Entre énergie et méditation

A l’occasion de ses 33 ans, le contrebassiste Or Bareket livre son deuxième album intitulé « 33 ». Le répertoire restitue sa perception d’éléments de vie observés et vécus. Entre énergiques mouvements et profondes méditations, Or Bareket propose une musique à la fois énergique et élégante.

Après un premier album « ob1 » sorti en 2017, le contrebassiste Or Bareket revient avec son deuxième opus, « 33 » (Enja Yellow Bird/L’Autre Distribution) à sortir le 24 mai 2019. Il retrouve le fidèle guitariste Shachar Elnatan déjà présent sur « ob1 » le premier disque du leader. Il est rejoint par le batteur Daniel Dor et le pianiste Nitai Hershkovits qui a coproduit l’album « 33 » avec le leader.

Deux invités participent aussi à ce disque, la chanteuse chilienne Camila Meza et Eden Bareket, frère de leader et saxophoniste baryton.

Or Bareket

Né à Jérusalem et élevé entre Buenos-Aires et Tel-Aviv, Or Bareket est actuellement l’un des bassistes les plus demandés et les plus polyvalents de la scène jazz de New York, ville qu’il a rejointe en 2010.

A 16 ans son père lui a offert « Jaco Pastorius », le premier album du légendaire bassiste Jaco Pastorius qui ouvre avec Donna Lee où Jaco joue ce fameux thème avec Don Allias aux percussions. L’écoute de cet album, a orienté la vie du jeune Or Bareket qui a décidé de devenir bassiste.

Or Bareket a grandi entre plusieurs cultures et a ultérieurement développé une esthétique musicale cohérente et très personnelle. Il a puisé dans son héritage diversifié, dans le folklore de ses ancêtres (Tanger, Bagdad, Buenos-Aires et Europe de l’est), son étude approfondie du jazz et de la musique classique. Il s’est aussi nourri de l’influence de ses mentors, de ses pairs et des collaborateurs rencontrés au fil des ans.

Gagnant du 1er prix de la compétition de jazz de la Société internationale des Bassistes en 2011, Or Bareket poursuit une carrière où il a l’occasion de jouer, enregistrer et tourner avec un large éventail d’artistes partout dans le monde. Parmi ses nombreuses collaborations notables on peut citer entre autres musiciens, Ari Hoenig, Jean-Michel Pilc, Aaron Goldberg, Sam Yahel, Don Friedman, Eliot Zigmund, Billy Hart et Victor Lewis, Jacques Schwartz-Bart, Chris Potter, Yotam Silberstein, Eli Degibri, Gilad Hekselman et Leon Parker. En France on a pu l’écouter aux côtés de ce dernier et du pianiste Fred Nardin avec lequel il a enregistré ‘Opening » ‘2017) et « Look Ahead » (2019).

Or Bareket a appréhendé différents systèmes de pensée et en toute conscience de son passé, a construit et projeté sa musique comme une extension de son histoire familiale dont il s’est nourri.

L’album « 33 »

« Cet album est une méditation sur les cycles de vie, les transformations, la mort et (re) naissance d’idées, des relations et des gens… Ces mélodies et les rythmes sont nés comme des chants, comme des médicaments, une boussole, un point d’ancrage à une époque de changements radicaux dans ma vie : débuts et fins, douleur et extase, communion et isolement, aventure et mal du pays. » Or Bareket

Aujourd’hui enrichi de nombreuses rencontres musicales et après le décès de son père, Or Bareket signe un deuxième album sensible et fluide.

Le répertoire de dix titres réunit six compositions originales du leader, le classique argentin Zamba de Argamonte, Carmo Caprice du compositeur et joueur de bandolim Hamilton de Holanda et deux co-compositions que le contrebassiste signe avec le pianiste Nitai Hershkovits qu’il connait depuis 15 ans, bien avant de faire de la musique avec lui à Tel Aviv.

Au fil des plages musicales

Deux titres développent une dimension rythmique peu commune. Still Searching qui ouvre l’album avec une introduction grondante (contrebasse - batterie), une mélodie aux accents orientaux, une guitare radieuse et un piano enthousiaste. Reginia où la contrebasse au son de gembre dessine un motif africain sur une métrique en 9/4 qui évoque celle des gnaouas avant que les solistes n’improvisent sur un thème dont la structure d’accord reprend celle d’Airegin de Sonny Rollins. Les échanges torrides laissent pantois.

Deux ballades cultivent un climat éthéré. Le nostalgique W Shubert & Troy où claviers et guitare céleste tressent un climat paradisiaque évocateur des ambiances chères à Pat Metheny. Feb.1st convie à un voyage méditatif sur les accords stratosphériques du synthé Optigan et la sonorité cristalline de la guitare.

Deux duos se distinguent par leur climat intime et délicat. La sonorité profonde de la contrebasse soutient la voix fragile et tendre de Camila Meza sur Zamba de Argamonte. En grande complicité, les deux frères échangent sur Yarkan. Le saxophone baryton de Eden Bareket se fait lyrique sur une ligne de basse étoffée et attentive.

Les deux thèmes co-écrits par le contrebassiste et le pianiste mettent en évidence la grande connivence qui règne dans le groupe. « 33 » permet de saisir la maîtrise instrumentale de tous les solistes et l’entente fusionnelle du groupe. Sur un tempo proche d’un tango-bolero, le son du synthé Optigan démultiplie l’intensité de la lamentation de la guitare. Le tempo ternaire de Vienna donne le tournis et laisse une fois encore percevoir la grande osmose qui unit l’énergique quartet.

Carmo Caprice suspend le temps et inspire allégresse et joie spirituelle. La mélodie de la composition de Hamilton de Holanda résonne très bien sur les cordes de la contrebasse alors que piano et guitare jouent en fugue comme dans une suite de Bach. Un délice musical à écouter en boucle.

Tzafonah termine l’album avec une touche d’espérance soulignée par la voix de la chanteuse qui fait bon ménage avec guitare et synthé.

« 33 », le deuxième album du contrebassiste Or Bareket donne à entendre une musique où alternent des plages colorées et énergiques et d’autres plus introspectives chargées d’une lumineuse spiritualité. Un album réussi qui témoigne d’une maturité musicale peu commune.

Un jazz qui coule de source

Annoncé pour le 03 mai 2019, l’album « No problem » du pianiste Tristan Mélia porte un titre qui lui sied tout à fait. Sa musique s’écoule avec fluidité et enthousiasme. Le jeune musicien inscrit son propos dans la tradition du jazz… et ça coule de source !

Sur « No Problem » (Jazz Family/Socadisc) le jeune pianiste Tristant Mélia réunit à ses côtés l’émérite contrebassiste Thomas Bramerie et le batteur Cédric Beck. En huit compositions originales et quatre reprises, le trio de Tristan Mélia propose un album accompli.

Tristan Mélia ne se contente pas de jouer du piano et de composer. Avec pudeur et simplicité, il se livre et dévoile sa perception du jazz sur les trois pages du livret où il présente lui-même son album et ceux avec qui il l’a réalisé (musiciens et ingénieur du son). Cette démarche d’écriture peu courante révèle sans doute une profonde fibre artistique et un fort engagement. Pour lui…

« … le jazz est une famille… » : à l’écoute du disque, les propos musicaux restituent de vraies relations d’échange et de réciprocité entre le pianiste et ses compagnons avec lesquels il entretient des relations complices. Par ailleurs, quoi de plus logique que son premier album soit réalisé sous le label Jazz Family !

« … le jazz est un langage… » :  là encore Tristan Mélia fait plus qu’en posséder les codes. Il les maitrise avec brio, qu’il s’agisse de blues, de ballade, de valse ou de swing.

« … le jazz est un jeu… » : cela aussi transpire à travers les douze plages de l’album. En effet, l’opus laisse percevoir l’ambiance symbiotique du trio qui devise, s’amuse, joue et improvise avec aisance au-dessus des portées et au cœur des harmonies. On capte le plaisir ludique que prend le pianiste à enregistrer cette musique de jazz constitutive de son identité musicale.

Tristan Mélia

Né de parents mélomanes, Tristan Mélia fait partie de ces musiciens investis très tôt dans la musique. Après avoir écouté Barney Wilen et Claude Nougaro au berceau, il manifeste dès 9 ans un talent et une envie débordante pour l’improvisation et la mélodie. Soutenu dans sa démarche par ses parents, il s’engage dès l’âge de 12 ans dans un travail intensif qui passe par l’écoute de Michel Petrucciani, Keith Jarrett, Barney Wilen et des cours particuliers avec Laurent Hernandez sur Nîmes.

À 13 ans le jeune pianiste intègre l’I.M.F.P. de Salon-de-Provence où il développe son jeu et sa technique auprès de Mario Stantchev, Philippe Petrucciani, Francesco Castellani, Benoit Paillard, Michel Zenino. Durant cette période, il se produit en solo, en trio et affine son jeu en écoutant Bill Evans. Après un rapide passage au Conservatoire de Lyon où il rencontre Franck Avitabile, il intègre le conservatoire de Digne - Manosque dans la classe de Christophe Leloil et Benoit Paillard.

Pianiste professionnel à 18 ans, il enregistre un EP, « Un Moment Loin de Toi ». Soucieux de progresser et d’améliorer encore sa pratique il fait une rencontre déterminante, celle du pianiste Giovanni Mirabassi qui lui prodigue cours et conseils. A 20 ans, il décroche son DEM et continue à perfectionner son jeu au fil des rencontres musicales. Il développe aussi un grand intérêt pour la composition.

En septembre 2018, avec Thomas Bramerie (contrebasse) et Cédrick Bec (batterie) il entre au Studio Recall où Phillipe Gaillot enregistre les douze pistes de l’album « No Problem ».

Au fil des titres

Jamais ostentatoire, le pianiste développe un jeu virtuose à la fois dense et léger. Avec élégance, il transforme les notes en émotions palpables qui évoluent tout au long des douze titres de l’album.

L’album ouvre avec une reprise inspirée de No problem, la composition de Duke Jordan. On se souvient de la superbe version que Barney Wilen donnait de No Problem dans l’album « La Note Bleue » sorti en 1987 et que le pianiste encore nourrisson a peut-être écouté. Le trio revisite le thème avec une énergie ludique. Le piano regorge de fougue, la contrebasse s’amuse sur les 4/4 avec la batterie au jeu fluide et souple.  Le climat évolue et le piano se fait tendre puis exalté sur Too Young To Go Steady de McHugh.

Le trio interprète ensuite cinq compositions du pianiste. Le style funky de Just A Memory permet d’apprécier un chorus inventif du piano suivi d’un enthousiasmant solo de batterie. Le trio joue ensuite le nostalgique P.P.P. réchauffé par le son boisé de la contrebasse. Sur un tempo ternaire, Dernier Espoir tourbillonne avec souplesse et engage le trio dans une ivresse collective enivrante qui laisse place ensuite au groove bluesy de Why Not Blues, conçu par Tristan Mélia le matin même de l’enregistrement. Après le début nuancé de C Minor, on saisit la force expressive du piano virtuose.

Sur May Be September de Percy Faith, le jeu romantique du piano inspire ensuite une tendre mélancolie. Advient alors La valse Du Clown, une composition écrite par le pianiste à l’âge de 15 ans. D’abord délicate, la valse prend de l’épaisseur mais sans plus attendre le piano enchaine et invite le swing dans Le Bois de Pont-Aven. Sur That’s What Friends Are For, vient le temps de savourer le jeu lumineux du piano qui apporte un supplément d’âme à la tendre romance de Burt Bacharah.

L’album se termine avec Rêve en Sol Mineur gorgé d’un swing maîtrisé. Cette dernière pièce du pianiste est pour le trio l’occasion d’aborder le registre de l’euphorie et de la joie partagées. On y perçoit même de délicates incursions latines.

Malgré sa jeunesse, Tristan Mélia fait preuve d’une maturité peu commune. Tout au long du répertoire de « No Problem », le pianiste allie énergie et sensibilité sans jamais tomber dans le piège tentant de la démonstration. En effet, son jeu sans esbroufe développe les nuances qui lui permettent de s’exprimer avec autant de réussite sur les tempi rapides que sur les ballades.

Souvenirs mélancoliques et ombres élégantes

Le prolifique compositeur John Greaves revient avec « Life Size », son seizième opus. Entouré de trois voix féminines et d’une pléiade de musiciens internationaux, le chanteur interprète de nouvelles compositions et revisite quelques anciennes. Une promenade mélancolique à l’ombre de douze chansons élégantes et raffinées, souvenirs d’une vie grandeur nature.

Au carrefour de nombreuses traditions musicales, John Greaves fait partie de ces artistes que l’on dit inclassables. Compositeur, chanteur, bassiste et pianiste, le poète gallois a diversifié ses aventures musicales. Ainsi, il a collaboré avec Henry Cow et Peter Blegavd, Robert Wyatt et Carla Bley, naviguant ainsi entre rock expérimental, free jazz et chansons avec de nombreuses incursions dans le monde de la poésie comme un cycle de chansons autour de Verlaine. Pour ses nombreuses productions discographiques, il a toujours préféré les labels indépendants.

Le 01 mai 2019, John Greaves sort « Life Size » (Manticore/Believe), un seizième album de douze chansons qui inscrit son propos dans la droite ligne de « Songs » sorti en 1995.

L’album

« Life Size » sort sur le label Manticore, qui, dans les années 1970, a assuré la promotion du groupe Emerson, Lake et Palmer. Il est aujourd’hui dirigé par celui à qui Greg Lake (1947-2016) l’a légué, Max Marchini. L’album a été enregistré par Alberto Callegari.

Parmi les douze chansons de « Life Size », neuf sont à porter paroles et musique au crédit de John Greaves. Certaines sont inédites et d’autres sont reprises et réarrangées, comme God Song composée par Robert Wyatt.

Interprétés en français, italien ou anglais, les titres permettent d’entendre John Greaves et trois voix féminines, celles de Valérie Gabail, Annie Barbazza et Himiko Paganotti. Le chanteur s’est aussi entouré d’une brochette de musiciens rencontrés tout au long de son parcours d’artiste, le violoncelliste Vincent Courtois, le batteur Matthieu Rabaté, le hautboïste Camillo Mozzoni, les guitaristes Olivier Mellano et Jakko Jakksyk (de King Crimson), la pianiste Sophia Domancich, la harpiste Zeena Parkins et Lino Capra Vaccina (piano, gongs, ambiance, cymbales, percussion).

Au fil des souvenirs

John Greaves déroule un répertoire élégant aux tonalités pop-rock. L’oreille se laisse porter au fil des ombres de souvenirs mélancoliques et de nostalgiques pensées.

On est touché par l’esthétique pure et harmonieuse des deux duos gravés avec Valerie Gabail. Air de la lune et son atmosphère stellaire ouvre l’album. Sur Hôtels la voix parlée du chanteur est irradiée par celle de la soprano qui dialogue avec harpe, violon et hautbois.

La tonalité des duos enregistrés avec Annie Barbazza se situe dans des territoires plus pops. In te décline les couleurs mélancoliques d’une chanson folk chantée en italien et créée en 1983 sous le titre Rose est la vie. Le crépusculaire Earthy Powers s’inscrit dans la même veine sépia qu’accentuent les traits bluesy du violoncelle et de la guitare. Le duo gagne en intimité et en tendresse sur How Beautiful seulement accompagné par le piano.

Sur Still Life, Annie Barbazza vient seulement ajouter des échos embrumés à la voix du chanteur qui dévoile plusieurs paysages. On entrevoit tous les possibles de la vie y compris cette fin incontournable avec laquelle il faut compter. Superbe contraste entre le hautbois romantique qui s’élève au-dessus des cordes et la ligne rythmique stimulante de la basse.

John Greaves s’efface et laisse la parole à celle qui fut la voix de Magma pendant sept années. Himiko Paganotti étire en français La Lune Blanche au climat évanescent où se croisent le chant réverbéré, les séquences de cordes et les sonorités du piano préparé de Sophia Domancich.

Cinq chansons permettent d’apprécier la voix de baryton du chanteur de John Greaves entouré seulement d’instruments. Ces moments précieux permettent de capter l’essence du chant du leader.

Sa voix voilée et écorchée est mise en valeur sur The Same Thing aux splendides changements de rythmes. Plus tard, on frémit d’émotion à l’écoute de God Song de Robert Wyatt qui prend les allures d’une rêverie nocturne frissonnante entre interrogation et affirmation.

La voix parlée du chanteur installe une ambiance envoutante sur Kew Rhône Is Real où résonnent le violoncelle exaspérant, les cordes irritantes, les percussions entêtantes et le piano crispant. Superbe tension ! On tombe ensuite sous le charme de la superbe fantaisie ludique Sweetheart Goodbye où la voix jongle avec les syllabes des mots intercalées entre les interventions instrumentales des cordes et percussions

L’album se termine par une nouvelle version de Lie Still, Sleep Becalmed, chanson que Greaves a coécrite avec Peter Blegvad. Un morceau très court au climat minimaliste où la voix parlée côtoie piano, basse et percussion et sous-tend une émotion de chaque instant.

« Life Size » enchante par ses atmosphères où se croisent frissons et tendresse. Brumes et échos dévoilent des paysages éthérés et mystérieux auxquels des rythmes un rien plus contrastés auraient pu ajouter un brin de dynamisme.

Innovation et liberté

Avec « Stax », le jeune batteur allemand Max Stadtfeld propose une musique innovante A la tête d’un quartet énergique, il propulse un album dont l’expression surprend et enchante par sa spontanéité et sa fraîcheur. D’un bout à l’autre du répertoire, les musiciens explorent l’espace avec une liberté d’expression peu commune.

Sorti le 26 avril 2019, l’album « Stax » (ACT/PIAS) constitue un bel exemple de ce que le jeune jazz allemand propose aujourd’hui.

Porté par le batteur Max Stadtfeld, le quartet interprète une musique créative et très personnelle ancrée dans le monde actuel. Axés autour du rythme, les propos musicaux s’inscrivent dans des espaces d’improvisation très ouverts.

« Stax » ancre son identité dans une liberté expressive et ludique fondée sur une grande maturité et une virtuosité maîtrisée.

Max Stadtfeld

Le jeune batteur a étudié auprès de Heinrich Köbberling et Michael Wollny à la Leipzig University of Music and Drama. Au début de l’année 2019 Michael Wollny choisit le jeune batteur de 25 ans pour son quintet BAU.HAUS.KLANG qui comptait dans ses membres notamment le saxophoniste Émile Parisien. Inséré dans la communauté des musiciens de Leipzig, le batteur apprend en se confrontant aux autres.

“La musique est un condensé d’impressions”,,. “le rythme me fascine” déclare Max Stadtfeld.

Frappes denses ou lignes rythmiques entrelacées ou suggérées, Max Stadtfeld s’autorise tous les styles de figure, toutes les nuances. Il crée des espaces qui ouvrent une grande liberté expressive à ses partenaires qu’il stimule.

Autour de Max Stadtfeld

Le leader façonne son expression, la libère et définit son style. Il se lance dans l’aventure, développe sa musique et forme son quartet Stax, version contractée de Max Stadtfeld, à prononce « schtaks »,

Max Stadtfeld Quartet©ACT_Janning-Trumann

A ses côtés, le batteur réunit un contrebassiste et deux solistes.

Le contrebassiste Reza Askari a étudié à Cologne et a beaucoup tourné avec Lee Konitz. Son jeu solide constitue le socle du groupe. De fait, la contrebasse assume le rôle de pivot, incarne en quelque sorte le point d’équilibre autour duquel les autres gravitent et libèrent leur expression.

Le jeune guitariste Bertram Burkert au jeu en même temps abrasif et très subtil inspiré par celui de John Scofield mais dont il a su se différencier. Il croise ses phrases virtuoses avec celles du saxophoniste ténor Matthew Halpin. Originaire d’Irlande, et basé actuellement à Cologne, ce dernier a étudié à Berklee. Il ne tombe pas dans les travers de celui à qui souffle le plus vite et le plus fort. Dans la plus pure tradition des anciens, il joue avec le son et il n’est pas sans évoquer la figure de Joe Lovano. Son jeu présente de nombreuses facettes qui évoluent selon les interactions avec les autres instrumentistes et en fonction du contexte narratif des morceaux.

Les dialogues saxophone-guitare structurent et déterminent l’esthétique musicale sans cesse renouvelée des morceaux. Leurs expressions recourent à des effets ludiques ou plus convenus mais sont toujours dénués d’agressivité.

« Stax »

Construit comme un voyage en dix étapes, « Stax » déroule huit compositions originales de Max Stadtfeld et deux reprises de standards.

Le quartet fait une escale dans le monde de Cole Porter avec une version expressionniste de Begin the Beguine où ténor et guitare enroulent leurs expressions aquatiques autour de la contrebasse et des salves rythmiques pointillistes. Les quatre musiciens entreprennent aussi une incursion dans The Jungle Book Overture de George Bruns. Onirique et enchanteur.!

De Liggeringen qui ouvre l’album comme un hymne qui rend hommage à la ville natale de Max Stadtfeld près du lac de Constance à Fifteen Shades of Grey, en quinze mesures, les musiciens proposent autant de climats que de morceaux.

Chaque titre de « Stax » constitue un paysage. Au fil des plages les quatre musiciens s’amusent comme des fous et proposent une musique évolutive et contrastée dont la vitalité et l’originalité ne se dément pas du début à la fin de l’album.

Innovante, ludique et mature en même temps, la musique de « Stax » conte une histoire dont chaque morceau constitue un chapitre. Avec virtuosité et souplesse les musiciens s’expriment dans des espaces d’improvisation aux contours rythmiques riches et mouvants.