Alliance entre poésie, allégresse et énergie

Avec son premier opus, « The Bowhopper », Nuzut Trio propose un projet captivant qui enchante autant qu’il surprend. Autour du contrebassiste, compositeur et leader Flavio Perrella, le guitariste Simon Martineau et le batteur Thomas Delor conjuguent leurs imaginaires. Les compositions originales ouvrent l’espace à l’expression créative des musiciens. Un album maîtrisé qui propose un élégant mélange de poésie, d’allégresse et d’énergie.

Depuis 2016, le contrebassiste et compositeur Flavio Perrela a fondé le Nuzut Trio avec le guitariste Simon Martineau et le batteur Thomas Delor. Au fil des ans, le trio a élaboré un projet musical que restitue l’album « The Bowhopper » (Da Vinci Jazz/Egea Music) sorti le 27 septembre 2019.

A partir de mélodies simples composées pour l’essentiel par le leader, « The Bowhopper » vibre de dissonances saturées et d’improvisations audacieuses. La parole circule avec souplesse entre les trois membres du trio contrebasse-guitare-batterie. La musique respire et restitue une palette expressive large et nuancée où coexistent dans un bel équilibre légèreté et profondeur, ombre et lumière, pulsation énergique et méditation onirique.

Flavio Perrela

Diplômé en musique classique au conservatoire de Frosinone en Italie, Flavio Perrela vit à Paris depuis 2009 où il a suivi un cursus de Jazz au Conservatoire à Rayonnement Régional. De cette double formation, il a conservé un intérêt pour les deux formes de musique. Il a étudié avec Chuck Israels, Steve Coleman, Pierre Bertrand et Emil Spanyi et a accompagné de nombreux musiciens parmi lesquels on peut citer entre autres Ernest Dawkins, Greg Burk, Baptiste Herbin, Yonathan Avishai, Dexter Goldberg, Karsten Vogel, Didier Lockwood, Federico Casagrande, Victor Mendoza,Enrico Zanisi, Francesco Diodati.

Flavio Perrela a composé plusieurs bandes originales pour des films, des documentaires et des pièces de théâtre et a participé à plusieurs expériences avec différents orchestres (musique de chambre, big band, jazz combo, etc).

Le contrebassiste à créé Nuzut Trio avec le guitariste Simon Martineau et le batteur Thomas Delor, deux musiciens dont on a récemment pu apprécier les projets personnels. L’un et l’autre ont en effet sorti leur premier album en 2018, l’énergique et lumineux « One » de Simon Martineau et le somptueux et singulier « The Swaggerer » de Thomas Delor enregistré lui aussi en trio contrebasse-guitare-batterie où la guitare est tenue par… Simon Martineau.

« The Bowhopper »

Ainsi entouré de l’élégant et lumineux guitariste Simon Martineau et du rythmicien coloriste Thomas Delor, Flavio Petrela a enregistré les dix titres de l’album « The Bowhopper ». Le contrebassiste a composé la totalité des titres hormis Interlude#2 à porter au crédit de Simon Martineau.

Jeu de mot entre bow (l’archet) et Grasshopper (sauterelle, 1er morceau du CD), Bowhopper désigne un acrobate imaginaire qui évolue en équilibre, ce qu’a d’ailleurs traduit Antonio Padovani sur la pochette de l’album.

Riche en contrastes tant dans l’écriture que dans l’expression, « The Bowhopper » développe une musique à la trame émotionnelle très riche qui stimule l’écoute d’un bout à l’autre du répertoire.

De plage en plage

Au fil du répertoire, trois Interludes ménagent des ruptures comme des espaces de respiration qui ressourcent l’oreille pour mieux lui permettre d’accéder aux sept autres titres. Sur Interlude#1 l’archet de la contrebasse sautille à travers des dissonances maîtrisées alors que sur Interlude#3 il évoque plus des atmosphères chambristes. Interlude#2 donne quant à lui la parole à la guitare réjouie.

Véritable exploration musicale, The Grasshopper permet de saisir la maîtrise, l’élégance et la variété du jeu de guitare;

Povero Spirito installe un climat étrange illuminé par la guitare et aérienne. Après un chorus boisé et grave de la contrebasse, la guitare construit avec subtilité et concision une improvisation qui ouvre l’espace à la volubile polyrythmie de la batterie. Ramassamy-Dance groove en souplesse et restitue le chant radieux de la contrebasse. Sur Clacsong, après une première partie où la guitare fait entendre des coups de klacson sur le chorus guilleret de la contrebasse, la seconde partie du morceau se déroule en suspension sur le fil d’accords segmentés par une batterie volubile et répétés par la guitare et la contrebasse.

X Time étire son tempo et entraîne l’oreille dans une pérégrination musicale méditative que guide la sensible et onirique guitare. On craque littéralement à l’écoute des acrobaties musicales de la guitare sur Un Po’Zut. Le motif musical joué à l’archet se transforme ensuite en un chorus virtuose qui fait swinguer les notes gorgées de lumière de la contrebasse propulsée par la pulsation de la batterie. L’album se termine avec Zoldog dont les volutes bluesy deviennent lambeaux de rock progressif. Guidé par la guitare audacieuse et propulsé par la batterie tonique, le voyage intérieur devient transe.

Rendez-Vous à Paris le 15 décembre 2019 à 18h à la Péniche Marcounet pour écouter le Nuzut Trio à l’occasion du concert de sortie de l’album « The Bowhopper ».

Poésie sidérale aux accents cosmiques

En recherche perpétuelle, Erik Truffaz continue ses explorations musicales et une fois encore il renouvelle sa musique sur l’album « Lune Rouge » sorti le 11 octobre 2019. Entouré de Benoit Corboz, Marcello Giuliani et Arthur Hnatek, le trompettiste façonne une rêverie musicale lunaire aux accents cosmiques. Un album captivant de poésie sidér(ante)ale.

Trois ans après « Doni Doni », le trompettiste Erik Truffaz est de retour en quartet avec « Lune Rouge » (Foufino Productions/Warner Music France) sorti le 11 octobre 2019.

Sur cet album le leader est entouré des fidèles, Marcello Giuliani (basse) et Benoît Corboz (claviers) et du batteur Arthur Hnatek qui a intégré le quartet depuis « Doni Doni ». D’ailleurs, c’est  lui qui a assuré la direction artistique de « Lune Rouge », comme le précise Erik Truffaz… « Nous avons confié les clés à Arthur Hnatek et lui avons demandé de composer le matériel de base sur lequel le quartet a pu travailler le son, arranger puis déranger les éléments. »

Aux frontières du jazz, de la pop instrumentale et de la musique électronique, « Lune Rouge » explore de nouveaux territoires sonores où se croisent mélodie et groove. Une superbe alchimie s’opère entre le timbre assez doux de la trompette et les sonorités synthétiques issues des années 70. Improvisations maîtrisées, envolées vibrantes et polyrythmies complexes se côtoient pour le meilleur. Après l’écoute de « Lune Rouge », le retour à la gravité terrestre est difficile car avec Erik Truffaz Quartet on marche sur la lune !

Erik Truffaz Quartet

La carrière sur les scènes françaises du trompettiste a commencé en 1993, année où Erik Truffaz obtient le prix du jury au concours de la Défense de la ville de Paris. Après 1996 où il signe sous le label Blue Note et sort « Out of a Dream », le succès du musicien ne cesse de croître.

Même si tout au long de sa carrière le trompettiste et compositeur Erik Truffaz s’est engagé avec succès dans de nombreuses collaborations (musiques de cinéma, écriture pour orchestre symphonique, musiques électroacoustiques, concerts graphiques avec Enki Bilal et bien d’autres rencontres), c’est avec Erik Truffaz Quartet qu’il conquiert le public.

1996-2008 avec Marcello Giuliani, Patrick Muller & Marc Erbetta

Entre 1996 et 2008, Erik Truffaz publie douze albums sous le label Blue Note parmi lesquels quatre sont à porter au crédit de son quartet avec Marcello Giuliani (basse), Patrick Muller (claviers) et Marc Erbetta (batterie). Après « The Dawn » (1998) et « Bending New Corners » (1999) où le poète rappeur Nya est invité, la musique du quartet acquiert une renommée internationale. Sortent ensuite le plus rock « The Walk of the Giant Turtle » (2003) et le superbe « Arckhangelsk » (2007) qui accueille les voix de Christophe et Ed Harcourt.

Depuis 2010, Benoit Corboz aux claviers

En Juin 2010 Benoît Corboz, ingénieur du son du groupe depuis « The Dawn », passe aux claviers du quartet. La nouvelle formule du groupe entre en studio sans tarder et en 2010 sort « In Between » (Blue Note/Universal) avec la voix de Sophie Hunger sur deux titres.

Après 2015, Arthur Hnatek à la batterie

En 2015, le batteur historique du quartet, Marc Erbetta cède la place à Arthur Hnatek, jeune batteur suisse-américain domicilié en Suisse. C’est avec lui qu’Erik Truffaz Quartet enregistre « Doni Doni » sorti en 2016 avec les voix de Rokia Traoré et Oxmo Puccino.

2019, sortie de « Lune Rouge »

Après avoir célébré l’album « Bending New Corners » au cours d’une tournée de concerts où le batteur historique Marc Erbetta a repris du service pour jouer cette musique « qui n’a pas pris une ride vingt ans après sa création », Erik Truffaz réunit Corboz, Giuliani et Hnatek et avec eux, il investit le studio suisse du Flon, à Lausanne.

C’est là que Benoît Corboz assisté par Alix Gauthier enregistre en avril 2019 le 19ème album du trompettiste, « Lune Rouge » (Foufino Productions/Warner Music France) sorti le 11 octobre 2019.  Aux sonorités des synthétiseurs de Benoît Corboz s’ajoutent celles de la batterie qu’Arthur Hnatek a branchée sur un synthétiseur modulaire, en prenant garde à conserver la dynamique des peaux grâce à des capteurs.

Fidèle à une tradition établie Erik Truffaz Quartet invite aussi deux voix. Il s’agit cette fois de celle de Jose James avec qui le trompettiste a tourné pour des concerts en hommage à Chet Baker. Le trompettiste a composé le morceau Reflections qu’il a envoyé au chanteur lequel a enregistré sa voix à New York… et les ingénieurs du son ont fait le reste. La seconde voix posée sur She’s the Moon est celle d’Andrina Bollinger. Elle évolue, avec la chanteuse Marena Whitcher dans le duo Eclecta qui mêle jazz, électro et pop.

Tous les titres de « Lune Rouge » sont écrits et composés par Arthur Hnatek, Marcello Giuliani, Benoît Corboz et Erik Truffaz, hormis Reflections auquel José James et Talia Billig ont apporté leur contribution.

« Lune Rouge »… voyage musi-cosmique

Au fil des douze titres de « Lune Rouge », Erik Truffaz Quartet propose un voyage musical lyrique où la trompette poétique incite à une rêverie électro-groovy irriguée de sonorités électroniques vintage. L’oreille oscille entre hallucinations pulsatiles et apesanteur flottante.

Le terme lune rouge recouvre une réalité astronomique, celle d’une éclipse totale quand lune, terre et soleil sont parfaitement alignées alors que la lune frôle l’orbite de la terre. Sidéral et tellurique, le titre qui donne son nom à l’album résulte de 45 minutes d’improvisation qui ont été enregistrées puis découpées et montées. Le morceau de presque douze minutes propose des ambiances très différentes. La trompette propulse une ligne mélodique sur des bidouillages électroniques et une rythmique incandescente. La trompette semble dilater le son et le porter au rouge.

C’est du motif répétitif de Cycle by Cycle réitéré sans fin par la basse et le synthé qu’émerge la trompette poétique et lumineuse. Poussée par le jeu coloriste de la batterie, elle s’envole ensuite en quête du cosmos, telle une fusée triomphante. Le voyage continue et plus tard le motif obsédant de Five on The Floor pose la lumière sur la trompette. Porté par sa sonorité stratosphérique et les nappes du synthé, on se laisse embarquer vers les espaces infinis. On flotte ensuite en apesanteur sur ET Two où la trompette élève une ode à la science-fiction sur un tempo électro-jazz lunaire.

Le voyage du quartet n’est vraiment pas de tout repos comme le laisse entendre Tiger in the Train. Le vaisseau des musiciens frôle un astéroïde et les polyrythmies de la batterie tellurique font vibrer la musique. Les rythmes décalés reviennent ensuite sur Nostalgia qui frissonne entre nostalgie et énergie stimulante.

L’épopée spatiale est ponctuée par des improvisations enregistrées en une seule prise et insérées dans le répertoire qu’elles dynamisent… atmosphère  fantastique de Tanit du nom d’un cratère de Ganymède (lune de Jupiter), timbre brisé de la trompette et mugissement sidéral d’Algol ainsi dénommée en référence à une étoile de la constellation de Persée, effets captivants des synthés sur Alhena dont le nom fait référence à une étoile située dans la constellation des Gémeaux.

Les deux titres chantés apportent quant à eux de douces flottaisons durant le voyage cosmique. Sur Reflections la voix profonde de Jose James et la trompette oscillent sur un tempo hip-hop poussées par la section rythmique. Plus tard, sur She’s The Moon, c’est la voix caressante d’Indrina Bollinger et le contrechant séduisant de la trompette qui met le vaisseau sur une orbite pop.

Le répertoire se termine avec le poétique Houlgate. Piano et bugle jouent une évanescente mélodie d’où se dégage une sensation de grande sérénité. Le vaisseau spatial du quartet est parvenu à destination… calme lunaire et lumière angélique baignent les cinq dernières minutes de l’album.

Pour écouter Erik Truffaz Quartet en concert la date du 25 novembre 2019 au Café de la Danse à Paris annonce COMPLET.

Par contre qu’on se le dise, Erik Truffaz revient à Paris en quartet avec Benoit Corboz (Rhodes, synthétiseurs, piano), Marcello Giuliani (basse) et Arthur Hnatek (batterie & électroniques) le 27 mai 2020 à 19h30 à La Gaîté Lyrique.

Intime climat d’estompe musicale

Trois ans après « Les âmes perdues » Christophe Panzani revient avec « Les Mauvais Tempéraments », un album sur lequel il réitère son intérêt pour les duos saxophone ténor-piano(s). Pour renouveler le concept, il a recours aux tempéraments anciens qui modifient l’accordage des pianos sur quatre titres. Les tempéraments proposent des jeux de pistes qui brouillent les repères de l’oreille laquelle les déjoue pourtant. Elle se laisse captiver par un intime climat d’estompe musicale.

Après avoir capté des duos saxophone-piano auprès de sept pianistes « Les Âmes perdues » sorti en 2016 chez jazz&people, le saxophoniste Christophe Panzani revient le 08 novembre 2019 (pour la sortie digitale) avec « Les Mauvais Tempéraments » (jazz&people/PIAS).

Ce deuxième album approfondit les alliages de son saxophone avec le piano ou plutôt les pianos. Il explore par ailleurs d’autres pistes plus techniques pour renouveler les spectres sonores et diversifier l’inspiration.

Cette fois encore, Christophe Panzani parvient à ouvrir des fenêtres sur de nouveaux paysages musicaux.

Christophe Panzani

Curieux et ouvert à de nombreux univers musicaux, le poly-instrumentiste (saxophone, clarinette, flûte) Christophe Panzani fait partie de ces musiciens très sollicités de la scène française.

• En effet celui qui fut Membre du Big Band de Carla Bley de 2002 à 2011, participe aussi à de nombreuses formations de jazz français, « Circles » et « Bright Shadows » d’Anne Paceo, Florian Pellissier 5tet, « Square One » de Matthis Pascaud, sans oublier le groupe du jeune pianiste Gauthier Toux.
• Par contre cet ancrage jazz ne l’a pas empêché pas de regarder vers d’autres horizons musicaux. Ainsi il a été actif dans d’autres groupes aux esthétiques diverses, musique africaine avec Ousmane Danedj) ou oriental avec Fayçal Salhi, électro jazz et hip-hop avec ElectroDeluxe, Hocus Pocus, C2C, Gaël Faye, Milk Coffee & Sugar, Guts.
  

  Christophe Panzani © E. Lavin

• Son ouverture musicale l’a aussi conduit à fonder et à s’impliquer dans trois groupes majeurs de l’underground parisien. The Drops, avec le guitariste italien Federico Casagrande avec quatre albums à leur actif, « Thiefs » dont il est co-leader avec le contrebassiste américain Keith Witty, un projet jazz hip-hop crédité de deux albums et le collectif « The Watershed » avec trois figures majeures de la nouvelle scène Jazz française, Karl Jannuska (batterie), Pierre Perchaud (guitare) et Tony Paeleman (claviers).
• Il convient par ailleurs d’évoquer le LARGE Ensemble présenté sur la scène nationale de l’Arsenal à Metz après une résidence (2015/16). Le groupe a associé son quintet de jazzmen avec Vincent Peirani et Pierre Perchaud au quintet à vent Arte Combo et au quatuor à cordes Voce. Un projet à la confluence du jazz etde la musique contemporaine.
• Enfin, c’est sous nom qu’en 2016 le saxophoniste sort « Les Âmes Perdues », un projet qui l’a conduit à recueillir chez sept pianistes des duos saxophone-piano enregistrés sur le piano personnel d’Edouard Ferlet avec lui-même, Leonardo Montana, Guillaume Poncelet, Tony Paeleman, Yonathan Avishai, Laia Genc et Dan Tepfer.

Le 08 novembre 2019 (pour la sortie digitale) puis le 23 novembre 2019 (pour la sortie physique), le saxophoniste donne une suite à ce premier album et Christophe Panzani revient avec « Les Mauvais Tempéraments ».

Christophe Panzani va encore plus loin

Piano(s) et pianistes…

Le leader invite huit pianistes à partager avec lui la musique écrite pour cette occasion. Comme sur « Les âmes perdues », on retrouve, Edouard Ferlet, Leonardo Montana, Guillaume Poncelet, Tony Paeleman et Yonathan Avishai auxquels s’ajoutent Eric Legnini, Yael Naim et BIGYUKI. Cette fois encore, le disque est enregistré comme « à la maison », chez les pianistes (ou presque), sur leurs pianos ou ceux d’Edouard Ferlet. Pour diversifier les échanges, le ténor dialogue avec un, deux pianos, quatre mains sur un piano, des pianos différents.

… et une piste plus technique

De plus, le saxophoniste souhaite explorer d’autres horizons afin de diversifier l’inspiration. C’est ainsi que …

« En quête de moyens d’expression nouveaux, le saxophoniste a choisi une voie dans laquelle les jazzmen se sont rarement — sinon jamais — aventurés jusqu’à présent : celle des tempéraments anciens. Il n’est pas question ici de changer le diapason des instruments mais d’accorder le piano comme le font les clavecinistes et les spécialistes (notamment) de musique baroque, en respectant les rapports naturels entre les sons, ce qui permet d’éviter les « battements» entre harmoniques qui donnent parfois à l’oreille une sensation de fausseté ou de dureté. »

Sur quatre plages du répertoire Christophe Panzani fait donc le choix de délaisser l’accordage en tempérament dit égal des pianos et recourt à un accordage de sons anciens. Tout un programme, certes… et même un fort savant programme !

Certes, il s’agit d’un contexte pas forcément accessible d’emblée à une oreille novice. Pourtant, très vite elle saisit les nuances de cette musique ouverte et sensible. En effet, dans l’intimité des rencontres, se dégagent de surprenantes couleurs. Contrastes entre lumières tamisées et vifs éclats. Mystère émanant d’estompes sonores projetées en contre-jour. Ombres filtrées ou diffractées. Les émotions sont au rendez-vous.

Vous avez dit « tempéraments » ?

Au fil des siècles, les intervalles entre les notes ont été déterminés à partir de données purement mathématiques afin d’adapter clavecins, orgues puis piano aux autres instruments. Ainsi, différents systèmes de tempéraments se sont succédé au fil des époques faisant varier les accordages, les tonalités et les sons.

Aujourd’hui, par convention, règne en maître le tempérament dit égal qu’utilisent les accordeurs de piano. Ainsi les oreilles du 20ème et 21ème siècle se sont conditionnées et donc habituées aux effets sonores des pianos ainsi accordés… alors qu’à l’époque baroque les clavecins étaient accordés en tempérament Werckmeister III.

Christophe Panzani varie les accordages des pianos

Sur son album « Les Mauvais Tempéraments », Christophe Panzani varie les accordages des pianos et  ainsi les tempéraments créent des jeux de pistes en trompe l’oreille. En effet, le leader enregistre six pistes sur des pianos accordés en tempérament dit égal alors que pour les quatre autres plages, les pianos sont accordés en tempérament Werkmeister III.

A voir les réactions des pianistes Yonathan Avishai, Edouard Ferlet, Leonardo Montana et Tony Paeleman lorsqu’ils découvrent pour la première fois les pianos accordés en tempérament Werkmeister III, on comprend combien les variations d’accordage des sons transportent les pianistes et suscitent chez eux ces exclamations admiratives qui traduisent leur étonnement. Ils louent la beauté des couleurs magnifiques qui découlent de ce changement.

Tempérament Werkmeister III

Fréquemment utilisé à l’époque de Bach, le tempérament Werkmeister III (1691) sert de référence à l’accordeur des pianos que vont utiliser les pianistes les 28, 29 et 30 janvier 2019 au Studio d’Edouard Ferlet. C’est ainsi que les pianistes Yonathan Avishai, Edouard Ferlet, Leonardo Montana et Tony Paeleman enregistrent quatre morceaux.

• Ahijado II avec Yonathan Avishai
• Des âmes toutes faites (dédié à la mémoire d’Antoine de Saint-Exupéry) avec Tony Paeleman
• Le Désordre des choses II (dédié à Tigran Hamasyan) joué à quatre mains par Yonathan Avishai et Leonardo Montana
• Les Mauvais Tempéraments II joué à quatre mains par Edouard Ferlet et Leonardo Montana.

Tempérament dit égal

Les six autres titres du répertoire sont enregistrés sur des pianos accordés en tempérament dit égal.

• L’Autre Miroir (dédié à Federico Casagrande) joué à deux pianos par Edouard Ferlet et Tony Paeleman
• I Don’t Feel No Home (dédié à Daniel Romeo) enregistré avec Guillaume Poncelet dans son studio
• Ravage (dédié à la mémoire de René Barjavel) enregistré avec BIGYUKI le 14 mai 2019 chez Keith Witty à Harlem, New York.

A ces trois compositions s’ajoutent des versions alternatives de trois titres :

• Ahijado enregistré avec Eric Légnini, à son domicile
• Le Désordre des choses avec Leonardo Montana et Yonathan Avishai sur deux pianos
• Les Mauvais Tempéraments (dédié à Carla Bley) enregistré en mai 2019 avec Yael Naim, chez elle.

L’enregistrement, le mixage et mastering de l’album ont été assurés par Tony Paeleman.

Quelle écoute ?

Considérant la démarche de Christophe Panzini, musicien ouvert à nombre de formes artistiques, on décide de se distancier des données savantes communiquées. De facto, pour le musicien, ces variations d’accordage ne sont ni plus ni moins qu’une piste de plus pour interroger la musique, trouver de nouveaux arguments pour travailler plus encore le dialogue de son saxophone ténor avec le(s) piano(s).

On se questionne ensuite pour savoir ce qu’une oreille lambda va percevoir après l’écoute de l’album. Faute d’être celle d’un.e musicien.ne, est-elle en capacité de mesurer les différences qu’entraîne le nouvel accordage ? On prend donc le parti d’écouter en total lâcher prise pour mettre à distance les éléments techniques pas forcément accessibles aux non intiée.e.s.

Pourtant on demeure attentif aux trois titres qui se font écho comme en miroir, avec des pianos accordés en tempérament dit égal sur les trois premières plages l’album et des pianos accordés en tempérament Werkmeister III sur les trois dernières pistes.

Impressions musicales

Sur Les Mauvais tempérament I, le tendre souffle du saxophone s’étire au-dessus du piano (en tempérament égal) de Yael Naim dont le phrasé haché et hésitant fait planer un fort climat de doute avant de retrouver une douce tranquillité. Sur le piano (en tempérament Werkmeister III) les quatre mains de Yonathan Avishai & Leonardo Montana habillent d’un voile assez désespéré leur réponse au saxophone inquiet sur Les Mauvais Tempéraments II. Les spirales de notes soufflées semblent finalement rassurées par les tendres caresses du piano.

Difficile de déterminer une préférence pour l’un ou l’autre des deux Ahijado. Le dialogue entre le saxophone et le piano (accordé en tempérament dit égal) d’Eric Légnini invite à une tendre mélancolie porteuse d’interrogations qui se résolvent joyeusement sur un tempo ternaire alors que le ténor et le piano (en tempérament Werkmeister III) de Yonathan Avishai ouvrent des trouées bluesy, comme les respirations pointillistes d’un climat d’espérance.

Sur I Don’t Feel No Home les échanges entre le piano Guillaume Poncelet et le saxophone font évoluer le dialogue entre doute existentiel et rassurantes mélopées. On est saisi par la force des interactions des deux pianos entre lesquels le saxophone essaie de s’immiscer avec succès sur L’autre miroir. Le saxophone élève sa lamentation interrogative entre les deux pianos de Tony Paeleman et Edouard Ferlet. Magique échange !

Le piano énervé de BIGYUKI stimule le ténor et tous deux font de Ravage un morceau atypique qui réveille l’album par des couleurs que pimentent des effets électriques et électroniques. L’écoute de ce titre déclenche une déstabilisation de l’oreille déshabituée aux climats toniques.

De fait cela est plutôt salvateur et permet de mieux s’immerger ensuite dans les quatre titres enregistrés avec les pianos accordés en tempérament Werkmeister III. C’est le cas sur Des âmes toutes faites II qui balance entre les fêlures des interrogations du ténor et les réponses rassurantes du piano de Tony Paeleman avec des passages où règne une inconditionnelle entente. Le duo nourrit un inventif et bouleversant dialogue.

Avec une force très affirmée, les deux pianos (accordés en tempérament dit égal) tenus par Leonardo Montana et Yonathan Avishai conversent avec le saxophone qui calme le jeu et répond par de douces spirales. Le ténor ne s’en laisse pourtant pas compter sur Le Désordre des choses I qui se termine sur un climat plutôt tendu.

Par contre les quatre mains de Yonathan Avishai et Leonardo Montana sur un piano accordé en tempérament Werkmeister III s’amusent avec les dissonances et la rythmique sur Le Désordre des choses II, ce qui met le saxophone en ébullition, même si à la toute fin, le climat s’apaise, s’éclaire même. Piano et saxophone devisent alors plus gaiement.

Au final on se laisse captiver de bout en bout par les ambiances qui se succèdent et font varier les teintes musicales. Mystère et mélancolie s’invitent au fil de lentes processions et de douces promenades. Saxophone et pianos croisent propos questionnant et intimes confidences. Les atmosphères oscillent entre certitudes et interrogations. Pourtant rien de trop schizophrénique car l’ensemble de la musique distille une bienveillante tendresse… qui rend difficile le sevrage et engage à écouter en boucle les dix plages de l’album « Les Mauvais Tempéraments ».

Pour vivre les « Les Mauvais Tempéraments », rendez-vous à Paris le 27 janvier 2020 à 21h au Studio de l’Ermitage avec Christophe Panzani (saxophone ténor) et les pianistes Yonathan Avishai, Edouard Ferlet, Eric Legnini, Leonardo Montana et Tony Paeleman. En attendant, on ne se prive pas d’écouter encore et encore l’album et de le partager largement autour de soi.

Swing, Vitalité et Modernité

Pas question en cet automne 2019 de passer à côté de « Groove du Jour ». Porteur de bout en bout d’un groove vibrant, d’un swing élastique et d’une modernité étonnante, cet opus est le fait du Yes! Trio qui réunit le batteur Ali Jackson, le contrebassiste Omer Avital et le pianiste Aaron Goldberg. Un grand « OUI » à cet album plein de vitalité qui donne la pêche et le sourire !

Au début des années 1990, Ali Jackson (batterie), Aaron Goldberg (piano) et Omer Avital (contrebasse) se sont connus à New-York où ils ont appris et pratiqué un jazz plein de vitalité et de swing. Chacun a ensuite mené avec brio sa propre carrière.

Après « Yes ! », un premier disque gravé par Yes! Trio en 2009, les talentueux musiciens se sont de nouveau réunis en studio en 2018 pour enregistrer le tonique « Groove du Jour » (jazz&people/PIAS).

De bout en bout des dix titres de « Groove du Jour », Yes! Trio propose une musique joyeuse et exaltante que l’on ne se lasse pas d’écouter. Avec enthousiasme on dit « Oui » à ce jazz vibrant qui porte haut l’esprit et les couleurs du swing.

Yes! Trio

Avant de devenir les pointures internationales qu’ils sont aujourd’hui, le pianiste Aaron Goldberg, le contrebassiste Omer Avital et le batteur Ali Jackson se sont rencontrés à New-York au début des années 1990. Animés d’un même esprit et de l’envie de jouer, ils ont alors appris de leurs aînés et ont capté la vitalité du swing qui depuis figure dans leur ADN.

Trois jeunes musiciens…

• Né en 1976 d’un père contrebassiste de jazz, Ali Jackson a reçu durant son adolescence des conseils de Max Roach, Donald Byrd et Betty Carter. Avant de quitter Détroit pour s’installer à New-York, il avait déjà accompagné Aretha Franklin.
• De son côté, Aaron Goldberg est issu de Boston. Né en 1974, il découvre le jazz au lycée et bénéficie ensuite de l’enseignement de Jerry Bergonzi.
• Né en Israël en 1971 de parents d’origine marocaine et yéménite, Omer Avital fréquente le lycée Thelma-Yellin de Tel Aviv, véritable pépinière du jazz israélien avant de gagner New-York.

… se rencontrent à New-York…

Le batteur et le pianiste se sont croisés en 1991 lors d’auditions passées à la Manhattan School of Music. Le contrebassiste a quant à lui rencontré Aaron Goldberg en 1992 sur les bancs de la New School for Jazz and Contemporary Music et a connu Ali Jackson au cours d’une tournée en Europe. En 1995 Omer Avital joue régulièrement au Smalls Jazz Club au sein de différents groupes et c’est dans ce club que les trois musiciens se rapprochent vraiment.

… mènent leur carrière personnelle

Entre temps chaque membre du Yes! Trio a mené une brillante carrière personnelle comme sidemen et/ou leader.

• Ali Jakson s’est illustré au sein du Jazz at Lincoln Center Orchestra sous la direction de Wynton Marsalis et a aussi joué avec Dee Dee Bridgewater, Kurt Rosenwinkel ou Jacky Terrasson.
• De son côté, Aaron Goldberg a aussi travaillé auprès de Wynton Marsalis puis, à la fin des années 90, s’est illustré dans le quartet du saxophoniste Joshua Redman. Il a aussi collaboré avec Freddie Hubbard, Nicholas Payton, Kurt Rosenwinkel et a constitué plusieurs trios dont le dernier en date réunit à ses côtés le contrebassiste Matt Penman et le batteur Leon Parker.
• Après avoir côtoyé Roy Haynes ou Jimmy Cobb lors de son arrivée à New-York, Omer Avital a développé un tempérament de leader. Après trois ans passés en Israël où il étudie le oud, il s’immerge dans les musiques traditionnelles du Proche-Orient et après avoir fondé Yemen Blues, il dirige plusieurs autres groupes où il mêle le jazz à la musique de ses racines. « Abutbul Music » (2016), « Avital meets Avital » (2017) et « Qantar » (2018), ses trois derniers opus témoignent de la richesse et de la diversité de son inspiration.

… et en 2019, sort « Groove du Jour »

S’il a fallu plus de quinze ans à Ali Jackson, Aaron Goldberg et Omer Avital pour graver « Yes » en 2009, leur premier disque sorti en 2012, les trois musiciens n’ont pas attendu pas aussi longtemps pour envisager leur deuxième album. En effet, riches de leurs origines et de leurs cultures différentes, ils se sont retrouvés en octobre 2018 au studio de Meudon où ils ont enregistré les dix pistes de leur deuxième album, « Groove du Jour » sorti le 11 octobre 2019 chez jazz&people.

Riche de vibrations inspirées et irrigué d’une joyeuse énergie, « Groove du Jour » baigne dans le swing du début à la fin de ses cinquante-neuf minutes. Le jazz de Yes! Trio ne se prend pas la tête et circule avec chaleur entre les trois musiciens.

Au fil des titres

Tradition et modernité font bon ménage sur « Groove du Jour ». Les dix plages sont habitées par un groove dynamique qui ne se dément à aucun moment.

Dès le premier titre composé par Ali Jackson, le décor est posé, on baigne dans un swing qui explose tout au long des marches de cet Escalier que le trio dévale et grimpe joyeusement. Un riff de contrebasse profile une élégante mélodie, la batterie propulse un groove à toute épreuve, le piano chante avec gaieté, Yes! Trio a posé le décor mais beaucoup reste encore à dire.

Le piano entame ensuite un motif musical qui libère C’est Clair et sa chatoyante mélodie composée par Omer Avital. On se prend à fredonner sur les harmonies bluesy et on en vient à marquer le tempo quand le batteur se saisit du tambourin pour accompagner un piano funky soutenu par la solide ligne de basse.

C’est ensuite avec une grande modernité que le trio se réapproprie Dr Jackle, la superbe composition du saxophoniste alto Jackie McLean reprise par Miles Davis sur l’album « Milestones » (1958) avec John Coltrane et Cannonball Adderley. Après un remarquable chorus, le piano éclate de joie sur un tempo bop de fou. La contrebasse voltige avec aisance et sensibilité avant que la batterie ne démontre son savoir et sa réactivité dans un 4/4 explosif.

Plus tard, Yes! Trio pose aussi son empreinte sur I’ll Be Seeing You, la très populaire composition de Samuel Fain. La ballade se teinte d’abord d’une tendre nostalgie avant de gagner en intensité dans la dernière partie que l’on peut sans hésiter qualifier de sublime. Vient alors le temps de se laisser transporter par les échos moyen-orientaux de Muhammad’s Market. La composition d’Omer Avital sonne plutôt funky et sert de tremplin au piano virtuose.

Le trio explore ensuite avec une grande liberté le très rythmique Claqué proposé par Ali Jackson. Sur le battement pulsatile de la batterie et le motif bluesy de la contrebasse, le piano métamorphose le thème de Claqué en un riff entêtant. Sur Tokyo Dream on prend toute la mesure de la virtuosité des trois protagonistes. Le solo inspiré et lyrique d’Omer Avital confirme que le contrebassiste fait partie des grands maîtres de la contrebasse jazz. Très à l’aise sur sa composition, Aaron Golberg truffe son discours de citations et tel un acrobate virtuose se promène avec souplesse sur le clavier et stimule la batterie qui donne le meilleur de lui-même.

Vient alors le moment de se laisser séduire par la fraîcheur de Groove du Jour, le thème d’Ali Jackson qui donne son nom à l’album. Stimulé par une rythmique énergique et en totale cohésion, le piano groove avec décontraction et humour.

A peine le temps de souffler, on est happé par la cadence de batucada que la batterie impulse à Flow. Le thème complexe d’Omer Avital est exposé à vive allure par le piano avant que la contrebasse ne s’envole dans un solo aérien et véloce où l’on capte des clins d’oeil à Giant Steps. Le piano prend la suite et fait circuler le swing à grand flot sur ce morceau d’Omer Avital avant que la batterie ne clôture la piste par un feu d’artifice de samba. On en ressort comme enivré !

L’album se termine par Bed Stuy, une autre composition du contrebassiste. Le piano au jeu éloquent colle au beat qu’impulsent les rythmiciens. Un parfait exemple de l’osmose qui règne au sein du Yes! Trio.

Sans passéisme complaisant, les trois musiciens du Yes! Trio mettent leur technique au service d’un jazz chaleureux qui swingue avec souplesse entre tradition et modernité. Porteur d’énergie, libre et inventif, « Groove du Jour », ne manque pas de nuance et s’écoute jusqu’au bout de la nuit.

Si l’on ne peut que se louer de la qualité de l’enregistrement qui met autant en valeur chacun des trois protagonistes du Yes! Trio il est vraiment tentant d’aller écouter live Ali Jackson (batterie), Aaron Goldberg (piano) et Omer Avital (contrebasse) le 03 décembre 2019 à Paris dans la salle du New Morning dans le cadre du Festival Jazz’N’Klezmer qui propose d’écouter Le Petit Mish-Mash en première partie dès 20h.