Vision symphonique de la musique du trio E.S.T.

Le label ACT célèbre la musique du mythique Esbjörn Svensson Trio, huit ans après la disparition de son leader.  Enregistré avec les deux musiciens du trio, l’album « E.S.T. Symphony » est arrangé par Hans Ek qui dirige le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra. Hommage lumineux et inspiré.

En fait, dès 2003, le pianiste Esbjörn Svensson, disparu dans un accident de plongée en 2008, avait commencé à arranger l’un de ses thèmes, Dodge The Dodo, pour orchestre de chambre. L’album s’enracine donc sur l’idée du pianiste qui souhaitait créer une fresque musicale à partir de quelques uns de ses thèmes.

« E.S.T. Symphony » (ACT/PIAS) fait suite à cette initiative d‘Esbjörn Svensson.

Le canevas de l’album « E.S.T. Symphony » reprend une sélection de dix compositions du pianiste arrangées par le chef d’orchestre suédois Hans Ek qui dirige le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra. Les deux membres du trio, le bassiste Dan Berglund et le batteur Magnus Oström participent à l’enregistrement rejoints par d’autres musiciens de l’écurie ACT.

Qui a vécu au moins un concert du Esbjörn Svensson Trio a été pénétré par la musique du trio et été transporté dans un ailleurs musical vigoureux aux couleurs contrastées. Il est vrai que le trio plus communément nommé par ses initiales EST. a gravé treize albums qui ont marqué de leur sceau le début du siècle.

De prime écoute « E.S.T. Symphony » surprend un peu par la densité de la trame orchestrale et la nouvelle coloration que les arrangements de Hans Ek donne aux morceaux. Pourtant très vite on retrouve l’esprit de la musique du trio EST, ses secousses énergiques et ses nuances lumineuses. Cette impression résulte sans doute de la densité cuivrée de l’orchestre qui amplifie les effets électrifiés du bassiste Dan Berglund. On retrouve les accents reconnaissables et la puissance de la frappe du batteur Magnus Oström très présent sur toutes les plages. Les deux compères contribuent pour beaucoup à restituer l’ambiance originelle d’EST.

Le choix des titres participe pour beaucoup à cette réactivation des sensations originellement ressenties à l’écoute du trio EST. Après le prélude résonnent les emblématiques From Gagarin’s Point of View et When God Created the Coffeebreack où le pianiste Iro Rantala a la lourde charge de tenir le clavier. Lui-même compositeur d’un concerto pour cordes et piano s’en tire d’ailleurs plutôt bien.

Le saxophoniste Marius Neset prend ensuite la main sur Seven Days of Falling qui s’élève avec puissance et majesté. Sur Wonderland Suite, c’est le trompettiste Verneri Pohjola qui se saisit du gouvernail qu’il laisse ensuite au pianiste jusqu’à un ébouriffant solo du batteur Magnus Oström.

De titre en titre on apprécie la musicalité qui se dégage de l’album. Les ambiances planantes alternent avec des titres à l’orhestration plus subtile. « E.S.T. Symphony » se termine avec une interprétation tonique de Behind the Yashmak qui fait suite à une sublime version de Viaticum Suite.

Les brillants arrangements orchestraux engendrent souvent une atmosphère à la résonance plutôt classique mais la tonalité jazz reprend vigueur grâce aux interventions solides du bassiste Dan Berglund soutenu par son actuel complice Johan  Lindström à la pedal steel guitare.

« E.S.T. Symphony » témoigne de la vitalité toujours actuelle de la musique du trio EST dont les mélodies et la rythmique demeurent uniques et inoubliables.

Une bonne idée serait aussi d’écouter ou ré-écouter quelques-uns des albums phares du Esbjörn Svensson Trio pour s’immerger dans l’univers que le pianiste avait créé avec ses deux compagnons.

Ce pourrait être « From Gagarin’s Point Of View » (1999), « Strange Place For Snow » (2002), « Good Morning Susie Soho » (2002), « Seven Days Of Falling » (2003), Viaticum (2005) ou « Tuesday Wonderland » (2006) tous réalisés sous le label ACT.

Pour se mettre dans l’ambiance du disque, le making of de l’album …

… et pour finir une visite sur le site du label ACTmusic pour accéder à l’exhaustivité des albums du Esbjörn Svensson Trio et écouter des extraits de l’album « E.S.T. Symphony ».

Quelques pépites 2016 du Label Stunt

Avec la sélection « Label Stunt#1 », on découvre en cette fin d’année 2016 quelques albums essentiels de ce label scandinave. Un jazz diversifié et de qualité pour surprendre et contenter tout amateur curieux.

Stunt Records, relai de la société musicale scandinave basée à Copenhague, Sundance Music, privilégie une grande exigence artistique, un design graphique exclusif et une qualité de son haut de gamme. En 25 ans, il s’est  forgé une solide réputation. Le profil musical des artistes signés est tourné vers le jazz même s’il outrepasse souvent les genres, avec un métissage de différents styles musicaux.

L’album « Flashbacks & Dedications » sorti le 21 octobre propose onze compositions du pianiste Ole Matthiessen. Empreint de musique modale mais aussi ancré dans la chanson traditionnelle danoise, cet album met à l’honneur les vertus fondamentales du jazz. Le pianiste s’est entouré de la crème de la scène danoise. Tous ont d’ailleurs été récompensés par le prestigieux prix Ben Webster. Le trompettiste Henrik Bolberg, le saxophoniste ténor américain Bob Rockwell, basé au Danemark depuis 30 ans, le contrebassiste Jesper Lundgaard et le batteur Ole Streenberg.

« Flashbacks & Dedications », les amateurs de jazz moderne vont y trouver leur compte car l’improvisation y tient une grande part.

Paru le 21 octobre, l’album « Sinti du Monde » de Dorado et Amati Schmitt convient aux passionnés de musique manouche. En effet le guitariste Dorado Schmitt fait partie de ceux qui déclenchent l’enthousiasme des passionnés de la musique héritée de Django Rheinhardt. Entouré de Xavier Nikq à la contrebasse, Franco Rehstein et Essen Strandvig à la guitare, Dorado Schmitt est rejoint par son fils Amati Schmitt. Déjà virtuose, le jeune guitariste fait preuve d’un talent certain. L’enregistrement a eu lieu au décours de l’édition 2015 du festival danois Vinterjazz et s’est fait sans aucun artifice, après le départ du public.

« Sinti du Monde », l’acoustique et l’atmosphère ont inspiré les musiciens. L’esprit de la fête est présent et la musique célèbre le jazz manouche.

Les amateurs de titres inédits sont comblés par la réédition d’un album publié le 21 octobre. Il s’agit de l’opus « In Denmark 1959-1960 » qui réunit Oscar Pettiford & Jan Johansson avec Stan Getz en invité. Oscar Pettiford est présent sur les dix-sept plages de l’album et le pianiste Jan Johansson le rejoint après les cinq premières plages où l’instrument est tenu par le pianiste Bent Axen.

Il est vrai qu’à la fin des années cinquante, le contrebassiste Oscar Pettiford s’est installé dans la capitale danoise en pleine transformation culturelle avec le début du club « Jazzhus Montmartre ». Le jazz déferle alors sur la ville et le saxophoniste ténor américain Stan Getz est invité par le trio constitué de Jan Johansson, Oscar Pettiford et Joe Harris à la batterie. Trois titres résultent d’un enregistrement live réalisé en 1959 à l’occasion d’un concert au Tivoli Gardens. L’interprétation de la composition de Benny Golson,  I remember Clifford, constitue un moment phare de l’album où l’on retrouve l’inspiration sensible du grand Getz dont le lyrisme émeut encore.

La second partie de l’album est focalisée sur le travail du duo Pettiford/Johansson avec le vibraphoniste Louis Hjulmand. Trois thèmes suédois traditionnels sont interprétés par Johansson en solo.

« In Denmark 1959-1960 », un album historique à savourer avec gourmandise.

Avec « US4 My Scandivinian Blues - A Tribute to Horace Parlan » sorti le 14 novembre, on a entre les oreilles une pure pépite. Sur le CD, onze compositions originales du répertoire d’Horace Parlan interprétés par Adam Nussbaum à la batterie, Tomas Franck au saxophone ténor, Thomas Clausen au piano et Roger Pedersen à la contrebasse, avec la voix de Sinne Eeg sur deux morceaux. Sur le DVD on peut visionner six enregistrements du projet.

La sortie de cet album est donc l’occasion de se pencher sur la vie de ce pianiste qui a développé un style très personnel après avoir été frappé par la polio qui a paralysé sa main droite. Horace Parlan a enregistré avec Mingus dans les années 50 et a signé quelques albums sous son nom chez « Blue Note ». Il s’est ensuite produit aux côtés de Dexter Gordon, Archie Shepp, Sonny Rollins, Chet Baker et bien d’autres. Il quitte ensuite les USA pour échapper à la ségrégation raciale et trouve refuge au Danemark qui devient son pays d’adoption.

Il participe plus tard avec sa femme à l’éclosion d’un  label qui a fait les beaux jours du jazz, SteepleChase. Malgré cela il est aujourd’hui confronté à une vie difficile qui le conduit à sacrifier ses dernières économies pour la réalisation de cet album et de cette vidéo.

Sur ce second extrait du DVD on aperçoit Horace Parlan et on devine son bonheur à l’écoute des titres. Quelques images d’archives constituent aussi de très beaux moments à partager.

« US4 My Scandivinian blues - A tribute to Horace Parlan », un album vibrant de l’âme du jazz. Du pur bonheur de bout en bout des deux supports audio et vidéo. A partager largement.

Stunt Records a une vision élargie sur le jazz et propose aussi des musiques inédites. C’est le cas de l’album « The Voyage » sorti le 15 novembre et enregistré par Thomas Clausen et Francesco Cali. Un duo Piano/Accordéon qui fonctionne plutôt bien.

Le premier, Thomas Clausen est un pianiste jazz qui a suivi une formation classique. Italien naissance, le second, Francesco Cali, est un accordéoniste lui aussi au cursus plutôt classique.

Les deux solistes proposent un voyage dans des univers aux atmosphères variées. Ils puisent leur inspiration dans la musique européenne, traditionnelle et classique, le choro brésilien, le tango et le jazz. La continuité du répertoire est séduisante et le propos plutôt minimaliste. On se laisse porter par les ballades mélancoliques et on vibre aux accents passionnés de certaines plages. La musique déroule des climats où Satie aurait laissé son empreinte et le voyage nous entraîne dans des contrées lointaines où résonne un tango tempéré.

« The Voyage », pour illuminer des fins de soirée  et voguer vers la sérénité. Une musique chaleureuse et tranquille à la beauté intemporelle.

Kurt Elling (en)chante Noël

« Kurt Elling sings Christmas ». Le chanteur célèbre Noël avec « The Beautiful Day ». Un disque qui tranche avec la platitude des ritournelles habituelles. Quatorze plages d’un jazz lumineux.

A l’occasion de Noël, loin du tumulte superficiel et sans effets de paillettes, Kurt Elling grave « The Beautiful Day », un véritable album de jazz. Un enchantement éloigné de tous les poncifs habituels en la matière. Pour sa première réalisation chez Okeh/Sony, le baryton de Chicago a le bon goût de réaliser un disque à l’atmosphère accueillante.

« The Beautiful Day », une chaleureuse bulle musicale où l’on s’immerge. On se sent entouré par la voix du chanteur comme par une écharpe de tendresse. On baigne dans des ambiances mystérieuses, dans des climats contemplatifs et reposants.

On a récemment pu apprécier les performances de Kurt Elling sur l’album « Upward Spiral » où il est l’invité du Brandford Marsalis Quartet. Sur « The Beautiful Day », le chanteur restitue l’essence d’un jazz dont il est un maître incontesté.

Kurt Elling sert l’idiome du jazz de belle manière entouré de son groupe régulier un peu augmenté. John McLean aux guitares, Stuart Mindeman aux claviers, Clark Sommers à la contrebasse, Jill Kaeding au violoncelle, Jim Gailloreto au saxophone soprano, Tito Carillo à la trompette, Kendrick Scott à la batterie et Kalyan Elling aux percussions. Sa fille Luiza joint sa voix à la sienne sur The Beautiful Day qui  termine l’album.

Avec un tel équipage, la magie du jazz opère, à moins que ce ne soit aussi celle de Noël. En effet, l’esprit de Noël préside tout au long de l’album qui ménage autant de surprises que de titres. On peut écouter des chants de Noël traditionnels interprétés comme on souhaiterait qu’ils le soient toujours. Same Old Lan Syne pris sur un tempo mâtiné de folk-rock de bon aloi. We Three Kings échappe à l’ambiance liturgique habituelle grâce au chant de la guitare et aux paroles de Tori Amos.

Little Drummer Boy s’impose comme un des titres phares de l’album. Voix, contrebasse et une batterie qui résonne comme une caisse claire des rues de la Nouvelle-Orléans.

L’album propose aussi des chants de Noël plus contemporains comme Star of Wonder et sa lumière paradisiaque, ainsi que The Snow is Deep on the Ground/ Snowfall ou Some Children See Him qui restitue tout l’esprit de Noël.

Insérées comme des enluminures précieuses, trois images intitulées Wenceslaus, en mémoire du chant de Noël « Good King Wenceslaus », écrit en 1853 par l’Anglais John Mason Neal. Kurt Elling fait le choix de découper le morceau en trois « images », trois respirations récurrentes sans paroles qui irradient l’album. 

The Michigan Farm constitue un autre repère essentiel de l’album. Une courte mélodie du compositeur norvégien Edvard Grieg pour laquelle Kurt Elling a écrit des paroles. Trois minutes durant lequel le temps est suspendu. Accompagnée par le piano, la voix du chanteur donne à entendre toute sa plénitude sur cette poésie mystérieuse.

En ouverture de l’album, on aime le délicieux Sing a Christmas Carol écrit par Leslie Bricusse pour le film musical « Scroodge » (1970) et arrangé par le bassiste Clark Sommers. Le thème s’illumine des lignes mélodiques que brode le saxophone soprano de Jim Gailloreto. Le swing tout en délicatesse de Christmas Children scintille comme une pépite discrète.

Bien que Noël figure en filigrane tout au long de l’album, « The Beautiful Day » ne célèbre pas la fête chrétienne. Il chante les louanges d’un moment où tendresse et souci de l’autre permettent à tout un chacun de se retrouver dans la douceur et une certaine mélancolie bienveillante. « The Beautiful Day »,  un album précieux à partager avec générosité tout autour de soi.

La musique cubaine plus créative que jamais

Les vingt-trois titres de « Havana Cultura Anthology » célèbrent les huit années de recherches et d’expérimentations musicales que Gilles Peterson a menées sur l’avant garde musicale de Cuba. La sortie de ce double CD dresse le portrait d’une culture musicale à la vitalité incontestable.

Il n’est plus utile de présenter la réputation de Gilles Peterson programmateur sur la radio 1 de la  BBC. Il passe ensuite en 2012 sur BBC radio 6 Music où il anime trois heures d’émission tous les samedis. Ce DJ est aussi producteur et responsable de label. C’est d’ailleurs sous cette casquette qu’il a réalisé des compilations thématiques autour des musiques brésiliennes, africaines et bien d’autre styles muscicaux où se mêlent l’électro, le hip-hop, le funk, le R&B, le jazz, des musiques teintée de world ou d’underground. Clairement, le père de l’Acid-Jazz est un vrai défricheur de talents et de musiques.

Invité en 2009 à Cuba par Havana Cultura, Gilles Peterson a alors enregistré avec la fine fleur de l’île, un double album, « Havana Cultura : The New Cuba Sound ». En 2010 il produit « Havana Cultura Sessions EP » avec Danay Suárez et aussi « Havana Cultura Remixed ». En 2011 la série continue avec « Havana Cultura : The Search continues » et il faut ensuite attendre 2014 pour que sorte « Havana Cultura MIx - The Soundclash! ». En 2015 Gilles Peterson travaille avec la chanteuse Daymé Arocena avec qui il réalise « Havana Cultura Sessions EP ». Cette initiative se poursuit jusqu’à 2016 où est publié « Havana Rumba Sessions ». L’ensemble de ce travail mené par Gilles Peterson avec Havana Cultura constitue une référence incontournable qui présente l’éventail des musiques cubaines actuelles..

Après huit années de ce travail acharné à explorer la musique cubaine sous toutes ses formes actuelles, Gilles Peterson livre le 18 novembre 2016 « Havana Cultura Anthology », un double album produit sous son label Brownswood Recording. Les vingt-trois titres témoignent de la créativité cubaine contemporaine et de la diversité des expressions.

Ce double album est le résultat du travail mené par Gilles Peterson depuis 2008, en collaboration étroite avec son Havana Cultura Band, qui réunit le meilleur des musiciens et chanteur(se)s cubains invité(e)s : Danay Suarez, Daymé Arocena, Telmary et Elain Morales, Mayra Carirad Valdes, Dreiser Sexto Sendido. Dans la galaxie du producteur on trouve les brillants re-mixeurs que sont Mala, Motor City Drum Ensemble, Owiny Sigoma, Poirier ou Michel Cleis.

A l’écoute des 23 titres du double album on découvre une musique aux visages multiples et à l’inventivité bouillonnante. Certes de nombreux morceaux, comme Arroz con Pollo ou Ipacuba, restituent la tradition afro-caribéenne teintée influencée quelquefois par la culture yoruba. D’autres titres restituent l’influence des musiques urbaines comme Check La Rima ou La Mulata Abusadora enregistré en 2011 sur « Havana Cultura : The Search continues ». On aime les couleurs jazz de Orisa et de Rezando qui tranchent avec les atmosphères plutôt house du Rezando remix par Michel Cleis ou de celui de La Plaza par Poirier. On vibre aux échos de La Rumba Experimental, un remix de Motor City Drum Ensemble gravé en 2016 sur « Havana Rumba Sessions ».

En comparant le double album « Havana Cultura Anthology » au Buena Vista Social Club du XXIème siècle, le producteur anglais Gilles Peterson affirme une vérité criante. En effet, cette anthologie témoigne de la vitalité de la musique cubaine toujours plus brillante et inventive que jamais.

Et pour se faire plaisir on survole en 8’59 le double album « Havana Cultura Anthology ». Que du bonheur ….!!!

« Le bruit de tes talons », du post-tango insolent et passionné

Après le Tango Nuevo de Piazzola, le Tango Blues de Melingo, les huit musiciens du groupe Serpientes se revendiquent du « Post Tango ». Cet octet inventif sort un premier album déchaîné, « Le bruit de tes talons ». Un opus insolent et libre. Un tango mutant aux accents rock poignants.

« Serpientes » construit un tango transgenre où tragique et solennel se côtoient. Si le groupe transgresse les codes en s’abreuvant au rock et aux musiques improvisées, il ancre son discours dans la tradition.  Son premier album, « Le bruit de tes talons », offre un tango qui danse entre passion et modernité.

De fait, « Serpientes » est le prolongement du quartet « Tangoleon ». Ce quartet de tango crée par le pianiste Laurent Gehant et l’accordéoniste Sophie Azambre le Roy compte aussi le contrebassiste Mathieu Barbances et l’harmoniciste Emmanuel Bosser qui joue aussi d’un tas d’autres instruments étonnants. Pour créer un tango encore plus actuel tout en s’appuyant sur la tradition, le quartet s’est adjoint quatre autres instrumentistes. Ainsi, avec le batteur Jean-Pascal Molina, le guitariste électrique et chanteur Claude Whipple, la violoniste Caroline Pearsall et la violoncelliste Sabine Balasse, est né l’octet « Serpientes ».

Après recours à un financement participatif sur la plateforme numérique Proarti, « Serpientes » a pu finaliser les huit titres de l’album « Le bruit de tes talons » sorti le 29 novembre avec une magnifique pochette créée après 3 semaines de travail avec les typographes de « La fin du monde ». les morceaux sont principalement de compositions de Laurent Gehant ainsi que quelques morceaux prêtés par des compositeurs argentins contemporains. Sans oublier quelques standards de tango comme la version renouvelée de Volver que propose le groupe avec une ambiance surréaliste qui regarde du côté du western.

Les influences revendiquées par le groupe donne une idée de la pluralité des esthétiques qui se croisent au sein de l’expression de Serpientes. Astor Piazzola, Ennio Morricone, Nino Rota, Charlie Mingus, Carla Bley, John Zorn, Altertango, Vinicius Capossela, Surnatural Orchestra, Jerez Le Cam, Mr Bungle. Issu d’un tel creuset, pas étonnant que le discours musical de « Serpientes » soit riche, atypique et renouvelle le style du tango.

Ainsi, les huit conquistadors se lancent à l’assaut du tango et créent un post-tango qui prolonge en quelque sorte le tango originel de Gardel et le nuevo tango de Piazzola. Une musique qui prend des libertés avec celle des origines. Un tango qui aurait cannibalisé le rock et le jazz et détourné la puissance du premier et la liberté du second pour accentuer la dimension tragique d’un post-tango.

On aime Torpe et son ambiance tragique de fin du monde où la plainte du saxophone de Julien Loureau accentue et prolonge la dimension poignante du chant de Claude Whipple. Une ambiance sombre caractérise le titre 100m où l’harmonica ouvre le bal pour donner ensuite la parole à l’accordéon et aux cordes. Une sorte d’intrigue policière qui hésite entre nostalgie et humour où la silhouette d’une panthère rose chercherait le coupable d’un larcin commis au coin de sombres ruelles.

Le morceau Maïs transgénique est tout à fait représentatif de l’ADN de « Serpientes ». Il restitue l’essence même de ce post-tango imaginatif et progressif où la guitare électrique tranchante pilote l’orchestre loin des sentiers de randonnée du tango pour mieux y revenir.

 « Serpientes » parvient à élargir les frontières du tango sans le trahir. Ainsi irradié par un rock déchaîné, le tango conserve son ADN originel mais peut se projeter dans l’avenir. Étonnant et détonnant à la fois, « Le bruit de tes talons » invente une musique qui peut rallier les amateurs de jazz et de rocks même s’il peut questionner les puristes du tango.