces et élégantes.

Autour de Fernando DelPapa (chant, cavaquinho et guitare ténor) sont réunis, Rafael Paseiro (basse et contrebasse), Webster Santos (guitares, mandolines, cavaquinho et cuatro), Inor Sotolongo (batterie et percussions) et Douglas Alonso (percussions).

Des invités de tout premier ordre sont aussi impliqués et leurs contributions apportent une touche finale précieuse au projet. La voix chaude de João Cavalcanti, la guitare à 7 cordes de Swami Jr, la guitare électrique de Davi Moraes, la trompette de Rubinho Antunes, l’accordéon de Lionel Suarez, le Rhodes de Tiago Costa, le violon de Ricardo Herz et le violoncelle de Vincent Ségal.

Sur « Eu Tambèm » la samba se teinte d’accents cubains, le forró s’orne de rythmes africains, la modihna s’évade sur les sentiers mexicains et le sertão se colore de dégradés texans.

Le rythme de la samba pagode plane sur tout le disque. O Mar où chante la trompette de Robinho Antunes, résonne comme un clin d’oeil au grand compositeur du genre, Paulinho da Viola. Les lignes de basses insistantes et les saveurs nordestines du titre Olho Magico exercent un attrait infini. On bouge sur les sonorités africaines de Meu Barraco. On voyage du désert du Nordeste à celui du Texas à l’écoute de Couro Cru. La nostalgie de Quebra Cabeça n’est pas sans évoquer l’univers de de Chico Buarque. Palafitas fleure bon le romantisme d’une ancienne modinha où accordéon, guitare et violoncelle aspirent à des escapades mexicaines.

On se réjouit de la programmation du Festival « Les Guitares » 2016 qui invite Fernando DelPapa et son cavaquinho le 26 novembre l’Espace Tonkin de Villeurbanne.

La soirée est prometteuse et on pourra sans doute écouter Super Teimosa où la samba flirte sans complexe avec le rap et invite à la danse.

Hubert Dupont sculpte un ailleurs singulier

Le contrebassiste et compositeur Hubert Dupont se plait à sillonner la musique au gré de ses envies et de ses rencontres. Avec son nouvel opus « Golan-Al Joulan Vol 1 » sorti le 11 octobre, le musicien ouvre une fenêtre sur un autre Orient que la musique aurait pacifié.

En 2013, le duo « Sabil » constitué ses musiciens palestiniens Ahmad Al Khatib (oud) et Youssef Hbeisch (percussions) invite Hubert Dupont pour un grand concert à l’Institut du Monde Arabe. C’est la naissance du Trio Sabil qui part en Palestine pour une tournée suivie en 2014 par des concerts en France et en Finlande. Intéressé par les métriques atypiques, la force expressive des maqâms et des modes en général, et toujours avec le goût de l’improvisation chevillé aux cordes de sa contrebasse, Hubert Dupont envisage par la suite de créer un nouveau programme orchestral qui doit alors s’appeler « Golan ».

Dans cette direction, il réunit de nouveau Ahmad Al Khatib et Youssef Hbeisch ainsi que trois autres instrumentistes, la flutiste Naïssam Jalal, le clarinettiste Matthieu Donarier et le violoniste Zied Zouari. Dans la nouvelle fraternité musicale du sextet ainsi constituée, le monde du jazz moderne et celui du monde arabe dialoguent. Les interactions entre les musiciens esquissent un langage orchestral singulier et dessinent les lignes d’un nouveau monde où improvisation et tradition orientale font alliance.

Une tournée dans les territoires palestiniens est envisagée, jusqu’au Plateau du Golan mais si le plateau est bien nommé Golan en anglais et en hébreu, les gens qui y vivent l’appellent Al Joulan. C’est ainsi que l’album s’intitule « Golan-Al Joulan Vol 1 ».

« Golan-Al Joulan Vol 1 » (Ultrack/Musea), un album qui sculpte une bulle protectrice dans laquelle on se plaît à rêver d’un monde où l’homme fait le choix de la musique pour communiquer. Les orchestrations irriguées de rythmes rayonnants et de lignes mélodiques lumineuses dessinent un univers oriental où les instruments croisent leurs couleurs avec bonheur.

Sur Turquoise on perçoit la présence centrale du contrebassiste. Avec les percussions, la  contrebasse élabore un tissu au-dessus duquel s’élèvent les volutes aiguës du violon et de la flûte.

On est également touché par le mariage harmonieux entre la sonorité de la clarinette de Mathieu Donarier et les rythmes et tonalités orientales. On aime à s’immerger dans cet océan sonore et organique d’où surgit le souffle poignant de la flûte de Naïssam Jalal. Le violon de Zied Zouari s’élève avec compassion au-dessus de la mêlée. Comme deux fleuves, l’oud de Ahmad Al Khatib et la contrebasse d’Hubert Dupont se défient ou se croisent mais leur lignes se mêlent et finissent par se fondre dans une zone de confluence. La dimension rythmique primordiale est assurée à chaque instant par le percussionniste Youssef Hbeisch.

Haifa la nuit se construit au fil du temps. Deux plages à écouter en continu. Contrebasse et percussions sont rejointes par l’oud puis par le violon. Le souffle aigu de la flûte fait planer l’inconnu et l’épaisseur de l’ombre. Soutenue ensuite par la percussion au rythme entêtant, la clarinette explore tous ses registres et appelle à fêter la clarté de l’aube qui s’annonce. Tous les protagonistes unissent leurs chants pour cette ode à la nuit sur Haifa.

On est tenté de voir dans cette musique d’une rare modernité, un acte aux contours politiques qui dirait l’espoir d’un possible. Bien sûr on n’ignore pas que la musique ne peut à elle seule engendrer paix et compréhension entre les peuples et les cultures mais ne peut-elle pas ouvrir à un monde où l’écoute et le dialogue coexistent ? Avec « Golan-Al Joulan Vol 1 », on rêve d’un univers qui accepte les changements et les perspectives nouvelles.

Après une tournée en Palestine en mars 2016 qui a mené les musiciens de Ramallah à Nazareth en passant par le Plateau du Golan, Nablus et Jérusalem, le « sextet Golan » se produira le 25 janvier 2017 à Paris au New Morning, Une occasion à ne pas rater pour écouter cette musique bâtie à la confluence des cultures… et on garde aussi l’espoir que 2017 verra la sortie d’un « Golan-Al Joulan Vol.2 » !

Mika Hary, une nouvelle voix à découvrir

Mika Hary sort son premier album « When Morning Comes ». On découvre une nouvelle chanteuse aux lisières du jazz, de la world et de la pop. Sa voix sensible et légère navigue entre douceur et puissance.

Son amour pour le jazz et l’improvisation, ainsi que son inspiration pour différents sons et couleurs, ont conduit Mika Hary d’Israël à New York à l’âge de 21 ans. Là, elle a reçu une bourse d’études à la célèbre « New School » pour le jazz et la musique contemporaine et a ensuite formé son premier groupe avec lequel elle a joué. C’est durant ces mêmes années que Mika Hary a commencé à créer un son bien à elle, un mélange de simplicité et de complexité. Sa voix expressive sait alternativement monter en intensité ou se faire douce et apaisante.

Après de nombreuses rencontres artistiques et de multiples concerts, Mika Hary présente son premier album « When Morning Comes » (B.P LTD / Labeleh Music) sorti le 26 septembre. Le CD conte l’histoire de la quête d’une jeune femme qui cherche sa place dans le monde et s’interroge sur elle-même et sur les autres.

Aux dires de son producteur new yorkais Matt Pierson, « le son de Mika, distinctif et émotionnel, vous attrape et son incroyable sens de la narration à la fois lyrique et mélodique, captive ». Celui qui a travaillé avec de grands noms du jazz (Joshua Redman, Pat Metheny, Brad Mehldau) est rejoint dans son appréciation par le manager actuel de la chanteuse, Asher Bitansky, qui a précédemment travaillé avec Noa et Yaël Naïm.

Mika Hary joue avec de jeunes musiciens New-Yorkais, Nir Felder à la guitare, Sam Yahel aux piano/claviers, Jonathan Levy à la basse et de Jordan Perlson à la batterie. La chanteuse a confié les arrangements au flûtiste Hadar Noiberg.

Sur « When Morning Comes », Mika Hary s’efforce de créer une musique fluide, douce et légère qui tente de mélanger les genres. On reste attentif à l’orientation de la carrière de cette artiste et à son évolution musicale. Entre jazz, pop et world, il faut quelquefois choisir.