L’énergie de la musique insuffle l’espoir

Sur « Music Is My Hope » le saxophoniste Raphaël Imbert continue ses aventures. Le fruit de ses réflexions constitue une belle surprise. Porteuse d’énergie et d’humanisme, sa musique ouvre les portes d’un possible… celui de l’espoir pour guider l’homme dans sa quête d’avenir.

Une seule lettre change entre « Music Is My Hope », le nouvel album de Raphaël Imbert annoncé pour le 26 janvier 2018 et le précédent, « Music Is My Home », qui remonte à 2016. Certes il existe un lien entre les deux projets mais le nouveau va au-delà du blues où s’enracine la musique.

C’est un plaisir de prendre la route que trace Raphaël Imbert d’un album à un autre et de suivre le saxophoniste et compositeur dans l’exploration d’un autre univers.

Raphaël Imbert a conçu une formation originale pour faire vivre une musique porteuse de messages, qu’ils soient poétiques, politiques ou sociologiques. Pour ce faire, les voix sont mises en avant au sein d’un groupe sans basse où s’expriment deux guitares, des claviers, un saxophone (ou une clarinette basse), tous portés par une batterie experte.

Raphaël Imbert (saxophone alto et clarinette basse) retrouve les membres de la Compagnie Nine Spirit. Autour de lui les voix des chanteuses Aurore Imbert et Marion Rampal, les claviers experts de Pierre-François Imbert, les guitares de Pierre Durand et Thomas Weirich, la batterie de Jean-Luc Di Fraya, sans oublier la voix de Manu Barthélémy sur un titre et celle de Big Ron Hunter, présent sur l’album précédent et qui revient sur le dernier morceau du nouveau projet.

« Music Is My Hope » engage une réflexion sur la portée de la musique envisagée assez largement (jazz, musique afro-américaine, musique populaire, gospel, soul music, folk). Une forte dynamique habite l’album. L’énergie et les textes y tiennent une grande place. De grands noms de la contestation et de la résistance à l’oppression sont convoqués. Les propos évoluent entre incantations véhémentes, revendications militantes, protest songs, poésie, introspection, chants populaires. Ainsi la musique évoque la contestation, la révolte, le combat pour la liberté, la prière, la joie et … l’espoir.

Un coup de poing ouvre l’album. La voix de Paul Robeson lisant le dernier monologue d’Othello de Shakespeare  en 1958 sur lequel guitares et batterie introduisent les voix de Marion Rampal et Aurore Imbert qui interprètent, en anglais et en allemand, le chant antifasciste Die Moorsoldaten/Peat Bog Soldiers composé par des prisonniers du camp de concentration nazi de Börgermoor en 1933. Le saxophone alto crie la désespérance et accentue avec force le texte porté par les voix.

Raphaël Imbert © Muriel Despiau

Raphaël Imbert célèbre Paul Robeson dont le portrait figure sur la pochette de l’album et sur la photo ci-contre. Cet artiste, acteur, sportif, chanteur et activiste engagé dans la lutte pour les droits civiques des afro-américains et plus largement pour l’émancipation de l’homme, incarne une figure exemplaire pour nombre de musiciens, artistes et militants afro-américains.

Outre Peat Bog Soldiers, plusieurs titres du répertoire de Robeson figurent sur l’album comme un fil rouge. AInsi « Music Is My Hope » propose le negro spiritual Didn’t My Lord Deliver Daniel et la sombre ballade Blue Prelude que Nina Simone avait aussi adopté. Ce titre constitue un des plus beaux moments d’émotion de l’album. La voix de Marion Rampal fait s’élever avec force le chant désespéré de la solitude. La plainte véhémente du saxophone rejoint les deux guitares qui se confrontent.

Deux autres titres chantés par Paul Robeson figurent aussi en bonus sur le double vinyle et la version numérique de l’album, un choral de Bach, Christ Lag in Todesbanden et le chant traditionnel Shenandoah.

Raphaël Imbert convoque aussi la grande figure de Pete Seeger à travers Turn ! Turn ! Turn ! qui s’avère être le seul morceau instrumental de « Music Is My Hope ». Un hommage lumineux empreint de spiritualité et porteur d’espoir.

On est touché par la magie de Vaqui Lo Polit Mes de Mai, chant traditionnel provençal qu’interprète le boulanger poète Manu Barthélémy. A sa voix pleine de nostalgie et de tristesse se joint le saxophone alto qui enflamme la musique soutenu par la frappe tellurique de la batterie. Cet air populaire restitue la force de la tradition véhiculée au fil des siècles.

Aurore Clément et Marion Rampal chantent avec souplesse le magnifique Circle Game de Joni Mitchell. On n’a pu s’empêcher de réécouter la version originale irremplaçable mais on est séduit par celle de « Music Is My Hope » qui évoque la force du manège de la vie capable de régénérer l’espoir chez l’homme même après les pires déceptions. Le saxophone poursuit la poésie par son chant vertigineux qui plane, pleure et rit comme un oiseau sorcier au-dessus du paysage musical.

Les compositions de Raphaël Imbert n’ont rien à envier à la force des titres de légende qui figurent sur l’album. A letter to The Muse, comme une ode lumineuse avec un court texte et la voix d’Aurore Imbert. Here’ a Song, tel un hymne à la musique et au partage avec la voix de Marion Rampal qui a aussi écrit le texte. La chanteuse prête aussi sa plume et sa voix à Show Boat to Delphi qui résonne comme un gospel soul et funky. On finit hypnotisé par la coda en boucle que tisse les deux guitares.

Le guitariste et chanteur Big Ron Hunter découvert sur « Music is My Home » revient et termine « Music is My Hope » avec Play Your Cards Right. Un duo avec Raphaël Imbert enregistré avant un concert à Aix-en-Provence par Cyril Pélegrin. On a les cartes en main et si l’on joue bien, l’espoir est permis. Un brin d’humour comme un bouquet d’espoir.

Raphaël Imbert hisse le drapeau de l’espoir. Il fait ressurgir les voix de grandes figures du passé qui se sont battues pour la liberté et contre l’oppression. Celles des musiciens et des chanteuses d’aujourd’hui s’élèvent et s’unissent pour projeter l’espérance de tous les possibles dans l’avenir. On rêve d’un monde où comme en musique, l’individu met sa force au service du collectif… « Music is My Hope », neuf musiciens, un album. La musique comme modèle, la musique pour panser les blessures, penser l’avenir et porter l’espoir.

Pour écouter Raphaël Imbert et toute l’équipe de « Music is My Hope », rendez-vous le 14 février 2018 à Paris sur la scène de l’Alhambra dans le cadre de la 11ème Édition du festival « Au Fil des Voix ».

Bebop, ballade… « no limit » pour Yael Angel !

La chanteuse Yaël Angel propose un premier album dont le titre et le label donnent le ton, « Bop Writer » sous le Label Pannonica. La jeune-femme ne se contente pas de chanter, elle dote de paroles de magnifiques thèmes qu’elle s’approprie avec talent. Le jazz vocal va devoir compter avec cette chanteuse audacieuse qui n’a pas froid aux yeux.

Sur l’album « Bop Writer » (Pannonica/Inouie Distribution) annoncé pour le 19 janvier 2018, Yaël Angel a voulu transformer en « chansons » des morceaux instrumentaux de Miles Davis, Wayne Shorter et Ornette Coleman sans omettre de faire un hommage appuyé à celui qui est pour elle une inspiration essentielle, Thelonious Monk. 

L’album « Bop Writer » présente dix titres que Yaël Angel interprète avec un aplomb magistral et une grande aisance. L’art de la chanteuse est mis en lumière par un trio tout entier à son service, le pianiste Olivier Hutman, le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Tony Rabeson. Le pianiste Jean-Marc Sajan tient le clavier sur Melodies of Monk, composé par Yaël Angel en hommage à Monk.

Accompagnée dans sa démarche par John Wilson et Tom Gilroy, Yaël Angel a développé son talent de parolière et mis des textes sur de superbes morceaux des géants du jazz pré-cités. Cette chanteuse des Alpes-Maritimes a remporté en 2013 le premier Prix des trophées du Jazz et a participé en tant que finaliste au Concours de Crest Jazz Vocal et n’a eu cesse depuis de sillonner clubs et festivals en France et à l’étranger.

Sur « Bop Writer », le bop coule, les ballades étirent le temps. Avec une rare intensité, la chanteuse habite les dix morceaux de l’album. Son interprétation très personnelle est empreinte d’émotions qui varient au fil des rythmes, des mélodies et des textes. Son propos renouvelle la tradition à laquelle s’abreuve la chanteuse.

L’album ouvre avec un coup de poing qui fait mouche d’emblée, le splendide So What de Miles Davis avec des paroles de Yaël Angel et Tom Gilroy et des arrangements de la chanteuse. C’est renversant de précision et d’efficacité. Madame Betty Carter n’aurait pas renié une telle version.

Avec bonheur, la chanteuse interprète deux splendides compositions de Wayne Shorter.  Le magnifique Teru rebaptisé Ophelia en référence au texte que la chanteuse a librement adapté de l’Ophélie d’Arthur Rimbaud. Sur cette sublime ballade, la voix de la chanteuse évoque à s’y méprendre les fameux glissandos du saxophoniste.

C’est Infant Eyes, une autre ballade composée par Wayne Shorter qu’Olivier Hutman a arrangée et sur laquelle la chanteuse a ajouté des paroles. Le trio et la chanteuse se jouent la complexité du canevas harmonique de ce morceau d’anthologie et leur interprétation restitue le climat émotionnel de la pièce originelle.

Le répertoire de « Bop Writer » fait la part belle à Thelonious Monk qui représente une référence majeure pour la chanteuse. Yaël Angel reprend trois thèmes de Monk dont le célèbre Round Midnight et deux illustres compositions sur lesquelles Jon Hendricks avait ajouté des paroles, In Walked Bud et Rhythm-A-Ning. Pour compléter son vibrant hommage à celui qui fut un des pères du bebop, Yaël Angel a composé Melodies of Monk, un blues lascif sur lequel Jean-Marc Sajan tient le piano.

Pris sur un tempo plus ralenti que l’original (déjà fort lent) le thème d’Ornette Coleman, Lonely Woman, représente sans doute une des plus belles réussites de l’album. Les paroles de Yaël Angel et John Wilson, l’interprétation de la chanteuse et le climat musical créé par le trio restituent l’esprit du morceau original et reflètent une désespérance bluesy exacerbée. L’espace d’un instant plane l’ombre fugace de la grande Abbey Lincoln.

Quoi de mieux qu’un duo voix-contrebasse pour interpréter Goodbye Pork Pie Hat du compositeur et contrebassiste Charlie Mingus. La chanteuse étire le tempo, les mots et notes qu’elle échange avec Yoni Zelnik. Un incontestable moment d’émotion.

C’est la composition d’un autre bassiste, Steve Swallow, que la chanteuse interprète avec une délicatesse sans pareille… Falling Grace rayonne d’élégance et de légèreté.

Certes, Yaël Angel possède un talent inouï, mais il convient de saluer le travail fondamental de chacun des trois musiciens qui sont à ses côtés. Les talents d’harmonisateur et le toucher unique d’Olivier Hutman, le soutien attentif et précis de Tony Rabeson, l’ancrage harmonique et rythmique de Yony Zelnik.

Le timbre grave et chaud de Yaël Angel sied au répertoire de « Bop Writer ». Avec virtuosité mais sans excès démonstratifs, la chanteuse maîtrise les écarts qu’elle pratique sur tous les rythmes sans faillir. Le découpage précis de son articulation et la souplesse de son phrasé lui permettent de triompher avec aisance de ces morceaux d’anthologie et de les renouveler.

Après avoir savouré les dix plages de « Bop Writer » dès sa sortie le 19 janvier 2018, rendez-vous sans faute à Paris au Sunside le 01 février 2018 à 21h. C’est l’occasion où jamais d’apprécier en concert le captivant répertoire de l’album et découvrir live la chanteuse Yaël Angel, le pianiste Olivier Hutman, le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Tony Rabeson.

L’élégante sobriété d’un trio sensible

La sortie du second opus du Pierre de Bethmann Trio, « Essais / Volume 2 » est annoncée pour le 12 janvier 2018. Le pianiste continue son exploration de reprises en compagnie de Sylvain Romano et Tony Rabeson. Un album dont l’élégance rime avec sensibilité.

Le 12 janvier 2018, Pierre de Bethmann sort « Essais / Volume 2 » (Alea/Socadisc), la quatrième production de son label Aléa créé en 2004. Après le premier album, « Essais / Volume 1 » paru chez Aléa en 2015 et avec l’expérience glanée tout au long de leurs nombreux concerts, le pianiste Pierre de Bethmann, le contrebassiste Sylvain Romano et le batteur Tony Rabeson poursuivent l’aventure du Pierre de Bethmann Trio.

Compositeur exigeant et musicien émérite, Pierre de Bethmann continue à renouveler et à questionner son art au fil des ans. Sans cesse tourné vers l’avenir il explore avec sérieux, mais non sans humour, la musique qu’il enseigne et pratique. Chacune de ses apparitions contribue à combler les amateurs de musique. On se rappelle avec bonheur sa résidence à l’AmphiJazz de Lyon où il s’était produit en mai 2017, quelques semaines avant l’enregistrement de l’album « Essais / Volume 2 ».

Cette fois encore le Pierre de Bethmann Trio explore diverses traditions musicales sans vraiment en privilégier aucune. On se réjouit à l’écoute de ce répertoire de reprises qui, il est vrai dépasse largement le territoire jazz et l’on ne s’en plaint pas, loin de là. Enregistré les 27 et 28 juin 2017 au Studio Recall (Pompignan) par Philippe Gaillot, l’album restitue la musique du trio comme s’il s’agissait de celle d’un concert. On capte les interactions et les vibrations complices qui circulent entre les musiciens.

On est saisi par la teneur du répertoire qui met dos à dos dix morceaux datant de 1707 à 1985, écrits par divers compositeurs issus des deux bords de l’océan Atlantique. Ainsi se côtoient les musiques d’Eric Dolphy, George Shearing, Victor Schertzinger et Gene de Paul, Ivan Lins, Georg Friedrich Haendel et Maurice Ravel, Alain Goraguer et Laurent Voulzy, sans oublier Anna Marly et son Chant des Partisans.

Avec une acuité sans égale, le trio interprète chaque thème en le dépaysant, en lui octroyant une esthétique propre. Chaque morceau est abordé sous un angle rythmique et harmonique innovant qui le met en valeur, le renouvelle et permet aussi de mesurer le large spectre musical du trio.

De son articulation toujours aussi précise le pianiste développe la dimension mélodique, tisse de riches couleurs harmoniques et explore de nombreux espaces rythmiques. Ses compagnons lui apportent leur savoir-faire indéniable. Soutenu par une rythmique souple et inventive, le pianiste fait alterner véhémence et sobriété, chaleur et profondeur.

L’interprétation du trio s’inscrit dans un idiome que l’on peut qualifier de classique et pourtant, derrière chaque barre de mesure se cache une surprise. Pour le trio il ne s’agit pas de transformer à tout prix, le thème l’air ou le standard, ni non plus de s’en tenir à la forme de l’écriture originelle. Le parti pris est plutôt de privilégier la musicalité, l’inventivité, les contrastes. Ainsi, plusieurs climats coexistent.

L’aria d’Haendel, Lascia la Spina, prend une allure martiale et tragique. Miss Ann file un train d’enfer. Sur Forlane, les muses de Ravel batifolent sans compter. Começar de Novo fleure bon l’esprit du Brésil. Conception change de rythme et gagne en sérieux. Le Chant des Partisans élève de poignantes vibrations. You don’t kow what love is perd de sa désespérance. On navigue avec bonheur sur la chaloupe romantique de Belle-Ile-en-Mer, Marie-Galante.

On ne se lasse pas de la version épurée et introspective du thème d’Alain Guoraguer, Je Bois, immortalisé et presque caché par les paroles Boris Vian. On peut savourer Je Bois avec excès et sans aucun risque si ce n’est celui de redécouvrir cette composition.

Tout au long des dix plages de l’album « Essais/Volume 2 », le Trio de Pierre de Bethmann dispense une musique d’une absolue fraîcheur. Comme le regard intérieur d’un jazz élégant et sobre qui affectionne le sens du beau et s’épanouit sans afféterie.

Parce que plus que jamais la musique gagne à être vécue en direct, rendez-vous les 02 & 03 février 2018 à Paris au Sunside pour écouter Pierre de Bethmann Trio avec Pierre de Bethmann au piano, Sylvain Romano à la contrebasse et Tony Rabeson à la batterie.

Mélodies lumineuses et ambiances sereines

« When Ghosts Were Young » est le quatrième disque en leader d’Olivier Boge. Sorti le 17 novembre 2017, l’album dessine les contours d’un univers romantique d’où s’élèvent de lumineuses mélodies.

Le nouvel album d’Olivier Bogé, « When Ghosts Were Young » (jazz&people/PIAS) sorti le 17 novembre 2017, fait suite au magnifique « The World Begins Today » (2013) et au superbe « Expanded Places » (2015) dans lequel Olivier avait enregistré une grande partie des instruments présents (saxophone, piano, guitare, Fender Rhodes et voix).

Sur ce nouvel opus, Olivier Bogé à voulu « Retrouver cette innocence et cet émerveillement qui nous sont propres lorsque l’on est enfant, préservé des différentes formes de chaos auxquelles on est inévitablement amené à faire face au cours d’une vie. Refaire surgir ces fantômes, ces âmes intérieures présentes au fond de nous et préservées de tout cela pour réinventer notre propre monde. Non pas se refermer pour se protéger, mais s’ouvrir et rayonner d’une lumière nouvelle qui nous fait croire de nouveau à nos utopies, voilà ce qui pourrait bien se jouer au cœur de ce nouvel album ». Il est parvenu à créer un univers très personnel où il fait bon s’immerger.

Pourvoyeuse de tendres émotions, la musique de « When Ghosts Were Young » flotte aux confins d’un univers radieux et poétique qui fait oublier les contraintes gravitationnelles. Une escapade onirique ressourçante.

Olivier Bogé a consacré deux ans à l’écriture de son projet discographique. Sur « When Ghosts Were Young », le multi instrumentiste privilégie principalement la guitare acoustique, le saxophone et la voix. Il intervient au piano sur deux titres, Rain’s Feathers et What Will Remain et utilise aussi Fender Rhodes et synthétiseurs. On regrette quelque peu le recours quasi systématique aux nappes vocales de la voix du leader.

Olivier Bogé a composé toutes les plages de l’album et cette fois encore le leader s’entoure de musiciens dont il est proche et avec lesquels il joue depuis plusieurs années. Ces instrumentistes émérites, leaders de leurs propres projets, contribuent aux paysages musicaux de l’album. Le guitariste Pierre Perchaud du trio FOX, le pianiste Tony Paeleman membre du collectif Watershed, le contrebassiste Nicolas Moreaux coleader du trio FOX et le subtil batteur Karl Jannuska. La chanteuse Isabel Sörling apparaît sur le titre Rains’s Feather.

« When Ghosts Were Young », une musique rayonnante dont les ambiances et les rythmes apaisent. L’album oublie les frontières de styles et les musiciens servent une écriture légère et poétique. Sans urgence aucune, la musique élève ses mélodies jusqu’à des cieux bienveillants. Plus qu’un album, un oasis de lumière.

Pour s’immerger live dans la musique de « When Ghosts Were Young », rendez-vous à Paris les 30 et 31 janvier 2018  à 21h au Sunside. Deux concerts pour retrouver sur scène le quintet d’Olivier Bogé avec Olivier Bogé (sax alto, piano, guitare), Pierre Perchaud (guitare), Tony Paeleman (piano), Nicolas Moreaux (contrebasse), Karl Jannuska (batterie).

Un album sensible et intimiste

C’est en trio que le pianiste Tony Tixier sort « Life of Sensitive Creatures », son nouvel album attendu pour le 08 décembre 2017. Une musique vibrante de sensibilité. Des mélodies souvent introspectives qui invitent à la rêverie.

Originaire de France, Tony Tixier s’est installé à New-York en 2012 et a récemment emménagé à Los Angeles. Avant la sortie de l’album « Life of Sensitive Creatures » (Whirling Recordings) annoncé pour le 08 décembre 2017, le pianiste a déjà à son actif une discographie qui a permis de l’écouter dans différentes formules.

En trio piano/basse/batterie sur « Fall in Flowers » en 2006. En solo (claviers, synthétiseurs, Wurlitzer et Rhodes) sur « Electric’ Trane » en 2007. En septet sur « Parallel Worlds » en 2009 avec la chanteuse Leila Martial, le trompettiste Brice Moscardini, les saxophonistes Ricardo Izquierdo et Adrien Daoud, le bassiste Joachim Govin et le batteur Guilhem Flouzat. En quartet sur « Dream Pursuit » en 2012 chez SpaceTimeRecords avec le saxophoniste Logan Richardson, le bassiste Burniss Earl Travis et le batteur Justin Brown.

Sur l’album « Life of Sensitive Creatures » (Whirling Recordings) le pianiste choisit la formule du trio piano-contrebasse-batterie plus intime que le quartet ou le septet ce qui lui permet de produire une musique sensible, reflet des émotions qu’il a pu ressentir durant sa vie.

A ses côtés, deux instrumentistes accomplis et expérimentés, le contrebassiste Karl McComas Reichl et le batteur Tommy Crane. Ils mettent leur talent au service de son écriture imaginative et singulière dont l’esthétique s’inscrit autant dans le jazz que dans la musique classique européenne.

Sur « Life of Sensitive Creatures », Tony Tixier fait entendre sa voix de compositeur. Il en ressort un album au climat sensible et intimiste. Au service de la musique, son imagination projette des mélodies chantantes qui racontent des fragments de vie, des émotions. Mélancolie, jalousie, hésitations, introspection, espoir, lâcheté, doute, questionnement, remise en cause, plénitude. A l’écoute de l’album on entre en vibration avec les émotions transmises par le trio.

Le pianiste propose huit compositions originales qui côtoient trois reprises dont une interprétation romantique du classique Darn That Dream de Jimmy Van Heusen, un très swinguant Tight Like This de Louis Armstrong et une version assez étonnante du thème de Stevie Wonder, Isn’t She Lovely.

Sur la pochette de l’album, la photo d’Alain Tixier dépeint Tony Tixier enfant dans les bras de sa mère. I Remember the Time of Plenty, le morceau d’ouverture, illustre ce climat qui hésite entre le souvenir ému des tendres émotions du passé et la fougue énergique de la joie de l’enfant qui dès six ans se forme au piano classique.

Sur Denial of Love, le dialogue piano-basse laisse deviner la brisure de cette plénitude de l’enfance. Sur Illusion les musiciens font régner un climat qui évoque les déceptions, les désillusions qui adviennent tout au long de la vie. Très présente, la batterie soutient les envolées lyriques du pianiste.

Quand advient le joyeux blues, Home At Last, on sent la pression baisser et l’on ressent le plaisir simple du retour chez soi. La frappe amortie du batteur ajoute sa douceur à la légèreté du toucher du pianiste. Le découpage rythmique et les impulsions percussives de Calling Into Question tranchent avec le chant continu et souple de la main droite du pianiste.

Sur un tempo plus rapide, Blind Jealousy of a Paranoid donne à percevoir une relative notion de drame et d’urgence impulsée par les trois musiciens. A l’écoute des rythmes changeants de Causeless Cowards’ on perçoit hésitation et doutes mais on respire plus librement à l’écoute de Flow qui termine l’album et libère enfin la lumière.

« Life of Sensitive Creatures », un album empreint de poésie et d’émotions. L’écriture sensible de Tony Tixier est servie par la performance des trois musiciens qui devisent de manière très spontanée. L’album respire et prend le temps, il laisse de l’espace au silence. Souple et nuancée la musique affiche sa singularité à travers des découpages rythmiques qui dynamisent l’expression plutôt impressionniste du trio.

La capitale des Gaules est honorée de la présence prochaine sur la scène du Bémol5 de ce pianiste qui joue actuellement dans les groupes de Christian Scott, Seamus Blake et Wallace Roney. En effet, après les concerts parisiens où il s’est produit récemment avec son trio américain, le pianiste Tony Tixier revient à Lyon. Il se produit en effet en trio le mercredi 13 décembre 2017 à 20h30 sur la scène du Bémol5 avec le batteur Gautier Garrigue et le contrebassiste Florent Nisse.