Un avant-goût électro funk avec le vigoureux Todolist!

Deux ans après le bluffant « Pas de géant », « Le Tigre » de Camille Bertault va rugir. Sur cet album annoncé pour le 17 avril 2020, la chanteuse laisse exploser son talent de compositrice et d’auteure. Sa voix agile et claire se déploie sur un nuancier qui allie avec subtilité, groove, humour et émotions. Avant de l’écouter à Paris le 27 avril 2020 au New Morning, Camille Bertault déroule une Todolist! à l’énergie vigoureuse et aux échos électro funk. A écouter de toute urgence !

Depuis qu’elle est apparue dans la sphère du jazz, Camille Bertault a suscité admiration, stupeur et questionnement dans le landernau du jazz français. Après « En Vie » (2016) et le bluffant « Pas de Géant » (2018), projet qui a tourné sur les scènes du monde entier, l’interprète, auteure et compositrice a conquis un public qui n’aime rien tant que se laisser surprendre, être étonné et vibrer à l’écoute de ses prestations passionnées bien loin des formats convenus.

Le 17 avril 2020, Camille Bertault fait rugir « Le Tigre » (Sony Music/Okeh), un album qui ravit par ses reliefs. A part un clin d’œil attendri au Prélude N°4 en mi mineur de Chopin qui lui inspire Prélude, une chanson empreinte d’une tendre nostalgie, la chanteuse ne reprend aucun titre du « Real Book », aucun standard de jazz.

L’art singulier de Camille Bertault

Sur « Le Tigre », Camille Bertault laisse libre cours à son inventivité, sa poésie, sa fantaisie. Elle fait confiance à son inspiration et en cela elle a tout à fait raison. Elle déroule les facettes multiformes de son art singulier qui se plaît à jouer avec notes et mots et à déjouer les conventions qui ne s’accordent en rien avec son tempérament expressif et spontané.

Accompagnée par le pianiste Jacky Terrasson, elle propose quatorze titres dont elle a signé arrangements et paroles et composé la musique pour neuf d’entre eux. Autour de Camille Bertault, les fidèles Christophe Minck (contrebasse) et Donald Kontomanou (batterie) sont rejoints par Minino Garaï (percussions), Stéphane Guillaume (clarinette basse, saxophone soprano) et Michael Leohnart (trompette, bugle, cor d’harmonie) aussi engagé dans la production.

Même si sa voix ne se départit pas de ses atouts techniques et virtuoses, Camille Bertault privilégie sur « Le Tigre » une approche vocale subtile et son articulation parfaite permet de saisir et d’apprécier la teneur de ses textes éloquents, poétiques, sensibles ou facétieux. Ainsi se succèdent ballades émouvantes (There’s a Bird, Je vieillis), morceaux au tempo étiré ou élastique (Dream Dream, Tous Ego, A quoi Bon), thèmes aux syncopes dépaysantes (Haiku, Je suis un arbre), titres énergiques (Todolist, Le Tube), plages groovy (Le Tigre, Ma Muse).

L’opus ouvre et se termine avec la tendre Berceuse que la chanteuse interprète en français puis en portugais accompagnée par le subtil jeu du guitariste Diego Figueiro. Deux délices absolus !

Camille Bertault en concert le 27 avril 2017 au New Morning

Avec dans les oreilles le souvenir du concert solaire de Camille Bertault à Ecully, on n’oublie pas que le terrain de jeu où la chanteur excelle est la scène où elle irradie littéralement. Elle théâtralise ses textes, se meut avec aisance. Son chant échappe à la gravitation et sa complicité avec les musiciens lui permet de libérer son art et de jouer avec la musique et la poésie,

On se prépare donc à aller l’écouter à Paris pour le concert de sortie de l’album le 27 avril 2020 au New Morning.

En attendant « Le Tigre » de Camille Bertault

Pour patienter jusqu’en avril et se faire plaisir, on écoute en avant-première Todolist!, un titre de l’album à venir. Une musique énergique dont la rythmique électro funk et les arrangements nerveux donnent aussi à entendre de superbes accents cuivrés et les éclats réverbérés de la voix virevoltante de Camille Bertault. On danse à en perdre haleine pendant l’énoncé de tout ce que la chanteuse prévoir de faire… écrire, donner, se battre, parler, choisir, dormir, sourire, … et l’on ne doute pas qu’elle y parvienne !

Dans « Latins de Jazz », rendez-vous bientôt avec « Le Tigre » de Camille Bertault et une chronique approfondie de cet album délicieux.

Un album jubilatoire et innovant

Après « Feelin’ Pretty » consacré au « West Side Story » de Leonard Bernstein, « Un Poco Loco » revient avec « Ornithologie ». Cette fois, les talentueux Fidel Fourneyron, Geoffroy Gesser et Sébastien Beliah revisitent la musique de l’altiste Charlie Parker. Le défi est un peu fou mais c’est avec brio et fantaisie que les trois musiciens se réapproprient la musique de Bird. Trombone, clarinette/saxophone ténor et contrebasse jouent avec le répertoire de Parker. C’est virtuose, pétillant, jubilatoire et innovant. Une insolente réussite !

Le groupe « Un Poco Loco » réunit trois experts en improvisation, le tromboniste Fidel Fourneyron, le saxophoniste et clarinettiste Geoffroy Gesser et le contrebassiste Sébastien Beliah. Fondé en 2014 par Fidel Fourneyron, le trio a déjà deux albums à son actif, l’album éponyme sorti en 2014 et « Feelin’ Pretty » (2017) qui a consisté en une relecture inventive de « West Side Story » de Leonard Bernstein.

En 2020, pour sa nouvelle création, le trio revient au bebop, forme de jazz inscrite dans son ADN. Avec « Ornithologie » (Umlaut Records/L’autre Distribution) à sortir le 28 février 2020, « Un Poco Loco » réussit un opus vivifiant consacré au répertoire du saxophoniste Charlie Parker, surnommé Bird.

Le graphisme superbe de la couverture de l’album illustre tout à fait le résultat du travail de « Un Poco Loco » sur « Ornithologie ». Superposé au portrait noir et blanc de Charlie Parker, l’oiseau chanteur posé sur un bec de saxophone et les petits volatils aux couleurs éblouissantes posés parmi des herbes et fleurs restituent l’ambiance musicale de l’album… ça virevolte. ça explose, ça vibrionne, ça enchante de bout en bout des treize titres !

Trois ornithologues un peu fous…

Un Poco Loco®Simon Lambert

Comme trois ornithologues de la musique, Fidel Fourneyron (trombone), Geoffroy Gesser (saxophone ténor, clarinette) et Sébastien Beliah (contrebasse) ont étudié (la musique de Bird, cet oiseau rare devenu légendaire pour son chant unique. En effet, sur son saxophone alto, Charlie Parker (1920-1955) a participé à la révolution bop dont il a été l’un des maîtres. Ce sont ses acrobaties véloces, virtuoses et décoiffantes qui lui ont d’ailleurs valu le surnom de Bird.

En 2020, « Un Poco Loco » fait de l’héritage de Parker son nouvel espace de jeu. De manière peu orthodoxe, le trio injecte sa créativité dans le répertoire mythique de Parker auquel il fait écho. Sans nostalgie, « Ornithologie » fait plus qu’entrer en résonance avec le bebop. Loin de trahir ce jazz du XXème siècle, le trio lui insuffle une nouvelle vie et projette les trésors du bop dans le XXIème siècle. « Un Poco Loco » pare le chant de Bird de modernités ludiques qui sonnent comme des évidences. On se demande d’ailleurs pourquoi nul ne l’avait fait auparavant.

Dans ce trio à l’instrumentation atypique qui associe deux instruments mélodiques (trombone et saxophone ténor/clarinette) à une contrebasse, les musiciens développent cet idiome singulier dont ils maîtrisent si bien la syntaxe. Ils élaborent un langage où les improvisations échevelées s’insèrent au sein d’arrangements précis. A trois seulement, les musiciens réalisent la performance inouïe de restituer une dimension orchestrale à la musique, une musique où les mélodies sont comme enchâssées dans une riche texture harmonique et dotées d’une dynamique explosive.

Sous des atours fantaisistes, les trois improvisateurs élaborent en fait une musique savante et insolente. Au final, leur pari a priori un poco loco, est une réussite absolue. En effet, en insufflant un brin d’extravagance et un grain de folie au cœur des morceaux que jouait Bird, « Un Poco Loco » revitalise de manière innovante ces titres légendaires. Ils décomposent puis recomposent les thèmes originaux et au final, il en ressort « Ornithologie », une musique vibrante, irradiée de l’intérieur par une énergie mystérieuse qui la fait apparaître comme lumineuse et rénovée mais fidèle à l’esprit de Bird.

Au fil des titres

Dès la première plage, Shaw’ Nuff, le trio se réapproprie avec subtilité et originalité ce thème sur lequel les soufflants dissèquent la ligne mélodique en fragments musicaux. Après un premier solo d’une souplesse confondante du ténor plutôt profilé West-Coast, le trombone fait preuve d’une exubérante virtuosité. Leur propos se terminent en nappes sonores comme des volutes flottants. Sur Yardbird Suite, le trombone opère une relecture du thème sur un contrechant du ténor puis il articule un solo fluide auquel répond la clarinette délicate.

Sur le tempo élastique qu’impulse la contrebasse, trombone et clarinette exposent à l’unisson le thème d’Anthropology. Dans un même élan, les protagonistes jouent à saute mouton avec la musique mais s’inscrivent tout à fait dans les pas du Bird. C’est ensuite avec un brio véloce et un savoir-faire absolu que le trio ravive la folie et la furie de Salt Peanuts. Sur une ligne de basse incessante et dynamique on perçoit slaps d’anche et glissements de la coulisse du trombone.

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Sur la suite Barbillie’s time, clarinette, trombone et contrebasse se délectent à découper en contrepoint les mélodies de Billies Bounce, Now’s The Time et Barbados et l’on note à ce propos que les musiciens s’amusent autant avec les titres des morceaux qu’avec les notes. Un vrai jeu de cache-cache musical où chaque protagoniste se démultiplie et incarne tour à tour les rôles de mélodiste et de rythmicien. Le trio sonne comme un grand orchestre. Le contraste est frappant avec la version que le trio donne ensuite de Everything Happens To Me qui prend les allures d’une véritable ode à la lenteur. Sonorité attristée du trombone, son boisé et raffiné de la clarinette et profondes notes de la contrebasse font ressurgir les échos des timbres sonores ellingtonniens.

Plus loin, on est cueilli par la relecture inattendue que le trio donne du thème de Charlie Parker, Ah Leu Cha. Extrapolations, clins d’œil, pieds de nez, un travail d’orfèvre étonnant. Les trublions déconstruisent ensuite Okiedoke qu’ils reconstruisent en une version ludique d’une cohérence absolue. Sur un tempo latin, le trombone s’exalte et le ténor bouillonne. Irrésistible !

Un Poco Loco®Simon Lambert

Sur Chasin’ the Bird, soutenus par une solide ligne de basse, clarinette et trombone dialoguent plus tard sur un format proche de la fugue. On retrouve même des réminiscences du solo de Parker. Le trio s’attaque ensuite à Segment dont il propose une version pleine d’humour puis enchaîne Mango Mangue de Machito et Donna Lee crédité à Miles Davis et Charlie Parker. La clarinette papillonnante et le trombone au jeu espiègle s’expriment avec précision tout au long du double titre où ils divaguent sans retenue jusqu’au final qui coupe le souffle et suscite l’envie d’applaudir.

Le répertoire propose ensuite une version élastique de Groovin’ High où les instruments étirent, accélèrent puis ralentissent la mélodie pour mieux la dynamiser, le tout dans le plus pur respect de l’esthétique bop. Sur Blue Bird la dernière plage de l’album, le contraste entre la sonorité ombrageuse de la clarinette et le son rutilant du trombone fait merveille et instaure une atmosphère vibrante et imprégnée d’une profonde mélancolie.

On est transporté de bout en bout des treize plages de l’album « Ornithologie » mais on demeure pourtant en questionnement quant au fait que le trio n’ait pas repris le titre Ornithology enregistré sur l’album éponyme de Parker sorti en 1946.

De Shaw’ Nuff à Blue Bird, « Un Poco Loco » revitalise sans les trahir les morceaux légendaires que jouait Bird.

« Un Poco Loco », ce n’est pas juste un peu fou, c’est avant tout le travail de trois orfèvres qui se réapproprient avec brio et humour la musique de Charlie Parker. Plusieurs concerts se profilent pour retrouver live, Fidel Fourneyron (trombone), Geoffroy Gesser (saxophone ténor, clarinette) et Sébastien Beliah (Sébastien Beliah). RV le 28 février 2020 à Paris à 20h à l’Ateleir du Plateau, le 10 avril 2020 à 20h à L’Etincelle de Rouen. Le 17 avril 2020 à 20h30, Le Silex accueille le trio à Auxerre et « Un Poco Loco » est programmé le 22 mai 2020  à Coutances dans le cadre du festival Jazz sous les Pommiers.

Un jazz ensauvagé à la poésie fauve

Avec « Wild Beasts », le clarinettiste Jean-Marc Foltz et ses trois complices proposent un safari-jazz aux accents félins. Huit tableaux musicaux expressifs constituent les étapes de ce voyage. Par ses audaces, la musique charpentée évoque la liberté de la faune sauvage et comme elle, ne s’embarrasse guère des contraintes. Un jazz ensauvagé paré d’une poésie coloriste.

Après le road-trip andin de « Viracochas » sorti en 2013, le clarinettiste Jean-Marc Foltz est de retour avec « Wild Beasts » (Vision Fugitive/L’Autre Distribution), la suite de son aventure musicale avec le guitariste Philippe Mouratoglou, le contrebassiste Sébastien Boisseau et le batteur Christophe Marguet. Annoncé pour le 28 février 2020 chez Vision Fugitive, l’album présente une musique saisissante où coexistent force et poésie.

Objet précieux pour l’oreille, l’album soigne aussi son esthétique dont l’illustration de la pochette est à porter au crédit du dessinateur Emmanuel Guibert, lauréat 2020 du Grand Prix du Festival International de la bande dessinée d’Angoulême. Gageons que sa réussite soit prédictive de celle de l’album.

Le nouveau projet du clarinettiste Jean-Marc Foltz se présente tel un voyage onirique, un safari musical dans une jungle poétique que les quatre musiciens imaginent à partir des clichés en noir et blanc d’animaux captés dans leur habitat sauvage par l’objectif du photographe Nicolas Bruant.

« Wild beasts », une poésie fauve empreinte de liberté

Wild Beasts©Maxim Francois

Composés par le clarinettiste, les huit titres de l’album « Wild Beasts » donnent à écouter huit tableaux d’un jazz poétique aux couleurs fauves. En feuilletant le livret, on ne peut s’empêcher de faire un parallèle entre la liberté qui habite les huit plages et celle des animaux sauvages dont les superbes clichés en noir et blanc du photographe Nicolas Bruant illustrent le livret.

Par la puissance et les nuances de leur expression, les quatre musiciens, à la fois fauves et poètes, transportent la musique à la confluence de deux dimensions, celle de la culture et celle de la nature. En effet, si la musique reflète la culture des artistes qui lui donnent vie, elle participe aussi à enrichir celle du public qui l’écoute. Par ailleurs, lorsque l’artiste improvise, on peut considérer cette création instantanée comme une forme distanciée des contraintes de l’écriture, une expression spontanée qui opère un retour à la nature d’une musique originelle.

Au fil des titres

Sur un motif répétitif de batterie, la clarinette basse et la guitare installent un décor musical onirique en suspension. Au fil des mesures Run to Live, le morceau se tend et s’électrise. Le solo voltigeur de la clarinette basse plante le décor et entame une course éperdue pour survivre. Plus tard, à l’unisson avec la guitare, la clarinette basse entonne la mélodie au tempo saccadé de Croc. Comme un animal aux aguets, la contrebasse montre les crocs. Soutenu par une batterie bruitiste, elle fait entendre son grondement tellurique avant que la mélodie musclée ne reprenne son cours.

Changement de climat avec le décoiffant Betty Devil. Son écriture contemporaine et ludique inspire la clarinette basse et la guitare dont la connivence est palpable. Absolument magistral !

Wild Beasts©Maxim François

Sur Lions Die Alone, le paysage se fait méditatif. La palette expressive des instruments se colore de nuances alternativement graves ou inquiétantes. La contrebasse vibrante rend le climat poignant et le souffle boisé fait frémir la clarinette au-dessus des cymbales délicates. Peaceful Majesty instaure ensuite un climat contemplatif. Le tandem magique, clarinette-guitare dessinent une fresque subtile qui invite au voyage intérieur et à la méditation.

Après une introduction solo de la clarinette basse, le quartet déroule la mélodie fragmentée et humoristique du titre Hippopotorganum Magnum. Son écoute fait résonner les réminiscences des phrasés d’un certain Eric Dolphy. Plus loin, le chant de la clarinette basse émerge comme une prière de From bear to Fox. En parfaite osmose, les quatre instrumentistes habillent l’espace musical d’une intensité lumineuse quasi spirituelle

L’opus se termine avec Monkey Rag où le quartet invite à une parodie fort réussie de ragtime. Le jeu musical acrobatique, évoque des singes qui sautillerent de branche en branche et la clarinette enflammée libère des sons aux accents fauves et primitifs soutenue par une paire rythmique d’une exceptionnelle inventivité. Le final ludique vaut son pesant d’or et en concert devrait déclencher des tonnerres d’applaudissements.

« Wild Beasts », une proposition musicale originale aux accents fauves qui jongle entre écriture subtile et improvisation picturale. Un jazz libéré des contraintes. Une musique dont la poésie enchante par ses couleurs sauvages. Un album qu’il plaît à écouter encore et encore pour mieux s’en imprégner.

Pour se replonger dans les climats de « Wild Beasts » et retrouver Jean-Marc Foltz (clarinettes), Philippe Mouratoglou (guitare), Sébastien Boisseau (contrebasse) et Christophe Marguet (batterie), RV pour le concert de sortie de l’album à Paris, le 05 mars 2020 au Sunset.

Sans œillères ni dogmatisme

Dans une approche très personnelle, Pierre de Bethmann Trio persiste depuis plus de six ans à explorer des compositions inscrites au patrimoine musical collectif. Après deux premiers albums, le pianiste Pierre de Bethmann, le contrebassiste Sylvain Romano et le batteur Tony Rabeson présentent « Essais/Volume 3 » annoncé pour le 21 février 2020. Sans œillères ni dogmatisme, le trio exerce avec brio son talent dans l’art de la reprise.

Le 21 février 2020, le label Alea sort « Essais/Volume 3 », le troisième opus du Pierre de Bethmann Trio. Après « Essais/Volume 1 » (2015) et « Essais/Volume 2 » (2018), enregistrés exclusivement au piano acoustique, Pierre de Bethmann invite son Fender Rhodes à inscrire sa voix dans l’univers de ce troisième opus.

Sur cet album, le trio continue à explorer des standards issus de traditions musicales différentes. Avec ses complices Sylvain Romano (contrebasse) et Tony Rabeson (batterie), le pianiste Pierre de Bethmann reprend et dépayse huit morceaux venus d’Europe et d’outre-Atlantique, issus du monde de la chanson française et de la pop américaine, de la musique classique et du jazz.

L’univers du trio

En étroite complicité, Pierre de Bethmann, Sylvain Romano et Tony Rabeson cultivent leur univers si personnel. Un univers où complexité et fluidité coexistent sans se faire de l’ombre. Un univers qui accorde une place essentielle à la mélodie mais où les schémas rythmiques et harmoniques proposent des univers aux dynamiques et aux couleurs changeantes. Un univers qui se plait à dépayser les musiques et à surprendre les oreilles.

Sans œillères ni dogmatisme, le trio exerce son talent à cultiver l’art de la reprise. Il utilise comme base de travail, des thèmes issus de traditions musicales différentes, les projette sur des toiles de fond enjazzées et laisse émerger son inspiration qui explose dans des improvisations créatives. Pierre de Bethmann Trio travestit les morceaux au gré de sa sensibilité et de son imagination.

« Essais/Volume 3 »

Enregistré comme les deux précédents volumes au Studio Recall (Pompignan) par Philippe Gaillot, l’album restitue la musique du trio dans une dynamique permettant de capter les interactions et les vibrations complices qui circulent entre les musiciens.

Comme sur les deux autres opus, le répertoire de l’album « Essais/Volume 3 » maintient toujours un savant équilibre entre les différents territoires explorés. Le trio reprend huit morceaux composés entre 1851 et 1984 en Europe ou aux Etats-Unis. Succès la chanson française et de la pop américaine, sonate classique passée à la postérité, standard de jazz avéré ou composition en voie de le devenir.

Au cœur d’un bestiaire incertain, La Cane de Jeanne de Georges Brassens coexiste avec L’Ours de Jean-Loup Longnon. La mélancolie habite l’univers lyrique de la sonate opus 105 de Schumann et celui plus dépouillé du célèbre Que Sera Sera, le fender électrise la soul de Stevie Wonder et le blues de John Scofield, la reprise de Cole Porter pétille de modernité alors que des schémas rythmiques véloces font exploser l’univers de Sam Rivers.

Huit reprises, huit univers

En ouverture, le jeu souple et volubile du Fender Rhodes transforme La Cane de Jeanne de Brassens en un volatile coquin qui se dandine sur une rythmique élastique. Une parodie vivifiante !

C’est ensuite dans le pur respect de l’esthétique chambriste que le trio reprend la Sonate opus 105 de Schumann. Avec une légèreté et une fluidité remarquables, Pierre de Bethmann développe un chorus ancré dans l’art de la fugue où résonnent des échos évocateurs d’un certain Jarrett. Plus loin, fortement imprégnés par la version originale du Cyclic Episode de Sam Rivers de 1965, piano, contrebasse et batterie déroulent avec vélocité, la richesse harmonique et rythmique de ce standard. Il vient l’envie d’applaudir à l’écoute du chorus de batterie qui permet d’apprécier le jeu félin et nerveux de Tony Rabeson.

Plus loin, la contrebasse de Sylvain Romano métamorphose dès l’ouverture la chanson Que Sera, Sera, en une ballade mélancolique et lunaire. Sur un tempo en suspension, le piano charmeur invite ensuite à le suivre dans un songe musical lumineux. Après cette parenthèse radieuse, le trio fait groover Dark Blue de John Scofield. Pas question de blues rugueux. Entre piano et fender, le morceau prend des allures plus sophistiquées et la paire rythmique teinte l’ambiance d’un battement funky. Entre force et douceur, le trio projette des reflets satinés sur les ombres du blues.

Le trio s’empare ensuite de la composition de Cole Porter, Easy to Love. Soutenue par les accords pointillistes du fender, la contrebasse éloquente détourne le morceau hors des sentiers battus. Surgit alors l’Inattendu incarné par un chorus de piano qui coule avec aisance et pétille de swing sur lequel rebondit la batterie inspirée.

Sur L’Ours, conte symphonique écrit par le trompettiste Jean-Loup Longnon, le trio adopte la forme d’une ballade au climat énigmatique. Le minimalisme est de mise avec un solo de contrebasse confidentiel et une batterie qui peint des volutes à la pointe de ses balais. C’est dans un style soul soft que, fender en tête, le trio reprend le célèbre I Can’t Help It de Stevie Wonder… et l’on se prend à esquisser un pas de danse élégant sur le dernier titre de cet album que l’on s’empresse aussitôt de remettre sur la platine.

Avis aux amateurs… après le Volume 3 des Essais de Pierre de Bethmann Trio, le label Alea devrait proposer le Volume 4 dans le courant de l’année 2020. En effet, la session d’enregistrement a été si féconde qu’elle permet d’envisager la sortie de deux albums, et de cela nul ne se plaindra.

Pour se replonger dans l’univers de « Essais/Volume 3 », plusieurs concerts se profilent. RV le 14 février 2020 à 20h30 au Théâtre de Coutances, le 06 mars 2020 à Reims au Café du Palais, le 27 mars 2020 à 21h au Crescent de Mâcon et le 28 mars 2020 à Toulouse, salle Le Taquin. Sans oublier les concerts de sortie de l’album qui se dérouleront les 13 & 14 mars 2020 à 21h30 au Sunside à Paris dans le cadre des Rendez-Vous mensuels de Pierre de Bethmann au Sunside.

Fusion musicale sensible

Robin McKelle présente « Alterations », un huitième album consacré à la reprise de chansons popularisées par des artistes féminines. Sa démarche s’inscrit dans l’histoire du jazz où les standards réinterprétés à l’envi n’en finissent pas d’être recréés. Dans cette dynamique, la chanteuse modifie le cadre originel des morceaux, son chant revisite le contexte musical et les titres prennent de nouvelles couleurs. Avec musicalité et sensibilité, elle fusionne de nombreux genres dans sa musique. Une belle réussite !

Après « Melodic Canvas » (2018) à l’esthétique acoustique et plutôt minimaliste, la chanteuse Robin McKelle revient en force avec « Alterations » (Membran/Sony), un opus qui redonne vie à des reprises de chansons inscrites dans la mémoire collective par des interprètes féminines. Enregistré à New-York avec une équipe de musiciens accomplis, l’album est annoncé pour le 14 février 2020.

Dans son acception la plus générale, le terme alteration est associé à l’idée de changement, de modification. Dans le langage musical, une altération augmente ou diminue une note d’un demi-ton. En nommant son album « Alteration », Robin McKelle annonce ainsi clairement que sa démarche procède de cette logique de variation. En effet, elle sort les chansons de leur cadre habituel, en modifie la forme et leur donne un nouveau corps via un habillage musical différent tout en respectant le cristal de leur essence originelle principalement sous-tendu par le texte.

Aux neuf chansons dont les années d’origine s’étalent entre 1956 et 2011, Robin McKelle ajoute Head High, une superbe composition personnelle qui honore la mémoire de ces artistes.

« Alterations est un hommage à ces femmes qui ont changé ma vie… à des chansons qui m’ont fait trembler. Il m’a fallu un immense courage pour rendre miennes les sculptures sonores parfaites de ces artistes que j’admire autant pour leur musique que pour leur parcours. Poser mon empreinte sur celle laissée par Amy Winehouse ou Joni Mitchell n’aurait pas été possible avant… ». Robin McKelle

« Alterations » met en valeur les chansons de différents genres, de diverses époques qu’ont popularisé des femmes célèbres de Billie Holiday à Amy Winehouse, en passant par Dolly Parton, Janis Joplin, Sade, Carole King, Adele et Lana Del Rey. Par la force et la grâce de sa voix de contralto, tantôt suave et sensible, tantôt rugueuse et éraillée mais toujours fort expressive, Robin McKelle décontextualise les morceaux de leur cadre d’origine et les restitue dans un idiome musical sensible qui fusionne jazz, soul, rythm’n blues, blues et rock.

De « Introducing Robin McKelle » à « Alterations »

De 2006 à 2018, huit albums

Robin McKelle@Frank Bullitt

Née à Rochester aux Etats-Unis en 1976, Robin McKelle a étudié le jazz à l’Université de Miami puis au Berklee College of Music de Boston d’où elle sort diplômée. Elle entame ensuite sa carrière comme pianiste et choriste au début des années 2000. En 2004 elle est récompensée du troisième prix du concours Thelonious Monk Jazz Competition de Washington. Elle intègre alors le Boston Pops Orchestra comme soliste.

Après un album auto-produit « Never Let Me Go » (2000), la chanteuse enregistre « Introducing Robin McKelle » (2006) et « Modern Antique » (2008), ses deux premiers albums où elle reprend des standards de jazz et de rythm’n blues des années 40 et se produit accompagnée par un big band. Après « Mess Around » (2010) entre rythm’n blues, jazz et soul, elle sort avec son sextet The Flystones « Soul Flower » (2012) et « Heart Of Memphis » (2014), deux albums imprégnés d’influences soul et funk puis « Merry Christmas Vol 1 » (2014), un EP de trois titres consacrés aux chants de Noël.

C’est ensuite la sortie de « The Looking Glass » (2016), un opus aux échos raffinés de pop-soul-jazz et « Melodic Canvas » (2018) un album plus intime où jazz et soul cohabitent.

En 2020, « Alterations »

Dans un premier temps, Robin McKelle a sélectionné deux cents chansons puis par élimination a retenu neuf titres auxquels elle ajoute Head High, une composition personnelle.

Elle enregistre l’album « Alterations » à New-York avec un quartet de musiciens accomplis qui réunit le pianiste américain Shedrick Mitchell, aussi à l’orgue et au Fender Rhodes, le bassiste Richie Goods, ancien élève de Ron Carter et Ray Brown, le batteur Charles Haynes présent aux côtés de Lady Gaga ou Kanye West mais aussi immergé dans le jazz et le guitariste Nir Felder, qu’on a vu s’aventurer sur les territoires d’Esperanza Spalding, Jack DeJohnette ou Meshell Ndegeocello. Le groupe est renforcé par le saxophoniste ténor Keith Loftis qui les rejoint sur Head High et le trompettiste Marquis Hill sur Born to die.

Chaque plage propose un univers différent et pourtant l’ambiance globale de l’album restitue une impression d’unité, de cohérence. Cet état de fait résulte en grande partie de la qualité des arrangements qui assurent une sorte de continuum dans la musique, qu’il s’agisse de jazz, de soul, de rythm’n blues ou de blues. Ainsi les transitions d’un titre à un autre s’opèrent avec un grand naturel et dans une continuité qui évite tout télescopage esthétique. Au final, le plaisir de l’écoute est constant.

Au fil des titres

On se laisse convaincre par l’expressivité poignante de la voix de Robin McKelle sur Back to Back d’Amy Winehouse. Elle transforme la chanson d’amour en une mélodie mélancolique aux couleurs afro-latines. La voix se love entre orgue, percussions et cymbales, exit la noirceur, place à une lumière feutrée. C’est ensuite un lifting délicat que la chanteuse réserve au tube Rolling In The Deep qu’interprétait Adele. Gorgée d’énergie, la voix se promène entre soul et jazz et le court chorus bluesy de la guitare est exaltant.

Avec sa composition, Head High, on plonge dans l’idiome hard bop. La voix groovy et pétillante évoque le souvenir de Betty Carter, le ténor se fait impétueux et le morceau devient frénétique à souhait. Un pur moment de bonheur !

Hommage sensible à Billy Holiday, Don’t Explain développe un chant gorgé d’affliction dont la dimension dramatique rejoint celle du titre original. L’arrangement musical subtil, le solo inspiré de contrebasse et les chœurs qui doublent le chant ajoutent à la dimension intime de ce morceau. Plus tard c’est une relecture sentimentale que la chanteuse donne de la romance pop Born To Die qu’a chanté Lana Del Re. La trompette bouchée magnifie la douceur exquise de cette ballade que délivre la voix suave aux mille nuances.

Plus loin, Robin McKelle insuffle un groove funk et galvanisant au thème qu’interprétait Dolly Parton. Jolene se trouve ainsi métamorphosé et électrisé par les soli des instrumentistes et la voix rocailleuse qu’adopte la chanteuse. Imprégnée d’une forte charge émotionnelle, la voix rafraîchit ensuite River, la composition de Joni Mitchell qu’illumine un chorus de guitare inspiré et touchant. Plus tard, sur la chanson de Sade, No Ordinary Love, le chant alterne  entre ballade et accents latins alors que le solo tendu de la guitare pousse le morceau et la voix vers une transe irrésistible.

Mercedes Benz, l’hymne solo que proclamait Janis Joplin, devient un cantique aux accents de gospel. La voix déchirante de Robin McKelle inspire à la guitare une intervention blues-rock qui enflamme les tympans. Une version intense et profondément soul à réécouter en boucle. L’album se termine par un duo sensible entre la voix et le piano qui reprennent la chanson de Carole King, You’ve Got A Friend.

Libre à chacun(e) de préférer les versions originales mais nul(le) ne peut dénier à Robin McKelle de s’être approprié de manière très personnelle ces succès  internationaux qu’elle a repris avec brio. Sa voix souple et sensible pose avec légèreté et détermination des accents jazz, soul ou blues sur ces chansons populaires qu’elle habille de nouvelles couleurs et interprète avec un talent infini.

Pour s’immerger dans l’univers musical de l’album « Alterations » et retrouver Robin McKelle, plusieurs concerts se profilent. RV le 05 mars 2020 au Théâtre de Cambrai, le 07 mars 2020 à Dreux dans le cadre de Jazz de Mars, le 13 mars 2020 à Wissous au St-Ex, le 14 mars 2020 à Montbrison au Théâtre des Pénitents, les 16 & 17 mars 2020 à Paris au New Morning, le 26 mars 2020 dans le cadre du festival de Jazz International de Megève, le 15 avril 2020 à Colmar, salle des Catherinettes et le 20 mai 2020 au Théâtre National de Nice. ICI pour consulter l’ensemble des dates de concert.