Flamenco et jazz latin pour le meilleur

A l’occasion de ses 40 ans de carrière, le guitariste flamenco Juan Carmona présente un nouvel album, « Laberinto de Luz ». Il collabore avec des artistes prestigieux tels que Al Di Meola et une palette de voix féminines captivantes alliant chant gitan et scat. L’opus transporte l’oreille dans un labyrinthe de lumière où sensibilité et dynamisme s’accordent à merveille.

Sorti le 04 avril 2025, « Laberinto de Luz » (Nomades Kultur/L’autre distribution) résume l’univers de Juan Carmona, considéré comme l’un des maîtres de la guitare flamenca. Après quatre décennies d’une carrière tracée au fil des désirs et des rencontres, cet « opus anniversaire » synthétise de belle manière l’œuvre de cet artiste qui a consacré entièrement sa vie à la musique, entre passions, voyages et innovations.

Autour de lui, le maestro a réuni des invités prestigieux, Al Di Meola, María Peláe, Montse Cortés, Alba Moreno, Celia Flores, Noemí Humanes, Pablo Martín Caminero, Isidro Suarez, Dominique Di Piazza, l’orchestre à cordes Istanbul strings dirigé par Samim Sakaryali et de nombreux autres parmi lesquels les jazzmen Nicolas Folmer (trompette), Pierre Bertrand (saxophone, flute) et Denis Leloup (trombone).

Juan Carmona@Franck Loriou

Afin de n’oublier personne, la liste de l’ensemble des artistes ayant participé à ce superbe album sera proposée à la fin de l’article.

Pour ses quarante années d’expérience, Juan Carmona fera halte avec ses musiciens dans les grands opéras et théâtres français pour une tournée avec notamment des orchestres symphoniques comme celui de l’Opéra de Lyon dirigé par Miguel Pérez Iñesta mais aussi Zahia Ziouani pour l’orchestre Divertimento, l’Orchestre de l’Opéra de Marseille etc… Des alliés de choix pour interpréter ses œuvres phares parmi lesquelles sa flamboyante « Sinfonia Flamenca ».

« Laberinto de Luz », un album lumineux, au carrefour du flamenco, du jazz et des rythmes latins.

Laberinto de Luz »

Depuis « Borboreo » (Le Chant du Monde/Harmonia Mundi - Pias) sorti en 1996, Juan Carmona a enregistré de nombreux opus parmi lesquels « Sinfonia Flamenca » (Le Chant du Monde/Harmonia mundi-Pias) paru en 2006 où la guitare flamenca navIgue entre le classique et la pure tradition andalouse, « Perla de Oriente » (Nomades Kultur/L’autre Distribution) proposé en 2016 et « Zyriab 6.7 » (Nomades Kultur/L’autre Distribution), qui en 2021 rend hommage au musicien poète Zyriab, inventeur de la musique arabo-andalouse.

Sur « Laberinto de Luz » (Nomades Kultur/L’autre distribution), treizième album dont il a composé les dix titres, Juan Carmona fait rayonner le flamenco bien au-delà de ses frontières originelles et affirme son rôle de passeur d’émotions. Enraciné dans les traditions ancestrales de l’Andalousie, Juan Carmona continue à innover et crée des ponts entre les styles et les cultures.

Impossible de s’égarer dans ce labyrinthe de lumière où tradition et modernité se fondent en une harmonie subtile et universelle. Un seul risque encouru… l’écouter encore et encore, sans jamais se lasser !

Au fil des pistes

Tesoro de melodías ouvre l’album. Une puissante voix flamenca s’élève, celle de Noemí Humanes qui s’éclipse pour laisser place à une rumba radieuse sur laquelle les guitares de Juan Carmona et d Al Di Meola comblent l’oreille de leur virtuosité. Une superbe alchimie s’établit entre les guitares, les chœurs, la voix et la section rythmique.

Le répertoire se poursuit avec Laberinto de luz. Sur un rythme afro-cubain, la guitare de Juan Carmona transporte la musique dans un monde de lumière. Après un court solo solaire du pianiste, la guitare, les voix de María Peláe, Elena Salguero, les chœurs et les palmas installent une ambiance de fête lumineuse. Le titre invite à la danse de manière irrésistible.

A l’écoute de Dejando Sonidos, on perçoit dans le jeu de guitare de Juan Carmona ce fameux duende, ce moment de grâce infini où le musicien transcende les limites de son art. Les voix dialoguent avec la guitare, la mélodie est captivante, le solo de piano fait scintiller les notes. Le charme de la musique opère, impossible de résister !

C’est avec une douce allégresse que piano et guitare exposent ensuite la mélodie du titre Aroma a tierra, accompagnés par les chœurs, les palmas, les tablas et le cajon. Après le solo du piano percussif qui trace un chant tantôt lyrique, tantôt bondissant, avec des phrases sinueuses mais claires, Juan Carmona improvise avec une maîtrise absolue. Avec brio, il explore la fusion entre flamenco et jazz. C’est absolument époustouflant.

Musica en mi boca surprend agréablement. Dans une veine jazz/funk, la guitare basse slappe avec force et contraste avec les voix féminines chargées d’émotions d’Alba Moreno et Noemí Humanes. Juan Carmona se distingue par son jeu tout en attaque et une sonorité très claire qui tranche avec la tonalité soul des voix flamencas. Tous sont en osmose avec les palmas et le jeu percussif du batteur Isidro Suarez.

Virtuose inspiré et sensible, Juan Carmona propose ensuite Liró, un titre construit autour des rythmes de la rumba. Outre de brillantes interventions du piano, la guitare mêle virtuosité savante et lyrisme raffiné alors que le chant du chœur composé de Loli Abadía, Samara Losada et Noemí Humanes envoûte l’oreille.

Sur Danza del agua interviennent la voix de Montse Cortés, le chœur hindou Maitryee Mahatma et l’orchestre à cordes, Istanbul strings orchestra dirigé par Samim Sakaryali. Ils servent d’écrin au jeu virtuose et chargé d’émotion de la guitare de Juan Carmona. Comme l’eau au sortir d’une fontaine, la musique s’écoule et les notes éclaboussent et dansent de plaisir.

A l’écoute de La Teresita, titre dédié à la mère du leader, on apprécie le remarquable mélodiste qu’est Juan Carmona. Les chœurs et les percussions débutent le thème sur un rythme de bulería/salsa. Le jeu de guitare dialogue harmonieusement avec les voix qui ont été toujours un moteur dans la musique du guitariste.

Sur Espejo del pasado, la guitare de Juan Carmona brille de mille feux. Aucune voix sur ce titre mais un orchestre composé de Richard Larrozé (piano et claviers), Dominique Di Piazza (basse), une section rythmique étoffée avec Tino Di Geraldo et Piraña et une rutilante section de cuivres composée de Pierre Bertrand (saxophone), Nicolas Folmer (trompette) et Denis Leloup (trombone). La virtuosité généreuse de la guitare est tout entière au service de la fête.

L’album se termine avec Misterio sin igual, une douce ballade flamenca que chante la guitare entourée de voix féminines. On se laisse captiver par cette belle ritournelle que tisse la guitare. Mystère et tendresse coexistent avec bonheur.

Rendez-vous le 25 mai 2025 à 20h dans la Grande Salle de l’Opéra de Lyon pour écouter Juan Carmona avec un programme intitulé « 40 ans de flamenco en liberté ». Le guitariste investit la grande salle de l’Opéra de Lyon avec un programme en deux parties. D’abord une relecture de ses plus grands titres avec son groupe composé de Enrique Bermudez « El piculabe » (chant), Noemí Humanes (chant), Isidro Suarez (percussion), Domingo Patricio (clavier/flûte), Sergio di Finizio (basse) et la danseuse Nazareth Reyes, puis l’interprétation de sa flamboyante « Sinfonia Flamenca » pour orchestre et groupe de flamenco, avec l’Orchestre de l’Opéra de Lyon dirigé par Miguel Pérez Iñesta. Un régal musical à ne pas rater !

Distribution artistique de l’album »Laberinto de Luz » (Nomades Kultur/L’autre distribution) :
Guitare : Juan Carmona
Collaboration spéciale : Al Di Meola (guitare)
Chant : Montse Cortés, María Peláe, Elena Salguero, Elaf, Rocío Valencia, Noemí Humanes, Alba Moreno, Maloko,
Choeurs : Loli Abadía, Aroa Fernández, Nicole Lise, Noemí Humanes, Virgina Alvés, Samara Losada
Choeur hindou : Maitryee Mahatma
Orchestre à cordes : Istanbul strings orchestra dirigé par Samim Sakaryali
Piano / Rhode / clavier : Luis Guerra, Richard Larrozé
Basse : José Manuel Posada “El Popo”, Matt Garrison, Rainer Pérez, Dominique Di Piazza, Franck Galin
Contrebasse : Pablo Martín Caminero, Yelsi Heredia
Percussion / Batterie : Isidro Suarez, Ane Carrasco, Tino Di Geraldo, Horacio El negro, Piraña
Jaleo / Palmas: Ane Carrasco, Juan Grande, Maloko, Kadu Gómez
Tablas : Pinku
Cuivres : Pierre Bertrand, Nicolas Folmer, Denis Leloup

Un album poétique, sensible et lumineux

Avec « LightSide », le clarinettiste Matteo Pastorino invite à un voyage musical au cœur de la lumière méditerranéenne. Le musicien propose un répertoire original conçu pour cette formation instrumentale singulière. Soutenue par le piano de Domenico Sanna et la batterie d’Armando Luongo, la clarinette basse du leader dialogue avec la basse semi-acoustique de Dario Deidda. Un album poétique, sensible et lumineux.

Après « V » (Absilone/Socadisc) sorti en 2014 et « Suite for Modigliani » (Challenge records/Bertus) paru, en novembre 2017, tous deux enregistrés en quartet, Matteo Pastorino exprime son désir de se reconnecter à ses racines et revient avec « LightSide » (A.MA Records/IRD) sorti le 21 mars 2025. Ce projet a vu le jour grâce à une commande du Festival Time in Jazz de Paolo Fresu en 2021.

Sur les neuf plages de « LightSide« , Matteo Pastorino a choisi pour la première fois de jouer exclusivement de la clarinette basse dont il explore la puissance expressive. On peut ainsi apprécier les multiples couleurs et facettes de cet instrument associé au piano de Domenico Sanna, à la basse de Dario Deidda et à la batterie de Armando Luongo.

Basée sur des formes épurées, la musique de « LightSide » prend la forme d’un récit musical nuancé qui joue avec le temps et ménage une place au silence. Chaque titre raconte une histoire. Un jazz captivant qui navigue entre intimité et universalité.

Matteo Pastorino

Clarinettiste aux origines sarde, Matteo Pastorino se consacre totalement à la clarinette qu’il a dans un premier temps apprise en autodidacte avant de suivre les workshops de Nuoro Jazz dirigés par le trompettiste Paolo Fresu. Il y obtient plusieurs bourses d ‘étude.

Durant Siena Jazz 2009, il étudie auprès de Kenny Werner, Clarence Penn, Aaron Goldberg, Miguel Zenon et gagne la bourse du « meilleur musicien » qui lui permet d’étudier avec Chris Potter l’année suivante. A Paris où il s’est installé en 2008, il suit le cycle spécialisé de jazz du Conservatoire de Paris et obtient son diplôme en 2012 avec la « mention Très Bien », à l’unanimité du jury.

De 2013 à 2020, il passe un mois par an à New York pour jouer et échanger avec les musiciens de la scène new-yorkaise. En 2016, il crée le San Teodoro Jazz Festival en Sardaigne.

Outre ses deux premiers albums « V » et « Suite For Modigliani » avec le guitariste Gilad Hekselman en invité du quartet, il s’est associé à Guillaume de Chassy et de David Linx, au sextet du batteur Francesco Ciniglo, au trio Arrulos avec Sélène Saint-Aimé et Ignacio Ponce ainsi qu’à la Compagnie « La Tempête » de Simon Pierre Bestion. Il a par ailleurs joué et/ou enregistré avec de nombreux jazzmen de renom parmi lesquels, Joe Sanders, Shai Maestro, Dario Deidda, Antonello Sardis, Raphaël Imbert, Federico Casagrande, Francesco Bearzatti, le groupe Sobre Sordos, l’ensemble Eshareh, l’ensemble Jupiter et Paolo Fresu.

En quelques phrases et avec justesse, Paolo Fresu évoque l’histoire, le travail de Matteo Pastorino et son projet « LightSide » :

“Une île n’est une île que si elle devient le point de départ pour mieux y revenir. C’est ce qu’a fait et continue de faire Matteo Pastorino dans sa tentative de délimiter les contours de sa pensée. Cela se produit depuis de nombreuses années, partant de sa Sardaigne natale, parcourant l’Europe contemporaine, jusqu’à Paris, où il rencontre des musiciens métissés venus des quatre coins du monde.

Une preuve que la richesse de l’avenir doit résider dans l’espoir des flux migratoires qui célèbrent la beauté de la diversité. « LightSide » est un retour d’un long voyage à travers la mémoire, le temps, et les latitudes.

Construit et vécu avec Domenico Sanna, Dario Deidda et Armando Luongo, ses anches dessinent un paysage imprégné des couleurs variées d’une Méditerranée dialoguant avec le Vieux Continent.

Un opus qui affirme l’importance et l’originalité du langage, ainsi que la fonction de l’archétype, capable de bâtir et de générer contraste et lumière dans une opposition entre merveilles solaires et brumes mélancoliques…

… LightSide », c’est cela. Une œuvre élastique en mouvement dynamique, qui dilate le temps et offre un espace au silence. Pour que l’on puisse encore imaginer ce qui n’existe pas. »

Au fil des titres

Matteo Pastorino signe les neuf compositions de « LightSide », un opus qui séduit par son élégance. Des interactions complices du quartet se dégagent des émotions dont la teneur évolue entre douce mélancolie et délicate gravité.

L’album ouvre avec Gorée, inspiré par une mélodie de kora entendue sur l’ile de Gorée. Bien loin des rivages de la Méditerranée, Gorée demeure un lieu symbolique de la traite négrière et est devenu un sanctuaire pour la réconciliation. Après l’hommage que Marcus Miller a rendu à Gorée dans son album « Renaissance » en 2012, Matteo Pastorino a lui aussi composé un morceau dont il donne une interprétation sensible. De grave et délicate au début du morceau, la clarinette basse se fait exubérante et sauvage, portée par le trio dont le jeu évolue en même temps et dans la même esthétique que celui du leader.

Plus loin, l’oreille est charmée par le jeu calme et nuancé de la clarinette basse de Matteo Pastorino sur LightSide, la plage qui donne son nom à l’album. La courte improvisation du pianiste Domenico Sanna brille par son élégance et son raffinement. Sur la clarinette basse, Matteo Pastorino explore toute la tessiture de son instrument.

Le répertoire se poursuit avec Les Années Folles. Le quartet tisse une mélodie limpide et mélancolique. La sonorité solaire de la clarinette basse dégage une énergie lumineuse aux multiples couleurs. Soutenu par la batterie tonique d’Armando Luongo, le pianiste adopte un jeu enflammé qui stimule le leader. Une osmose parfaite s’installe entre piano et clarinette basse.

Tigre débute par un duo entre batterie et clarinette basse. Il se transforme en un dialogue frénétique qui laisse place à l’intervention aérienne du pianiste. Le jeu voluptueux de la clarinette basse prend le relai et expose le thème. La pulsation élastique de la section rythmique accompagne les improvisateurs jusqu’à la fin du morceau.

Avec Coming Back, le quartet opère un retour à ce qui constitue une des bases du jazz, le swing. La clarinette basse brille de tous ses éclats. Sa parfaite maîtrise instrumentale permet à Matteo Pastorino de développer une improvisation au feeling puissant et plein de groove. Le piano lui répond par un chorus chaleureux et brillant. Ce morceau met en lumière la section rythmique qui assure un swing indéfectible du début à la fin du titre. L’oreille est interpelée par la basse ferme et agile de Dario Deidda qui fait preuve d’un lyrisme avéré dans son improvisation. Le batteur brille par son jeu frémissant sur les cymbales, la rigueur de ses ponctuations sur les peaux de la caisse claire et des toms basses. Un délice rythmique qui swingue de bout en bout !

A la fois message d’amour et célébration de la vie, résonne ensuite Elvira. Une douce et tendre mélodie que Matteo Pastorino dédie à sa fille. Malgré son titre, Scarabocchio, le morceau suivant ne ressemble en rien à des gribouillages. Le quartet tisse une toile sonore radieuse. Après une introduction délicate de la clarinette basse, les instruments prennent tour à tour la parole pour dessiner leur trace. Improvisation limpide et éblouissante d’assurance de la basse, chorus étincelant du piano, phrasé pétillant de la clarinette basse à la sonorité rutilante, accompagnement nuancé de la batterie. De tels gribouillages ravissent l’oreille qui en redemande volontiers.

Seulement accompagné par la basse et la batterie, la clarinette basse entame Interludio, une flânerie au swing voluptueux. Après ce court interlude, advient Marzo, une ballade à l’atmosphère plutôt mélancolique. La clarinette basse étire le temps avec sensualité, le piano génère un climat que n’aurait pas renié Bill Evans, les balais caressent les cymbales, la basse égrène ses notes avec une douceur empreinte de gravité. Si Mars est le mois annonciateur du printemps, la composition de Matteo Pastorino dont elle porte le nom, prend garde à ne pas brusquer le tempo. En guise de conclusion, le quartet offre un bouquet poétique irradié de lumière.

Pour écouter live le répertoire de « LightSide » et retrouver le clarinettiste Matteo Pastorino avec Domenico Sanna (piano), Dario Deidda (basse) et Armando Luongo (batterie), rendez-vous le 17 avril 2025 à 21h30 au Sunside à Paris et le 18 avril 2025, de 20h30 à 22h30, sur la scène de la Jazz Station, à Bruxelles (Belgique).

Un pont entre les années 1920 et 2020

Avec « Twenties », le groupe The Hookup explore l’idée d’un pont entre les années 1920 et les années 2020. Irrigué d’énergie, l’album séduit par les prestations inventives de Géraldine Laurent, François et Louis Moutin et Noé Huchard. Quatorze morceaux choisis parmi les standards des années 1920 sont réinterprétés par ces quatre musiciens français issus de générations différentes. Un pied dans le passé, un pied dans l’avenir… une belle réussite musicale.

Depuis plusieurs années, Géraldine Laurent (saxophone alto), François Moutin (contrebasse) et Louis Moutin (batterie) ont échangé au fil de rencontres scéniques dont la teneur les a poussés à aller plus loin. Leur rencontre avec le jeune pianiste Noé Huchard a ajouté une dimension supplémentaire à leur dynamique musicale.

Après plusieurs concerts, les artistes décident de créer un projet commun. Ainsi advient la naissance du groupe The Hookup. Ensemble, ils interrogent le sens du jazz contemporain et mettent en évidence l’absolue modernité des standards.

Dans la perspective d’un premier album, les quatre musiciens choisissent et arrangent 14 standards des années 20 qu’ils projettent de jouer… un siècle plus tard, dans les années 2020. Ainsi, au fil des quatorze plages de « Twenties » (Jazz Eleven/Baco Distrib), le quartet The Hookup revisite des mélodies intemporelles d’hier en intégrant nouveautés et inventions actuelles.

Inscrit dans la modernité, « Twenties » témoigne d’une grande liberté créative. Les standards en sortent métamorphosés. Un jazz contemporain truffé d’improvisations inventives et d’audaces créatives.

Sorti le 28 février 2025 sur le label Jazz Eleven, l’album « Twenties » a été enregistré, mixé et masterisé au Studio Candelon, à Brignoles, par l’ingénieur du son Arthur Gouret. L’opus propose une relecture dynamique de la musique des années 1920.

Au fil des pistes

Le répertoire ouvre avec Ain’t Misbehavin’ composé par le pianiste Fats Waller et popularisé par la revue musicale Hot Chocolates crée à Broadway en juin 1929 avec Louis Armstrong en vedette. Au saxophone alto, Géraldine Laurent inscrit son discours dans les traces des grands be-bopers et hard bopers. Dans son improvisation, elle adopte un jeu à la fois fluide et incisif, véloce et flamboyant. On note aussi la sonorité ronde et opulente de la contrebasse de François Moutin, son jeu généreux et son phrasé vif. Au piano, le jeune Noé Huchard (26 ans) s’exprime dans un style qui ne manque ni d’originalité ni de puissance.

Sur After You’ve Gone, le quartet conserve le tempo modéré de ce foxtrot composé par Turner Layton et sorti en 1918. Le quartet accentue la mélodie sinueuse qui se pare d’Inflexions bluesy et de syncopes qui changent presque à chaque mesure. Après un solo de contrebasse d’une justesse inouïe et une lumineuse improvisation du pianiste, le saxophone alto fait entendre un phrasé parkérien parfaitement maîtrisé. Plus loin, la contrebasse expose à l’archet East St. Louis Toodle-Oo, la composition de Duke Ellington et Bubber Miley enregistrée en 1926 puis le piano se fait entendre et son chorus sonne dans le plus pur style « Jazz New-Orleans Dixieland ». C’est ensuite l’alto qui intervient et fait vibrer le titre de son jeu pétillant et étincelant. Au court d’un court solo, Louis Moutin régale l’oreille de la vaste palette de timbres de sa batterie.

C’est ensuite sur un tempo très rapide que le quartet prend Tea for Two, cette chanson d’amour composée par Vincent Youmans pour la comédie musicale No, No, Nanette créée à Broadway en 1924. Allongé dans la forme, le morceau se trouve dynamisé. L’altiste fait preuve d’une technique magistrale, d’une énergie inouïe et d’un lyrisme exubérant. Le pianiste n’est pas en reste et les frères Moutin semblent s’amuser tout en jouant avec énergie.

Le répertoire continue avec The Man I Love, de George Gershwin qui a figuré dans la comédie musicale de 1924, Lady Be Good. On savoure avec délice cette courte version du standard interprétée en duo par Géraldine Laurent et Noé Huchard. Délicatesse du piano, sonorité chantante et veloutée de l’alto dont le phrasé très mesuré est empreint de grâce. Écrit par Bertolt Brecht sur une musique de Kurt Weill pour la comédie musicale L’Opéra de quat’sous en 1928, Mack The Knife sert de tremplin au quartet qui en donne une interprétation musicale bouillonnante. Le jeu de l’altiste frise la frénésie et déclenche chez la section rythmique un climat sonore déchaîné. Un moment musical exaltant qui ravit les oreilles.

Avec le duo contrebasse/batterie, le piano ouvre Blue Skies, ce standard d’Irving Berlin composé en 1926 pour la comédie musicale Betsy. Swing singulier du trio avec dérapages, slaloms puis l’alto entre en piste. En trio avec les frères Moutin, elle déroule ses phrases sinueuses, ses notes rebondissent en zig-zags sans pour autant que la ligne mélodique ne disparaisse. Le morceau se termine en quartet. Un moment de bonheur absolu.

La musique se poursuit avec Honeysuckle Rose, la célèbre composition de Fats Waller que les quatre artistes revivifient avec humour. Le répertoire continue avec Softly As in A Morning Sunrise composé par Sigmund Romberg pour l’opérette The New Moon de 1928. Avec grande vitalité, le quartet régénère ce standard, nombreuses audaces harmoniques et rythmiques, voltiges de l’alto, décalage mélodique du piano.

En 2’30, The Hookup donne une version revigorée, tout en déphasage rythmique de Mean to Me, la composition de Fred E. Ahlert publiée en 1929. Irrésistible !

Après une introduction tout en délicatesse et en précision de l’alto vite rejoint par ses trois compères, la contrebasse ouvre l’espace au piano qui joue avec subtilité et limpidité la ligne mélodique de Manhattan, cette chanson populaire écrite par Richard Rodgers en 1925. Empreint d’une étrange allégresse, l’alto de Géraldine Laurent prend la suite. La saxophoniste développe un chorus dont la vitalité ne cesse de croître. Le morceau se termine diminuendo, tout en délicatesse.

C’est en duo que les frères Moutin interprètent Bye Bye Blackbird, la composition de Ray Henderson publiée en 1926. La contrebasse conte une histoire que ponctue la batterie. Louis stimule François qui lui répond avec aplomb et audace. Un dialogue symbiotique et plein d’humour.

Écrite en 1926 par George Gershwin pour la comédie musicale Oh, Kay !, Someone to Watch Over Me a été conçu à l’origine comme un morceau rythmé et rapide. Le quartet fait le choix de l’interpréter sur un tempo de ballade. Avec verve et lyrisme, l’alto expose la mélodie. Son jeu rond et onctueux est soutenu par le toucher cristallin du pianiste. La contrebasse à la sonorité chatoyante leur fait suite alors que les balais du batteur caressent peaux et cymbales. Ce challenge d’élégance et de finesse se poursuit jusqu’à la fin du morceau.

L’album se termine en mode modal avec Everybody Loves My Baby, ce standard populaire composé en 1924 par Spencer Williams. Le quartet adopte un parti pris résolument moderne pour interpréter ce titre. Avec générosité, l’alto développe un chorus enthousiaste. Géraldine Laurent joue dans un pur style hard bop. On peut apprécier son jeu sinueux, sa sonorité timbrée et son phrasé sulfureux. François Moutin lui répond et son chorus d’une vélocité confondante témoigne de sa parfaite maîtrise de l’instrument. Sans oublier de souligner la limpidité du piano de Noé Huchard qui joue avec les nuances. Le jeu de batterie de Louis Moutin rythme et souligne les interventions de ses partenaires et l’on pourrait parler de « batterie bien tempérée ». Six minutes de régal musical intégral.

Pour apprécier live « The Hookup » interpréter le répertoire de « Twenties », rendez-vous le 09 avril 2025 à 20h30 au New Morning à Paris, le 27 juin 2025 à 20h45 au Niort Jazz Festival et le 05 juillet 2025 au TSF Jazz Chantilly Festival.

Une subtile alliance entre force et sensibilité

Avec plus de 30 albums et une carrière internationale, David Linx est devenu une référence en matière de jazz vocal masculin. En 2025, le chanteur revient avec « Real Men Cry », un projet musical poétique et chatoyant. Avec subtilité, l’opus allie force et sensibilité. Le répertoire lumineux comble autant l’âme que l’oreille.

Après « Skin In The Game » (Cristal Records/Sony Music Entertainment) paru en 2020, « And Still We Sing with Fay Claassen and the WDR big band » (Jazzline/Socadisc) et « Be My Guest/The Duos Project » (Cristal Records/L’Autre Distribution) sortis en 2021 et après « On Shoulders We Stand » (Enja/Yellowbird Records/L’Autre Distribution) publié en 2022, David Linx est de retour avec « Real Men Cry » (Cristal Records/L’Autre Distribution - Believe) dont la sortie est annoncée pour le 07 mars 2025.

« Real Men Cry »

​30 ans après l’album « Up Close », enregistré en duo piano-voix avec Diederick Wissels, qui ouvrait avec I Tell My Heart, David Linx revient avec son nouveau projet « Real Men Cry » via lequel Il persiste et signe. Il choisit en effet d’affirmer que la sensibilité est une force : « Les vrais hommes pleurent » !

Le chanteur, a fait de sa voix un instrument à part entière et n’a eu cesse de s’inventer au fil des ans. Grâce à son talent et sa persévérance, il a acquis un véritable statut d’artiste innovateur du jazz vocal sur le continent européen. Un pionnier en quelque sorte !

« Être chanteur de jazz, c’est tout sauf confortable. La joie de chanter m’a permis de m’inventer pour ne pas être invisible. Pour ne pas être dans l’ombre des vocalistes américains. … Je ne remercierai jamais assez Kenny Clarke et James Baldwin dont la présence dans ma vie m’a aidé à prendre conscience de cela. Eux aussi ont eu à s’inventer… ». David Linx

L’équipe de « Real Men Cry » © Olivier Lhopez

Avec « Real Men Cry », ce nouvel opus qui marque ses 60 ans, David Linx retrouve une partie de l’équipe de « Skin in The Game » (Cristal Records/Sony Music Entertainment). En l’occurrence, le trio piano/contrebasse/batterie constitué de Grégory Privat, Chris Jennings et Arnaud Dolmen. Le quartet ainsi formé est rejoint par le trompettiste Hermon Mehari. Un quintet solide et de haute voltige.

Avec aisance et une grande liberté, celui qui a reçu une Victoire du Jazz en 2019 déploie sa technique vocale qu’il met au service des douze textes dont il est l’auteur. Non content de s’affirmer comme un songwriter accompli, David Linx a par ailleurs composé huit des douze titres du répertoire. Les quatre autres sont à créditer à ses amis Youceff Boukella (Stay In The Light), Diederik Wissels (This Saturday Song), Mario Laginha (Brooklyn) et Grégory Privat (I’m Breathing Out For The First Time).

Au fil des titres

Real Men Cry ouvre l’album. D’emblée, l’oreille est séduite par le morceau qui donne son titre à l’album. David Linx utilise l’entièreté de sa tessiture et fait entendre son jazz à fleur de peau. Le souffle chaleureux de la trompette offre un écrin à la voix du chanteur qui phrase avec profondeur, sensualité et élégance. L’association trompette/voix est mise en valeur par une prestation superbe du trio piano/contrebasse/batterie.

Le répertoire continue avec You’ll Always Be Tomorrow qui évoque James Baldwin. La voix de David Linx semble vagabonder sur le tapis volant que pilotent ses compagnons. Après l’intervention du chanteur, le chorus de trompette transcende la mélodie de sa sonorité majestueuse.

From Prince To King rend hommage à l’acteur américain Chadwick Boseman décédé à 43 ans. Climat mélancolique, timbre clair de la voix, sonorité rayonnante de la trompette. Superbe moment de poésie musicale à l’esthétique raffinée. Avec Chorinho Para Um Novo, advient un peu de légèreté. Rythme plus rapide, tonalité plutôt joyeuse, syncopes et contrepoints. Le solo de piano met en évidence la souplesse de toucher du musicien et sa parfaite maîtrise du flux musical.

David Linx « Real Men Cry » © Jeff Ludovicus

Dédié à Gladys M. Holt-Giles, It Ain’t Over Till It’s Done évoque les funérailles familiales aux États-Unis. Il se distingue des autres compositions de l’album puisque le morceau est interprété en duo piano/voix. David Linx adopte un chant aux accents gospellisants. Avec Half Past Gone, retour du quintet. L’expression du chanteur se fait sensuelle et sa voix brille de mille facettes. Le chorus de trompette résonne avec volupté et l’improvisation du pianiste est lumineuse. Le temps est comme suspendu.

Sur la composition de Youceff Boukella que David Linx a intitulée Stay In The Light, la mélodie exposée par le chant et la trompette est joyeuse. Ce chant résonne comme une ouverture à l’autre et apporte une couleur d’espérance. Introduite par le piano dans un style quelque peu romantique, The Growing Stone, porte le nom d’une nouvelle d’Albert Camus. Le souffle feutré de la trompette est imprégné de délicatesse et de mélancolie. Énergique, la voix de David Linx lui répond et rayonne avec énergie.

Sur le titre de Diederick Wissels, This Saturday Song, la voix de David Linx se fait caressante. La ballade se poursuit avec un court chorus de trompette puis l’instrument dialogue brièvement avec le chant. Un échange d’une fraîcheur étonnante.

Le chant de David Linx se pare de sensibilité sur le titre Brooklyn de Mario Laginha que le leader interprète en quartet, sans trompette et dédie à Brooklyn Moore. Le piano cristallin lui répond par un solo riche mais empreint de délicatesse. Changement de climat avec Resolution Chant, dont le tempo est plus rapide et le propos musical plus brut et moins sophistiqué que celui des autres titres du répertoire. La voix résonne avec plus de puissance et fusionne avec le chant de la trompette au timbre éclatant.

L’album se termine par I’m Breathing Out For The First Time, une composition de Grégory Privat. Voix et piano introduisent le titre puis sont rejoints par la batterie, la contrebasse et la trompette. L’élégance est de la partie de bout en bout… voix aux accents délicats, murmures de la section rythmique, expression raffinée de la trompette

Avec « Real Men Cry », David Linx propose un album très personnel, ancré dans la tradition qu’il réinvente et actualise. Un album tout en nuances et en contrastes que l’on se plaît à écouter en boucle.

Pour écouter David Linx, Grégory Privat, Chris Jennings, Arnaud Dolmen et Hermon Mehari interpréter live le répertoire de l’album « Real Men Cry », rendez-vous le 22 mars 2025 à Bruxelles (Belgique) au Jazz Station à 18h, le 27 mars 2025 à 20h30 à Paris (France) au Studio de l’Ermitage ou le 28 mars 2025 à 21h au Chorus de Lausanne (Suisse). Pour plus de dates, ICI.

Exaltant et énergique

Le pianiste et compositeur Pierre de Bethmann revient en 2025 avec « Agapé ». Pour son troisième album en quartet, le musicien poursuit sa route avec les mêmes musiciens, sur la lancée de l’enregistrement de « CREDO » paru en 2024. « Agapé », un album exaltant et énergique.

Après « Crédo » (Alea/Socadisc) enregistré au creux de l’hiver 2023 et paru le 12 janvier 2024, Pierre de Bethmann revient en quartet avec « Agapé » le 24 janvier 2025. Il poursuit sa route, entouré des mêmes musiciens, David El-Malek (saxophone ténor), Simon Tailleu (contrebasse) et Antoine Paganotti (batterie).

Le titre de l’album, fait référence à l’agapé, terme employé en Grèce Antique pour caractériser la plus belle des formes d’amour, un amour inconditionnel porté à l’humanité, la tendresse et le dévouement voué à un ami, un parent, un art. Ainsi, unis par l’amour de la musique qui les réunit, les quatre musiciens propulsent leur jazz vers l’avenir. Ensemble, ils rendent un futur possible à la musique qu’ils pratiquent aujourd’hui et qui s’inscrit dans une culture plus que centenaire.

Sur la lancée du 11 février 2023, au Studio Ferber à Paris où ont été gravées les plages de « Credo », Pierre de Bethmann a enregistré le 12 février 2023, les six pistes qui sont devenues les six titres de l’album « Agapé » sorti le 24 janvier 2025 sous son label ALEA.

Toutes les compositions sont à porter au crédit de Pierre de Bethmann. Chacune d’entre elles reflète un aspect de l’écriture très personnelle du compositeur, laquelle se caractérise par des lignes mélodiques complexes.

Savant par sa construction et sa mise en place, le jazz de l’album « Agapé » se nourrit de la communication qui règne entre les membres du quartet de Pierre de Bethmann. La puissance du jeu collectif restitue une musique énergique et exaltante.

Au fil des plages

L’introduction de la première du répertoire, Agapé, est assurée au synthétiseur par Pierre de Bethmann soutenu par la batterie. Après accords vibratoires et timbres stratosphériques, le piano entame la mélodie vite rejoint par le groupe et le ténor de David El Malek avec lequel il entame la mélodie en parfaite osmose. Très inspiré, le piano entame le premier chorus comme emporté par un élan ascensionnel. Il développe un jeu brillant et précis porté par une batterie scintillante et torride. Après une reprise du thème, le saxophone ténor prend un solo qui captive l’oreille par son propos dense et sa sonorité somptueuse. Le groupe se retrouve brièvement pour une fin vibrante.

Sur un tempo lent, contrebasse, batterie et piano introduisent Rien par un subtil travail d’agencement des accords qui résonnent étrangement. Ils exposent ensuite ensemble le thème avec le saxophone ténor. Le climat se fait vaporeux. De son toucher délicat, main gauche au piano, main droite au synthétiseur, Pierre de Bethmann développe un solo constitué de courts motifs interrogatifs puis David El Malek embouche son ténor et entame un chorus lyrique dont les phrases expressives et tendues s’envolent avant de revenir au thème initial. Un grand moment de sérénité.

Piano et ténor exposent à l’unisson la mélodie aux accents funky du titre En plus. Stimulés par la contrebasse de Simon Tailleu, ils entament ensuite un dialogue. Joute musicale flamboyante et dense que propulse avec détermination la batterie d’Antoine Paganotti. Ce dernier entame ensuite un court solo dont le jeu rigoureux et très contrôlé dégage une tension libératoire.

Changement de climat avec la musique de Deep, ballade que le trio entame comme en suspension. La contrebasse esquisse la mélodie, les cymbales frémissent, le piano murmure puis le saxophone ténor à la sonorité ronde et chaleureuse entre et génère un climat éthéré. Une fin évanescente caractérise le titre. Subtil et délicat, Deep peut évoquer des réminiscences du monde de Satie.

Grâce à vous débute dans une ambiance de recueillement. Cymbales caressées, effleurement des cordes de la contrebasse, jeu délicat du piano. Après une minute, le ténor s’invite dans la communion musicale qui unit les quatre musiciens. Durant un chorus fluide mais énergique, David El Malek fait respirer la musique, soutenu par les nappes sonores du synthétiseur et les accords célestes du piano. Contrebasse et batterie assurent une présence essentielle, discrète et efficace. Un pur bonheur musical.

Le répertoire se termine avec Agapes qui met en exergue le son lisse et incisif du saxophone ténor. Avec une parfaite maîtrise de l’instrument, David El Malek génère une tornade de gammes échevelées poussées au paroxysme par un trio complice. Dans une ambiance de partage fraternel se termine l’album « Agapé » qui porte vraiment bien son nom.

Pour retrouver Pierre de Bethmann Quartet et la musique de l’album « Agapé », rendez-vous le 07 mars 2025 à 21h30 au Bal Blomet à Paris. Un beau moment musical en perspective.

Hymne énergique et groovy

Pour son nouveau projet, « Le Temps est parti pour rester », Andy Emler invite un octuor de clarinettes à rejoindre son trio ETE. À la tête de ce onz’tet, le pianiste et compositeur propose une véritable ode à la clarinette. Avec inspiration, piano, contrebasse, batterie et clarinettes tissent les fils du temps et ensemble élaborent un hymne énergique et groovy.

Après de nombreuses expériences de composition et après son dernier opus « No Rush ! » (La Buissonne/PIAS) sorti en février 2023, Andy Emler revient avec un nouveau projet, « Le Temps est parti pour rester » (Peewee! / Socadisc - Inoui), album dont la sortie est annoncée pour le 07 février 2025.

Véritable hymne à la clarinette, « Le Temps est parti pour rester » propose de nouvelles vibrations et de surprenantes combinaisons timbrales.

En effet, le pianiste et compositeur associe un octuor de clarinettes au trio ETE qu’il forme depuis 2002 avec le contrebassiste Claude Tchamitchian et le batteur Éric Échampard, créant un octuor dont les couleurs harmoniques et rythmiques diffèrent des esthétiques de tous ses orchestres précédents.

Ainsi, Andy Emler (piano), Claude Tchamitchian (contrebasse) et Éric Échampard (batterie) sont rejoints par huit clarinettistes/solistes de renom, Élodie Pasquier (clarinette Sib), Nicolas Fargeix (clarinette Sib), Catherine Delaunay (clarinette Sib, cor de basset), Louis Sclavis (clarinette Sib, clarinette basse), Laurent Dehors (clarinette Sib, clarinette basse, clarinette contrebasse), Emmanuelle Brunat (clarinette Sib, clarinette basse), Florent Pujuila (clarinette Sib, clarinette basse) et Thomas Savy (clarinette basse).

Fidèle aux modes opératoires du MegaOctet, Andy Emler a pensé chaque pièce pour chaque soliste, préparant ainsi un terrain propice à l’expression libre de chacun.e de ces huit clarinettistes rencontré.e.s à différents moments de sa vie de musicien-compositeur. De la composition sur mesure, un rêve pour tout musicien interprète.

Enregistré au Studio Sextan A les 22, 23, 24 et 25 avril 2024, par Vincent Mahey, l’album « Le Temps est parti pour rester » a été mixé au Studio Sextan C en juin 2024. Il s’agit d’une coproduction PeeWee! – La Compagnie aime l’air.

Au fil des titres

Le répertoire de neuf titres s’apparente à un bulletin météo… tout y passe, nuages, vent, pluie, chaleur, froid mais quel que soit le temps les musiciens gardent le tempo et nous le sourire. La musique fait vibrer les bonnes ondes. A l’écoute des musiciens, on bat du pied, on hoche la tête. Un vrai bonheur !

Dès l’introduction du premier titre, Des temps de ouf, les voix des clarinettes alternent avec des notes insolites de la contrebasse et du piano qui privilégie une virtuosité ludique sur une construction infaillible. Après un brouhaha vocal et une reprise rythmique implacable, la clarinette en Sib de Nicolas Fargeix s’envole au-dessus du chaos et temporise un moment les fulgurances musicales des clarinettes et de la section rythmique. Un moment jubilatoire !

L’énergie rock imprègne Des nuages dans la tête. L’ensemble propose une ritournelle sur laquelle la clarinette basse de Louis Sclavis fait entendre sa sonorité d’une grande pureté qui cultive l’étrange, l’insolite et des phrasés « free » audacieux. A la toute fin, la plage se termine avec le cor de basset de Catherine Delaunay dont les notes fusionnent intimement avec celles de la contrebasse de Claude Tchamitchian.

Les clarinettes de Laurent Dehors, Thomas Savy, Louis Sclavis et de Nicolas Fargeix échangent des propos qui se superposent sur le début de 2 climatologies puis après un riff repris par l’ensemble des clarinettes, la section rythmique gronde et s’impose puissamment au-dessus des clarinettes qui se bousculent et se taquinent comme stimulées par le climat d’euphorie collective. Le riff se fait entendre de nouveau et les clarinettes solistes reprennent leurs propos comme si de rien n’était, cédant la place au piano qui termine le titre par quelques notes. Sans discontinuer, les notes cristallines du clavier d’Andy Emler ouvrent la pièce suivante, Précipitations 12023. A son écoute, l’oreille vogue dans un espace sonore intemporel. Le solo du pianiste propose un voyage dans un paysage musical aux couleurs ravelliennes. On est plongé dans une agréable sensation de plénitude.

Sur l’introduction du titre éponyme de l’album, Le temps est parti pour rester, les huit clarinettes caracolent en s’amusant. La section rythmique les rejoint. Plus loin, le piano décline une courte mélodie chargée d’humour et délire au sein des clarinettes. La tension monte avec force. Au sein de ce climat pulsatile, le jeu de clarinette de Nicolas Fargeix semble d’abord apaisé puis se transfigure et se déchaîne avec la contrebasse pour offrir en final du morceau, un orage musical éphémère.

Sur Les vents du chnord, après une introduction étonnante, de Catherine Delaunay et Claude Tchamitchian, Laurent Dehors fait preuve de nombreuses audaces sur sa clarinette contrebasse. Il souffle un riff repris par l’ensemble des clarinettes. Le piano se montre exubérant, la section rythmique groove à fond et sur sa clarinette basse, Laurent Dehors développe une énergie sauvage. Le morceau décape de bout en bout.

Chaud et… show met en orbite la clarinette Sib d’Élodie Pasquier. Elle engage un travail sur le son, dans les graves et les aigus. Son solaire, tantôt timbré, tantôt détimbré. Stimulée par les voix du collectif, elle bondit en altitude et entame un véritable show, soutenue par la section rythmique et le piano. L’oreille est prise d’une agréable sensation de vertige. Ça chauffe et ça tangue. On en est tout retourné.

Sans temps mort, la température du répertoire change avec Des canards en froid. Sur un motif récurrent joué par le trio piano/contrebasse/batterie, la clarinette Sib de Florent Pujuila développe un propos ardent. Son jeu montre un goût pour les esthétiques classiques, contemporaines et d’avant garde dont il s’inspire tour à tour. La coda du morceau revient à Claude Tchmitchian et Catherine Delaunay. Un moment absolument savoureux.

L’opus se referme avec Par les chants qui…, un morceau basé sur un schéma réitératif qui met en lumière le jeu de batterie explosif d’Éric Échampard, « cœur battant » de l’orchestre. De son jeu très ciselé, à la fois très énergique et subtil émerge un cataclysme sonore suivi d’un instant apaisé par les clarinettes… et à 3’2″ advient un « blanc » qui peut en tromper plus d’un.une. Donc, petit conseil, ne surtout pas arrêter le CD car après 28″ de silence, la musique reprend avec encore plus de force. A la toute fin, l’oreille capte (ce qui pourrait être) la voix de Laurent Dehors qui dit (?) « bien aimer les Indiens ». Le mystère demeure quant à cette réflexion et son contexte, mais quoi qu’il en soit… on aime « Le Temps est parti pour rester » et après avoir terminé la chronique, on laisse tourner l’album en boucle, pour le plaisir.

Avant la sortie de l’album « Le Temps est parti pour rester », le 07 février 2025, rendez-vous les 05 février et 06 février 2025 à 20h au Studio de l’Ermitage, à Paris pour les deux concerts qui célèbrent, en live, la musique de cet album.