Entre fougue et méditation

Nouvelle signature du Label Laborie Jazz, le pianiste Uriel Herman sort le 25 janvier 2019 son nouvel album « Face to Face ». Porteur de l’ensemble des influences musicales de l’artiste, l’opus invite à pénétrer dans un monde dont les rivages oscillent entre fougue et méditation. A découvrir.

Annoncé pour le 25 janvier 2019, l’album « Face to Face » (Laborie Jazz/Socadisc/Idol) du jeune Uriel Herman révèle les différentes facettes du monde imaginaire que le pianiste explore en quartet.

Un monde musical aux multiples influences

Après « Awake » sorti en 2014 où il reprenait Smells like teen spirit de Nirvana et Lucky de Radiohead, Uriel Herman fait figurer un arrangement de The man who sold the world de David Bowie sur « Face to Face ». D’ailleurs le titre de l’album emprunte aux paroles du refrain de la chanson de Bowie.

Ainsi, la musique d’Uriel Herman puise certaines de ses inspirations dans le monde pop/rock mais le pianiste demeure marqué par la formation classique reçue à Jérusalem. On retrouve en effet dans sa musique des réminiscences  d’un romantisme issu de de cette trajectoire musicale et cette maîtrise du contrepoint qui affleure sur certaines plages de facture faussement baroque.

Il demeure que les fondamentaux de cet artiste sont aussi ancrés dans les musiques traditionnelles de sa culture qui imprègne fortement son écriture et ses arrangements. Enfin le jazz contribue aussi à la forger la personnalité de ce musicien.

Uriel Herman opère entre toutes ces influences musicales une habile fusion et inscrit sa trajectoire musicale dans le sillon de ces artistes adoubés dans le monde du jazz, comme Avishai Cohen, Yaron Herman, Shai Maestro, Omri Morr et bien d’autres encore, qui trouvent dans leurs racines leur inspiration .

« Face to Face »

Les musiciens

Pour définir les contours de son univers, le pianiste Uriel Herman s’entoure du contrebassiste et oudiste Avri Borochov, du flutiste et saxophoniste Uriel Weinberger et du batteur Haim Peskof.

Pour mieux définir les teintes de certaines plages, le quartet accueille aussi le chant de Daniel Krief, la voix et la guitare de Yehuda Shuki Shveiky, le chant  et la guitare électrique d’Aviv Bahar, les trompettes d’Arthur Krasnobaev, la guitare électrique d’Ilan Bar-Lavi et le cajon de Maayan Doari.

Le répertoire

En ouverture, le quartet revisite Hayu leylot, une chanson israélienne de Mordechai Zeira. Après une introduction nostalgique à  la flute, le piano ébauche la mélodie puis le discours musical se densifie avec un piano très percussif, une batterie tonique et une contrebasse véhémente. Le morceau se termine en prière. Sur Shva Esre le piano joue en boucle un motif sur lequel les autres instruments greffent leur expression.

The man who sold the world constitue un moment phare de l’album. Sur ce morceau de David Bowie intervient la trompette qui expose la ligne mélodique jouée par le quartet à la sonorité klezmer. L’oud chante une louange lumineuse à laquelle répondent le saxophone véloce et la trompette lumineuse. Advient ensuite Ballad for Yael qui affiche ses influences jazz avec ses harmonies évocatrices de « Blue in green ». Le piano joue en suspension alors que le saxophone caresse cette courte élégie des volutes qu’il souffle avec une délicate tendresse.

« I shall not die but live » appelle à la prière et incarne un moment de spiritualité et élève son incantation qu’accentue la sonorité d’orgue qu’ajoute le pianiste. Entre prière et danse orientale échevelée s’inscrit Shirat hachalil où alternent accents andalous et pulsion électrique.

Deux compositions du pianiste Uriel Herman imprègnent de leur force le répertoire de « Face to Face », Winter light et Hour of the wolf.

On tombe aussi sous le charme du superbe Hour of the wolf ouvert en douceur par le chant du oud avant de devenir farandole survoltée. Sur Winter light, le quartet propose de voyager dans un climat incantatoire. Rien d’étonnant car ce titre a été composé par le pianiste après sa visite au Costa Rica où il a participé à une cérémonie chamanique qui a duré toute la nuit. Les formes musicales plutôt classiques et romantiques incitent d’abord à la méditation avant que la transe ne s’installe. Enivrant ! 

Faute de teaser de présentation de l’album « Face to Face », une vidéo enregistrée au Jerusalem Music Center et mise en ligne il y a trois ans restitue la force de la musique du pianiste Uriel Herman. Entre fougue et méditation, avec en plus, la lumière transmise par le (prénom du) pianiste.

Grâce, élégance et musicalité

Le guitariste Michael Felberbaum signe un sixième album intitulé « 3Elements ».  l’album propose un jazz chambriste à l’instrumentation singulière, un trio guitare-saxophone-piano, sans basse ni batterie. Au final, une musique à la palette nuancée et subtile qui conjugue grâce, élégance et musicalité.

Sur l’album « 3Elements » (Fresh sound new talent) annoncé pour le 18 janvier 2019, le guitariste Michael Felberbaum réunit autour de lui Frédéric Borey (saxophones soprano et ténor) et Leonardo Montana (piano et Fender Rhodes).

On pourrait se demander si le titre de l’album fait référence à la portée symbolique, numérologique ou ésotérique souvent attribuée au chiffre 3. Sans explorer toutes les hypothèses il s’avère, et c’est bien là l’essentiel… l’album est le fait de trois musiciens inspirés.

Le répertoire de l’album compte une composition du saxophoniste et huit compositions du leader qui a par ailleurs arrangé un titre chanté par Janis Joplin, un de Chris Cornell (Soundgarden) et une pièce du compositeur baroque napolitain, Andrea Falconieri… la musique navigue entre les rivages du jazz, du blues, du rock et du classique.

« 3Elements », un album à l’esthétique soignée. Un opus singulier irrigué par le dialogue permanent qu’entretiennent les trois musiciens. Il fait résonner des échos intimistes qui n’en possèdent pas moins une dynamique fort expressive.

« 3Elements », une instrumentation singulière

Le trio atypique qui réunit les guitares acoustique et électrique de Michael Felberbaum, les saxophones soprano et ténor de Frédéric Borey et le piano et le Fender Rhodes de Leonardo Montana, renouvelle les discours habituels.

La voix du saxophoniste Frédéric Borey se partage entre énergie, douceur, sensibilité et lyrisme. Le son lumineux du soprano et la pureté du grain du ténor se marient à merveille avec le jeu tout en nuances de la guitare. Avec élégance et subtilité, Michael Felberbaum cisèle son phrasé avec précision et apprivoise les dissonances. Le sens rythmique du pianiste brésilien Leonardo Montana permet à la guitare et au saxophone de libérer leurs discours. A l’aise dans les minimalismes les plus subtils où son lyrisme fait mouche, le pianiste chahute aussi les paysages sonores sur les touches de son Fender Rhodes.

Sans section rythmique, les trois instrumentistes croisent leurs mélodies sur des trames harmoniques variées. Ils reprennent les motifs des morceaux qui alimentent leurs échanges et donnent lieu à de multiples développements. Unisson et dialogues alternent. Les interactions de chaque instant nourrissent la trame musicale et oxygènent la musique

Impressions musicales

L’album ouvre avec Italian Waltz, un morceau à la texture aérienne qui se déroule avec légèreté et fluidité sur un rythme ternaire enlevé. 3Elements, qui flirte avec les dissonances, met en évidence la réelle communauté musicale au sein de laquelle les 3 éléments de ce trio peu conventionnel s’expriment. Au fil du morceau on prend la mesure de la maîtrise de l’improvisation que développe chacun des trois compères. La dimension rythmique est assumée par les trois instrumentistes qui n’oublient pas pour autant de libérer leur créativité débordante. Les lignes mélodiques se développent dans des climats harmoniques variés.

Après un exposé du thème de Black Hole Sun à l’unisson, la guitare développe un solo pensif auquel répond le ténor. Par son attaque son jeu n’est pas sans rappeler celui de Joe Lovano alors que son phrasé coulé évoque celui d’un un certain Joe Henderson. Les trois instruments s’unissent pour terminer le morceau du groupe grunge « Soundgarden » en un feu d’artifice de lyrisme.

Sur Ava, le balancement rythmique évoque des rivages brésiliens que colorent les chants et contre-chants entrelacés du soprano et de la guitare. Soutenus par le piano, guitare et saxophone exposent ensemble le thème de Gilmore puis s’expriment à tour de rôle avant de céder l’expression au piano. Les soli se succèdent avec une grande cohérence jusqu’à la reprise du thème et la fin de ce morceau aux consonances très jazz.

Mercedes Benz que chantait Janis Joplin est repris de manière très personnelle par le trio qui pare le thème d’accents nostalgiques aux sonorités sépias. Les improvisations fournies du saxophone et de la guitare sont soutenues par le piano dont le chorus aéré et moderne impulse un envol et déclenche des échanges touffus et très riches entre saxophone et guitare.

Avec bonheur, l’album enchaîne avec Lazy Man Blues qui calme le jeu et paresse sur la grille du blues. Les trois solistes se font lyriques et s’aventurent dans des harmonies surprenantes. Le trio reprend Segui, Segui, Dolente Core du compositeur baroque napolitain Andrea Falconieri dont ils donnent une version ciselée. Les trois interprètes se relaient pour exprimer les nuances de la partition dont ils restituent avec précision les nuances et les appogiatures.

Mode débuté comme un pur exercice de contrepoint puis cède aux appels d’un jazz moderne fort séduisant. Sur Shade l’écriture de Frédéric Borey entraîne le trio vers d’autres rivages expressifs. Point de thème exposé à l’unisson mais un climat intimiste dont les brumes et contrejours incitent à la contemplation et à la rêverie.

Le swing règne en maître sur Mobil où les solistes développent des improvisations inspirées et peaufinées L’album se termine avec The State of things saisissant par les lignes de force qu’il dégage. On cède à l’appel du soprano envoûtant qui entraîne le piano dans son monde alors que la guitare garde le cap rythmique sans pour autant parvenir à dompter leurs aspirations à la liberté.

Le nuancier subtil et varié de « 3Elements » propose un jazz chambriste fluide et inventif où se côtoient de multiples influences. Entre intimité et grâce, dissonances et contrepoint, swing et lyrisme, l’opus développe un charme surprenant et envoutant.

J. Mienniel, D Goyone, 11h11 Orchestra, E. Perraud, F. Woeste

« Jazz sous le sapin #2 » présente cinq d’albums d’exception. Loin des sentiers battus ces disques interpellent tant par la qualité de leur propos que par leur identité singulière. Impossible de passer sous silence ces musiques à découvrir sans tarder !

Joce Miennel

Avec l’envoûtant “Babel » (Buda/Socadisc) paru le 09 novembre 2018 on embarque avec le flutiste et compositeur Joce Mienniel à la découverte du Moyen-Orient, de l’Inde et de la Méditerranée. Autour de lui, le leader réunit cinq musiciens traditionnels venant de Syrie, d’Inde, d’Italie, de Macédoine et de France : Ashraf Sharif Khan (sitar), Iyad Haïmour (oud, quanoun), Antony Gatta (percussions), Stracho Temelkovski (mandole, bendir) et Joachim Florent (contrebasse). Un album qui pratique avec brio la mixité des cultures traditionnelles de ces régions du monde.

Passionné d’ethnomusicologie, Joce Mienniel a été captivé tout jeune par le jazz puis par la musique indienne qu’il a étudiée durant deux ans. Il a ensuite été intéressé par toutes les formes de la musique modale. Son art se fonde sur les sonorités et les rythmes des cultures traditionnelles où la flûte occupe une part essentielle. Son univers agrège l’ensemble des influences qu’il a découvertes, étudiées ou traversées. Dans « Babel », il utilise des flûtes venues des quatre coins du monde et livre sa musique singulière riche des parfums et des sonorités orientales.

A travers son projet « Babel », le flutiste convoque le mythe de Babel mais dans son histoire les musiciens parlent le même langage universel et se comprennent. Dans le respect de la transmission orale commune à toutes les cultures traditionnelles de l’Orient et du Moyen-Orient, l’orchestre élabore une musique destinée à être comprise par tout un chacun, ici et ailleurs, par-delà les langues, les frontières et les coutumes culturelles.

Imprégné d’une poésie intemporelle, l’album « Babel » ouvre les routes d’un voyage dépaysant et ressourçant. Il décloisonne les traditions orientales et moyen-orientales et invente un nouveau monde où il fait bon oublier les différences et rêver d’un ailleurs métissé et unificateur.

Daniel Goyone

Issu du monde du jazz, le pianiste Daniel Goyone a élargi sa pratique en direction des musiques latino-américaines (cubaine et brésilienne) et indiennes. Depuis son premier disque paru en 1982, il a développé un univers de compositeur à l’écart des classifications musicales habituelles. On retrouve dans son univers des échos de la musique classique française mais ce pionnier de l’extension de la pédagogie du jazz a aussi mis l’improvisation au cœur de sa musique.

Sur l’album “French Keys” (Music Box Publishing/InOuie Distribution) sorti le 23 novembre 2018, le piano de Daniel Goyone dialogue avec le vibraphone et les percussions de Thierry Bonneaux. La collaboration des deux musiciens date d’une vingtaine d’années et cette entente musicale est perceptible dès la première écoute. Enregistré à la Buissonne par Gérard de Haro l’opus possède une telle qualité audio qu’il est possible de saisir les moindres nuances de la musique; On entend presque les notes s’élever des claviers du piano et du vibraphone et l’air vibrer sous l’effet des percussions.

Complices, les deux musiciens se jouent des limites des styles pour créer un univers très personnel et accessible dès la première écoute. Leur musique s’écoule avec fluidité et restitue des influences diverses dont le jazz fait partie mais on est loin du jazz pratiqué par le duo Corea-Burton ou celui plus chambriste de Guillaume de Chassy et David Patrois  Les titres jouent avec les mots comme les musiciens avec les notes. Sur les dix-huit plages, le pianiste fait un clin d’oeil à Satie en solo.

Une musique acoustique où mélodies et rythmes vibrent à part égales. On se laisse gagner par le sourire et la sérénité au fur et à mesure de l’écoute de cet album dont le groove et les nuances n’ont cesse de surprendre.

Onze Heures Onze Orchestra

Sorti le 11 mai 2018, l’album « Onze Heures Onze Orchestra volume 2 » (Onze Heures Onze /Absilone) fait suite au volume 1 sorti en 2017 et prolonge le travail du grand orchestre né en 2014 sur l’initiative du label Onze Heures Onze pour réunir les instrumentistes actifs au sein du collectif du même nom. Inspiré par les compositeurs du XXème et XXIème siècle, le répertoire explore les œuvres de Morton Feldman, Olivier Messiaen, Conlon Nancarrow et Edgar Varese.

Affranchis de nombreux codes, tant au niveau de l’écriture que de l’interprétation, les musiciens livrent une musique très actuelle qui met en cohérence héritage et création. Improvisateurs hors normes et compositeurs pour la plupart, les instrumentistes élaborent une esthétique orchestrale qui alterne entre foisonnement et minimalisme.

Les créateurs de cette musique ont pour nom, Alexander Herer (piano, Fender Rhodes), Olivier Laisney (trompette), Stéphane Payen (saxophone alto), Denis Guivarc’h (saxophone alto), Julien Pontvianne (saxophone ténor), Johan Blanc (trombone), Michel Massot (tuba), Magic Malik (flûte), Stefan Caracci (vibraphone), Joachim Govin, Florent Nisse (contrebasse), Thibault Perriard, Franck Vaillant (batterie).

Un album bienvenu pour découvrir avec bonheur une musique complexe rendue séduisante par un orchestre qui maîtrise l’art du contrepoint et celui des échanges.

Edward Perraud

Le batteur, percussionniste et compositeur Edward Perraud a voulu « écrire tout un opus pour célébrer les intervalles, dans lequel chaque composition est une offrande à un des 12 intervalles du langage tonal compris au sein d’une octave ». Pour ce faire il a convié le contrebassiste Bruno Chevillon et le pianiste Paul Lay à le rejoindre pour servir la musique qu’il a imaginée. Ensemble ils ont enregistré l’album « Espaces » (Label Bleu/L’Autre Distribution) sorti le 21 septembre 2018.

La musique de ces trois musiciens est très éloignée de la forme habituelle du classique trio jazz piano-contrebasse-batterie. Outre la forte identité de chacun des musiciens entre aussi en ligne de compte dans l’équation musicale la teneur des compositions proposées par Edward Perraud. Il a en effet conçu son projet pour mettre en lien tous les espaces qu’il associe au son, aux notes, et plus largement à la musique. C’est d’ailleurs la raison pour laquelle il a conçu de nommer son album « Espaces » au pluriel.

Il relie ainsi l’espace acoustique, lieu où la musique est jouée et enregistrée. L’espace qui existe entre deux sons et détermine les tons, demi-tons (dans le langage tonal). L’espace-temps et la théorie de la relativité qui en découle. L’espace infini du cosmos pourtant silencieux et celui des trous noirs si mystérieux. L’espace visuel est aussi présent à travers les photos qui inspirent les compositions et figurent sur le livret.

On est saisi par la résultante de l’écoute et de la réactivité de tout instant qui unit les musiciens et leur permet de donner sens aux notes, de les inventer, bref de les projeter bien au-delà des portées. On est touché par la grâce de l’expression du trio qui transforme des vibrations sonores en sensations vertigineuses. Sensuelle et créative, la musique bondit et sursaute, se coule en souplesse, suspend le temps ou le surprend. Sa poésie stimule l’imagination de l’oreille attentive qui capte aussi le silence souvent convié. Dans cet opus les pièces s’enchainent avec finesse comme quatorze parcelles d’un tout auquel on ne peut que succomber.

Le bien nommé « Espaces » ouvre aussi l’espace de l’écoute. Sans forcer cette dernière, il la captive par le mystère et la force qui se dégagent de ses plages et cela est suffisamment rare pour faire de cet opus un des plus marquants de cette année 2018.

Frank Woeste

Leader de « Pocket Rhapsody », le pianiste et claviériste Frank Woeste a fondé le Studio Libretto avec l’ingénieur du son Erwan Boulay. Le musicien a invité plusieurs musiciens avec qui il a déjà partagé la scène, à dialoguer avec lui dans des duos spontanés. L’album « Libretto Dialogues Vol 1 » (Phonart/Socadisc/Belove) sorti le 09 novembre 2018 témoigne de la teneur de dix de ces « Dialogues ».

Le principe qui préside à ces duos est simple. Frank Woeste propose à chacun de ses complices une partition qu’ils n’ont jamais jouée ensemble. Ainsi, sans plus de préparation que quelques arrangements posés a minima pour favoriser les échanges, les musiciens se lancent et enregistrent pas plus de trois prises « sans filet » avec une prise de son à l’ancienne sans possibilité de reprendre des parties. Ces instantanés musicaux restituent une musique proche des conditions scéniques.

Sur « Libretto Dialogues Vol 1 » figurent les dix dialogues où Frank Woeste échange avec Baptiste Trotignon (piano), Scott Colley (contrebasse), Olivier Ker Ourio (harmonica), Mark Turner (saxophone ténor), David Enhco (bugle), Larry Grenadier (contrebasse), Eric Vloeimans (trompette), Greg Hutchinson (vibraphone), Sylvain Rifflet (saxophone ténor), Seamus Blake (saxophone ténor). Au regard des musiciens présents sur cette liste, on présume d’emblée que la teneur des duos sera du meilleur cru et l’écoute des plages confirme d’ailleurs cette hypothèse.

Outre la qualité des dialogues et leur richesse, le répertoire présente une superbe cohérence musicale. Certes les ambiances varient mais la palette musicale de chaque morceau complète les couleurs du titre précédent et s’accorde avec les teintes du morceau suivant.

On note avec intérêt que le premier titre de l’album porte le numéro 21 et l’on peut donc escompter qu’il y aura suffisamment de matériau pour justifier la sortie d’un éventuel Volume 2 que l’on appelle chaleureusement de nos vœux.

Ces cinq albums d’exception s’inscrivent dans la dynamique plurielle de cette musique dénommée jazz qui vit et vaut par ses différences, ses ouvertures, ses filiations, sa pluralité et ses ruptures qui tous contribuent à son évolutivité.