Doux mélange de jazz et de musique cubaine

Le groupe Blanco y Negro mélange le jazz scandinave à la musique traditionnelle cubaine. Sur l’album « Timbero », le quintet interprète une musique qui balance entre allégresse et poésie. Du latin-jazz plein de vitalité.

Annoncé pour le 16 février 2018, l’album « Timbero » (Stunt Records/Una Volta Music) restitue une musique marquée de l’héritage de chacun de ses membres originaires de Cuba pour le pianiste, le bassiste et le percussionniste, du Danemark pour le batteur et de la Suède concernant le saxophoniste.

Composé à l’origine du joueur de conga cubain Eliel Lazo, du bassiste cubain Yasser Morejón, du batteur danois Jonas Johansen, du pianiste Tony Rodríguez et du saxophoniste Jakob Dinesen, le groupe Blanco y Negro a sorti en 2006 un album au titre éponyme enregistré à La Havane. Après une longue période de silence, la section rythmique demeurée intacte a été rejointe par le pianiste cubain Abel Marcel et par le saxophoniste Karl-Martin Almqvist.

La section rythmique originelle de Blanco y Negro est pourvoyeuse d’une forte imprégnation afro-cubaine mais inscrit aussi son propos dans la grande tradition du jazz. Les deux nouveaux membres du groupe possèdent eux aussi cette même caractéristique. Ainsi « Timbero » résonne des rythmes cubains enfiévrés et possède les qualités de ce jazz scandinave méditatif et aérien.

Brillant représentant du jazz scandinave, le saxophoniste Karl-Martin Almqvist a travaillé son instrument avec George Garzone, a collaboré avec Maria Schneider et Dave Liebman et est actuellement membre du « Danish Radio Big Band ». Sur son thème La Aldea Del Norte, son jeu méditatif apporte un espace de sérénité et de légèreté. Du jazz aérien et poétique.

Blanco y Negro©Stephen Freiheit

Fougueux pianiste au style ancré dans l’école cubaine du piano, Abel Marcel a joué au sein de la formation de David Murray et continue aussi à s’exprimer aux sein d’orchestres cubains traditionnels. Il possède de sérieux talents d’improvisateur que « Timbero » permet d’apprécier. Fin compositeur il contribue au répertoire de l’album avec trois thèmes teintés d’un lyrisme aux accents plutôt nostalgiques. La douce valse October 6th et Nostalgia De Un Sueño permettent au saxophoniste de libérer la dimension lyrique de son expression. Nostalgia De Otro Sueño interprétée en solo par le pianiste termine l’album avec de tendres accents mélancoliques.

La percussionniste Eliel Lazo figure parmi les maîtres des congas et si ses projets personnels sont ancrés dans la tradition cubaine il a aussi joué avec de grands noms du jazz comme Eliane Elias, Steve Swallow ou Mike Stern. Les climats de ses deux compositions, Timbero et Tradición sont emblématiques de la tradition cubaine.

Le bassiste cubain Yasser Morejón a lui aussi un pied dans le jazz et un autre dans les climats de son île natale. Il a en effet eu l’occasion de jouer avec Chucho Valdes et Roberto Fonseca mais a étudié la contrebasse avec le grand NHOP (Niels Herning Ørsted Pedersen). Something Personal, sa composition à la rythmique sophistiquée ouvre l’album.

Le batteur danois Jonas Johansen a quant à  lui une grande expérience au sein des big bands de jazz mais a aussi travaillé avec des pointures du jazz brésilien comme Egberto Gismonti ou Airto Moreira. Il contribue au répertoire de l’album à hauteur de trois compositions. The Caretaker, Taa-Daa et le splendide The Munch

« Timbero », un métissage équilibré entre la tradition afro-cubaine et le jazz scandinave. Chaque influence participe à enrichir l’autre sans pourtant se renier. Polyrythmie et poésie se croisent pour le meilleur.

Evasions musicales

Après sa sortie digitale en janvier, l’album « Trafic d’influences » du saxophoniste Stephane Nisol est disponible au format physique dès le 09 février 2018. Belle  occasion pour découvrir les ambiances qui colorent l’univers de ce musicien. Entre world-music et jazz, le voyage est confortable.

La sortie physique de l’album « Trafic d’influencse » (Aurasky MUsic/The Orchard) est annoncée pour le 09 février 2018. Autour de lui, le saxophoniste Stephane Nisol a réuni cinq artistes très proches pour réaliser ce projet. Igor Brover au piano, Zaf Zapha à la basse et à la contrebasse, David Mirandon aux percussions et Laurent Locuratolo à la batterie. D’autres musiciens amis ont été invités à se joindre au groupe.

On comprend dès la première écoute que Stephane Nisol a été marqué par les influences croisées de son parcours On capte aussi combien chacun des membres de sa « bande » influe sur les paysages sonores de l’album. Au croisement de ces multiples influences musicales et humaines une musique émerge, une musique aux couleurs infinies qui incite à la rêverie. Utiliser l’expression fortement connotée dans le monde des affaires pour nommer l’album « Trafic d’influences » peut contribuer à brouiller le message et c’est un peu dommage car l’album procure un moment d’écoute tout à fait agréable.

L’album ouvre avec une piste qui évoque la recherche des stations d’une radio difficile à capter. En fait cette Intro réunit en 1’08 les dix titres de l’album « Trafic d’influences ». Joli clin d’oeil !

Le voyage sur les dix pistes continue ensuite. Des échos saisonniers avec Premier jour de printemps et Couleurs d’automne qui à distance semblent adopter le même tempo et la même tonalité. Lou maë et Magatte résonnent comme deux versants d’un même paysage.

La très riche texture de Panthère bleue enchante autant que la douce valse de cette Histoire secrète qui intrigue et séduit. Le violon de Nadine Collon et le violoncelle d’Isabelle Sajot contribuent au climat de rêverie de ce titre. La superbe ballade Elia permet d’apprécier la sonorité veloutée de Stephane Nisol au saxophone ténor et l’accompagnement sur mesure que prodiguent ses compagnons. Une délicieuse quiétude à savourer sans modération.

Trafic d’influences vaut aussi son pesant de jazz. La plage se déroule comme en flottaison sur les eaux des nombreux climats que traversent les musiciens. Du saxophone soprano s’élèvent des spirales que les percussions soutiennent avec une douceur infinie. Avec Parfum d’Afrique on est transporté dans des contrées lointaines. La mélopée du soprano trouve écho dans les voix de Malik Hemaidi et Woz Kali. Piano et saxophone joutent et leurs chorus font monter la tension que batterie et percussions exacerbent.

« Trafic d’influences », un album à écouter pour voyager confortablement dans les univers colorés et sensibles de Stephane Nisol

Musique lumineuse et audacieuse

En trio avec Eric Harland et Harish Raghavan, le saxophoniste Walter Smith III présente « TWIO » son cinquième album en leader. Christian McBride et Joshua Redman sont invités. Du jazz exigeant qui ne manque ni de lumière ni d’audace.

Originaire du Texas et basé en Californie, le saxophoniste Walter Smith III va sortir le 09 février 2018, « TWIO » (Whirlwind Recordings), son 5ème opus en leader. En remplaçant le R de TRiO par le W de TWO le titre TWIO annonce la coexistence de deux trios même si la prononciation n’est pas forcément évidente. C’est finalement un bon moyen pour se souvenir du nom de l’album ce que rappelle aussi la vidéo qui suit…

En quinze ans de scène et cinq albums, le saxophoniste ténor Walter Smith III a eu l’occasion de se faire connaître et reconnaître en jouant dans les groupes de nombreux jazzmen, Terence Blanchard Quintet, Roy Haynes Fountain of Youth Band, Ambrose Akinmusire Quintet, Christian Scott et Sean Jones Quintette, sans compter les musiciens de ses propres groupes.

Si ses talents de compositeur sont avérés, Walter Smith III aime aussi à revisiter des thèmes classiques de jazz ce qui lui permet de faire appel sur scène ou en studio à des musiciens de la « communauté », ceux qui, comme lui ont grandi avec les standards mais ne sont pas forcément familiers de ses compositions originales.

Sur « TWIO », Walter Smith III s’exprime avec ses fidèles compagnons, le contrebassiste Harish Raghavan et le batteur Eric Harland. Sur quelques titres apparaissent en invités le contrebassiste Christian McBride et le saxophoniste Joshua Redman.

Walter Smith III, Harish Raghavan, Eric Harland.

C’est le thème de Monk, Ask me Now qui ouvre l’album. La solidité de la section rythmique permet au ténor de s’exprimer avec une grande liberté et beaucoup d’audace. Sur Nobody Else But Me de Jerome Kern, le saxophoniste surprend par son aisance à improviser en restant très proche du thème alors que la batterie propulse le rythme à grand train.

Adam’s Apple de Wayne Shorter résonne d’une grande modernité. Chorus énergique du batteur, interventions nerveuses du saxophoniste, ligne de basse obsédante, le morceau  met en évidence la grande complicité qui lie le trio. The Peacocks de Jimmy Rowles laisse transparaître la sensibilité du saxophoniste. Walter Smith III fait preuve d’une maîtrise extrême. Son chant émeut par sa sonorité déchirante et son chorus poignant.

C’est en duo que Eric Harland et Walter Smith III jouent la ballade de Carl Fischer We’ll be Together Again. Sur les douces accentuations de la batterie, le son suave et chaud du saxophone souffle et caresse la mélodie. On a dans les oreilles comme des réminiscences de Dexter Gordon.

Walter Smith III, Christian Mc Bride, Eric Harland

Sur quatre morceaux la contrebasse passe dans les mains du maître Christian Mc Bride. Sur le classique Social Call de Gigi Gryce, place à un duo saxophone/ contrebasse où les deux musiciens se promènent avec décontraction. La ligne mélodique du ténor s’enroule avec fluidité autour de la ligne de basse très souple de la contrebasse.

Le trio saxophone/ contrebasse/ batterie se fait entendre sur I’ll Be Seeing You de Sammy Fain. En suspension, le saxophone de Walter Smith III expose la mélodie avec une grande sensibilité puis sous la conduite du contrebassiste, le trio adopte un rythme médium émaillé d’un chorus énergique de McBride.

Walter Smith III, Christian Mc Bride, Eric Harland & Joshua Redman,

Avec la venue du saxophoniste Joshua Redman, le trio devient quartet. On the Trail de Ferde Grofé résonne du joyeux échange qu’entreprennent les deux ténors. Après avoir avoir exposé le thème en alternance, les deux saxophonistes joutent avec souplesse et dextérité durant six minutes sur la solide rythmique qu’assurent Harland et McBride. L’échange est amical et l’on saisit le fort potentiel de Walter Smith III qui tient tête à Joshua Redman avec une aisance remarquable. Un échange de saxophones dans la grande tradition des chase d’antan.

Sur la dernière plage de « TWIO », les deux saxophonistes attaquent à l’unisson Contrafact, une composition originale de Smith sur une métrique à 5 temps. La section rythmique déroule un tapis qui octroie toute liberté aux deux saxophones pour croiser leurs improvisations. Hormis la tonalité et l’attaque qui permet de les différencier, une approche commune  unit les deux instrumentistes. Ils terminent à l’unisson après un brillant chorus du contrebassiste.

« TWIO », le saxophoniste ténor Walter Smith III fait preuve d’une maîtrise instrumentale peu commune. Habile technicien, il inscrit son expression dans la grande filiation des maîtres de l’instrument. Sa sonorité sait se faire poignante ou chaleureuse. Fin mélodiste il déroule un chant sensible dont la fluidité séduit. Ses improvisations inventives convainquent tant par leur ancrage dans la tradition que par leur modernité sous-jacente. Un trentenaire qui compte dans le jazz du XXIème siècle.

Rythmes latins et tempo jazz fusionnent

Sur  l’album « Despertando » le batteur et percussionniste Diego Pinera explore ses racines culturelles. Un voyage plein de charme au cœur d’un univers raffiné qui serpente entre rythmiques latines et tempo jazz.

Après son dernier opus jazz « My Picture » enregistré en trio avec Mark Turner et Ben Street et sorti en 2016, Diego Pinera célèbre sur « Despertando » (ACT/Pias) son héritage culturel passé au filtre des influences qui l’ont marqué. Un jazz acoustique fortement influencé par les musiques latino-américaines.

Dix-sept ans après avoir quitté de son pays natal, l’Uruguay, Diego Pinera revient à ses origines. Né à Montevideo, le batteur s’est installé à Berlin en 2003 après avoir étudié au Berklee College of Music à Boston puis à la Havane et à Leipzig. Son approche musicale fait de lui un batteur au style très ouvert qui utilise autant les percussions que la batterie. Sur « Despertando » on l’entend aussi au steel-drum qui apporte des couleurs tropicales à Once Pasos et Despertando.

Sur « Despertando », Diego PInera s’est entouré de quatre talentueux musiciens dont les interventions définissent un climat harmonique, mélodique et rythmique souple et raffiné. Le pianiste et accordéoniste Tino Derado, le contrebassiste Omar Rodriguez Calvo, le flutiste Daniel Manrique-Smith et le trompettiste Julian Wasserfuhr.

Le choix du répertoire de l’album appartient en propre au leader. On retrouve des références culturelles à l’Argentine avec une interprétation très personnelle de Last Tango in Paris de Gato Barbieri et à Cuba avec une version très lyrique de La comparsa d’Ernesto Lecuona. Il paie son tribut au jazz en reprenant à sa manière les deux standards que sont Caravan de Duke Ellington et St.Thomas de Sonny Rollins.

Composé en hommage à son professeur Osvaldo Fattoruso, Osvaldo por Nueve ouvre l’album. Diego Pinera reprend Yakarito Terere une composition de son père Ramon PInera dont les arrangements très riches laissent toute latitude au piano et aux flûtes. La version de la berceuse Duerme Negrito est empreinte d’une nostalgie très douce qui renouvelle cette chanson si souvent jouée.

Sur « Despertando » Diego PInera s’affranchit de toute norme et fusionne avec subtilité et élasticité les pulsations du jazz et celles des rythmes latins. Candombe, murga et milonga s’assouplissent, jazz et rythmes cubains ondulent avec une élégance raffinée.

Tension contrôlée entre acoustique et électro

Après « Man Made Object » sorti en 2016 chez Blue Note, le trio de Manchester, Gogo Penguin annonce la sortie de son prochain album, « A Humdrum Star » sous le légendaire label Blue Note. Mélodies hypnotiques, groove viscéral et rythmique obsédante. Corps et esprit entrent en vibration.

Annoncé pour le 09 février 2018, « A Humdrum Star » (Blue Note/Decca Records), le nouvel album de Gogo Penguin s’inscrit dans l’esthétique de « V2.0 » (2014) et « Man Made Object » (premier CD signé chez Blue Note Records en 2016). Le bassiste Nick Blacka, le pianiste Chris Illingworth et le batteur Rob Turner poussent plus loin l’aventure et continuent à explorer le filon de belle manière sans pourtant le renouveler vraiment.

Né de la confrontation entre des univers très différents, le son de Gogo Penguin se distingue par la richesse de ses atmosphères. Étiquetée electronica acoustique la musique du trio de Manchester est redevable autant de la formation classique des musiciens que des années qu’ils ont passées à jouer dans des ensembles de jazz et des groupes de rock indé. Elle regarde aussi du côté de de la musique minimaliste et intègre à l’occasion des sons issus de jeux vidéo. Cet allègre mélange leur vaut d’être suivis par différents publics.

Tous les titres de l’album « A Humdrum Star », qu’ils aient été composés collectivement à partir d’une simple ligne de piano, de basse ou d’une maquette sommaire, trouvent leur origine dans un amour sans borne des trois musiciens pour la musique électronique.

Le piano se charge de tracer les mélodies hypnotiques sur lesquelles la basse apporte une dimension viscérale alors que la batterie pourvoit à la déferlante rythmique. Gogo Penguin exerce une maîtrise absolue sur le tempo et la dynamique musicale.

L’album a été enregistré alors que le groupe était en tournée et les nouveaux morceaux ont été rodés lors d’une série de concerts donnés dans l’Est de Londres. Pour la première fois, les membres du groupe ont enregistré l’intégralité de l’album à Manchester, aux studios Low Four situés dans les légendaires locaux des studios de télévision d’Old Granada.

Nick Blacka, Chris Illingworth et Rob Turner ont travaillé en grande proximité avec le producteur et ingénieur du son Joe Reiser, véritable « quatrième membre » du groupe et avec le coproducteur Brendan Williams.

Le titre de l’album a été choisi une fois l’enregistrement terminé. L’expression « A Humdrum Star » empruntée à l’astrophysicien américain Carl Sagan, restitue l’esprit de l’album : « Qui sommes nous ? Nous vivons sur une planète insignifiante gravitant autour d’une étoile banale perdue au sein d’une galaxie abandonnée dans un coin d’un univers comptant plus de galaxies que d’êtres humains ».

Une tension très bien maîtrisée entre sonorités acoustiques et électroniques traverse « A Humdrum Star » de bout en bout. On craque sur l’échange élastique piano/batterie de Strid et sur le bourdon de Prayer qui mêle mélodie et dissonances. Basse et batterie pilotent Reactor alors que le piano modèle le titre Return To Text. Sur A Hundred Moon la combinaison du rythme et d’un riff réitératif hypnotisent.

D’abord méditatif puis énergisant, Transient State ouvre les portes d’un sanctuaire shintô où est vénéré un kami (esprit). Sur Bardo, le piano ménage un espace de respiration entre ses riffs réverbérés alors que la pulsation tendue de la batterie induit le mouvement.

« A Humdrum Star », une immersion dans le cosmos de Gogo Penguin où corps et esprit entrent en vibration pour le meilleur.

Dans le bouddhisme, le bardo désigne un état intermédiaire. Se suivent le bardo entre la naissance et la mort, celui de la mort, celui de la nature et celui de la renaissance. Sur la vidéo de Bardo, de l’obscurité à la lumière, un homme âgé semble changer d’état de conscience.

Gogo Penguin est en tournée en France du 12 au 25 mars 2018. Premier-rendez-vous avec Nick Blacka, Chris Illingworth et Rob Turner le 12 mars 2018 au Café de la Danse à Paris. Les autres dates sont à retrouver sur le site de Gogo Penguin.

Musicalité, décontraction et sensibilité

Après « Arclight », le guitariste Julian Lage fait de nouveau entendre sa voix originale sur « Modern Lore » sorti le 02 février 2018. Il revient avec le contrebassiste Scott Colley et le batteur Kenny Wollesen. Entre tradition et modernisme le guitariste propose un album dynamique, sensible et ludique.

Le 02 février 2018, Julian Lage sort l’album « Modern Lore » (Mack Avenue/PIAS), son deuxième enregistrement studio en trio. Soutenu par la prodigieuse section rythmique composée du contrebassiste Scott Colley et du batteur Kenny Wollesen, le guitariste californien propose un répertoire de compositions originales où il visite et renouvelle avec sensibilité et souplesse les traditions de la guitare. Dans le rock du milieu du XXème siècle il puise puissance et dynamisme mais fait des incursions dans les mondes de Neil Young, B.B. King, McLaughlin ou d’Abercrombie.

Réalisé aux Studios Reservoir dans le centre de Manhattan, l’album « Modern Lore » a été mixé à Chicago par l’ingénieur du son Tom Schick. Très proche du guitariste, le producteur Jesse Harris (chanteur et compositeur) apporte sa contribution à la guitare acoustique sur Whatever You Say, Henry. Le claviériste Tyler Chester ajoute quelques textures subtiles à l’ouvrage.

Prodigieusement doué dès son plus jeune âge, le guitariste Julian Lage est influencé par Jim Hall. D’ailleurs il a rencontré Scott Colley et Kenny Wollesen alors qu’ils accompagnaient Jim Hall au célèbre jazz club Bay Area ou au Yoshi à Oakland en Californie. Fin technicien Julian Lage est très vite devenu virtuose et a collaboré avec divers artistes parmi lesquels Gary Burton, Bela Fleck, David Grisman, Yoko Ono, Nels Cline, Chris Eldridge, Steve Swallow et Gyan Riley.

Très dynamique « Modern Lore » restitue un climat sensible et lumineux qui ne se prive pourtant pas d’exubérance rythmique. En fait, sur les onze plages du répertoire ambiances, couleurs, rythmes et sensations varient. L’opus se profile comme un savant kaléidoscope musical qui permet de saisir toutes les nuances de l’expression lumineuse et dynamique de la guitare de Julian Lage.

Les onze plages de « Modern Lore » baignent dans une musicalité sensible et un groove dynamique. Sa technique à toute épreuve permet au guitariste de s’affranchir de tous les obstacles. Avec une fraîcheur inouïe et une souplesse décontractée, il propose des mélodies sensibles. Dans ses accompagnements et ses solos affleurent des réminiscences rockabilly, des effluves de jazz, des échos de folk et de country, des sensations de blues.

L’exubérance de Ramble le thème d’ouverture, la touffeur moite du jazz bluesy d’Atlantic Limited, le tempo folk et solide de General Thunder, la parenthèse funky de Roger The Dodger, l’incursion rock’n’roll du nostalgique Wordsmith, le riff perçant du thème Eastern Science qui agace autant qu’il enchante, le songeur Pantheon, le lyrisme hypnotique de Splendeur Riot.7.

Sur Modern Lore, la guitare virtuose de Julian Lage dévoile ses plus beaux atours. Elle délivre un astucieux mélange de brillantes mélodies, d’ambiances songeuses, de climats tempétueux, de sonorités acidulées, saturées ou tendres et sensibles. Avec aisance et décontraction, Julian Lage sort le grand jeu et joue comme il respire.

Une modernité dynamique et sensible

Deux ans après son premier opus, le trio Pericopes+1 publie « Legacy », son tout nouvel album captivant et inventif. Une construction musicale équilibrée qui fait coexister groove vitaminé et précision sensible. A découvrir absolument !

Déjà remarqué à l’occasion de la publication de son premier CD « The Human Beings » en 2015, le trio Pericopes+1 revient avec son nouvel album « Legacy » (Auand Records) annoncé pour le 02 février 2018

Le deuxième album de Pericopes+1, ce trio international conçu à Paris en 2012, est soutenu par le saxophoniste Dave Liebman et le trompettiste Enrico Rava.

A l’origine, Pericopes est un duo saxophone-piano fondé en Italie en 2007 par Emi Vernizzi et Alessandro Sgobbio. Après trois albums et des récompenses glanées en Italie, le duo commence une collaboration fructueuse avec le batteur américain Nick Wight. Le trio ainsi constitué prend le nom de Pericopes+1.

Les trois compères sillonnent l’Europe, les États-Unis et se produisent sur les scènes des festivals et celles des clubs où ils côtoient à l’occasion Stefano Battaglia, Nils Peter Molvaer et bien d’autres encore. C’est durant les tournées de présentation du CD « The Human Beings » que le trio a conçu le travail préliminaire de l’album à venir et a défini sa direction musicale que restitue son titre, « Legacy ». Un projet inspiré par un héritage aux origines variées.

Le groupe transatlantique répète pendant un mois en Pennsylvanie puis s’engage dans une résidence artistique auprès de l’Université d’Aberdeen en Écosse après quoi le trio teste le répertoire sur scène et rejoint le studio Artesuono à Udine en Italie et enregistre « Legacy ».

En décembre 2017, l’album est présenté au Festival Parma Jazz Frontier et dans d’importants autres clubs italiens. Après la sortie en France de l’album « Legacy » prévue le 02 février 2018, le trio Pericopes+1 va s’engager dans une tournée européenne entre mars et mai 2018.

Sur les dix compositions du répertoire de « Legacy », sept sont à porter au crédit du pianiste Alessandro Sgobbio. Intro et le titre éponyme ont été composés par le saxophoniste. Emiliano Vernizzi et le splendide Reverences par le batteur Nick Wight.

Une très forte prégnance rythmique règne tant sur l’expression groupale que sur celle de chaque instrumentiste. La saisissante modernité de l’album plonge ses racines au plus profond d’un héritage qui honore autant le jazz que les musiques contemporaines et populaires.

« Legacy », une musique construite comme une peinture cubiste où les couches rythmiques jaillissent, se superposent, se croisent, se brisent pour mieux renouer, se retrouver et dessiner un paysage sonore avant-gardiste. Les entrelacs rythmiques complexes octroient une liberté extrême aux solistes qui s’entendent à merveille et se stimulent mutuellement. Saxophone et piano projettent leurs traces sur la toile de la musique dont ils parachèvent la physionomie.

Sur certaines compositions comme Novembers Tears, Reverences ou Major’s 10, piano et du saxophone incrustent leurs lignes de chant sur un fond adouci. Ils évoquent des collages mélodico-harmoniques inventifs posés à dessein sur la toile musicale

Par ses découpages rythmiques impeccables, ses schémas mélodiques épurés et ses trames harmoniques complexes, la musique du trio Pericope+1 affiche sa modernité. Précise et exigeante elle ménage des trouées sensibles et poétiques qui incrustent le groove dynamique et vitaminé des dix titres de « Legacy ».