Une musique captivante au climat apaisant

Le 16 février 2017, le concert de Basel Rajoub a instauré un climat de paix et de sérénité dans le Théâtre de Vienne. Forts d’un héritage culturel étoffé et d’une maîtrise des instruments orientaux et occidentaux, Basel Rajoub et les musiciens du « Soriana Project » ont offert à l’auditoire une musique mélodieuse et aérienne.

Organisé dans le cadre de la « Saison 2016/17 Jazz à Vienne », le concert de Basel Rajoub du 16 février 2017 est annoncé comme une musique lumineuse traversée par la tradition moyen-orientale et la liberté du jazz. Bouleversé par le propos musical singulier de l’album « The Queen of Turquoise » sorti chez Jazz Village le 13 mai 2016, on attend  avec grand intérêt de découvrir la dimension scénique de cette musique fascinante.

Le concert de Basel Rajoub débute en trio. A gauche de la scène, le très concentré Feras Sherastan au qanûn, cette cithare en bois en forme de trapèze dont il est soliste virtuose au sein du Qatar Philharmonic Orchestra et du Syrian National Symphony Orchestra. Sur le côté droit lui fait face le souriant percussionniste Andrea Piccionni et ses tambourins. Au centre, Basel Rajoub embouche à tour de rôle le duclar, cet instrument traditionnel en bois qui ne possède qu’une octave, le saxophone soprano et le saxophone ténor. Il manifeste le souci de faire priorité à la musique et prend la parole uniquement pour présenter ses musiciens, en début et fin de concert. Après cinq morceaux le trio invite la chanteuse Lynn Adib qui les rejoint sur trois titres et un rappel.

Attentifs, les artistes développent une écoute de chaque instant qui leur permet de réagir au juste moment et de construire des interactions souples et nuancées. Les instrumentistes virtuoses maîtrisent les instruments, les rythmes et modes moyen-orientaux mais parviennent à dépasser la technique pour proposer au public une musique accessible.

Mise en place précise, énergie maîtrisée, complicité extrême, richesse des timbres. Un voyage magique entre tradition orientale et modernité des improvisations.

Chaque morceau développe un climat particulier. Du qanûn de Feras Sherastan s’élèvent des mélodies aux notes cristallines qui invitent le saxophone à propulser son chant dans les médiums puis à s’épaissir et enfler, soutenu par la percussion. Avec élégance et précision Andrea Piccionni caresse les tambourins plus qu’il ne les frappe. Rythmique autant que mélodique le percussionniste fait pleurer la peau des tambours. A l’issue d’un solo sensible et bouleversant il ouvre tous les possibles à ses deux complices qui croisent leurs chants inspirés. Au-dessus des harmonies développées par le qanûn plane le souffle du saxophone.

Lors d’un autre morceau, qanûn et saxophone ténor exposent le thème à l’unisson puis en fond de scène, loin des micros, le saxophone de Basel Rajoub entonne un chant sourd qui tranche avec la clarté de la sonorité des cordes pincées. Le paysage musical évolue, entre son et souffle s’élève la plainte du saxophone au-dessus de la percussion dont le rythme reproduit l’écoulement du temps. Le souffle s’assombrit mais l’espoir renait et le son redevient lumière. Il flotte comme un parfum de jasmin sur le public qui suspend sa respiration. Le saxophoniste passe du soprano au ténor pour revenir au duclar mais conserve sur tous les instruments un son sensible, boisé et chaud qui rappelle parfois celui du duduk.

Avec l’arrivée de la chanteuse Lynn Adib, le quartet interprète une Prière pour la Vierge Marie. Un chant lumineux comme une offrande au monde qui souffre. Le chant limpide de la voix s’unit aux notes pures du qanûm. Les visages des musiciens s’illuminent. Après cette parenthèse calme et recueillie, le quartet interprète un morceau qui évoque le vol d’un Pigeon chargé de porter le rameau de paix à la Syrie. La voix fragile et les instruments mêlent leurs timbres. Porté par le son boisé du duclar, l’oiseau chevauche le vent en quête de la lumière des cieux. Le frais murmure vocal plane au-dessus du lead léger des cordes pincées soutenu par les percussions délicates. On a vu planer un rameau d’olivier au-dessus de Damas.

Empreinte de gravité la musique du concert de Basel Rajoub, Feras Sherastan, Andrea Piccionni et Lynn Adib captive de bout en bout. Envoûtante et lyrique elle respire, apaise et instaure un climat propice au recueillement. Sensible et mélodieuse elle est comme un pont tendu entre deux mondes musicaux, entre Moyen-Orient et Occident, entre l’idiome de la tradition et la liberté du jazz.

Le temps d’un concert les musiciens sont parvenus à transporter le public dans la musique et l’esthétique du « Soriana Project » dont on attend avec impatience les prochains développements.

Accueil triomphal du concert « Tribute to Fela Kuti »

Le samedi 11 février à 20h30, le grand Auditorium de Musée des Confluences affiche complet pour « A tribute to Fela Kuti », la création de Sangoma Everett consacrée à Fela Kuti. Le spectacle festif, énergique et généreux a été accueilli avec enthousiasme par un public déchainé.

Devant l’affluence suscitée par l’annonce de cet hommage musical rendu à Fela Kuti par Sangoma Everett au terme de sa résidence, le Musée des Confluences a même proposé un concert supplémentaire le vendredi 10 février à 12h 30 qui a lui aussi fortement mobilisé les amateurs.

On connait le goût de Sangoma Everett pour les projets et les aventures musicales dans lesquelles il s’investit avec passion et réussite. Cette fois encore le projet du batteur originaire de Virginie et installé à Lyon depuis longtemps est ambitieux. Pour cet hommage à Fela Kuti, le roi de l’Afrobeat, héros du peuple africain pour sa résistance à l’oppression coloniale et à la corruption, Sangoma Everett a réuni autour de lui dix musiciens talentueux aux origines diverses et trois choristes. Il s’est aussi adjoint la collaboration de Philippe Maniez dont les arrangements et la direction souple et efficace ont pour beaucoup contribué à la réussite du projet.

Le concert du 11 février ouvre à 20h30 devant une salle comble avec une démonstration de percussion offerte par Sangoma Everett, Edmundo Carneiro et Dele Sosimi sur un tambour des Collections du Musée des Confluences. Après cette introduction l’orchestre au grand complet gagne la scène. Les musiciens des différents pays d’Afrique sont parés de costumes colorés ainsi que les choristes. La salle retient son souffle.

Le chanteur Sahr Ngaujah, celui-là même qui a obtenu un Viv Award en 2008 pour son interprétation de Fela Kuti dans la comédie musicale « Fela ! » s’investit avec grande conviction dans l’hommage rendu ce 11 février sur la scène du Grand Auditorium du Musée des Confluences. Tout de jaune vêtu, le chanteur danse et chante avec énergie.

Sa prestation généreuse dégage une dynamique contagieuse qui gagne la scène et la salle. En effet, très vite le public participatif répond à ses sollicitations avec force spontanéité. L’ambiance monte dans la salle.

Sur les gradins, toutes et tous se lèvent, vibrent, dansent, chantent et oublient vitre les sièges pourtant confortables de cet auditorium très accueillant. Après avoir évoqué la personnalité et le rôle clef de Fela Kuti en tout début de spectacle, Sahr Ngaujah assume son rôle avec un professionnalisme hors pair. Sa présence scénique charismatique dénuée de tout cabotinage est totalement dévolue à la musique et participe à  la réussite du spectacle. Il demeure investi même durant les « intermèdes » pourtant assez éloignés des propos musicaux de l’Afrobeat.

Le spectacle se déroule dans une ambiance de liesse inouïe. Les rythmiciens se déchaînent, le climat est torride même s’il ne déclenche pas la transe propre à l’Afrobeat. Dans la trame « africaine » du spectacle, Sangoma Everett a incrusté des « Intermèdes » qui tranchent avec l’énergie du spectacle et apportent des respirations singulières mais bienvenues.

Intimiste et sensible en fond de scène, le duo entre Bastien Brison, le pianiste du Sangoma Everett trio et le talentueux harmoniciste Olivier Ker Ourio. Comme une pépite de jazz inattendue advient une interprétation recueillie du thème John Coltrane écrit par Bill Lee. Une formation réduite, Sangoma Everett (batterie), Felix Manuaku et Karim Addadi (guitares) et Mamadou Ba (basse), accompagne le saxophoniste ténor Ganesh Geymeier. De son instrument s’élève une incantation méditative empreinte de sérénité. Le chanteur Sahr Ngaujah  mêle sa voix à la plainte du saxophone. Un instant magique de spiritualité.

Durant les deux heures du concert le plaisir des musiciens est perceptible. Le percussionniste Edmundo Carneiro tient le rythme avec vigueur. Maillon actif dans la transmission de l’héritage de Fela Kuti, le claviériste Dele Sosimi témoigne une attention continue au déroulement du spectacle. Tantôt hiératique dans sa tenue traditionnelle derrière les claviers, tantôt impliqué dans les mouvements scéniques débridés auxquels il participe.

Malgré leur soutien énergique, les interventions des choristes manquent un peu de puissance face au déchainement de la section rythmique. La section des instruments à vent constituée par les talentueux Alain Vankenhove (trompette) et Ganesh Geymeier (saxophone ténor) aurait gagné à être étoffée par d’autres instruments (trombone ou saxophone baryton) qui auraient cuivré l’atmosphère face à une section rythmique très dense, ce que n’a pu faire l’harmonica d’Olivier Ker Ourio dont on a pourtant apprécié les interventions précieuses et délicates.

Visiblement très ému par l’accueil du public et l’enthousiasme des musiciens, Sangoma Everett a gagné son pari et réussi ce nouveau projet qui lui tient tant à cœur. Il a su convaincre et honorer ainsi le grand Fela Kuti en donnant toute l’ampleur requise à sa musique. Le spectacle a justifié son titre « A tribute to Fela Kuti & His Shinning Fearlessness », un hommage chaleureux et énergique à Fela Kuti rendu par un orchestre intrépide et lumineux. Longue vie à ce projet !

« O.S.L.O. », du Jazz Ouvert, Solide, Libre & Orchestral

Le « Saint-Fons Jazz Festival » a terminé sa 18ème édition en beauté, avec la création du « Ouch! Synthesis Liberty Ørchestra ». Tous les accents du jazz se retrouvent et brossent un arc-en-ciel musical chevauché par les cinq musiciens du Label Ouch! Records.

Le 27 janvier en seconde partie de la soirée de clôture du « Saint-Fons Jazz Festival#18 » c’est « O.S.L.O » qui se présente sur scène avec Lionel Martin (saxophones ténor et soprano), Louis Sclavis (clarinette et clarinette basse), Mario Stanchev (piano), Damien Cluzel (guitare), Ramon Lopez (batterie).

Décidément, Lionel Martin, le créateur du Label Ouch! Records accumule les belles idées. D’abord, créer en 2016 un label exclusivement dédié aux vinyles avec aujourd’hui cinq albums à son catalogue dont le dernier « Madness Tenors-Be Jazz For Jazz » sorti le 27 janvier 2017. Ensuite rééditer un album épuisé de Louis Sclavis, le fameux « Ellington on the Air ». Enfin réunir une sorte de all-stars du label sous l’appellation « Ouch! Synthesis Liberty Ørchestra » et engager ce quintet de personnalités marquantes dans une création qui tenait du défi. En définitive on peut parler de réussite sur toute la ligne.

Indéniablement les musiciens « O.S.L.O » se connaissent et pour la plupart ont eu l’occasion de travailler ensemble mais les idiomes qu’ils explorent différent quelque peu. Par contre tous ces protagonistes sont impliqués dans la création musicale avec laquelle ils entretiennent une relation très forte. Esprits ouverts et curieux, créatifs et attentifs, ils œuvrent tous pour une musique libre et c’est bien là leur point commun.

Le concert débute avec Nobody’s Perfect, une composition de Mario Stanchev gravée sur le dernier album du label « Madness Tenors-Be Jazz For Jazz » et les musiciens font mentir le titre du thème. Ça tourne parfaitement, même si on sent les musiciens très concentrés. Pour le second morceau la musique regarde du côté de Louis Moreau Gottschalk, avec la Marche des Gibaros enregistré sur « Jazz Before Jazz ». le groupe a trouvé ses marques. Les écritures des thèmes diffèrent mais la texture musicale prend sa forme et sa couleur. L’interprétation du groupe se démarque de celle des albums.

Arrive alors la magnifique Suite proposée et écrite par Louis Sclavis. Inscrite dans l’esthétique très libre de ce musicien hors pair, le thème compte trois mouvements dont le second cultive particulièrement l’énergie. Dans la troisième partie de la suite, clarinette en si bémol et saxophone soprano devisent avec aisance et complicité, soutenus avec souplesse par la batterie dont Ramon Lopez use comme d’une percussion, faisant alterner des passages rythmiques et des moments empreints de douceur mélodiques. Il se saisit d’expressions des soufflants dont il capte l’essence et s’évade alors dans des improvisations qui semblent le combler de bonheur. Le concert est sous contrôle, plus de doute, « O.S.L.O » a trouvé son idiome.

Après ce voyage dans l’univers de la musique improvisée, Mario Stanchev entraîne « O.S.L.O » dans son monde avec son magnifique Portrait en deux couleurs, écrit comme un hommage à Duke Ellington et Billy Straihorn. Inspiré, il a capté la quintessence et les couleurs de ces deux maîtres du piano et de la composition. Porté par le groupe, il donne alors à entendre son expressivité la plus sensible sur ce clavier qu’il utilise comme un pinceau pour dessiner un moment d’intense émotion où le silence respire.

Après cette escale romantique, le voyage continue dans les univers musicaux et voici venir les couleurs familières du groupe uKanDanZ de Lionel Martin et Damien Cluzel. Là encore, même si l’on reconnaît Awo, le thème écrit par Lionel Martin, une fois encore la musique se dépayse. Elle quitte les sentiers incandescents foulés par uKanDanZ tout en respectant l’esprit de l’écriture originale et le thème se transfigure.

Damien Cluzel arpente la scène comme chaussé d’escarpins et parcours son manche tout en retenue. Pourtant il conserve ce groove qui est sa marque de fabrique mais insuffle une tonalité plus blues que rock. On pense à Marc Ribot. Au saxophone ténor, Lionel Martin maîtrise son énergie et donne à entendre une sonorité, des inflexions et des attaques qui ne sont pas sans évoquer celles d’un certain Rollins des années 60. L’entente des deux compères reste entière.

« O.S.L.O » termine le concert avec un thème de Mario Stanchev, Hymne, comme un hymne à la liberté qu’on aurait envie de baptiser Ouch! Hymn. Le public conquis en redemande et les musiciens reviennent interpréter Sema, un titre emblématique du répertoire d’uKanDanZ. La solide trame orchestrale fait circuler l’énergie et le voyage musical se termine en beauté.

Avant de quitter le scène Louis Sclavis affirme encore une fois son engagement pour une musique libre de toute entrave. Il réfute les assertions des décideurs qui font passer l’art sous les fourches caudines de l’économie et de la politique.

Au service de la musique le groupe « O.S.L.O. » a trouvé son identité. Tour à tour, chaque musicien occupe l’espace sans jamais le monopoliser. Clarinettes et saxophones s’expriment en totale complémentarité. Piano et guitares unissent leurs cordes. La batterie-percussion capte tour à tour les échos de chaque instruments et comme un sampler les utilise pour construire ses mélodies rythmiques. Le groupe « O.S.L.O. » synthétise de nombreuses facettes du jazz et construit le sien dont les couleurs arc-en-ciel émerveillent.

On ne peut que se féliciter d’avoir assisté à la naissance d’une identité musicale singulière, celle du groupe « O.S.L.O ». Du coup on se prend à espérer d’écouter prochainement son jazz Ouvert, Libre, Solide & Orchestral.