« Y », marqueur d’identité et symbole d’unité

Yaron Herman signe « Y », son deuxième album chez Blue Note, à paraître le 17 mars 2017. A travers la première lettre de son prénom il affiche son identité. Un opus où il livre son goût pour la recherche sonore, le mouvement et le format « chanson ».  Un disque ouvert sur le XXIème siècle.

Sur « Everyday », son premier album pour le prestigieux label Blue Note, le pianiste avait fait le choix du duo avec son alter égo, le batteur Ziv Ravitz. Déjà un morceau chanté (avec Helgi Jonsson) laissait déjà présager le tournant musical adopté par Yaron Herman sur son nouvel album « Y » (Blue Note/Universal). Il revient cette fois au trio, toujours avec son « frère musical », le batteur Ziv Ravitz rejoint par Bastien Burger, bassiste du groupe The Dø. Tous trois manifestent un intérêt certain pour la programmation.   

Cet album « Y » confirme l’attachement du pianiste Yaron Herman à plusieurs cultures musicales, le classique, le jazz, mais aussi les musiques traditionnelles liées à son héritage culturel, le post-rock, l’électro et son goût pour la pop et les chansons. S‘il confirme son intérêt pour la recherche sonore sur le piano, il tente des échappées du côté de l’électronique tout en conservant son souci permanent de maîtrise du toucher et des nuances.  Il manifeste aussi son attachement à une musique dynamique porteuse de mouvement.

Aujourd’hui avec son deuxième album chez Blue Note, Yaron Herman signe son nouveau projet de la lettre Y comme un sceau identitaire. Yaron Herman ne cache pas avoir « toujours été fasciné par le pouvoir des lettres. Au-delà de leur assemblage en mot, leur propre forme me semblait véhiculer une histoire »

Certes le titre de l’album « Y » est un marqueur autobiographique mais Y est aussi le Yod en kabbale, « étincelle ». On est alors tenté de penser que l’album augure d’un processus de création et de voir dans cette mise en avant du Y la volonté du pianiste d’afficher son entrée dans un nouvel univers au croisement de toutes ses influences.

Enfin, Yaron Herman « trouve que cette lettre ressemble à un arbre ». On peut donc aussi percevoir l’album comme l’alliage de trois segments soudés, trois musiciens associés, trois racines unies pour former un tronc solide. Un tronc qui ne demande qu’à générer des boutures, des bourgeons, des expansions vers une musique projetée vers l’avenir à partir du terreau des origines. On perçoit alors Y comme un symbole porteur d’unité et de devenir.

« Y » cultive le format chanson des morceaux. Pas toujours du chant proprement parler, ni des voix, mais des titres au format court et aisément mémorisable. Yaron Herman propose un répertoire de 12 morceaux dont il signe sept titres et cosigne deux autres avec Bastien Burger et un avec Ziv Ravitz.

Trois titres captivent par leurs climats dynamiques et étranges, par l’énergie qui les traversent, par le mouvement omniprésent qu’ils suggèrent, par les échappées lyriques qui fusent de leur trame répétitive et rythmique. First Dance, Legs to run et Side jump. Énergie, rythme, riffs mélodiques réitératifs créent des climats dynamiques et étranges.

Quatre autres titres accueillent des voix. Fun Groys Dasad, restitue la voix d’une femme enregistrée dans les années 20 par des chercheurs américains. Un chant traditionnel yiddish où le temps est comme suspendu. Le pianiste accompagne la mélopée avec pudeur et sobriété. Yaron Herman conçoit cette voix comme « une trace du passé (qui) est mis dans un contexte d’avenir » mais témoigne de ce que fut la vie dans les vieux shtetls juifs de l’Europe de l’Est et évoque la « douleur face à la mort ».

Quant aux trois autres voix, on peut parler de « participations exceptionnelles », celles de Matthieu Chedid, -M-, » Dream Koala » et Hugh Coltman.

Hugh Coltman intervient sur The Waker dont il a écrit les paroles sur une musique du pianiste. La contribution du chanteur est porteuse d’une émotion pudique. Une ballade sensible où la voix bleue charme et murmure.

Saisons contradictoires convoque la voix de -M- sur un poème d’Andrée Chedid tiré des « Territoires du souffle » avec une musique co-signée par Yaron Herman et Bastien Burger. Le climat répétitif et aquatique de la musique ensorcelle et les paroles envoûtent.

Sur Solaire c’est le jeune producteur électro pop, « Dream Koala », qui chante le titre écrit par Yndi Ferreira et Yaron Herman. Un voyage astral où la batterie obsédante soutient l’expression du chant désincarné et du piano lyrique inspiré qui croise ses sons avec ceux du synthé. Aspiration et projection dans le monde des astres de la musique en direction d’une stratosphère gazeuse et volatile qui veut se détacher de la gravité.

« Y ». Affirmé, audacieux et inventif, l’album émarge dans deux mondes. Celui de l’énergie et du mouvement et celui de la sensibilité et du lyrisme. Entre furie et délicatesse, Yaron Herman élabore un répertoire où affleurent toutes ses influences. « Y » sous-tend la projection du pianiste vers un avenir sonore porteur de son identité. Un monde où acoustique et électronique se croisent en apesanteur pour le meilleur. Un album qui clame son amour du format musical de la chanson avec des clins d’oeil vers la pop. Un disque du XXIème siècle qui rappelle l’influence que Keith Jarrett a pu avoir sur le style du pianiste et son attachement à l’héritage de Steve Reich et ses motifs répétitifs.

Paul Lay un pianiste incontournable

Le 17 février 2017, est sorti un coffret de deux albums de Paul Lay, « The Party » et « Alcazar Memories », enregistrés en mai et juin 2016. Fin mélodiste, le pianiste innove et renouvelle le discours musical dans l’univers du jazz et même au-delà.

Ainsi, 2017 marque une nouvelle étape dans la relation fidèle de Paul Lay à sa maison de disques Laborie Jazz. L’album « The Party » présente Paul Lay en trio avec le contrebassiste Clemens van der Feen et le batteur Dré Pallemaerts, C’est aussi un trio que propose l’opus « Alcazar Memories » où Paul Lay se produit avec la chanteuse Isabel Sörling et le contrebassiste Simon Tallieu.

Après deux premiers albums « Unveiling » (2010) enregistré en trio avec Simon Tailleur (contrebasse) et Elie Duris (batterie) puis « Mikado » (2014) gravé en quartet avec Dré Pallemaerts (batterie), Clemens Van De Feen (contrebasse) et le saxophoniste et clarinettiste Antonin-Tri Hoang, Paul Lay confirme largement sa place dans l’univers des pianistes qui comptent dans le jazz et poursuit une relation fidèle avec son label Laborie Jazz,  

« The Party » & « Alcazar Memories ». Deux albums, deux trios, deux concepts différents mais sur les deux albums demeure un invariable. Le talent de Paul Lay à renouveler son inspiration dans l’écriture et l’interprétation, à fédérer l’énergie de ses partenaires et à générer le rêve et l’émotion chez les auditeurs. Le pianiste développe une expression très personnelle d’où est absente toute reproduction. Virtuose, il prend de la distance avec la technique pour développer une identité singulière mobilisée au service de la création.

Originaire du Sud-Ouest, le pianiste et compositeur Paul Lay a suivi des études au Conservatoire de Toulouse, puis au CNSM de Paris, département Jazz et Musiques Improvisées avec Hervé Sellin, François Théberge, Glenn Ferris et Dre Pallemaerts. Paul Lay se perfectionne auprès de Riccardo Del Fra et de Dré Pallemaerts dont il suit les cours de section rythmique.

Très vite son cursus et son talent laissent entrevoir une carrière prometteuse. Le 30 juin 2008 il remporte Le 1er prix Soliste du Concours de Jazz de la Défense au sein de son groupe « Into the Lines Trio ». En 2014 il reçoit le Grand Prix du disque de Jazz de l’Académie Charles Cros, pour son album « Mikado ». En 2016, l’Académie du jazz décerne au pianiste le Prix « Django Reinhardt » qui distingue le meilleur artiste de jazz français de l’année 2015. Il est aussi élu Révélation Française par le Critic Poll 2015 (Jazz Magazine).

Aujourd’hui Paul Lay mène de front plusieurs projets et poursuit une carrière internationale. En récital solo, en leader de différentes formations, le trio avec Dré Pallemaerts et Clemens Van Der Feen, le quartet avec Antonin-Tri Hoang, ou le trio « Alcazar Memories » aux côtés d’Isabel Sörling et Simon Tailleu. Il se produit aussi en sideman dans les formations de Géraldine Laurent Quartet, Eric Le Lann Quartet, Riccardo Del Fra Quintet, dans Ping Machine (le groupe de Frédéric Maurin où il a succédé à Benjamin Moussay), Shauli Einav Quintet et aussi l’ensemble AUM (Arts Unis vers la Musique) de Julien Pontvianne.

On se rappelle avec émotion la résidence de Paul Lay à L’Amphi Jazz de l’Opéra de Lyon et les concerts des 27 et 28 mai 2016. Le trio, Paul  Lay, Dré Pallemaerts et Clemens Van Der Feen a offert deux prestations splendides et raffinées qui ont fait l’unanimité. Sans compter ce qui ne gâte rien, l’aptitude naturelle du pianiste à communiquer en toute simplicité.

Pour l’album « The Party », Paul Lay élabore un nouveau répertoire avec le batteur Dré Pallemaerts et le contrebassiste Clemens Van Der Feen. Comme une illustration sonore de scènes cinématographiques qui se déroulent lors d’une fête. Chaque morceau caractérise un personnage, une situation, ou encore un échange de regards, une danse, et bien d’autres mouvements. Une fête mystérieuse aux frontières du réel où l’on observe à masque caché et où se confrontent les egos.

Entre fantasme et réalité les situations évoluent au fil des morceaux et restituent les ambiances fluctuantes de ces moments de rassemblement. Il suffit de fermer les yeux pour que, à partir de l’écriture de Paul Lay et du jeu des musiciens, la musique projette les scènes du film sur l’imaginaire de l’auditeur.

« The Party ». Onze titres. Du début de la fête au coup de foudre final. Les dits et les non-dits, les espoirs, les désirs et les craintes, les hésitations, les tentatives et les reculs, le réel et les projections. L’on s’y croirait presque. L’arrivée d’un air dégagé et assuré, les approches esquissées, les regards qui se croisent, les rapprochements discrets et l’effervescence qui précède les douces confidences. Hormis I fall in love too easily, la splendide ballade si chère à Chet Baker, Paul Lay a composé les dix autres titres de l’album « The Party » .

« The Party ». Héritier de la lignée des pianistes de jazz, Paul Lay est doué d’une grande imagination harmonique. Il soigne la dimension mélodique des pièces et propose des instants magiques. Fin mélodiste, il innove tout en restant ancré dans la tradition. Entre souplesse et légèreté, entre délicatesse et vivacité mais sans violence aucune, les trois musiciens créent des ambiances élégantes aux contrastes surprenants.

L’album « Alcazar Memories » fait  suite à une rencontre avec Isabel Sörling et au travail qui s’est poursuivi entre le pianiste, la chanteuse et le contrebassiste Simon Tailleu et a donné lieu en 2013 à la création « Alcazar Memories », en hommage au Music-Hall marseillais, au Théâtre de la Criée quand Marseille était « Capitale Européenne de la Culture ».

Quelques années après, l’album « Alcazar Memories » honore les racines de la chanson populaire provençale et suédoise. Il présente un répertoire plus élargi composé de chansons populaires, de compositions originales, d’improvisations, de relectures de standards, de poèmes mis en musique.

« Alcazar Memories » résulte d’une expérimentation sonore spécifique entre un piano, une voix et une contrebasse. La musique met en évidence la complicité du pianiste Paul Lay avec la chanteuse Isabelle Sörling et le contrebassiste Simon Tailleu. La chanteuse s’exprime en suédois, en anglais et en français. Selon les accentuations et la musicalité de la langue les chansons se teintent de couleurs différentes.

Dans cet album, le rôle du texte est central voire prédominant. Il évoque l’amour et la relation de l’homme avec la nature. Les textes sont principalement écrits par Isabel Sörling et les musiques par Paul Lay à l’exception de Bereden väg för Herran (air populaire, paroles Frans Michael Franzen), Adieu Venise provençale (musique Vincent Scotto, texte René Sarvil), Amour et printemps  (musique Emil Walteufel, texte Roberto Alagna ) et The Man I love (George & Ira Gershwin).

« Alcazar Memories ». Onze titres où la musicalité ne se dément pas. Entre délicatesse et mélancolie, les mélodies tissent un climat éthéré. Soutenue par un piano et une contrebasse complices, la voix dessine des nuages au-dessus de la musique. Le piano apporte une touche de blues au ciel d’où se dégage une fraîcheur nordique.

Paul Lay inscrit son identité dans une culture musicale élargie, du classique au jazz, sans oublier les cultures du monde. Son style bannit tout étalage. Il soigne les contrastes et évolue avec autant d’aisance dans les ballades intimes et légères que sur les rythmes rapides où il débride son énergie. S’il articule ses phrases avec finesse et élégance, sa maîtrise du clavier et sa maturité lui permettent de se libérer des contraintes techniques pour mieux se consacrer à la dimension sensible de son art.

« ¡Caramba! », ça sonne bigrement cubain !

Le Big Band « Bigre ! » annonce la sortie prochaine de « ¡Caramba ! ». Du mambo à la rumba, du boléro à la timba, du son au reggaeton, l’album est une véritable invitation à la danse. Un aller-retour pas comme les autres entre Paris et La Havane.

Le Big Band « Bigre ! » sort un sixième album, « ¡Caramba ! »(Grolektif Productions/L’Autre Distribution) dont la sortie est annoncée pour le 31 mars 2017. Après s’être frotté à l’afrobeat de Lagos et à l’éthio-jazz d’Addis Abbeba, après avoir accordé les mélopées balkaniques aux polyrythmies contemporaines, après avoir enjazzé la dub et le RnB, « Bigre ! » persiste et signe dans ses pérégrinations rythmiques métissées en réunissant aujourd’hui sous une même bannière la riche culture musicale cubaine et le verbe ciselé de la grande chanson française.

Présenter « Bigre ! » c’est plutôt simple. En 2007 son créateur, le trompettiste Félicien Bouchot réunit quelques acolytes du collectif « le Grolektif ». Depuis il en est l’âme, le directeur musical et l’arrangeur. Dix ans après « Bigre ! » a cinq enregistrements à son tableau, « Big Up! » (2008), « Tohu-Bohu » (2010), « Shining Bright Today » avec N »Relax (2010), « Les icebergs aussi… » (2013), « To Bigre or not To Bigre » (2014) et le sixième à venir le 31 mars 2017.

Pour « ¡Caramba ! » le Big Band Bigre ! » réunit 21 musiciens. Une section de saxophones avec Pierre Desassis et Julien Chignier (alto), Romain Cuoq et Thibaut Fontana (ténor) et Fred Gardette (baryton). Une section de trompettes/bugles avec Vincent Labarre, Aurélien Joly, Yacha Berdah, Rémi Gaudillat et Félicien Bouchot. Une section  de trombones/conques avec Sébastien  Chetail, Loïc  Bachevillier, Jean Crozat et Sylvain Thomas. Riad Klaï à la guitare, Jérémy Garcia aux claviers, Nicolas Frache à la basse, Jean Joly à la batterie et aux percussions, Jonathan  Volson, Grégory  D’addario et Jorge Mario Vargas… sans oublier deux invités de marque, Célia Kameni au chant sur la moitié du répertoire et Kevin Louis qui intervient au chant et au bugle sur un titre.

Avec « ¡Caramba ! », les bougres de « Bigre ! » frappent un grand coup. Le big band conjugue sa propre identité à celle des musiques cubaines. L’orchestre fait preuve d’une souplesse et d’un savoir-faire qui laisse admiratif et déclenche l’enthousiasme, l’envie de bouger et de suivre le tempo. Les arrangements, les rythmes, les sonorités évoquent la brillance des grands orchestres cubains. C’est à tomber raide de plaisir.

En fait, Félicien Bouchot est parti à La Havane. Cette immersion dans l’atmosphère musicale de Cuba résonne dans son esprit avec la musique de son Big Band « Bigre ! ». Un second voyage à Cuba et germe en lui l’idée de remettre au goût du jour le son du big band cubain devenu plutôt rare après l’age d’or des années 50 et l’orchestre de Tito Puente.

De la musique cubaine à la danse, quand les percussionnistes mènent le bal, le pas est vite franchi par les danseurs et danseuses. Ils se frôlent, se déhanchent et la danse devient séduction. Tout s’enchaîne dans l’esprit du leader. Après la séduction… quelquefois survient l’amour et lui vient alors l’idée de conter une histoire d’amour au rythme des musiques cubaines. Pour le chant il pense à Célia Kameni avec qui « Bigre ! » a déjà travaillé sur le disque précédent et il l’invite sur la moitié du répertoire.

Ensemble, ils sélectionnent des textes et se penchent d’abord sur les grandes chansons françaises dont ils retiennent quatre titres très connus. Ils ciblent le titre Mea Culpa (textes de Michel RivGauche/musique Hubert Giraud) chanté par Edith Piaf, La Chanson des Vieux Amants (texte de Jacques Brel/musique de Brel et Gérard Jouannest) et Gueule d’amour de Barbara (texte et musique). Félicien Bouchot réussit le défi de transformer ces musiques et de concevoir des arrangements orchestraux qui transfigurent les rythmes originaux en des musiques latino-cubaines aux rythmes endiablés. Le climat dramatique ou romantique des versions d’origine s’estompe au profit des cuivres dont les couleurs flamboient sur une rythmique étincelante qui groove de belle manière. On écoute avec intérêt la version de la chanson Quelle histoire (paroles de Jeanne Moreau/musique d’Antoine Duhamel) où Célia Kameni mène la revue et fait le show.

Outre ces grands classiques de la chanson française, on peut écouter deux thèmes interprétés en Anglais. Eternalee composé (paroles et musique) et interprété par le chanteur et bugliste Kevin Louis. So Called Love composé (paroles et musique) par Célia Kameni. Sans oublier le dernier titre de l’album qui reprend des motifs de « Miami Beach Rumba » (de J. A. Camacho, I. Fields et A. Gamse) les réveillent et les transforment en un Voyage à Cuba auxquelles des paroles simplistes et la voix légèrement acidulée de la chanteuse apportent une fraîcheur et clin d’oeil d’humour que le big band ne perd jamais.

Les sept morceaux instrumentaux permettent de centrer l’écoute sur la richesse et la complexité des rythmiques et des orchestrations, toutes plus étincelantes les unes que les autres. « ¡Caramba ! », le big band a réussi un véritable tour de force et sonne vraiment cubain en diable. On aime aussi le clin d’oeil de l’orchestre à son passé musical qui ressurgit dans Mambo 1 où la musique de Cuba embrasse celle de l’Ethiopie.

« ¡Caramba ! » résonne des rythmes latins, rumba, charaga, timba, son, bolero, cha cha, bata les plus variés. Le big band Bigre ! en a capté l’essence-même. Avec un soin inouï et dans le plus pur esprit des années 50, les musiciens exécutent des orchestrations aux textures chatoyantes et cuivrées. Les rythmiques complexes assurées avec précision restituent l’éclat des musiques cubaines dont elles respectent les codes.  Décidément, « Bigre ! » mérite vraiment son point d’exclamation.

Une déclaration d’amour à la samba

Deux ans après l’album « Made in Brazil », 2017 voit le retour d’Eliane Elias avec « Dance of Time », un album comme une déclaration d’amour à la samba dont la pianiste-chanteuse célèbre les 100 ans. L’artiste rend hommage aux personnes qui l’ont accompagnée à ses débuts, tant au Brésil qu’aux Etats-Unis.

Durant toute sa carrière Eliane Elias, native de São Paulo a navigué entre jazz et Brésil, deux musiques dans lesquelles elle est parvenue à s’imposer avec autant de talent et de succès.

Du côté du Brésil, la bossa nova a longtemps eu sa préférence avec plusieurs albums consacrés à ce style, « Eliane Elias Plays Jobim » en 1990, « Fantasia » en 1992, « Paulistana » en 1993, « Eliane Elias sings Jobim » en 1998; « Bossa Nova Stories » en 2009 et bien sûr, l’album enregistré au Brésil, « Made in Brazil » en 2015 qui est un hommage vibrant à trois générations de compositeurs brésiliens et a emporté le Grammy du « Meilleur album de Latin Jazz ».

Pourtant en 2016, Eliane Elias revient au Brésil pour enregistrer cette fois « Dance of Time » (Concord/Universal) dont la sortie est annoncée pour le 24 mars 2017. Dans son pays natal on fête alors le centenaire de Pelo Telefone, la première samba jamais enregistrée et la pianiste-chanteuse entreprend de graver un album à cette occasion afin de célébrer ce style musical.

Pour Eliane Elias, « la samba est à la fois la plus authentique et la plus irrésistible des musiques brésiliennes. On peut difficilement imaginer meilleur endroit au monde que le Brésil pour tenter de capturer l’essence de cette musique. Il fallait impérativement que je me trouve là-bas pour pouvoir enregistrer « Dance of Time. »

« Dance of Time » consacre donc principalement son répertoire à la samba et plus précisément à cette forme de samba qui entretient une filiation étroite avec le choro, cette danse populaire très ancienne et improvisée jouée à l’origine sur l’alaúde, sorte de luth portugais aux origines orientales, une samba qui se dansait en cercle, les rodas (les rondes), un style qui est un métissage entre les musiques européennes du Portugal et de l’Espagne et celle de l’Afrique.

L’album « Dance of Time » ouvre avec O Pato, le célèbre thème de J.Silvia et N.Teixeira où Eliane Elias expose avec brio tout son art. Le swing sans pareil de son piano et sa chaude voix sensuelle qui n’a vraiment rien de celle du canard évoqué dans la chanson. Eliane Elias sait vraiment caresser les syllabes et les faire vibrer au rythme de la samba. En amont de la sortie de l’album, on écoute un très court extrait d’O Pato.

Pour authentifier le climat samba du disque, la pianiste-chanteuse invite aussi deux personnalités marquantes du Brésil. D’une part João Bosco dont elle apprécie l’authenticité. Le guitariste et chanteur sait faire swinguer la musique comme on peut d’ailleurs se rendre compte en écoutant Coisa de Feita dont le groove constitue un moment phare de l’album. D’autre part, avec Toquinho, Eliane Elias interprète Sambou Sambou et Samba de Orly, dont les versions magnifient ces deux sambas portant déjà si souvent écoutées.

Sur ce nouvel opus, Eliane Elias zoome aussi sur des périodes marquantes de sa vie, comme si elle passait sa carrière en revue, d’hier à aujourd’hui, du Brésil aux Etats-Unis. Elle est accompagnée par des invités aussi prestigieux que le pianiste Amilton Godoy, les guitaristes et chanteurs João Bosco et Toquinho, le trompettiste Randy Brecker, le vibraphoniste Mike Mainieri et aussi Mark Kibble. Ces artistes ont compté pour elle, ils ont marqué des étapes clefs de sa carrière de pianiste-chanteuse et de fait, d’autres musiques flirtent avec la samba sur « Dance of Time ».

C’est à l’âge de 7 ans qu’Eliane Elias commence l’apprentissage du piano à São Paulo. Après 6 ans de travail, elle continue à 13 ans l’étude technique classique du piano avec un certain professeur, Amilton Godoy dont elle dit qu’il l’a aidée à développer son style. Il est invité sur « Dance of Time ».

Pour rappel, adolescente, Eliane Elias a entamé une carrière de musicienne professionnelle et, au début des années 80, sur les conseils du bassiste Eddie Gomez, elle gagne New-York pour étudier à la Juilliard School of Music. Elle se confronte ensuite aux musiciens de la cité et rejoint le groupe « Steps Ahead »  aux côtés de Michael Brecker, Peter Erskine, Eddie Gomez et Mike Manieri. En 1983, elle enregistre un album avec le groupe. Sur « Dance of Time », Eliane Elias invite le vibraphoniste Mike Manieri qui prête sa magnifique sonorité et son talent sur deux titres de l’album. Une composition originale de la pianiste, Little Paradise et A habit for me une bossa nova qui parle d’amour et que Frank Sinatra a chantée.

Peu après avoir quitté « Steps Ahead », Elias Elias commence une collaboration avec le trompettiste Randy Brecker qu’elle épouse ensuite. Leur album duo, sorti en 1985, porte le nom de leur fille Amanda. Randy Brecker revient jouer avec Eliane Elias sur le titre Speek Low auquel il apporte une connotation jazzy avec un chorus tout à fait inspiré même si on peut regretter l’ambiance globale du morceau qui sonne un peu pop-funk.

On écoute Eliane Elias présenter mieux que personne cet album « Dance of Time » dont les douze titres exubérants devraient encore une fois ensorceler son public.