Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Du jazz pimenté de résonances cap-verdiennes

Dans son neuvième album « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre le pianiste Horace Silver disparu il y a cinq ans. Avec son indéfectible complice, le bassiste Theo Pascal, la chanteuse aux origines cap-verdiennes rend hommage au pionner du hard-bop. Elle reprend des titres du répertoire de son aîné auxquels s’ajoutent deux morceaux originaux. Le jazz pimenté de résonances créoles du Cap-Vert envoûte et séduit. Une belle réussite !

Pianiste emblématique et pionnier du hard bop, Horace Silver (1928-2014), a été une grande influence dans la carrière et le parcours musical de l’auteure-compositrice-interprète Carmen Souza.Carmen Souza célèbre Horace Silver

Tous deux partagent le même héritage capverdien transmis par leurs familles. Aujourd’hui, la chanteuse célèbre la musique du pianiste Horace Silver sur « The Silver Messengers » (Galileo/MDC/Pias) à paraître le 24 janvier 2020.

Entourée de Theo Pascal (basse/basse électrique), Elias Kacomanolis (batterie/Percussions) et Benjamin Burrell (piano), Carmen Souza (chant et guitare) a enregistré les onze plages de l’album, entre Londres et Lisbonne.

« The Silver Messengers »

« En grandissant, j’écoutais beaucoup les disques de mon père, qui étaient principalement de la musique instrumentale du Cap-Vert… Quand j’ai écouté Horace Silver pour la première fois, j’entendais la même vibration, le même swing, la même intention, la même harmonie et mélodie, des mouvements familiers, des cadences, des changements d’accords, je pouvais entendre le son de mon enfance, mais avec une texture et un parfum différents, c’est-à-dire du jazz ». Carmen Souza

Le titre de l’album, « The Silver Messengers », résonne par ailleurs comme un clin d’œil à la vie d’Horace Silver dont il reprend le nom, Silver, auquel est accolé Messengers, en référence au légendaire groupe de « Jazz Messengers », d’Art Blakey auquel le pianiste a participé et où il a élaboré hard-bop et jazz funky.

Indéniablement, « The Silver Messengers » célèbre Horace Silver avec un répertoire de onze titres parmi lesquels figurent neuf compositions du pianiste. La filiation revendiquée par la chanteuse Carmen Souza est donc très explicite. En effet, Carmen Souza et Theo Pascal ont retravaillé six morceaux auxquels ils ont ajouté de nouvelles paroles créoles. Trois autres pièces du pianiste déjà reprises par la chanteuse les côtoient, Song for My Father, Cape Verdean Blues et Pretty Eyes. Lady Musica et Silver Blues, deux chansons originales composées par Carmen Souza et Theo Pascal sont dédiées à Horace Silver, complètent le line-up.

Ainsi, en disciple convaincue, Carmen Souza continue à porter le message de la musique d’Horace Silver à laquelle elle croit et qu’elle honore avec brio. Elle parvient à demeurer fidèle à l’esprit de l’art d’Horace Silver tout en insufflant sa propre singularité dans l’œuvre du pianiste.

La voix singulière de Carmen Souza

Au fil des années, Carmen Souza a développé un chant singulier reconnaissable entre tous. Dès les premières notes on identifie sans aucune hésitation sa voix pétillante aux accents malicieux, ses vocalises périlleuses et son timbre tout à tour acidulé ou rugueux mais toujours chaleureux.

Après un premier album « Ess ê nha Cabo Verde » (2005) sans aspérité, la chanteuse développe petit à petit son chant si particulier dont on saisit déjà les accents en 2008 sur « Verdade ». « Protegid » marque une nouvelle étape, en proposant une World Musique originale où le jazz affleure avec une première version de Song for my Father d’Horace Silver.

En 2012, sur « Kachupada », le jazz s’invite de nouveau avec une version espiègle de Donna Lee et une autre de My Favorite Things. En 2015, dès la première écoute de l’album « Epistola », on identifie la voix de Carmen Souza sans aucun risque de se tromper. Sur l’album, elle reprend aussi Cape Verdean Blues d’Horace Silver et offre une version épique de Moonlight Serenade. Sur l’album « Creology » sorti en 2017, la chanteuse lance avec brio un pont entre musique créole capverdienne et jazz. Elle libère sa voix malicieuse et donne libre cours à son chant singulier.

Aujourd’hui, avec un contrôle inouï, le chant de Carmen Souza virevolte entre aigus et graves, caresse les notes avec langueur, crie avec espièglerie, chuchote ou se blottit entre les lacis rythmiques. Elle ponctue ses scats périlleux d’onomatopées pétillantes durant lesquelles la voix acidulée se perche très haut dans les aigus, se lâche et plonge dans les graves rugueux où elle se love avec une sensualité caressante. Au final, au grain unique de sa voix d’alto, la chanteuse allie une virtuosité vocale totalement maîtrisée.

Au fil des pistes

Pièces déjà au répertoire de la chanteuse

Hormis Song for my Father sur lequel on observe le même tempo que le titre original enregistré sur l’album au titre éponyme sorti en 1964 chez Blue Note et une grande proximité entre le chorus vocal de la chanteuse et celui du pianiste, Carmen Souza prend ses distances avec les tempi des versions d’origine qu’elle accélère ou ralentit à l’envi.

Sur Cape Verdean Blues, la chanteuse prend le parti d’insuffler un nouvel éclat à l’univers du pianiste. Sa voix singulière et envoutante impulse la joie de vivre en adoptant un tempo plus rapide que celui la version enregistrée en 1965 par Horace Silver. Par contre, le chant facétieux de la chanteuse ré-enchante un rythme composé, le titre Pretty Eyes enregistré par le pianiste en 1964. Elle en propose une version empreinte de délicatesse.

Nouvelles reprises

Carmen Souza métamorphose avec bonheur le célèbre Señor Blues (1957) dont elle étire la mélodie et… le blues devient psalmodie. Sur un rythme très ralenti par rapport à la version originelle de 1972 et habillée de paroles en créole capverdien, la mélodie de Kathy dégage une saudade où se mêlent joie et tendresse. De sa voix voilée, sensuelle et quelque peu espiègle, la chanteuse imprime un tempo de calypso à Soul Searching une composition de 1971. Avec souplesse, Benjamin Burrell s’envole dans un chorus funky salsa.

Pris sur un tempo moins rapide que l’original de 1966, Nutville propose des cadences rythmiques complexes sur lesquelles la voix mélancolique et sensuelle caresse. Le quartet s’amuse par contre à détricoter The Jody Grind auquel il impulse un tempo beaucoup plus enlevé que l’original de 1966. Le titre laisse percevoir la complicité extrême qui règne entre la chanteuse et le bassiste. En effet, soutenue par la solide ligne de basse et la batterie efficace, la voix agile impulse une énergie funky à la mélodie tout en conservant une incroyable légèreté.

On demeure pantois à l’écoute de la version que Carmen Souza propose de la composition d’Horace Silver, St Vitus Danse (1959). Durant quatre minutes, le morceau sert de tremplin à la voix qui exécute un scat acrobatique dont les écarts et les onomatopées bopisantes débordent d’enthousiasme. La section rythmique s’amuse et jongle avec le rythme sans aucun faux pas.

Compositions originales

Lady Musika permet à la chanteuse d’exprimer avec allégresse et légèreté son identité en créole cap-verdien, sans départir son expression de nostalgiques intonations. Silver Blues termine l’album sur une rythmique subtile qui permet à la voix de gagner en profondeur et en nuances et de poser l’empreinte d’un groove organique mais soyeux.

Dans « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre Horace Silver auquel elle rend un hommage brillant et singulier. Avec allégresse et espièglerie, la chanteuse épice un jazz riche en influences soul,latines et funky. Un album solaire, vibrant et pimenté.

Pour s’immerger dans l’album « The Silver Messengers » et ses superbes ambiances, RV avec Carmen Souza (chant et guitare), Theo Pascal (basse et c.basse), Elias Kacomanolis (batterie) et Ben Burrell (piano) à Paris le 26 février 2020 à 21h30 au Sunside.

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Bientôt… la sortie de l’album « All Rise »

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retour de gregory Porter avec RevivalChanteur de jazz lauréat de deux Grammy Awards, Gregory Porter possède une des plus belles voix de sa génération. Le 17 janvier 2020 le baryton revient avec « Revival ».

Ce nouveau single est annonciateur de la sortie prochaine de son sixième album studio, « All Rise » à venir le 17 avril 2020 chez Decca Records/Blue Note.

De réjouissantes perspectives musicales !

Bientôt… « All Rise »

Gregory Porter avec Revival annonce la sortie de All Rise“All Rise” ponctue le retour de Gregory Porter en 2020 à son écriture originale avec des paroles imprégnées de détails de la vie réelle et pour le chant, un mélange de jazz, de soul, de blues et de gospel.

Produit par Troy Miller avec des crédits à Laura Mvula, Jamie Cullum et Emili Sande, l’album « All Rise » témoigne de l’évolution de l’art de Gregory Porter vers quelque chose de plus intime, plus universel mais toujours chargé d’émotion.

De 2010 à 2020

« All Rise » s’inscrit dans la continuation d’une histoire commencée en 2010 avec « Water » lequel album a été suivi de « Be Good » en 2012.

En 2013 le succès du chanteur se confirme avec l’album « Liquid Spirit » (Blue Note/Universal) qui a remporté le Grammy du meilleur album vocal. En 2016, « Take Me to the Alley », lui aussi récompensé d’un Grammy Award, met en évidence le talent inné du baryton pour transcender les genres, blues, soul, gospel, jazz. Sur cet album il se fait le porte-voix de son époque.

En octobre 2017, avec « Nat King Cole & Me » (Blue Note/Universal) le crooner rend un vibrant hommage à la figure mythique qui a influencé sa musique et sa vie, Nat King Cole.

La belle énergie de « Revival »

Pour patienter et attendre la sortie de l’album « All Rise » annoncé pour le 17 avril 2020, on se réjouit du retour de Gregory Porter avec « Revival » que l’on se propose d’écouter. La vidéo donne un aperçu de la tonalité joyeuse et optimiste de l’album à venir.

Porteur l’ADN de Gregory Porter, entre jazz et pop mais surtout profondément enraciné dans la soul et le gospel, « Revival » constitue une belle manière de commencer 2020 !

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Grégory Privat revient avec « Soley »

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Trois ans après « Family Tree », le pianiste Grégory Privat revient en trio avec Chris Jennings et Tilo Bertholo. Son album « Soley » est comme irradié de la lumière de l’étoile solaire. Chargé d’énergie, l’album navigue sans frontières entre jazz, musiques caribéennes, électroniques et chant. La musique invite à l’optimisme et à l’espérance.

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Grégory Privat revient avec « Soley »

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« Spirituality, Optimism, Light and Energy for You »

Trois ans après « Family Tree », le pianiste Grégory Privat revient en trio avec Chris Jennings et Tilo Bertholo. Son album « Soley » est comme irradié de la lumière de l’étoile solaire. Chargé d’énergie, l’album navigue sans frontières entre jazz, musiques caribéennes, électroniques et chant. La musique invite à l’optimisme et à l’espérance.

Après l’envoutant et vibrant « Family Tree » (ACT/PIAS) paru en 2016, le pianiste Grégory Privat annonce la sortie de son album « Soley » (Buddham Jazz/L’Autre Distribution) attendu pour le 31 janvier 2020. Comme le promet son titre,l’opus propose une musique lumineuse et généreuse.

« Soley »… un concentré de lumière

C’est sur son propre label, Buddham Jazz, que Grégory Privat présente son cinquième album enregistré en février 2019 au Studio La Buissonne par Nicolas Baillard.

Grégory Privat revient avec SoleyLe pianiste a conçu son cinquième album comme un concept sous-tendu par son titre, « Soley », soleil en créole. Grégory Privat a en effet profilé son album comme un symbole, celui d’une « lumière porteuse d’espoir »« Spirituality, Optimism, Light and Energy for You« … et de fait, il ne s’agit pas de vaines promesses car une luminosité joyeuse et colorée se dégage des quinze titres de « Soley », tous composés par le leader.

Autour du pianiste sont réunis deux musiciens qui pour lui possèdent les qualités idéales. Le batteur Tilo Bertholo, déjà présent à ses côtés sur le précédent opus, possède les codes du jazz, mais aussi ceux de la musique martiniquaise et de la pop. Imprégné de musique classique et de jazz, le contrebassiste Chris Jennings est quant à lui « ouvert à toutes les expérimentations ».

Élégance, frénésie et poésie

Avec une liberté peu commune, le trio explore l’espace musical. Au-dessus des spirales polyrythmiques de la batterie et du solide soutien harmonique de la contrebasse, le piano comme libéré de la gravité, construit et déconstruit les mélodies. Les élans de la batterie stimulent les boucles entêtantes du piano et les vagues électroniques du clavier croisent les échos vibrants des nappes vocales éthérées.

« Soley » dispense une musique enveloppante, tour à tour élégante, frénétique ou poétique.

Au fil du répertoire

Après Intro et son atmosphère planante, le répertoire s’achemine dans un dynamisme ascensionnel vers le lumineux Soley où piano et voix s’élèvent avec légèreté au-dessus d’une rythmique solide et tonique. L’album se termine sur un titre au tempo ternaire et à la résonance très jazz, Waltz for M. P., un hommage sensible à Michel Petrucciani.

Le voyage musical proposé par le trio est ponctué par deux morceaux joués en duo. Le mélancolique Prélude où dialoguent piano et la contrebasse dont le jeu à l’archet laisse pantois. L’énergique Interlude riche des échanges de la batterie avec le piano et le clavier.

Sur Las, le pianiste chante ses difficultés à se lever chaque jour mais le titre résonne comme une incitation à se réveiller à la vie et à tout ce qu’elle offre. Ouvert par un riff lancinant de contrebasse, Le Pardon se développe entre nappes électroniques, mélodies mélancoliques aux accents orientaux et battements énergiques sur fûts et cymbales. A la toute fin, le piano largue les amarres. Comme libéré de la pesanteur, il s’élève au- dessus de la mêlée rythmique, comme pour atteindre le soleil.

Sur Sergueï, le piano se fait royal. Poussée par une main énergique gauche pulsatile, soutenue par la batterie explosive et la contrebasse tellurique, la main droite aérienne explore le clavier. Seducing The Rain advient ensuite comme un répit lumineux et salvateur. Une ballade en suspension dont la mélodie poétique jouée avec délicatesse par le piano, charme l’oreille. Les cymbales frissonnantes et la contrebasse terrienne contribuent pour beaucoup au climat rassérénant du morceau.

La complicité qui unit les trois musiciens génère de riches échanges comme dans Manmay où le vibrant chorus de contrebasse propulse le piano dans un superbe solo. Comme dopé par l’énergie de l’astre, le trio illumine Transfiguration, autre morceau phare de l’album où Grégory Privat confirme sa place parmi l’élite des pianistes de jazz.

Tout concourt à faire de « Soley » un album singulier qui cabote entre tradition et avant-garde sans vraiment se déterminer. Le trio complice offre un arc-en-ciel d’émotions où se mêlent joie et mélancolie.

Pour retrouver la musique de « Soley » et Grégory Privat (piano) en trio avec Chris Jennings (contrebasse) et Tilo Bertholo (batterie),  RV à Paris les 27 et 28 janvier 2020 à 19h30 et 21h45 au Duc des Lombards et au New Morning, le 21 avril 2020.

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

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Coup de Cœur pour « Cuban Jazz Report »

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Du Jazz cubain sans blabla et une descarga enflammée !

Sorti le 10 janvier 2020 sous le label Stunt, « Cuban Jazz Report » réunit une équipe de choc autour du percussionniste cubain Eliel Lazo. Avec le pianiste “Caramelo de Cuba”, le bassiste Yasser Pino et le batteur Raul Pineda, il développe une musique spontanée, ancrée dans les racines du jazz et celles de la musique afro-cubaine africaine. Avec créativité, les quatre musiciens explorent les rythmes et joignent leurs voix aux instruments. Un jazz cubain moderne et sans blabla qui enflamme une descarga festive !

En 2014, le percussionniste cubain Eliel Lazo introduit la musique cubaine sur les scènes du Danemark où il réside. Il lance les « Cuban Nights » où il invite artistes locaux et cubains pour des soirées musicales qui connaissent un succès grandissant.couverture de l'album Cuban Jazz Report Pour monter plus haut la barre  et célébrer plus encore le jazz cubain, il décide de réunir autour de lui une dream-team inouïe, le légendaire pianiste Javier “Caramelo de Cuba” Masso, le bassiste organique Yasser Pino et le batteur incroyable Raul Pineda.

Les quatre musiciens entrent en studio en 2019 et enregistrent « Cuban Jazz Report » (Stunt Records/Una Volta Music).

Sorti le 10 janvier 2020, l’album « Cuban Project » possède une fraîcheur et une spontanéité rarement présentes en studio et fort éloignées des formats compassés et rabâchés que proposent nombre d’albums étiquetés latin jazz. Entre les quatre musiciens s’opère une osmose incroyable qui génère une musique festive et authentique.

« Cuban Jazz Report »… une pure réussite qui engendre un plaisir sans réserve. Écouter l’album, c’est pénétrer dans un univers musical intense où coexistent explosions rythmiques et tendres nostalgies. Congas, piano, basse, batterie et voix s’allient pour animer une descarga euphorique où vibrent tous les sens !

« Cuban Jazz Report », l’équipe

L’alchimie qui règne entre les quatre membres de l’équipe de « Cuban Jazz Report » repose en grande partie sur l’expérience de chacun des musiciens et leur maîtrise des fondamentaux de la musique qui les a nourris.

Eliel Lazo, polyrythmicien et compositeur

Eliel Lazo a commencé à jouer très tôt et a étudié à l’école de percussion d’Oscar Valdés, ancien chanteur et percussionniste, du groupe Irakere. En 2003, à 19 ans, Eliel Lazo remporte le prestigieux Percuba International Percussion Prize. Après une première invitation au Danemark en 2014, il y retourné et s’y installe en 2007.Cuban Jazz Report avec Eliel Lazo

Il a joué avec Michel Camilo, Chucho Valdés, Changuito, Herbie Hancock, Oscar Valdés, Airto Moreira. Il a collaboré avec les groupes cubains Diakara et Habana Ensemble et a travaillé avec le Danish Radio Big Band, Blanco Y Negro, WDR Bigband d’Allemagne et BBC Bigband du Royaume-Uni.

Après son premier album « Art Ensemble of Habana » il a sorti « Blanco Y Negro », son premier enregistrement avec Stunt Records, puis « El Conguero » sous le même label et a participé à de nombreux autres albums dont « Cuban Flavor » et « Spirituals » avec The Danish Radio Big Band. Son album de 2015, « Eliel Lazo and the Cuban funk Machine » avec le saxophoniste ténor américain Bob Mintzer et une brochette de musiciens cubains, danois et suédois rend hommage au funk des années 70 et au songo cubain. Eliel Lazo est reconnu aujourd’hui comme un maître des congas.

Yasser Pino, souple et organique

Né à La Havane, Yasser Pino réside aujourd’hui à Copenhague, au Danemark. Diplômé en tant que concertiste et professeur de guitare classique du Conservatoire « Amadeo Roldan » à La Havane en 1995, il est également diplômé de contrebasse et professeur du Conservatoire rythmique de Copenhague où il enseigne la contrebasse, la guitare et la basse électrique depuis 2006.

À Cuba, il a joué entre autres avec Chucho Valdés et Roberto Fonseca. Son assise très solide fait de lui un bassiste recherché. Actuellement, il collabore à de multiples projets et groupes parmi lesquels entre autres, Jonas Johansen, Steen Rasmussen, Calixto Oviedo, Eliel Lazo, The Afrocuban All Stars, Cubanismo, Harold Lopez-Nussa Trio. En 2014 il a sorti l’album « Natura » son projet de jazz latin « The Latin Syndicate » dans lequel intervient Eliel Lazo.

Raul Pineda, solide et élégant

Né et élevé à La Havane, ce batteur figure parmi les meilleurs et les plus novateurs batteurs latins. Raul Pineda a combiné les techniques de la batterie moderne à la nature complexe de la musique afro-cubaine. Son style très technique et élégant résulte de cet alliage unique et lui vaut d’avoir été lauréat d’un Grammy Award et d’avoir joué ou enregistré avec Chucho Valdés, Michel Camilo, Mike Stern, Arturo Sandoval, Bob Mintzer, Kazumi Watanabe, Claudio Roditi, Miguel Anga Diaz, David Sanchez, Omar Sosa et bien d’autres encore.

“Caramelo de Cuba”, brillant et expressif

Né à La Havane, Javier “Caramelo de Cuba” Masso a étudié le piano classique et cubain, les percussions classiques et cubaines, la composition, l’orchestration et la direction d’ensembles musicaux, à l’école de musique « Amadeo Roldon » et à l’Escuela Nacional de Art de La Havane. Il est remarqué sur les scènes de Cuba dès l’âge de 15 ans et entreprend une tournée internationale à 17 ans. Il enregistre ensuite avec le pianiste Gonzalo Rubalcaba. Après une carrière acclamée par tous les critiques musicaux, il est devenu aujourd’hui l’un des pianistes les plus reconnus de Cuba, sur l’île mais aussi à l’international. Honneur suprême, il a été reconnu par le maestro Chucho Valdés comme l’un de ses favoris.

Au fil des titres de « Cuban Jazz Report »

Havana Chants ouvre l’album par un superbe mélange de chants, de rythmes afro-cubains et de jazz. Après le chœur des musiciens qui chantent la rumba sur un mode yoruba, le piano s’enflamme sur la rythmique endiablée menée par les congas et la batterie puis le quartet adopte un tempo jazz soutenu avant de revenir dans la dynamique cubaine… impossible de résister à cette fête dionysiaque qui invite à la transe.

Le piano mène ensuite le jeu sur Cromason qui invite à danser au rythme d’un mambo. Le clavier brode une ode au bonheur, la contrebasse profonde prend le relai et après un pur moment de délice, le climat tourne à l’euphorie collective. On tombe ensuite sous le charme de la Caminadora, une complainte tapissée de rumba et portée par le chant mélancolique du percussionniste.

les musiciens de l'album Cuban Jazz ReportTrès vite, la nostalgie disparait dès que débute A Cuban Blues. Chorus enfiévré de contrebasse, piano exalté convoquant le bebop, rythmique incroyable impulsée par la batterie et les percussions qui rivalisent d’énergie. Le quartet change ensuite de registre avec Nuevo Amanecer, un blues fulminant articulé sur des rythmes de cha-cha-cha. Un bain de jouvence qui fait de l’œil à Weather Report.

Après l’euphorie on savoure le brin de romantisme qu’insuffle Para Luisa sur un tempo de bolero. Une ballade bienvenue qui incite à la rêverie. Plus loin, un dialogue de congas et batterie ouvre One night one song, après quoi le groupe vocalise à l’unisson. Le chorus flamboyant du piano transporte la musique sur un danzon qu’un solo de batterie porte à l’incandescence jusqu’au final où batterie et percussions rivalisent en un feu d’artifice rythmique.

La fête continue avec Monday Evening. Son climat effervescent et ses voix évoquent la musique de Chick Corea et portent des échos de flamenco. Le piano survolté ne manque quant à lui ni de subtilité, ni d’inspiration. Entrainé ensuite par le rythme et le chant du percussionniste, le quartet invite à marcher avec lui en direction d’une cérémonie incantatoire où voix et instruments se mêlent avec bonheur. Avec Yo Soy, l’album se termine en un feu d’artifice. Tel un bouquet final, ce dernier morceau porte à son paroxysme rythmes et chants cubains alors que le son électrique du clavier relie la tradition à la modernité.

De bout en bout des dix plages de « Cuban Jazz Report », on reste saisi par l’originalité de cette musique qui allie avec un naturel inouï, rythmes de claves afro-cubains, force émotionnelle des chants traditionnels aux harmonies et improvisations du jazz. Sous le charme de la musique et pour ne pas quitter le quartet fusionnel, on laisse tourner en boucle la musique jusqu’au bout de la nuit…

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Paul Lay revient avec « Deep Rivers »

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Hommage musical riche en émotions

Le pianiste Paul Lay revient en trio avec la chanteuse Isabel Sörling et le contrebassiste Simon Tailleu déjà présents à ses côtés sur le splendide « Alcazar Memories ». « Deep Rivers » résonne comme un voyage autour de 100 ans de chansons américaines, de la guerre de sécession à Nina Simone. Le trio rend hommage aux musiques populaires de la fin du 19ème et du 20ème siècle. Le répertoire s’enrichit de quatre compositions du pianiste rejoint par quatre invités. Les émotions sont au rendez-vous.

Dix ans après la sortie de son premier album « Unveiling » chez Laborie Jazz, Paul Lay revient avec « Deep Rivers » (Laborie Jazz/Socadisc/IDOL) sorti le 10 janvier 2020. L’album répond à une commande destinée à commémorer les 100 ans de l’arrivée du jazz en Europe. Le pianiste retrouve la chanteuse suédoise Isabel Sörling et le contrebassiste Simon Tallieu, partenaires avec lesquels il avait déjà enregistré « Alcazar Memories » (2017) dont on a pu apprécier la musicalité.

Paul Lay

Depuis ses débuts, le pianiste orthézien a développé une expérience très large qui lui a permis de s’exprimer en solo ou en leader à la tête de ses trios ou quartet, mais aussi dans les groupes de Riccardo Del Fra, Géraldine Laurent, Ping Machine et Eric le Lann avec lequel il a d’ailleurs enregistré « Thanks A Million » (2018) qui célèbre la mémoire et l’œuvre de Louis Armstrong. Parmi les nombreux prix prestigieux reçus par Paul Lay, on peut citer le Prix « Django Reinhardt » qui l’a distingué en 2016 meilleur artiste de jazz français de l’année.

Fin mélodiste doté d’une technique imparable au service d’une imagination impressionnante, Paul Lay demeure ancré dans la tradition qu’il renouvelle avec subtilité. Inspiré, le pianiste développe une expression très personnelle d’où est absente toute reproduction et tout étalage. Virtuose, il prend de la distance avec la technique et développe une identité singulière. Son jeu allie force et sensibilité, élégance et finesse, le tout exposé avec générosité, aisance et toujours un brin d’humour,

« Deep Rivers »

Pqul Lqy revient avec Deep RiversPaul Lay demeure fidèle au Label Laborie Jazz avec lequel il collabore depuis dix années. Après quatre opus, « Unveiling » en 2010, « Mikado » en 2014, « The Party » et « Alcazar Memories » en 2017, son cinquième album « Deep Rivers » sorti le 10 janvier 2020 plonge dans les musiques populaires de la fin du XIXème et début XXème siècle.

L’album fait suite à une demande que le pianiste a reçu de Matthieu Jouhan alors qu’il préparait les évènements liés au centenaire de l’arrivée du jazz en Europe, en 1918 et particulièrement le centième anniversaire du premier concert de jazz, le 12 février 1918 à Nantes.

Accompagné de la chanteuse suédoise Isabel Sörling et du contrebassiste Simon Tailleu, le pianiste Paul Lay reprend des chansons folkloriques américaines de la fin de la guerre de Sécession jusqu’aux années 60. A ces titres emblématiques, spirituals et folksongs, écrits tant au Sud qu’au Nord des USA scandent le droit à la dignité et à la liberté, s’ajoute Go to Hell, un titre de Nina Simone qui leur fait écho. Par ailleurs, quatre compositions personnelles du pianiste sont mises en miroir face à ces compositions historiques. Sur trois d’entre elles il est rejoint par quatre invités, le batteur Donald Kontomanou, le tromboniste Bastien Ballaz, le trompettiste Quentin Ghomari et le saxophoniste Benjamin Dousteyssier.

Au fil des titres

Nombre des morceaux du répertoire résonnent avec familiarité aux oreilles. Avec le trio et ses invités, tous prennent de nouvelles couleurs enchanteresses et chargées d’émotions.

Chansons populaires et traditionnelles

On découvre (ou redécouvre) avec plaisir quelques-uns des folksongs et spirituals qui ont jalonné un siècle d’histoire des USA de 1860 à 1960. Les musiciens en donnent des versions sensibles et puissantes.

En  solo, Paul Lay interprète deux courts morceaux, Sylvia d’Oley Speaks et le célèbre ragtime Maple Leaf Rag de Scott Joplin sur lequel son jeu facétieux semble animer un film muet où la silhouette de Charlot ponctue des scènes burlesques. Le pianiste développe une maîtrise inouïe du piano stride, sa main droite se fait volubile alors que sa main gauche articule un rythme de pompe syncopé.

Mené par le trio martial, Southern Soldier Boy de G. W. Alexander évoque le poids de la guerre alors que sur Rebel Soldier de Jamey Johnson, l’archet et la voix dialoguent avec émotion.

La musicalité sans faille de la contrebasse de Simon Tailleu et son efficacité rythmique constituent des atouts précieux et contribuent à la force du discours musical.

Accompagnée par le seul jeu singulier et très délicat du piano, Isabel Sörling donne une interprétation bouleversante du spiritual Deep River. On se laisse subjuguer par la puissance de son interprétation dont la force poignante émeut. Toujours en duo avec le piano, la voix se fait plus sensuelle et tendre sur Moonlight Bay de Percy Weinrich. Sur Chasing rainbows de Harry Carroll la voix céleste se pare de lumière et sublime la poésie que la contrebasse précise et le piano plein de grâce accompagnent.

Le chant d’Isabel Sörling habite corps et âme le titre Go to Hell de Nina Simone. C’est avec un enthousiasme et une expressivité peu commune que la chanteuse reprend Battle hymn of the Republic. Interprété par le trio enthousiaste renforcé par la batterie inventive, le chant prend la forme d’un hymne joyeux. Le chant puissant et fragile à la fois apporte une grande humanité à Follow the Drinking Gourd écrit en 1928 à la fin de la guerre civile. Le piano et la rythmique ponctuent d’un rythme effréné la fuite des esclaves en quête de liberté.

La tessiture étendue et la diversité de timbres de la voix véhiculent de nombreuses émotions qui vont du spleen au désespoir, de la rage à la bonne humeur. On reste suspendu à cet alliage vocal unique de fragilité et de force, de profondeur et de légèreté. Ses aigus célestes élèvent la musique dans de hautes sphères émotionnelles.

Compositions originales du pianiste

Cinq  compositions personnelles de Paul Lay émaillent l’album.

Sur Mister Morton au rythme syncopé et joyeux, le piano accompagné de la seule batterie, rend hommage au pianiste Ferdinand Joseph La Mothe, passé à la postérité sous le nom de « Jelly Roll Morton ».

Sur trois autres compositions originales, Paul Lay est rejoint par ses invités. Donald Kontomanou (batterie), Bastien Ballaz (trombone), Quentin Ghomari (trompette) et Benjamin Dousteyssier (saxophone alto). Horizons ouvre l’album avec une emphase solennelle aux couleurs cuivrées alors qu’une atmosphère empreinte de nostalgie teinte Blues, le dernier titre de l’opus. La chanteuse se joint aux instrumentistes sur To Germany, poème écrit au front en 1917 par C. H. Sorley, jeune officier britannique, juste avant de tomber sous les balles. La voix aérienne et vibrante d’Isabel Sörling élève une ode poignante à la paix et dédiée au peuple allemand. Un moment d’émotion indéniable.

Sur « Deep Rivers », Paul Lays et ses partenaires complices allient avec subtilité jazz, folk et blues dans un hommage musical riche en émotion.

RV avec Paul Lay (piano), Isabel Sôrling (voix) et Simon Tailleu (contrebasse) le 06 février 2020 à Paris dans le cadre de la 13e édition du festival Au Fil des Voix (du 20 janvier au 7 février 2020). Le concert de 20h est complet mais LE 360 Paris Music Factory propose un second set à 22h . Avis aux amateurs !

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

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Dans son neuvième album « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre le pianiste Horace Silver disparu il y a cinq ans. Avec son indéfectible complice, le bassiste Theo Pascal, la chanteuse aux origines cap-verdiennes rend hommage au pionner du hard-bop. Elle reprend des titres du répertoire de son aîné auxquels s’ajoutent deux morceaux originaux. Le jazz pimenté de résonances créoles du Cap-Vert envoûte et séduit. Une belle réussite !

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Retour de Gregory Porter avec « Revival »

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Le 17 janvier 2020 marque le retour de Gregory Porter avec « Revival », son nouveau single paru chez Decca/Blue Note. Cette bonne nouvelle en cache une autre et pas des moindres, puisque ce single annonce la sortie du sixième album studio du chanteur, « All Rise », attendu pour le 17 avril 2020.

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Grégory Privat revient avec « Soley »

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Trois ans après « Family Tree », le pianiste Grégory Privat revient en trio avec Chris Jennings et Tilo Bertholo. Son album « Soley » est comme irradié de la lumière de l’étoile solaire. Chargé d’énergie, l’album navigue sans frontières entre jazz, musiques caribéennes, électroniques et chant. La musique invite à l’optimisme et à l’espérance.

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Coup de Cœur pour GRIO – GRand Impérial Orchestra

Coup de Cœur pour GRIO – GRand Impérial Orchestra

Tonique, Hypnotique & Addictif

Débuter l’année 2020 avec l’album « Music Is Our Mistress », c’est la garantie de faire le plein d’énergie car GRIO - GRand Impérial Orchestra n’a pas fait les choses à moitié. Il ne manque ni d’idées, ni d’invention. Étoffée de trois soufflants et d’un pianiste, la superbe équipe de l’Impérial Quartet est devenue octet. En concert, la musique de GRIO est atomique et l’album restitue tout à fait l’ardente puissance de l’orchestre. Après une première dégustation cochléaire, une seconde tournée est bienvenue pour s’enivrer de cette musique tonique, hypnotique et addictive. A consommer sans modération !

Improvisateurs actifs et novateurs, les musiciens de la Compagnie Impérial ont une approche contemporaine de la musique et l’improvisation collective constitue le cœur de leurs projets. L’énergie du rock habite la musique d’Impérial Quartet autant que le lyrisme et la liberté du jazz moderne. Au sein d’Impérial Orphéon, vibrent le lyrisme de l’opéra et la diversité des folklores. Le duo D&G invite les musiques traditionnelles et populaires. La musique mandingue imprègne celle d’Impérial Pulsar. Dans la famille de la Compagnie Impérial, le nouvel orchestre, GRIO – GRand Impérial Orchestra ne dépare pas.

GRIO est né de l’association de l’Impérial Quartet constitué des saxophonistes Gérald Chevillon (saxophones basse, ténor et soprano) et Damien Sabatier (saxophones baryton, alto et sopranino), du bassiste devenu contrebassiste pour l’occasion, Joachim Florent et du batteur Antonin Leymarie avec d’autres brillants improvisateurs, le pianiste finlandais Aki Rissanen, le tromboniste Simon Girard et les trompettistes Fred Roudet et Aymeric Avice.

Initié en 2018 par ces improvisateurs hors pair, le projet de GRIO – GRand Impérial Orchestra invite à voyager dans un monde polyrythmique aux reflets cuivrés et chatoyants. Entre polyrythmies et jazz libertaire, GRIO réfute les contraintes et les formats pré-conçus et propose un jazz en constante réinvention, un jazz libre, de J à Z.

Annoncée pour le 17 janvier 2020, la sortie de « Music is our Mistress », le premier album de GRIO devrait faire bien des heureux. D’abord le public qui ne connait pas encore sa musique et va, après écoute de l’album, guetter le prochain concert du GRand Impérial Orchestra pour vibrer en direct. Par ailleurs, celles et ceux qui ont déjà eu le plaisir d’écouter GRIO live, pourront se ré-immerger dans l’univers fascinant de l’orchestre.

« Music is our Mistress »

En mai 2019, l’équipe du GRIO – GRand Impérial Orchestra entre au studio La Buissonne à Pernes-les-Fontaines où l’album « Music is our Mistress » (Compagnie Imperial/Inouie) est enregistré par Nicolas Baillard.couverture de l'album Music Is Our Mistress par GRIO - GRand Impérial Orchestra

Fascinés par les Banda Linda de Centrafrique, les musiciens du GRand Impérial Orchestra profilent leur musique du côté des polyphonies centrafricaines mais cette influence coexiste avec le jazz qui imprègne l’aventure musicale de l’orchestre.

En effet, GRIO hisse haut la bannière du jazz pour son premier opus dont le titre fait référence à « Music is my Mistress », l’autobiographie de Duke Ellington. Ainsi, le travail du groupe se situe sous le haut patronage du grand compositeur mais l’intitulé de l’album regarde aussi du côté d’Ornette Coleman et de son album « This Is Our Music » enregistré en 1960. Si la richesse des orchestrations évoque les textures orchestrales ellingtoniennes, il n’en ressort pas moins que la référence au jazz libertaire des années 60/70 saute clairement aux oreilles dès la première écoute.

Ainsi, « Music is our Mistress » de GRIO – GRand Impérial Orchestra s’abreuve des polyrythmies et polyphonies traditionnelles des Banda Linda de Centrafrique et du jazz libertaire des années 60/70.

Banda Linda de Centrafrique

D’emblée on ne peut s’empêcher de rapprocher le terme griot de l’acronyme GRIO. L’Afrique les relie. En Afrique de l’Ouest, le premier est garant de la tradition orale. Le second puise une partie de son inspiration dans les pratiques musicales orchestrales des Banda Linda centrafricaines, l’ethnie Banda Linda étant un sous-groupe ethnique du groupe Banda. GRIO assure donc en quelque sorte une transmission de cette tradition musicale comme ailleurs le font les griots.

Les racines évidées des kapokiers fournissent des cornes aux orchestres des Banda Linda. Chaque corne/trompe ne joue qu’une note. Les trompes se répartissent les mélodies divisées en plusieurs parties contrapuntiques. Ainsi, le « hoquet instrumental » constitue la base de la polyphonie Banda Linda. Duke Ellington dans sa jungle music avait d’ailleurs remis à l’honneur ce principe ainsi que les musiciens du free jazz qui l’avaient adopté dans leurs expériences musicales.

GRIO - GRand Impérial Orchestra - le 18 octobre 2019 - Opera Underground©NV

GRIO - GRand Impérial Orchestra - 18/1019 - Opera Underground©NV

Dans la trace de leurs célèbres aînés, les musiciens du GRIO empruntent eux-aussi à cette tradition africaine. D’ailleurs Damien Sabatier s’est inspiré de deux morceaux traditionnels. L’album ouvre avec Cult of Twins, morceau qui chez les Banda Linda célèbre la naissance des jumeaux. L’opus se termine avec Tchebou Ganza Tche Gate/Le Sommeil Droit joué en Centreafrique par les jeunes-hommes qui ont passé une journée bien remplie, titre avec lequel les musiciens ont terminé le concert du 18 octobre 2019 à l’Opera Underground de Lyon, avec une déambulation joyeuse dans la salle.

Dans une autre dynamique, le titre Gomorra Pulse, composé par Joachim Florent, débute aussi par cette répétition de note que chaque instrumentiste souffle rythmiquement et entremêle avec celle des autres vents. La musique, tourne, s’étoffe et se complexifie. On se laisse hypnotiser non sans penser aux boucles sonores de Steve Reich.

La section rythmique et le piano viennent ensuite ajouter leur grain de sel à la mécanique bien huilée des instruments à vent. La pâte sonore se densifie encore. Polyrythmies, enchevêtrements de riffs réitératifs, le chaudron bout jusqu’à ce qu’advienne un temps de répit durant lequel piano, et contrebasse jouée à l’archet dialoguent en toute intimité. Un climat digne des plus belles atmosphères ravelliennes advient et un vent rafraîchissant inspire à l’orchestre un jazz lyrique porté par la voix du piano jusqu’à ce que l’ensemble des soufflants revienne en force pour élever la musique jusqu’au sommet de la canopée. La musique enveloppante en vient à swinguer comme un big band ellingtonnien sans pour autant oublier des incursions insolentes dans les plus folles polyrythmies. Les sonorités flirtent entre les effluves d’un orchestre que le Duke n’aurait pas renié et les impertinentes envolées d’un Mingus Orchestra. Sauvage et lyrique à la fois, ce superbe moment suspend le temps et relie tous les genres.

Linda Linda du même Joachim Florent s’inscrit dans la même veine des polyrythmies traditionnelles.

Jazz libertaire des années 60/70

GRIO – GRand Impérial Orchestra puise aussi son inspiration dans le jazz libertaire. Anima porte bien nom. Cette composition d’Antonin Leymarie sonne comme un hymne et restitue l’âme de ce jazz libre des années 60/70. On y retrouve l’esprit du Liberation Music Orchestra de Charlie Haden et Carla Bley et on capte aussi des échos venus en droite ligne de l’Art Ensemble of Chicago. Les instrumentistes improvisent à cœur joie et mettent en valeur la richesse de l’écriture.

Quand un des soufflants improvise les autres soufflent en section, tous les instruments s’investissent au niveau rythmique, mélodique et harmonique ce qui donne à la musique une texture d’une richesse inouïe. GRIO fonctionne comme une machine bien huilée qui bouscule et stimule l’écoute.

Du même compositeur, A Cançao Do Grillo installe quant à lui un climat fait de contrastes. Après une intro orchestrale percutante, trompette et saxophone basse vocifèrent avec une énergie infernale… free jazz es-tu là ? … soprano et trombone s’en mêlent, le piano ponctue, la batterie pousse puis le climat change.

Solo, le pianiste muse alors sur les touches blanches et noires et instaure un climat musical éthéré qui tranche avec l’énergie et la pulsation du début du morceau. Plus tard il est rejoint par les vents puis par la batterie et l’archet de la contrebasse. La texture musicale se densifie et le sopranino guide le morceau vers sa fin.

Une alchimie orchestrale superbe et coloriste se dégage d’une autre composition du contrebassiste, Hillbrow. La musique émarge chez Mingus par la puissance et les interventions inspirées des instrumentistes, liberté du piano, présence exacerbée de la batterie et puissance de la contrebasse omniprésente. Sur un tempo plus lent Frida Kalho Song of Love, composé par Joachim Florent, résonne comme une solennelle procession où trompette et saxophone alto croisent leurs chants d’amour soutenus par le luxuriant orchestre.

Sacrément impertinent, carrément sauvage et un brin poétique, GRIO – GRand Impérial Orchestra propose sur « Music is our Mistress », une musique physique et tonique. Une musique hypnotique et organique qui invite à voyager dans un monde polyrythmique aux reflets cuivrées et chatoyants. Une musique qui parvient à combiner avec insolence et réussite les influences du jazz des années 60/70 et les polyrythmies des musiques centrafricaines de l’ethnie des Banda Linda. Ce croisement est une réussite absolue, c’est savant et captivant, foisonnant et libre, joyeux et trépidant, ça déménage !

Pour écouter live GRIO - GRand Impérial Orchestra, quelques RV se profilent après la sortie de l’album « Music Is Our Mistress ». Le 18 janvier 2020 à la SMAC 07–Théâtre de Viviers, le 19 janvier 2020 à Tournus dans la salle Le Galpon et à 20h le 20 janvier 2020 à Paris au Pan Piper.

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

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Saint-Fons Jazz Festival#21

Saint-Fons Jazz Festival#21

Du jazz vitaminé et diversifié

Du 21 janvier au 01 février 2020, paré de ses plus beaux atours, le jazz réchauffe l’hiver durant le Saint-Fons Jazz Festival#21. Une programmation réjouissante propose des musiques chaleureuses imprégnées de l’esprit de la fête. « Contrebasses Messengers Quintet », les Swingirls « Survoltées », des têtes d’affiche prestigieuses avec Kenny Garrett et Renaud Garcia-Fons, sans oublier une soirée de clôture dansante avec un grand Bal Lindy Hop.

Comme chaque année en Janvier, le cœur du jazz bat fort à Saint-Fons. En effet, organisé par l’école de Musique CRC, le Saint-Fons Jazz Festival ponctue l’hiver et réunit à la fois les élèves et les professeurs, des têtes d’affiche et des projets qui possèdent une vocation pédagogique et développent une vison loco-régionale.

En 2020, par la voix de Norbert Gelsumini, directeur de l’Ecole de Musique, le Saint-Fons Jazz Festival#21 clame haut son credo : « la musique crée du lien et apporte, l’air de rien, un petit supplément d’âme ». La programmation diversifiée qu’affiche le festival va en son sens et à n’en pas douter, entre le 21 janvier et le 01 février 2020, les musiques vont faire vibrer un public amateur de jazz.

Une conférence autour du jazz vocal (21/01/20), « Contrebasses Messengers Quintet » et sa création inédite (22/01/20), Renaud Garcia-Fons et son projet en trio « La vie devant soi » (24/01/2020), les Swingirls et leur projet « surVOLTées » (29/01/2020), le saxophoniste Kenny Garrett à la tête de son quintet (31/01/2020) et pour finir une soirée de clôture dansante avec le Grand Bal Lindy (01/02/2020).

Conférence autour du jazz vocal

Qui de mieux que Jérôme Duvivier (professeur au Conservatoire de Lyon) pour guider le public à la découverte du jazz vocal ! En compagnie du pianiste et professeur de l’école de musique de Saint-Fons, Wilhelm Coppey, il va guider les auditeurs sur les rivages du blues, du swing, de la bossa nova, du bebop et tout dévoiler sur les mystères du scat.

RV à 20h le 21 janvier 2020 dans les locaux de la Médiathèque RMG , Place Roger Salengro à Saint-Fons. Un voyage au pays du jazz vocal !

Contrebasses Messengers Quintet

Après une restitution de Pratiques Collectives de l’école de Musique de Saint-Fons, celle qu’on surnomme la grand-mère, la contrebasse, est sous les feux de la rampe. En effet un trio de contrebasses tenues par Patrick Maradan, Christophe Lincontang et Stéphane Ribero propose une création. En quintet avec Wilhelm Coppey (piano) et Matthieu Garaud (batterie), les contrebassistes vont développer en duo, trio, ou solo, l’éventail de tous les possibles pour cet instrument imposant, pilier de l’orchestre de jazz.

RV à 20h le 22 janvier 2020 au Théâtre Jean Marais de Saint-Fons. Belle occasion pour découvrir toutes les ressources de la contrebasse !

Renaud Garcia-Fons et son projet « La vie devant soi »

Renaud Garcia-Fons Trio©Solene Person

Pour faire suite à la soirée du 22 janvier avec son zoom sur la contrebasse, c’est un maître de l’instrument qu’invite le festival en la personne de Renaud Garcia-Fons. Celui qui fait littéralement chanter sa contrebasse et joue des cinq cordes de son instrument avec autant de virtuosité que de sensibilité, vient en effet  présenter son projet « La Vie devant soi » avec ses deux complices, l’accordéoniste David Venitucci et le multi-instrumentiste Stephan Caracci.

Ainsi épaulé d’un accordéoniste coloriste poète et d’un percussionniste virtuose et sensible, le contrebassiste mélodiste va arpenter le pavé de Paris entre hier et aujourd’hui, au fil de rencontres qui sont autant de clin d’oeil au titre du livre d’Ajar/Gary, « La vie devant soi ».

RV à 20h30 le 24 janvier 2020 au Théâtre Jean Marais de Saint-Fons. Une musique chambriste qui n’oublie pas de groover !

Les « Swingirls » et leur projet « surVOLTées »

Les Swingirl au Saint-Fons Jazz Festival#21Les « Swingirls », c’est un trio qui réunit Marianne Girard (guitare, chant), Caroline Ruelle (accordéon, chant) et Violaine Soulier (violon, percussions, chant). Ces trois instrumentistes, chanteuses et comédiennes viennent présenter leur nouveau spectacle intitulé « surVOLTées ».

Ce trio déjanté sort guitares électriques, grosse caisse à double pédale et claviers « vintage » et passent du swing au rock. Les trois stars posent leurs voix sur des textes à l’humour décapant et pimentent le tout de clowneries. Leur album « surVOLTées » est annoncé pour le 10 janvier 2020.

RV à 20h30 le 29 janvier 2020 au Théâtre Jean Marais de Saint-Fons. Un spectacle « Rocky ! Sexy ! Crazy ! »

Kenny Garrett Quintet

Le saxophoniste de Détroit, Kenny Garrett a joué avec les plus grands parmi lesquels entre autres, MIles Davis et Marcus Miller. Il a fait partie des Jazz Messengers d’Art Blakey entre 1986 et 1987. Il a ensuite poursuivi sa propre trajectoire et imposé son saxophone alto au firmament du jazz.

Kenny Garrett au Saint-Fons Jazz Festival#21

Kenny Garrett©Jimmy Katz

Kenny Garrett inscrit son expression dans la tradition du jazz et pratique une musique post hard bop dans laquelle il introduit des éléments de hip-hop, de la nu-soul ou du gospel. Ce virtuose flamboyant joue avec vélocité et exubérance. Très extraverti, le saxophoniste affectionne les improvisations qu’il développe et porte à leur paroxysme. Son jeu se caractérise par une attaque très ferme, une puissance expressive, une expression rapide, nerveuse, très assurée même sur sur les tempi les plus rapides.

S’il n’a pas produit d’album depuis « Do You Dance » (2016), Kenny Garrett demeure un showman hors pair qui donne le meilleur de lui- même sur scène où il excelle à enchanter et déchaîner l’enthousiasme du public. Sa musique libre se réinvente sans cesse. Exubérante ou spirituelle, elle touche autant les âmes que les corps et donne souvent l’envie de danser.

A Saint-Fons, Kenny Garrett vient présenter sa musique en quintet, entouré du pianiste Vernell Brown Jr., du contrebassiste Corcoran Holt, du percussionniste Rudy Bird et du batteur Samuel Laviso.

RV à 20h30 le 31 janvier 2020 au Théâtre Jean Marais de Saint-Fons. Un concert évènement qui devrait enflammer le public jusqu’à la transe !

Grand Bal Lindy Hop

Le festival se termine par un bal Lindy Hop. Pour les danseurs novices tentés par l’expérience, Lyon swing (lien) et Gon’a Swing (lien) proposent au public de s’essayer à cette danse festive et joyeuse. Des séances d’initiation gratuites sont d’ailleurs proposées le mercredi 22 Janvier à 17h et à 19h en Salle associative des Clochettes, le samedi 01 février à 18h au Centre d’Art Plastique et à 20h en ouverture du Bal Lindy Hop.

Sur scène l’orchestre qui anime la soirée réunit Christophe Metra (trompette), Wilhelm Coppey (piano), Cédric Perrot (vibraphone), Stéphane Rivero (contrebasse) et Matthieu Garraud (batterie). Pour celles et ceux qui ne danseraient pas, le spectacle ne devrait pas non plus manquer de piquant.

RV à 20h le 01 février 2020 dans le Hall des Fêtes, Place Girardet à Saint Fons. Retour dans les années 30 et moment festif garanti !

Du 21 janvier au 01 février 2020, la programmation du Saint-Fons Jazz Festival#21 se profile comme une thérapeutique musicale et vitaminée. L’idéal pour affronter la morosité hivernale.

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

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Ultimes « Coups de cœur » 2019…

… pour bien terminer l’année !

Riche en surprises, 2019 a permis de découvrir de nouveaux talents et de se régaler de la musique d’artistes confirmés qui ne cessent de renouveler leurs projets. Quoi de mieux pour terminer l’année que sept ultimes « coups de cœur » !

Il serait en effet dommage de passer à côté des albums proposés en 2019 par Christophe Dal Sasso, Théo Girard, Gabriel Grossi, Asley Henry, Hugo Lippi, Sylvain Rifflet et Louis Sclavis.

Dal Sasso Big Band - « The Palmer Suite »

Pour le bicentenaire de Château Palmer, l’un des fleurons de l’appellation Margaux, Christophe Dal Sasso a répondu à la commande du directeur général du domaine, Thomas Duroux. Le compositeur a écrit et arrangé « The Palmer Suite » (Jazz & People/PAIS), onze chapitres musicaux qui retracent en musique quelques-uns des moments les plus marquants de l’histoire du prestigieux vignoble.

Avec déjà cinq albums à son crédit dont le très récent « Les Nébuleuses » (2016) pour quintet de jazz et trio à cordes, le flutiste et compositeur a confié la partition de « The Palmer Suite » à son big band. Cet orchestre époustouflant réunit onze des plus émérites musiciens et improvisateurs français : Julien Alour, Joël Chausse et Quentin Ghomari (trompette, bugle), Jerry Edwards et Denis Leloup (trombone), Bastien Stil (tuba), Dominique Mandin (saxophone alto, flûte), Sophie Alour (saxophone ténor, clarinette, flûte), David El-Malek (saxophone ténor), Thomas Savy (saxophone ténor, clarinette basse, Christophe Dal Sasso (flûte, direction), Manuel Marchès (contrebasse), Karl Jannuska (batterie).

« The Palmer Suite », un album haut en couleur à écouter sans modération !

Théo Girard - « Bulle »

La fin d’année est le moment rêvé pour savourer quelques bulles. Pourquoi ne pas en profiter pour écouter l’album « Bulle » (Discobole/Differ-Ant) enregistré en quartet par Théo Girard.

Après son premier album « 30YearsFrom » , le contrebassiste et fondateur du label Discobole, Théo Girard revient cette fois en quartet avec Basile Naudet (alto sax), Antoine Berjeaut (trompette, bugle), Théo Girard (contrebasse) et Sebastian Rochford (batterie). Portée par une rythmique solide, la musique pétille d’énergie et vibre d’une liberté qui ne se dément pas d’un bout à l’autre des huit titres composés par le leader.

« Bulle », pour s’enivrer sans risque et avec plaisir.

Gabriel Grossi - « #motion »

Auteur-compositeur brésilien et harmoniciste virtuose, Gabriel Grossi a enregistré « #motion » (Whrilwing avec son nouveau quintet formé par quelques-uns des musiciens les plus novateurs de sa génération, Eduardo Farias (piano), André Vasconcellos (basse), Rafael Barata (batterie) et Sergio Coelho (trombone).

Avec son groupe et la participation spéciale de Mauricio Einhorn et Hermeto Pascoal, ce musicien fort actif, revisite des compositions des Brésiliens Heitor Villa-Lobos et Pixinguinha et dédie ses propres compositions à ceux qui ont l’inspiré parmi lesquels, Milton Nascimento, Raul de Souza, Maurício Einhorn et Toots Thielemans. Cet album live célèbre les superbes mélodies du répertoire et fait groover des thèmes gorgés d’une brillance peu commune.

« #motion », un album aux climats contrastés où coexistent modernité effervescente et chaleureuses émotions.

Ahsley Henry - « Beautiful Vinyl Hunter »

A 26 ans et après deux premiers EP depuis 2016, le pianiste, compositeur, arrangeur, producteur britannique Ashley Henry a signé en 2019 son premier album, « Beautiful Vinyl Hunter ».(Sony Music).  Un album audacieux dont les quinze pistes font alterner jazz contemporain, hip hop et soul.

Entouré de nombreux invités parmi lesquels Makaya McCraven, Jaimie Branch, Judi Jackson, Keyon Harrold, Binker & Moses, Theo Croker, ou encore Sparkz (le MC de The Mouse Outfit), le pianiste propose un album dynamique où le jazz côtoie tous les genres… ou presque. Élégant et éloquent, le jeu du pianiste impressionne par sa maturité.

« Beautiful Vinyl Hunter », un ambitieux opus qui innove, surprend et régale de bout en bout.

Hugo Lippi - « Comfort Zone »

Installé à Paris, le guitariste anglais Hugo Lippi fait partie de ces musiciens dont la liste des collaborations et des projets est plus longue que celle des jours d’une année.

Pour enregistrer « Comfort Zone » (Gaya Music) à New-York, son quatrième album, il fait appel à Fred Nardin (piano), Ben Wolfe (contrebasse) et Donald Edwards (batterie). Entre reprises et compositions originales, les onze titres du répertoire proposent une promenade où se succèdent les paysages. Invitée de choix, « dame mélodie » ne manque de groove.

« Comfort Zone »… Pour rêver et se laisser transporter dans un monde de charme.

Sylvain Rifflet - « Troubadours »

Avec ses deux compagnons troubadours, le Finlandais Verneri Pohjola (trompette) et Benjamin Flament (percussions), Sylvain Rifflet propose « Troubadours » (Magriff), un voyage musical en direction du moyen-âge. Le leader embouche saxophone ténor, clarinette et clarinette basse et utilise harmonium et shruti- box pour réaliser le bourdon, composante essentielle de la musique médiévale. 

S’il a composé huit des dix titres de l’album, le saxophoniste interprète aussi I’vo’bene, une pièce du XIVème siècle de Ghirardello da Firenze et The Peacocks de Jimmy Rowles. On se laisse hypnotiser par cette poésie musicale peu ordinaire dont les titres portent les noms de troubadours hommes et femmes, de seigneurs et de chefs de guerre.

« Troubadours »… Musique médiévale, point vraiment. Musique répétitive, quelque peu. Musique modale, sûrement. Album hypnotique absolument !

Louis Sclavis - « Characters On A Wall »

Quinze ans après « Napoli’s Walls », Louis Sclavis explore de nouveau sur « Characters On A Wall » (ECM) l’œuvre du plasticien Ernest Pignon-Ernest. Le clarinettiste s’inspire de différents travaux créés depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Avec cinq compositions du leader, une du pianiste et deux Esquisses créditées aux quatre membres du groupe, les huit tableaux musicaux du répertoire font écho à des œuvres d’Ernest Pignon-Ernest.

On suit Arthur Rimbaud de Paris à Charleville-Mézières, Pier Paolo Pasolini à Rome, Jean Genet sur les docks de Brest, Mahmoud Darwich à Ramallah, Bethléem et Naplouse, La dame de Martigues à Martigues. Le titre Les prisons fait écho à la prison Saint-Paul de Lyon fermée en 2009. Entouré de Benjamin Moussay (piano), Sarah Murcia (contrebasse) et Christophe Lavergne (batterie), Louis Sclavis développe une musique vibrante et pulsatile porteuse d’une grande force vitale. L’improvisation, le mouvement et l’émotion l’habitent de bout en bout.

« Characters On A Wall »… Une musique dynamique et onirique traversée de la force d’une grande humanité

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Dans son neuvième album « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre le pianiste Horace Silver disparu il y a cinq ans. Avec son indéfectible complice, le bassiste Theo Pascal, la chanteuse aux origines cap-verdiennes rend hommage au pionner du hard-bop. Elle reprend des titres du répertoire de son aîné auxquels s’ajoutent deux morceaux originaux. Le jazz pimenté de résonances créoles du Cap-Vert envoûte et séduit. Une belle réussite !

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Retour de Gregory Porter avec « Revival »

Retour de Gregory Porter avec « Revival »

Le 17 janvier 2020 marque le retour de Gregory Porter avec « Revival », son nouveau single paru chez Decca/Blue Note. Cette bonne nouvelle en cache une autre et pas des moindres, puisque ce single annonce la sortie du sixième album studio du chanteur, « All Rise », attendu pour le 17 avril 2020.

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Grégory Privat revient avec « Soley »

Grégory Privat revient avec « Soley »

Trois ans après « Family Tree », le pianiste Grégory Privat revient en trio avec Chris Jennings et Tilo Bertholo. Son album « Soley » est comme irradié de la lumière de l’étoile solaire. Chargé d’énergie, l’album navigue sans frontières entre jazz, musiques caribéennes, électroniques et chant. La musique invite à l’optimisme et à l’espérance.

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Clin d’œil à Jean-Paul Estiévenart Quintet & « Strange Bird »

Clin d’œil à Jean-Paul Estiévenart Quintet & « Strange Bird »

Un album lyrique et sensible

Trompettiste incontournable de la scène jazz belge, Jean-Paul Estiévenart présente son nouveau projet « Strange Bird ». Il convie deux instruments harmoniques, piano et guitare, à rejoindre trompette, contrebasse et batterie. Le groupe offre une musique à la fois lyrique et sensible, passionnée et élégante où les improvisations occupent une grande part.

Porté par Jean-Paul Estiévenart Quintet, l’album « Strange Bird » (Outhere) saisit dès la première écoute. En effet, l’album suscite l’étonnement et déclenche l’enthousiasme.

Une grande énergie se dégage du quintet où règne une entente palpable. En osmose complète, les musiciens conversent à bâtons rompus. Les propos des musiciens se complètent et les improvisations éclatent avec une rare intensité.

Jean-Paul Estiévenart Quintet

“Strange Bird est une représentation de moi-même en musique. A travers cet album, vous pouvez voyager dans ma tête.” Jean-Paul Estiévenart.

Jean-Paul Estiévenart Quintet avec Logan Richardson

Jean-Paul Estiévenart Quintet et Logan Richardson©Kris Dewitte

Pour son nouveau projet en quintet, le trompettiste Jean-Paul Estiévenart s’est entouré d’une solide section rythmique composée de son complice Antoine Pierre, batteur déjà présent à ses côtés dans son trio et du contrebassiste Nicolas Thys dont le jeu profond et acoustique développe une grande énergie. Le leader convie par ailleurs deux instruments harmoniques, le piano de l’Italien Nicola Andrioli et la guitare du Français Romain Pilon.

Sur trois morceaux, Jean-Paul Estiévenart invite le fougueux saxophoniste alto Américain originaire de Kansas City, Logan Richardson, à rejoindre le quintet.

Sur « Strange Bird », Jean-Paul Estiévenart fait chanter sa trompette dont le son rond bouillonnant d’énergie se teinte parfois d’une douce tendresse. Dans son écriture comme dans son jeu, le leader joue avec les codes de la tradition. Virtuose, élégant et précis, il développe des improvisations inspirées et lyriques. L’oreille ne se lasse pas et se laisse surprendre par un langage sans cesse renouvelé.

Un répertoire cohérent et intense

On est frappé par la cohérence du répertoire de « Strange Bird ». Une musique vivace d’obédience post bop teintée d’accents hispaniques. Huit compositions originales de Jean-Paul Estiévenart qui favorisent la survenue de superbes échanges et permettent aux musiciens de développer leurs idées en toute liberté.

Quintet

Avec Barcelona on plonge dans un univers dynamique et énergique, mélodique et lyrique, Un superbe dialogue s’instaure entre la guitare tout en raffinement et la trompette au timbre puissant. Avec souplesse, le piano s’envole et la batterie hispanise la fin du morceau. Ballade mélancolique, Con pasión révèle ensuite les raffinements de la trompette qui modèle la matière sonore. De superbes solos mettent en exergue le son charnu de la contrebasse et la sonorité fluide et séduisante de la guitare.

Couverture de l'album Strange Bird de Jean-Paul Estiévenart QuintetPlus loin, la trompette bouchée à la sonorité cotonneuse confère à Inès 11 une atmosphère musicale ouatée où résonnent en suspension les notes cristallines du piano et le jeu étiré de la guitare.

Sur les notes ciselées de piano, la trompette expose la mélodie de Strange Bird avec une grande sobriété. Le timbre profond de l’instrument génère un halo de poésie alors que le propos serein de la contrebasse et l’improvisation du piano confèrent une atmosphère étrange à la musique. Le morceau se termine par une conversation tonique entre la trompette bouillonnante et la guitare allègre.

Hommage au trompettiste Bert Joris, Bert’s Sketch permet de savourer l’éloquence et l’élégance de la trompette au timbre de velours et à la sonorité ronde et chaleureuse.

Quintet & Saxophone Alto

Sur Henri, un thème vif aux accents post bop, on se délecte d’un bel unisson trompette/alto. Le saxophone devient ensuite plus tranchant et volubile et son chorus déclenche un solo audacieux et impétueux de la trompette. Les échanges de haute volée sont soutenus par une rythmique assurée et sans faille.

Plus tard, l’alto complète le jeu legato de la trompette sur l’exposé du thème de La Caseta. Les deux solistes instaurent un climat musical évanescent qui n’est pas sans évoquer les atmosphères shortériennes. L’oreille se délecte des lignes que croisent la trompette incisive, l’alto volubile et l’ostinato de la contrebasse.

Pour finir, on se laisse entraîner, dans un voyage onirique et méditatif où trompette et alto improvisent avec une grande liberté sur un tapis de cymbales foisonnantes… SSHHH!!! résonne comme un clin d’œil à l’univers davisien.

Il fait bon se laisser porter au fil des plages de « Strange Bird ». Une escapade musicale empreinte de sensibilité et d’énergie où alternent climats poétiques et intenses improvisations.

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

Dans son neuvième album « The Silver Messengers », Carmen Souza célèbre le pianiste Horace Silver disparu il y a cinq ans. Avec son indéfectible complice, le bassiste Theo Pascal, la chanteuse aux origines cap-verdiennes rend hommage au pionner du hard-bop. Elle reprend des titres du répertoire de son aîné auxquels s’ajoutent deux morceaux originaux. Le jazz pimenté de résonances créoles du Cap-Vert envoûte et séduit. Une belle réussite !

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Retour de Gregory Porter avec « Revival »

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Grégory Privat revient avec « Soley »

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« NOUGARO » par Babx, Minvielle et De Pourquery

« NOUGARO » par Babx, Minvielle et De Pourquery

Magie et enchantement

Porté par Babx, André Minvielle et Thomas De Pourquery, l’album « NOUGARO » enchante. Cet opus-bijou restitue la magie du spectacle que propose le trio sur scène. Complices, les trois en-chanteurs unissent leurs talents et font sonner haut la langue et la musique de Claude Nougaro. Empreint de tendresse, l’album fait renaître l’esprit du chanteur toulousain, quinze ans après sa disparition. « NOUGARO » captive, charme et éblouit.

Sorti le 06 décembre 2019, l’album « NOUGARO » (La Familia/L’Autre Distribution/IDOL) restitue avec une grande fidélité le climat de ce projet dit parallèle que Babx, André Minvielle et Thomas De Pourquery, jouent environ huit fois par an. L’écoute de « NOUGARO » réactive de manière saisissante le souvenir d’une soirée des Nuits de Fourvière, un 24 juin 2018 où Babx, André Minvielle et Thomas de Pourquery ont rendu un hommage à Nougaro en convoquant à la fois son verbe et son esprit sur la scène intime de l’Odéon de Fourvière.

« NOUGARO » s’adresse donc à deux publics. D’une part il réjouit celles et ceux qui ont eu le plaisir d’assister au spectacle des trois artistes mais d’autre part, et là réside sans doute son plus grand intérêt, il suscite chez les autres l’envie de découvrir le climat de ce projet lors d’une prochaine venue sur scène du trio Babx-Minvielle-De Pourquery.

Babx - Minvielle - De Pourquery

Pour le projet initié sur scène en 2014 par le « Marathon des Mots » de Toulouse, le chanteur-pianiste Babx a fait appel à André Minvielle et Thomas de Pourquery.

Chanteur, scatteur et percussionniste, André Minvielle a travaillé avec Nougaro et cosigné des chansons avec lui. Le chanteur toulousain a d’ailleurs été président de « Suivez l’accent », l’association de collecte et de recherches fondée par Minvielle. Tchatcheur impénitent, ce voc’alchimiste, comme il se définit lui-même, possède ancré au plus profond de lui la capacité inouïe de faire groover mots et notes. Énergique altiste et compositeur, Thomas de Pourquery pilote son sextet Supersonic vers des galaxies incandescentes où se fait entendre sa voix puissante.

Après cette première réunion, le trio complice se retrouve au fil des ans au gré de la disponibilité des trois protagonistes et des demandes.

La rareté des prestations du trio rend plus précieuse encore la saveur de ce projet intimiste qui réunit sur une même scène trois artistes fédérés par l’amour qu’ils portent à Claude Nougaro et à son œuvre. Accompagnées d’un piano, d’un saxophone alto et une batterie/percussion au format minimaliste, les deux voix de baryton Martin de Minvielle et De Pourquery croisent celle de Babx autour d’un répertoire de douze titres qu’ils réinventent. Avec eux on savoure les mots de Nougaro  pour qui « … la voix est un instrument de musique et les mots sont de la musique aussi ….

Au fil du répertoire de « NOUGARO »

Qu’on se rassure, Babx, Minvielle et De Pourquery se gardent bien de décliner une collection de tubes du chanteur toulousain, ce serait d’ailleurs bien mal les connaître que de l’imaginer un seul instant. En fait, le trio revisite de manière singulière quelques succès connus de Nougaro auxquels s’ajoutent deux morceaux du répertoire de Minvielle pour lequel Nougaro a écrit des paroles.

Avec souplesse et une grande complicité, les trois musiciens posent de nouvelles couleurs, de nouveaux rythmes sur les mots et les musiques de Nougaro. Ils dépaysent les morceaux dans leur univers sans trahir l’esprit de l’art du chanteur toulousain. Ils proposent un répertoire où alternent des climats contrastés. Au cœur des improvisations, l’humour et la surprise ajoutent à la force de la poésie et à la musicalité des mots.

Après la douce entrée a capella de Minvielle qui ouvre avec Pommier d’amour, les trois compères déboulent avec le vertigineux Locomots. Avec force, ils assènent mots et rythmes parmi lesquels on reconnait ceux de L’amour sorcier, Le coq et la pendule, Locomotive d’or, Paris mai, Tu verras, Autour de minuit, Dansez sur moi, Allée des brouillards, Anna, Déjeuner sur l’herbe.

Ensuite, les trois chanteurs se partagent les couplets de La pluie fait des claquettes. On apprécie la grâce vocale de Babx, on se laisse surprendre par la voix de Minvielle où résonne avec profondeur l’âme de Nougaro puis l’on succombe à la force vocale de Pourquery dont le saxophone alto poursuit avec un chant gorgé de blues. Juste après, A bout de souffle tient l’oreille en haleine. Bien loin du Blue Rondo A La Turk de Brubeck qu’avait repris Nougaro, le murmure haletant de Thomas de Pourquery entretient le suspens jusqu’au coup de feu fatal. En arrière-fond, les doigts du chanteur percutent les clefs de l’alto, le piano et la voix de Minvielle esquissent délicatement l’ambiance de la boîte de nuit. Un thriller vocal oppressant !

couverture de l'album NOUGARO par Babx, Minvielle et De PourqueryC’est alors que Babx reprend Rimes dont il propose une version d’une élégante sobriété. Sur la superbe mélodie composée par Aldo Romano, l’alto et le piano valsent avec tendresse avant que la voix du pianiste ne boucle le titre avec une délicatesse infinie. Minvielle intervient ensuite avec un K you K yaw dont Nougaro avait écrit les paroles. Sur un rythme soutenu le chanteur gascon collecte les cailloux alors que les contrechants du saxophone encouragent les improvisations vocales virevoltantes. Un pur délice !

Plus tard, sur une introduction au piano, la voix de Nougaro ouvre La vie en noir : « … c’est plutôt les mots qui se jouent de moi… ». La voix de Thomas de Pourquery donne alors toute sa force à cet hymne bluesy et gospellisant qui chante la difficulté des discriminés, « …leur tourment de vivre parfois ». Minvielle monte ensuite sur le ring durant les presque six minutes de C’est Non. Sur un accord unique martelé du début à la fin du morceau, il évoque l’éternel combat que se livrent oui et non. Ses scats décoiffants balancent eux aussi entre l’ondulatoire oui et le non inflexible. En ces temps conflictuels, le morceau demeure d’actualité et l’on se réjouit que pour l’occasion les mots et la musique triomphent !

On se laisse ensuite cueillir par un chorus saisissant de l’alto qui propose une touchante version instrumentale de Cécile ma fille. Le saxophone fait entendre de superbes contrechants derrière la voix de Babx qui, avec une touchante simplicité, offre une version épurée de la célèbre chanson, Une petite fille.

En ouverture du dernier titre, revient la voix de Nougaro qui ouvre en rythme les Pantoufles à papa dont il avait écrit le texte sur une musique de Jean Constantin. Au rythme d’un chachacha entêtant, le trio cherche et finit par trouver les pantoufles … en feutre !

Bien décidé à rester sous le charme de ce « NOUGARO » magique, on repart de pied ferme … et bien chaussé de pantoufles pour réécouter l’album que l’on savoure de nouveau avec délice.

Pour découvrir la version live de « NOUGARO », RV avec trio Babx-Minvielle-De Pourquery pour quelques rares dates annoncées en direction du public du Sud-Ouest qui d’ores et déjà peut se réjouir et réserver. Le 23 janvier 2020 à 21h, au théâtre L’Aire Libre à Rennes - Saint Jacques de la Lande, le 24 janvier 2020 à 20h30 et le 25 janvier 2020 à 15h et 20h30 au Théâtre Verdière de La Rochelle, le 29 avril 2020 au Théâtre Michel Portal (date déjà complète) et à 19h le 16 mai 2020 à l’Espace Jéliote d’Oloron Sainte Marie.

Carmen Souza célèbre Horace Silver – « The Silver Messengers »

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