Au-delà du jazz… l’art du trio en toute liberté

« Princess », un chant à trois voix. Le projet collectif de trois musiciens, Stephan Oliva, Susanne Abbuehl et Øyvind Hegg-Lunde. Un souffle vocal irradié de grâce, un piano intimiste, une percussion en suspension pour un hommage à Jimmy Giuffre. La musique poétique, aérienne et éthérée d’un trio princier.

Sorti le 31 mars 2017, l’album « Princess » (Vision Fugitive/L’Autre Distribution) propose un moment hors du temps pour oublier les musiques formatées, les étalages techniques et les excès de sensibleries outrancières. Des broderies musicales projetées en clair-obscur sur un voile crépusculaire.

« Princess ». Comme un souffle d’air, la voix irréelle de Susanne Abbuehl flotte en apesanteur sur les accords magiques du piano de Stephan Oliva et les subtils accents de la batterie de Øyvind Hegg-Lunde. A travers leurs interventions délicates et nuancées les musiciens libèrent la voix du silence.

« … le clarinettiste Jimmy Giuffre fut un de ces hommes de l’ombre qui …. a chamboulé en profondeur la nature même des musiques improvisées. … en se passant de batterie dans son trio historique » … « Il a ouvert la voie à une toute nouvelle syntaxe jazzistique » - Gilles Tordjman

En se passant de basse, le trio Oliva/Abbuehl/Hegg-Lunde pratique aussi une musique allégée des contraintes rythmiques et harmoniques. La liberté advient et tout devient possible en termes d’expansion pour les instrumentistes. La voix pure de la chanteuse égrène les paroles des poèmes sur le tapis de velours que déroulent les accords harmonieux du pianiste. Abreuvées des harmonies subtiles libérées par le piano, les paroles respirent et sont portées par l’accompagnement minimaliste et sensible des percussions.

Libérée des dominations rythmique, mélodique et harmonique, la musique vit telle qu’en elle-même, réduite à l’essentiel de sa nature. Sur cet album on ne peut parler d’instrumentistes qui accompagneraient une chanteuse. Il s’agit d’un compagnonnage musical qui libère de manière équitable l’expression de chacun des interprètes et favorise les interactions. Complices, les trois musiciens proposent onze titres et sculptent une musique immatérielle, fragile, sensible et profonde comme une source de sérénité.

Suzanne Abbuehl a écrit des paroles sur quatre compositions de Jimmy Giuffre dont Princess qui donne son titre à l’album, sur Great Bird de Keith Jarrett et sur deux compositions originales de Stefan Oliva. Au milieu du répertoire, vibre Desireless/Mopti de Don Cherry avec une trame rythmique plus variée que sur les autres titres.

Sur Trance de Jimmy Giuffre le duo piano-percussion/batterie explore et tente d’exprimer l’indicible. En 1’45 d’introspection profonde, Stephan Oliva interprète seul le thème Jimmy qu’il a composé en hommage au clarinettiste.

On se loue que le trio ait eu la magnifique idée d’enregistrer What a Wonderful World de Bob Thiele et George David Weiss. Les trois interprètes sensibles et inspirés en donnent version inoubliable, aussi légère que l’hélium et transparente comme le cristal.

Susanne Abbuehl assume l’héritage historique de Jeanne Lee avec laquelle elle a étudié. On observe en outre que Jeanne Lee se produisait souvent en duo avec Ran Blake, pianiste que Stephan Oliva apprécie lui aussi. On note avec intérêt la liberté que le label ECM a octroyée à la chanteuse qui a déjà gravé trois albums sous le label allemand avec lequel elle collabore (« April » en 2001 en quartet sans contrebasse, « Compass » en 2006 en quintet sans contrebasse, « The gift » en quartet sans contrebasse » en 2013).

La pureté et la sensibilité de la musique de l’album « Princess » tient pour beaucoup aux talents des trois interprètes mais il convient de saluer encore une fois les Studios La Buissonne de Pernes les Fontaines où l’album a été enregistré au printemps 2016 par Gérard De Haro et masterisé en été 2016 par Nicolas Bailard. On se loue aussi de la qualité de l’objet « album » avec un visuel et un livret de 40 pages illustré par Emmanuel Guibert.

Pour écouter le trio Stephan Oliva / Susanne Abbuehl / Øyvind Hegg-Lunde et savourer le répertoire de « Princess » en concert, deux options se profilent. Le jeudi 11 mai au Festival Jazz in Arles à 20h30 la Chapelle Saint-Martin du Méjan ou le vendredi 12 mai à Paris au Duc des Lombards, soit à 19h30, soit à 21h30.

Tempo implacable, swing et ballades… ça groove

China Moses traverse les territoires de la nuit sur « Nightintales ». Sa voix chaleureuse et son énergie convoquent des ambiances nocturnes. La chanteuse raconte une histoire passionnante où se télescopent le blues, le R&B, la soul et la pop. Un jazz nuancé très personnel qui met en lumière ses compositions et son nouvel univers.

Avec son nouvel album « Nightintales » (MPS/Pias) annoncé pour le 31 mars 2017, China Moses engage sa carrière sur une trajectoire nouvelle. Après un premier album en 1997, « China », où s’invite le hip-hop, après avoir exploré le R&B ainsi que les standards du Great American Songbook, la chanteuse investit avec brio en 2008 le répertoire de Dinah Washington sur « This One’s for Dinah ». En 2012 elle mêle ensuite avec talent blues, jazz et pop sur « Crazy Blues ». Après un tel parcours, on savait que China Moses était une chanteuse de standards de jazz et de blues avec laquelle il fallait compter.

Aujourd’hui China Moses creuse son sillon. Sur « Nightintales » elle s’affranchit de l’héritage des grandes voix du jazz pour enfin s’aventurer sur sa propre voie. Le résultat est enthousiasmant. China Moses s’invente un univers très personnel ancré dans les musiques qui groovent. Avec énergie et fraîcheur, elle interprète ses propres compositions. Sa chaude voix de contralto glisse sur des ballades somptueuses ou se déchaîne avec passion sur des rythmes énergiques pleins de syncopes.

De sa mère, la célèbre chanteuse de jazz Dee Dee Bridgewater, China Moses a hérité l’énergie et le swing puissant qui habite son nouveau projet. Elle a repris de son père, Gilbert Moses, metteur en scène américain de théâtre, de cinéma et de télévision, la capacité à projeter un scénario musical pour conter une histoire.

Les compositions écrites et composées par China Moses et Anthony Marshall ont été enregistrées à Londres au Snap Studios en cinq jours avec des musiciens anglais. Une grande complicité lie la chanteuse et le musicien-producteur du disque issu du R&B, du hip-hop et du gospel. Ils se connaissent musicalement depuis plus de 10 ans et ont déjà travaillé sur le 3ème album de China Moses. « Nightintales » né quasiment en temps réel sous la direction d’Anthony Marshall, restitue un vrai son « à l’anglaise » teinté de soul, de jazz et de blues et révèle l’ADN musical de la chanteuse.

China Moses (chant) et Anthony Marshall (guitare, vibraphone, chant) ont enregistré l’album avec Luke Smith (piano, orgue), Neville « Level » Malcolm (contrebasse), Jerry Brown (batterie), Luigi Grasso (sax alto), Rob Sell (sax baryton et alto), Tom Walsh (trompette), Patrick Hayes (trombone), Sovra Wilson-Dickson et Tadasuke Iijima (violon) et Gregory Dugan (violoncelle).

Les climats des titres se suivent et ne se ressemblent pas même s’ils participent d’un ensemble très cohérent. Des instants méditatifs avec la section de cordes, des moments malicieux, du swing effréné, des espaces de mélancolie, de l’énergie débridée. En fait, les onze titres de « Nightintales » ressemblent à s’y méprendre à la vraie vie.

China Moses nous met en garde, il faut se méfier des aventures de la nuit… Watch out, car il va falloir de l’énergie… Running, pour vivre ses passions… Put it on The line, sans perdre le fil… Disconnected, on succombe au swing de l’adultère… Blame Jerry,  aux addictions diverses… Nicotine, y compris à l’intoxication amoureuse… Hungover, vécue jusqu’à sa fin amère… Whatever, avec toujours en ligne de mire le risque de craquer… Breaking Point, pour finir par se retrouver et repartir pour une autre nuit et… Running de nouveau

« Nightintales »… China Moses narre et projette en images musicales les contes d’une nuit. La chanteuse promène son regard, ses oreilles et sa voix sur le monde qu’elle traverse. Sa musique donne vie à des aventures nocturnes et l’on sent vivre, respirer, aimer, courir, souffrir et espérer des personnages qui vivent dans les lieux d’une ville propice aux rencontres mais aussi à la solitude et à la mélancolie. 

« Nightintales ». La passion d’une chanteuse déterminée à prendre sa place dans le territoire d’un jazz vivant, maîtrisé et nuancé. Une musique fraîche, énergique, souple et captivante. Du swing, du groove, de l’humour, de la sensualité et de l’émotion avec un menu musical alléchant. Onze titres pétillants entre deep soul, blues, cool jazz et R&B rythmé qui s’autorise même un clin d’oeil vers une pop souriante. Un album plein de nuances qui respire la passion.

Ecouter « Nightintales » donne envie de bouger avec la musique et de découvrir le projet live pour profiter aussi de la remarquable présence scénique de la chanteuse. Ça tombe bien, un concert approche à grand pas. China Moses présente en effet le répertoire de son album  à Paris le 28 avril 2017 à 21h au New Morning. Pour ce rendez-vous, la chanteuse est accompagnée de Luigi Grasso (saxophone alto et baryton), Joe Armon Jones (piano), Marijus Aleksa (batterie), Luke Wynter (basse).

Une tournée d’été s’annonce dont les dates figurent sur le site de China Moses.

Jean-Marc Foltz & Stéphan Oliva brodent « Gershwin »

Avec l’album minimaliste « Gershwin », le clarinettiste Jean-Marc Foltz et le pianiste Stefan Oliva revisitent en duo le monde du compositeur américain George Gershwin. Le silence teinté de bleu dessine une musique de nuit intimiste. On approche la perfection.

On se réjouit de savoir que l’album « Gershwin » enregistré sous le label Vision Fugitive est de nouveau disponible à partir du 31 mars 2017 distribué par l’Autre Distribution.

« Gershwin » est en effet un album incontournable à conseiller à tout amateur de Musique.

« Gershwin ». Esthétique et soigné, l’opus baigne dans un climat de sérénité profonde. Les deux musiciens talentueux que sont le pianiste Stephan Oliva et le clarinettiste Jean-Marc Foltz, ourlent de silence une musique délicate et raffinée. Bien longtemps après l’écoute du disque, on conserve le souvenir de sa musique sensible.

Le clarinettiste Jean-Marc Foltz est issu du monde classique et contemporain alors que le pianiste Stephan Oliva s’inscrit dans la famille du jazz où son élégance musicale a de tout temps fait l’unanimité. Les deux musiciens ont déjà croisé les notes à de multiples occasions. Ensemble ils avaient déjà parcouru et tissé à leur manière le répertoire classique pour piano et clarinette en 2011 dans leur précédent opus, « Visions Fugitives » (Vision Fugitive).

Ce nouvel album « Gershwin » (Vision Fugitive/L’Autre Distribution) à paraître le 31 mars 2017 prolonge donc leur rencontre autour de neuf titres de George Gershwin, deux compositions originales, une écrite par le pianiste et l’autre par le clarinettiste et du célèbre thème de Vernon Duke et Ira Gershwin, I Can’t get Started.

Les œuvres de Gershwin ont été interprétées autant par des musiciens issus de la sphère classique que par les jazzmen. Dans « Gershwin », le propos musical de Jean-Marc Foltz et de Stephan Oliva émarge dans un univers dont l’esthétique se situe à l’interface du jazz et de la musique classique. Au premier, les musiciens empruntent la liberté, du second ils capturent l’esprit de Ravel. Avec ces deux interprètes, fini le cliché du glissando de la clarinette introductif de la Rhapsodie in Blue qui retrouve  les « fondamentaux » de la musique classique.

Les musiciens étirent le temps et le distendent avec une sobriété qui confine au dénuement, avec une élégance dont la sérénité n’a d’égale que la poésie qui s’en dégage. Et l’incroyable advient … du dépouillement jaillit l’émotion. Elle perdure d’ailleurs bien au-delà de l’écoute de cet album empreint de bleu et de silence où les notes sont esquissées, soufflées et caressées.

La version de Summertime est comme alanguie par la chaleur écrasante d’un soir d’été. Dans S Wonderful (morning), les deux musiciens content la beauté de la fin de la nuit quand l’aube blanchit le ciel. Plus tard, ils proposent une version tout aussi éthérée de S Wonderful (evening) qui dessine l’effacement du jour lors d’un esthétique crépuscule. Deux véritables poèmes à recevoir comme des merveilles.

Le Prélude N° 2 Blue Lullabye advient comme une introduction du thème I love you Porgy dont la mélodie exhale l’essence même de l’amour.

C’est un amour attendu et souhaité qui se dessine en délicatesse dans la version de The man I love. Fascinating Rythm/Some one to watch over me est dédié à Woody Allen dont on connaît le goût pour le jazz et la clarinette. C’est sans doute le titre qui emprunte le plus à l’esthétique rythmique du jazz.

La magie du disque opère encore même lorsqu’il regagne sa pochette. D’ailleurs cette pochette dessinée par Emmanuel Guibert restitue tout à fait l’atmosphère ourlée de bleu et de silence qui caractérise cet album. Il est essentiel par ailleurs de préciser que la qualité du son doit beaucoup au talent de l’ingénieur du son, Gérard de Haro, puisque l’opus a été enregistré dans son studio de la Buissonne en novembre 2015.

Pour capter l’essence mystérieuse de l’album « Gershwin »…

Pour s’immerger dans le clair-obscur de la musique de l’album « Gershwin » et savourer en live l’art du silence que maîtrisent Jean-Mars Foltz et Stephan Oliva, un rendez-vous s’impose comme une escapade musicale incontournable.

Les musiciens sont programmés dans le cadre du Paris Music Festival avec un concert à Paris au Sunside le 17 mars 2017 à 19h30.

14 titres explosifs sur une galette survitaminée

Avec « Waxx Up » Eric Legnini sort le troisième volet d’un triptyque consacré à la voix. Mélodies puissantes, rythmiques endiablées. Quatorze titres au groove effréné. La galette envoie et en met plein la tête… soul, rap, R’n’B, electro, funk, jazz !

2017 marque le grand retour sur disque du pianiste Eric Legnini en leader. « Waxx Up » (Anteprima/Musicast) est annoncé pour le 17 mars 2017.

Troisième volet du triptyque consacré à la voix initié avec l’album “The Vox” en 2011 et suivi par « Sing Twice » en 2013, voici qu’arrive « Waxx Up ». L’opus a requis deux ans de réflexion et de travail entre les répétitions, les séances de studio, des premières maquettes aux dernières retouches jusqu’au bouclage du projet « Waxx up ». Le pianiste compositeur et producteur Eric Legnini propose quatorze nouvelles compositions où il affirme son amour de la mélodie et des rythmes afro jazz, mais aussi du funk, de la soul. Aujourd’hui il inclut aussi dans sa musique des éléments de hip hop, influencé par des rappeurs comme Kendrick Lamar.

Sur Waxx Up Eric Legnini convie ses acolytes, le batteur Franck Agulhon à la batterie et le bassiste Daniel Romeo auxquels il associe des cuivres et des voix… Michelle Willis, Hugh Coltman, Yael Naïm, Charles X, Mathieu Boogaerts, Natalie Williams ou encore Anaëlle Potdevin.

« Waxx Up » fait vibrer les membranes des baffles qui tremblent sous le groove échevelé des 14 titres de l’album. Des morceaux à écouter comme quatorze « 45 tours » de cire noire. Des formats courts qui flirtent entre pop et soul. Un son à l’ancienne entre acoustique et électronique, des colorations vocales variées et des climats qui se promènent entre soul, rap, R’n’B, funk et jazz. Ça explose d’énergie de bout en bout !

Sur Waxx Up Eric Legnini s’appuie sur le trio jazz pour asseoir son répertoire. Il y ajoute la dynamique d’une section de cuivres. On apprécie d’ailleurs avec bonheur les quelques instrumentaux glissés entre les titres vocaux comme les faces B des bons vieux 45-tours. Pour le pianiste pas question de s’épancher sur les 88 touches du piano. Pour être dans le ton et doper le groove, il se penche par contre avec efficacité sur le Fender Rhodes, le Wurlitzer et le Clavinet.

« Waxx Up ». Un jazz ouvert et très actuel malgré une allure vintage qui sent bon la cire des 45-tours. On espère la sortie de l’album en vinyle, ce qui serait le moindre hommage que le pianiste, compositeur et producteur Eric Legnini puisse faire à la culture du vinyle qui lui est si chère.

Les titres instrumentaux participent de belle manière au groove de l’album. Black Samouraï résonne avec les atmosphères seventies d’un certain Herbie Hancock avec ses Head Hunters. Here Comes The Beat Man fait comme un clin d’oeil au titre funk Here Comes The Meter Man de 1969. La trompette d’Ibrahim Maalouf intervient sur The Wire au-dessus d’un climat funky house un peu bidouillé. Enfin, un dernier instrumental, et pas le moindre, un riff afro-funk festif sur lequel on pourrait danser sans s’arrêter, Lagos ’75.

Avec Waxx Up Eric Legnini continue son exploration de la voix avec rien moins que sept voix. Pour chaque composition, chaque mélodie et chaque rythmique il choisit La voix qui correspond à la couleur attendue. Le pianiste endosse là son rôle de producteur et c’est bien cette attention qui explique en grande partie la qualité de l’album.

Ça ouvre très fort dès le premier titre de l’album, I Want You Back. Une rythmique solide, les riffs de la section de cuivres au service de la voix de Michelle Willis qui teinte de funk ce titre inaugural. La chanteuse choriste a baigné dans les univers de Ray Charles et Carole King et a collaboré avec Michael League le bassiste des « Snarky Puppy ». Elle intervient sur 3 autres titres, The Parkway, Maybe et Sick & Tired et on n’en a pas marre de l’écouter (!).

Eric Legnini convie aussi la chanteuse britannique Natalie Williams qui baigne Living for Tomorrow d’un vibrant climat soul jazz. Pour alterner les couleurs, le leader appelle ensuite le Californien Charles X sur Run with it. Un flow qui doit tout au hip hop et une voix dont les accents soul sonnent comme un héritage de la Motown. Le bougre brouille les pistes mais « Waxx Up » s’en porte bien.

On est touché par l’intervention du rêveur Matthieu Boogaerts sur Night Birds. Son accent français travestit le texte anglais et sa voix suave croone la ballade sur un tempo très lent. Cymbale charley, flûte et soupirs… un moment de fraîcheur qui ne se prend vraiment pas au sérieux. On craque aussi sur la voix un peu acidulée de la comédienne et chanteuse Anaëlle Potdevin dont le timbre voilé ne l’empêche pas de surfer sur Riding The Wave. Ça la change un peu des standards de jazz qu’elle avait enregistrés en Belgique.

Eric Legnini demeure fidèle à son chanteur fétiche Hugh Coltman qui a aussi participé à l’écriture des textes. On aime son interprétation du titre The Sun Will Dance où Kellylee Evans assure les chœurs. L’Anglais chante une mélodie qui fait écho à l’univers de Stevie Wonder mais paie en quelque sorte son tribut au jazz en s’appuyant sur l’harmonie du célèbre titre de Coltrane, Giant Steps.

C’est enfin un registre nettement plus électro qu’explore la voix de la chanteuse Yael Naïm. Le titre Despair affiche des allures d’une pop irradiée par les cendres incandescentes d’un volcan irrité.

C’est bien connu la musique ça se déguste live. Pour apprécier le répertoire de « Waxx Up » et retrouver Eric Legnini sur scène entouré de Daniel Romeo (basse électrique), Franck Agulhon (batterie), Quentin Ghomari (trompette) et les voix de Michelle Willis et Hugh Coltman… rendez-vous :

• le mardi 04 avril à 20h30 au Théâtre des Pénitents de Montbrison

• le mercredi 05 avril à 20h au Flow à Paris, sur la rive gauche de la Seine, en amont du Pont Alexandre III

et encore bien d’autres dates de la tournée d’été à retrouver sur le site d‘Eric Legnini.

Une utopie musicale sensible et raffinée

Toufic Farroukh signe compositions et arrangements de son sixième album, « Villes Invisibles », sorti le 03 mars 2017. Le  saxophoniste se fait l’architecte de villes imaginaires au climat harmonieux et pacifié. La musique esquisse un avenir radieux et porteur d’espoir pour les femmes et hommes du monde.

« Villes Invisibles » (Hot8 Music/L’Autre Distribution), le nouvel album de Toufic Farroukh emprunte le nom du roman homonyme de l’écrivain Italo Calvino. Une utopie où l’auteur italien évoque une multitude de citées imaginées. Tout comme l’homme de lettres, Toufic Farroukh transpose sur les portées la vision des villes dont il a rêvé, des villes où « les différences se perdent » mais qui conservent leur identité et la partagent.

Onirique et dansant, l’album cultive avec souplesse et efficacité le dialogue entre les musiciens, les instruments et les cultures. Si le jazz de cet album conserve des accents orientaux, il se promène plus largement dans les  cultures du monde. Les influences culturelles occidentales et orientales croisent des effervescences latino-américaines. A l’écoute de la musique apaisante, on se prend à rêver d’un monde en répit où l’on a envie de vivre.

Sur « Villes invisibles », Toufic Farroukh s’éloigne de Beyrouth, sa cité natale à laquelle il a consacré l’album « Cinéma Beyrouth » en 2012. Déjà présents sur le précédent opus, le pianiste Leandro Aconcha et le batteur Luc Isenmann demeurent aux côtés de saxophoniste rejoints par le contrebassiste Marc Buronfosse. Autour de cette section rythmique on retrouve l’accordéoniste Didier Ithursarry, le joueur de oud Ahmad Al Khatib, le guitariste Frédéric Favarel et le percussionniste Bachar Khalifé.

Installé en France depuis plus de trente ans, Toufic Farroukh est un saxophoniste, percussionniste franco-libanais, également compositeur, de musiques de films et producteur. Dans ses musiques dialoguent les cultures. On se rappelle de « Drab Zeen » (2002) puis de « Tootya » (2007) où le jazz se mêle déjà à la musique traditionnelle arabe.

Aujourd’hui sur « Villes Invisibles », Toufic Farroukh libère le oud de sa place d’instrument traditionnel pour l’inviter à dialoguer avec la guitare et l’accordéon. Il construit un répertoire de treize titres qui conservent des accents orientaux mais intègrent des influences balkaniques et des rythmes latino-américains.

Certes le leader laisse ses saxophones chanter et échange avec les autres solistes pourtanton aurait volontiers savouré des interventions plus prégnantes de sa part… mais seul le créateur connait l’équilibre qui sied à l’architecture de son œuvre et on respecte son choix.

Sur « Villes Invisibles » on aime les accents brésiliens et orientaux du seul titre vocal, Rio de Cairo. Plus encore que les autres, Rio de Cairo est la synthèse réussie du mélange des musiques que prône le saxophoniste. Il représente la fusion réussie entre la culture égyptienne et celle du Brésil en réunissant avec succès le chant Ana WilAzab Wihawak de Mohammad Abdel Wahab et la samba de Zequinto Abreu (1931) sur laquelle la chanteuse libano-brésilienne Naima Yazbek a écrit des paroles. Elle chante dans sa langue natale. Native de São Paolo , la chanteuse vit au Liban depuis 2009 où elle lutte pour la cause des femmes. On aime les accents brésiliens et orientaux de Rio de Cairo.

Il fait bon intégrer la caravane qui traverse les Villes invisibles. Le mouvement lancinant du titre éponyme de l’album suggère un climat de sérénité apaisante bienvenue en ces temps agités. A l’écoute de VSA, on rêve de rejoindre la bande des musiciens à Ville-Sur-Auzon, cette ville du Vaucluse qui respire la tranquillité. Le saxophone soprano suggère le chant des oiseaux au-dessus des cerisiers. Sur Kantari Dreams, oud et guitare enchantent leurs cordes et unissent leur chant à celui du saxophone pour esquisser un survol au-dessus du quartier de Beyrouth apaisé.

Les femmes ont droit de cité dans « Villes Invisibles ». Leurs voix traversent l’album. Celle d’Angela résonne sur une adaptation d’une danse folklorique Roumaine. Soprano et oud dansent soutenus par une rythmique sautillante. Avec ce titre, les Balkans entonnent une paix retrouvée. Miss Understood lève les malentendus culturels en mêlant les instruments des musiques populaires que sont l’oud et l’accordéon avec le piano plus associé aux musiques européennes. Dans ces villes utopiques le chant des femmes s’élève la nuit comme semble le dire une certaine Lady Moon qui n’oublie pas d’onduler au rythme de la samba.

Pourtant le chant des hommes résonne aussi, preuve en est ce Mr Tib où la guitare muscle le discours d’un thème déroulé comme une promenade écervelée. Le saxophone soprano saute au-dessus des obstacles rythmiques dressés par la batterie.

Sur « Villes invisibles » Toufic Farroukh construit la cité qu’il appelle de ses vœux, celle où hommes et femmes peuvent vivre dans un climat serein, dont témoigne l’album. En effet, le compositeur ne projette pas uniquement la vision d’un architecte constructeur. Il se double d’un poète qui dessine treize titres de musique comme treize strophes d’un poème issu de son imagination.

« Ce qui commande aux récits, ce n’est pas la voix : c’est l’oreille ». Pour faire écho aux propos d’Italo Calvino et écouter en live la partition raffinée de cet album « Villes Invisibles », un rendez-vous s’impose. Prendre la route du Studio de l’Ermitage le 27 avril 2017 pour assister à 21h au voyage du Toufic Farroukh sextet sur les routes pacifiées de son monde utopique où règne l’harmonie. Aux côtés du saxophoniste, Leandro Aconcha, Marc Buronfosse, Luc Isenmann, Ahmad Alkhatib et Didier Ithursarry.