Jazz chambriste, lumineux et élégant

Avec sa nouvelle création « Lines for lions », le trio Courtois/Erdmann/Fincker continue à creuser le sillon d’un langage qui lui est propre, nourri de ses multiples influences. Les trois musiciens proposent un voyage musical enthousiasmant. Un jazz chambriste lumineux et élégant, inspiré par la musique West Coast.

Après quinze années d’existence, cinq répertoires et cinq disques dont le célèbre « Love of Life » enregistré en Californie, une tournée aux États-Unis, des dizaines de concerts dans toute l’Europe et toujours le même enthousiasme à se retrouver, le trio formé de Vincent Courtois (violoncelle), Daniel Erdmann (saxophone ténor) et Robin Fincker (clarinette, saxophone ténor) a confronté son expérience commune, son évidente complicité et surtout un son unique, à ses naturelles réminiscences de jazz West Coast. Il en résulte « Lines For lions » (La Buissonne/PIAS), un superbe album sorti le 07 novembre 2025.

« Lines For lions », un projet à la fois cool et tonique, délicat et sophistiqué, lyrique et organique.

« Line for lions »

« Il s’agit d’un jazz chambriste où des instruments classiques comme la clarinette et le violoncelle ont une place privilégiée ce qui n’est pas si courant dans nos musiques. Je repense notamment à un de mes premiers émois : le quintette de Chico Hamilton avec Fred Katz au violoncelle et Buddy Colette à la clarinette » … c’est ainsi que Vincent Courtois évoque la musique de l’album « Line for lions » (La Buissonne/PIAS).

Vincent Courtois©Christophe Charpenel

Si le titre de l’opus fait référence à une composition de Gerry Mulligan, les huit morceaux du répertoire ont été composés par les membres du trio. Trois compositions sont créditées au violoncelliste Vincent Courtois, trois au saxophoniste ténor et clarinettiste Robin Fincker et deux au saxophoniste ténor Daniel Erdmann. Outre le fait qu’il s’agisse d’un répertoire original, l’instrumentation participe aussi pour beaucoup à l’esthétique de la musique. Le trio a déjà enregistré trois albums tous récompensés par la presse et les institutions. A n’en pas douter, ce nouvel album peut lui aussi prétendre à une récompense officielle.

On peut se questionner quant à savoir si le trio explore l’esthétique du jazz californien des années 1950 ou si les musiciens rendent hommage au style West Coast. En tout cas quelle que soit l’option, le résultat est irrésistible.

L’oreille se délecte des nuances et de la richesse du propos musical. Mélodies et improvisations coexistent et captent l’attention de bout en bout. La teneur expressive contemporaine des instrumentistes dépayse de belle manière l’esprit et l’esthétique West Coast qu’elle dynamise et actualise.

Mené par l’ingénieur du son Gérard de Haro (Chevalier des Arts et Lettres, lauréat de deux « Victoires », celle du Meilleur ingénieur du son en 2017 et celle du Meilleur label jazz français en 2018 ), le label La Buissonne a intégré l’œuvre de Vincent Courtois à son catalogue depuis 2010. En effet, le musicien enregistre la plupart de ces projets discographiques aux Studios La Buissonne de Pernes-les-Fontaines, dans le Vaucluse, en France. Il en va ainsi pour « Line for lions » enregistré les 25 et 26 novembre 2024 et mixé en décembre 2024 par Gérard de Haro. L’ingénieur du son Nicolas Baillard en a assuré la mastérisation dans les Studios La Buissonne.

Au fil des titres

« Line for lions » … huit titres et quarante-deux minutes d’une musique ancrée dans l’esthétique du jazz californien West Coast. Les musiciens tissent les sons, les timbres se mélangent, les climats évoluent, les couleurs se renouvellent, la musique étonne et enchante.

L’album débute par Alone in fast lane, une composition de Vincent Courtois dont le violoncelle soutient le tempo alors que les deux soufflants exposent le thème tout en se répondant. Au croisement du free et de la grande tradition du ténor, la sonorité de Daniel Erdmann interpelle par sa puissance. Robin Fincker fait preuve d’une grande liberté de style et son jeu est saisissant de virtuosité.

Changement d’ambiance avec l’atmosphère sonore étrange et intimiste de Mulholland coffee break. Composée par Daniel Erdmann cette pièce met en valeur le jeu d’archet brillant du violoncelliste et la pureté de sa sonorité sans aucun vibrato. En contrepoint les soufflants exposent un motif fluide puis, à la clarinette, Robin Fincker s’exprime avec une nonchalance rêveuse et dialogue avec le saxophone de Daniel Erdmann.

Le répertoire se poursuit avec There and then de Robin Fincker. En ouverture, l’oreille est charmée par la pureté et la transparence du son de la clarinette, la musique respire. Plus loin, le violoncelle étire des lignes mélodiques puis se fait à la fois lyrique et grinçant. Tout au long de la pièce, le trio invite à le suivre dans son monde onirique qui n’est pas sans évoquer des paysages bucoliques.

Sur la composition de Robin Fincker, Finally Giovanni, l’échange musical entre les trois complices circule avec fluidité dans leur imaginaire empreint de sérénité… de la musique cool, ô combien ! Les saxophonistes jouent en écho au-dessus des pizzicati du violoncelliste.

Vincent Courtois introduit sa pièce Seven lines for old mediums par un jeu délicat de pizzicato puis il reprend l’archet alors que les soufflants installent une atmosphère obsédante mais apaisée où les trois voix instrumentales s’interrogent, se combinent, se complètent et s’harmonisent. Avec Lion’s den, Robin Fincker propose ensuite une composition de jazz cool qui aurait quelque peu flirté avec le bop. Forme orchestrale avec des lignes mélodiques sinueuses jouées par les deux ténors au-dessus de la ligne de basse sans faille que déroule le violoncelle. On est saisi par le travail que réalisent les deux saxophonistes sur le son, le souffle et la matière sonore. Le solo de Vincent Courtois étonne par sa liberté d’expression sans limites.

Le qualificatif chambriste définit tout à fait le climat de la composition Adios body (Hello soul) de Vincent Courtois. Le trio conjugue élégance et rudesse, passe du dépouillement aux élans les plus véhéments… notes détachées sur le manche du violoncelle, registre étendu exploré par les saxophones, expression tendue et tourmentée des vents entre cris rauques et chuintements qui se superposent.

L’album se conclut avec une composition de Robin Fincker, Hobo clown qu’introduit le violoncelle. Vincent Courtois explore tous les possibles, outre les phrases à l’archet dans la grande tradition classique, il gratte les cordes, les pince, les frotte et en tire les meilleurs effets. Sa liberté de ton stimule les deux soufflants qui manient avec brio l’art de l’imprévu. La transe n’est pas loin.

« Line for lions », une réussite absolue. Un album marquant qui dépayse l’art du trio. Avec le trio Courtois/Erdmann/Fincker. Huit titres et quarante-deux minutes d’une musique ancrée dans l’esthétique du jazz californien West Coast que les trois artistes revisitent avec talent.

Pour écouter le projet « Lines for Lions » du Trio Courtois/Redmann/Fincker, rendez-vous les 27 et 28 janvier 2026 à 20h à l’Opéra Underground de Lyon. Pour l’occasion, le trio invite Louis Sclavis. Un grand moment de jazz en perspective pour commencer l’année 2026.

Une synthèse de l’art du contrebassiste

« Healing Songs » tient les promesses que suggère son titre… le jazz d’Henri Texier apaise, déclenche le sourire, fait rêver et espérer le meilleur. Avec ce nouveau projet, le contrebassiste et compositeur réussit la prouesse d’ajouter à son statut de musicien celui de « guérisseur » car les musiques de cet opus possèdent des vertus apaisantes. Un album sensible et tonique dont le jazz contrasté incarne une synthèse réussie de l’art du contrebassiste.

Figure historique du jazz français et européen, Henri Texier regarde en arrière et reprend neuf thèmes parmi ceux qu’il a composés au cours des soixante années de sa carrière de musicien.

Sur « Healing Songs » (Label Bleu/L’Autre Distribution), sorti le 14 novembre 2025, il revisite en quintet quelques-unes de ses anciennes compositions et projette ses musiques dans le monde actuel.

L’oreille est captivée et charmée par cet album où coexistent lyrisme et groove. Une sorte d’art-thérapie dont il serait dommage de se priver. L’on se prend même à rêver… et si cet album guérissait la société de tous les maux qui l’habitent !

Henri Texier

Né en 1945, Henri Texier découvre le jazz durant son adolescence et abandonne le piano pour la contrebasse. Dans le milieu des années 60, il fréquente les clubs parisiens. Jeune vingtenaire, il joue déjà avec de nombreux maîtres du jazz parmi lesquels Dexter Gordon, Lee Konitz, Don Cherry, Bud Powel, Kenny Clarke, Art Taylor, Art Farmer, Johnny Griffin, Donald Byrd, Kenny Drew, Chet Baker… puis avec Hampton Hawes, Jean-Luc Ponty, Daniel Humair, Michel Portal, Albert Mangerlsdorff, Peter Brötzmann, Enrico Rava, Charlie Haden…

Dans les années suivantes, Henri Texier parcourt l’Europe et joue aux États-Unis avec Phil Woods et son European Rythm Machine puis crée le groupe « Total Issue » avec le batteur Aldo Romano. Jamais prisonnier d’une esthétique ou d’un univers musical, il confronte son art à d’autres arts, le cinéma, la télévision, le théâtre, la danse, les arts plastiques, les Arts du Cirque, les lectures poétiques et la photographie.

La carrière de ce géant du jazz est jalonnée d’une très riche production discographique à laquelle il participe comme leader, co-leader, ou sideman.

Sa collaboration avec le label de jazz français Label Bleu remonte au milieu des années 1980. C’est chez label Bleu qu’est sorti le fameux triptyque « Carnet de routes » (1995), « Carnet de routes : Suite Africaine » (1999) et « African Flashback » (2005), trois albums enregistrés par le trio Louis Sclavis/Aldo Romano/Henri Texier, lesquels albums sont illustrés par les clichés de Guy le Querrec.

C’est aussi chez Label Bleu qu’ont été publiés les projets d’Henri Texier en leader, dont les récents « Sand Woman » (2018),« Chance » (2020), « Heteroklite Lockdown » (2022) et « An Indian’s Life » (2023), quatre albums auxquels participaient déjà Sébastien Texier (saxophone alto, clarinettes) et Gautier Garrigue (batterie).

« Healing Songs »

Paru le 14 novembre 2025 chez le même Label Bleu, le dernier album d’Henri Texier, « Healing Songs » a été enregistré en juin 2025 au Studio Gil Evans à Amiens, par Boris Darley et Bertrand Hardï. Il a été mixé par Boris Darley au Studio Ohm Sweet Ohm à Saint-Laurent-sur-Gorre et masterisé par Simon Lancelot au Studio Ferber, à Paris.

« Riche de soixante années de vie musicale et sensible au climat anxiogène actuel, je me suis projeté dans mes anciennes compositions susceptibles de nous faire du bien à tous (to heal) ! À moi, aux miens, à mes amis, compagnons et « compagnonnes », à toutes les personnes qui les écouteraient et plus particulièrement à celles qui me suivent et me soutiennent depuis tout ce temps, un public fidèle et passionné. Lorsque l’on entend et que l’on reçoit les vibrations de sa propre musique, on est souvent touché et ému. En réécoutant les musiques qui composent cet album, j’ai éprouvé les mêmes sentiments que lorsque je les avais imaginées des années auparavant. Elles m’ont un peu consolé et il m’a semblé nécessaire de partager ces émotions avec mes camarades musiciens et avec le public. Puissent ces musiques vous apporter de l’apaisement et un peu de « légèreté profonde », à l’instar des « Healing Songs » (chants de guérison). » Henri Texier

C’est en quintet qu’Henri Texier a enregistré son nouveau projet « Healing Songs ». En effet, sur cet opus, Emmanuel Borghi (piano, fender-rhodes) et Hermon Mehari (trompette) ont rejoint le trio constitué par Henri Texier (contrebasse), Sébastien Texier (clarinette, clarinette basse, saxophone alto) et Gautier Garrigue (batterie). Par ailleurs, le batteur Manu Katché est invité et participe à l’enregistrement de trois morceaux.

Henri Texier est l’auteur de toutes les compositions de « Healing Songs » hormis Vent Poussière, crédité à Sébastien Texier.

Au fil des titres

L’album ouvre avec Amazone blues gravé sur l’album « An Indian’s Week »(1993). Sur un rythme soutenu et à partir d’un motif obsédant du piano, les soufflants jouent à l’unisson une ligne mélodique qui n’est pas sans évoquer le climat des enregistrements Blue Note des années 50/60. Hard bop à fond ! Après une intervention inspirée du leader, Emmanuel Borghi déroule sur son clavier un solo énergique et inventif. Il passe le relais au saxophone alto de Sébastien Texier dont le propos fluide et onctueux précède l’improvisation du trompettiste Hermon Mehari. L’oreille se laisse séduire par sa sonorité solaire, son articulation et son jeu legato. Le morceau continue, soutenu par la rythmique souple et groovy qu’impulse Gautier Garrigue.

Le répertoire se poursuit avec Grêve révolte enregistré sur l’album « Remparts d’Argile » paru en 2000. Le titre permet d’apprécier la sonorité tellurique de la contrebasse du leader, l’improvisation sinueuse du clarinettiste et les notes perlées du pianiste lors de leurs improvisations. Le solo très expressif du batteur introduit celui du trompettiste dont la sonorité hésite entre éclat et éclipse. On savoure avec délice les subtilités du jeu du contrebassiste et son goût pour le chant et la mélodie.

Le titre suivant, Chebika courage, a lui aussi été gravé sur l’album « Remparts d’Argile ». Sur cette plage, Henri Texier invite Manu Katché. A partir d’une rythmique tout en souplesse, les vents exposent le thème qui tournoie de manière lancinante puis s’expriment successivement la trompette virtuose au phrasé flexible et aux notes détachées et l’alto volubile dont le phrasé souple déborde d’énergie. Le fender-rhodes du pianiste fait régner un climat funky puis les deux batteurs échangent de manière fort harmonieuse dans un style percussif qui allie finesse et puissance.

Avec Decent Revolt, le tempo ralentit. Sur ce titre gravé à l’origine en 2013 sur l’album « (V)ivre » du Strada sextet de Henri Texier, la mélodie est interprétée par la clarinette et la trompette et le propos est empreint de gravité. La musique évolue au rythme d’une procession musicale où règne une douce tristesse. Les cordes de la contrebasse font écho aux accents sensibles des baguettes. Le groupe continue avec Leïla, une autre pièce de l’album « Remparts d’Argile », créé en 1999 au festival du film d Amiens pour le film muet du même nom de Jean-Louis Bertuccelli en réalisé en 1970. Il en émerge une atmosphère nostalgique où trompette bouchée, clarinette, piano et contrebasse s’expriment avec douceur au-dessus du battement groovy et subtil de Manu Katché.

Composition de Sébastien Tixier, Vent poussière, figure aussi sur l’album « Remparts d’Argile ». Clarinette, piano et contrebasse se répondent. Les échanges évoquent une méditation aérienne où les notes circulent au-dessus des scintillements des balais sur cymbales. Une courte et sensible poésie musicale, comme une suspension du temps et de ses méfaits.

Après l’introduction bluesy de Sarajevo Blues, le phrasé ciselé du fender-rhodes ouvre la séance des improvisations. La trompette dont la sonorité irisée flirte avec la brume, laisse place aux envolées du saxophone alto qui allie lyrisme et sensibilité. Place ensuite au gros son de la contrebasse d’Henri Texier, l’occasion d’apprécier une fois de plus le talent de mélodiste et l’inventivité du leader. Le groupe se retrouve et après un court solo de batterie, le morceau se termine, mélancolique, tel qu’il avait commencé.

Avec Samba loca, l’oreille entame une excursion musicale à travers les rythmes latins. Déjà enregistré en 2011 par Henri Texier sur son album « Canto Negro », ce titre est le plus court de l’album. La mélodie est exposée à l’unisson par les soufflants qui conversent ensuite avec furie. Sur son clavier, le pianiste se fait percussif et induit une tension qui inspire les deux batteurs dont les jeux complémentaires et inspirés alimentent une folle batucada.

Quand tout s’arrête marque le terminus du voyage musical. Enregistré en 2018 par Henri Texier sur l’album « Sand Woman », ce blues sonne comme une réflexion autour du temps qui passe. La trompette lumineuse se questionne, clarinette et fender lui répondent et sur le manche de sa contrebasse, Henri Texier fait sonner des notes nostalgiques en guise d’au revoir… mais on est tenté de reprendre la route et de relancer les « Healing Songs » sur la platine.

Rendez-vous le 28 janvier 2026 à 20h30, au New Morning, à Paris pour retrouver Henri Texier qui présente son nouveau projet « Healing Songs » en quintet avec Sébastien Texier, Hermon Mehari, Emmanuel Borghi et Gautier Garrigue.

Un hymne musical comme un souffle d’espoir

Sur leur nouvel album « Célébration », Sébastien Texier et Christophe Marguet reviennent avec leurs fidèles compagnons, Manu Codjia et François Thuillier. Dans la continuité du précédent opus, « We Celebrate Freedom Fighters ! », le quartet évoque des moments marquants de l’histoire de l’humanité. Les dix compositions entonnent un hymne musical enflammé et coloré… et le miracle advient, la musique résonne comme un souffle d’espoir.

Sorti le 14 novembre 2025, « Célébration » (Mélodie en sous-sol/L’Autre distribution) se profile comme un album indispensable. Avec conviction et enthousiasme, le quartet met en musique des évènements clés de l’histoire de l’humanité, dans le monde et en France.

Le propos inspiré des musiciens laisse espérer que d’autres victoires de l’humanité peuvent encore advenir pour sauver le monde actuel de la morosité et du désespoir. La musique se savoure comme un élixir d’espoir pour qu’advienne demain.

« Célébration »… une musique bienfaisante

Sept ans après « For Travellers Only », plus de quatre ans (4 ans, 2 mois et 2 semaines !) après « We Celebrate Freedom Fighters ! », le saxophoniste et clarinettiste Sébastien Texier et le batteur Christophe Marguet sont de retour entourés du guitariste Manu Codjia et du tubiste François Thuillier avec « Célébration » (Mélodie en sous-sol/L’Autre distribution). On note que le titre de ce troisième album du quartet est rédigé en langue française.

Après l’hommage pour les combattants de la liberté rendu dans « We Celebrate Freedom Fighters ! », le quartet de Sébastien Texier & Christophe Marguet revient avec le « deuxième volet d’un diptyque inspiré de fait historiques marquants qui ont insufflé à l’humanité un élan de liberté et d’espoir, des évènements qui ont rendu le monde meilleur ».

« Dans cette période morose et parfois désespérée que traverse l’humanité tout entière, nous avions fortement envie de nous arrêter sur quelques évènements enthousiasmants de notre monde, de célébrer ces moments qui nous donnent la force d’avancer et d’espérer. » Sébastien Texier et Christophe Marguet

Composés à parts égales par Sébastien Texier et Christophe Marguet, les dix titres du répertoire de « Célébration », évoquent des événements forts et positifs de l’histoire de l’humanité

• dans le monde, la création du premier Parc Naturel pour la protection de la Nature aux États-Unis, la décolonisation en Inde, la transition démocratique en Espagne, la révolution des Œillets et l’avènement de la démocratie au Portugal, la fin de l’Apartheid en Afrique du Sud,
• en France, la Déclaration universelle des Droits de l’Homme, l’abolition de l’esclavage, la libération de Paris après quatre ans d’occupation allemande, la loi Veil et le droit à l’avortement, le droit de vote et l’éligibilité pour les femmes.

Au fil des titres

Entre poésie et énergie, les dix titres de « Célébration » captivent l’oreille de bout en bout.

Yellowstone ouvre l’album. Sur un riff aérien de la guitare de Manu Codjia, le tuba de François Thuillier souffle une mélodie mélancolique puis la sonorité limpide et délicate de l’alto de Sébastien Texier prend le relai. Le tuba revient et son chant virtuose se pare de douceur et ouvre l’espace à l’énergie lumineuse de la guitare qui brille de mille feux. Cette composition de Christophe Marguet célèbre ce parc créé en 1872 aux États-Unis. Aujourd’hui encore, ce refuge pour les espèces rares de la faune et de la flore abrite un des derniers écosystèmes de la zone tempérée de l’hémisphère Nord. 

Le répertoire se poursuit avec Quit India, une deuxième composition du batteur qui évoque le mouvement pour l’indépendance de l’Inde face à l’Empire britannique. L’alto fait entendre une mélodie envoûtante dont les couleurs flamboyantes sont mises en valeur par la solide ligne de basse du tuba. La musique s’élève ensuite vers les anges, portée par une improvisation aérienne de la guitare puis la lumière surgit des graves du tuba véloce.

S’enchaînent ensuite trois compositions de Sébastien Texier. Transición fait écho à la « transition démocratique » en Espagne, avec la fin de la dictature franquiste et la mise en place d’un régime démocratique. Après un début pointilliste du quartet, l’alto déroule un riff électrisant suivi d’envolées puissantes puis il s’élance dans une improvisation audacieuse. La guitare lui répond par une intervention dont les fulgurances explosives évoquent un feu d’artifice sonore où rock et jazz se disputent la prééminence. La musique est portée à son paroxysme par le batteur qui déploie dans son jeu un subtil dosage de puissance et de souplesse.

Courte mélopée, Mon Corps fait référence à l’interruption volontaire de grossesse et à la « Loi Veil », inscrite aujourd’hui dans la Constitution française après avoir été promulguée en France en 1975. Un moment tout en suspension au cours duquel la clarinette de Sébastien Texier installe un climat nuageux. Soutenu de bout en bout par le souffle profond du tuba, Mon esprit célèbre ensuite le droit de vote et l’éligibilité des femmes obtenu en 1944. Clarinette et guitare entament le morceau avec un motif poétique. Après le solo irradié de lumière de la clarinette, la guitare improvise et swingue au-dessus du souffle omniprésent du tuba et du rythme soutenu de la batterie.

Composé par Christophe Marguet, Les Œillets honorent La Révolution des Œillets qui en 1974 a mis fin à quarante ans de dictature salazariste au Portugal. Le chant de l’alto rayonne de lumière et la guitare survoltée s’envole au-dessus de la mêlée.

Débutée comme une procession funèbre dont la grosse caisse marque le rythme, 1789 célèbre La Déclaration des Droits de l’Homme et du Citoyen. Une mélodie porteuse d’espérance émerge de l’atmosphère d’abord chaotique de la composition de Sébastien Texier.

Place ensuite à Paris libéré, titre composé par Christophe Marguet. A partir d’un riff soufflé par le tuba sur le rythme soutenu qu’impulse la batterie, guitare et saxophone alto jouent à l’unisson une ligne mélodique dans un style funk enivrant. Puis l’alto s’exprime avec ardeur sur un motif soul soutenu par la guitare avant de céder la place à la batterie dont le chorus « libérateur » restitue l’ambiance de liesse qui régnait à Paris lors de sa libération en août 1944.

Écrit par Sébastien Texier, Abolition glorifie l’abolition de l’esclavage. Le thème débute par un chant joyeux entonné par tous les musiciens puis la guitare virtuose expose un chant contrôlé et riche en nuances avant que l’alto à la sonorité tranchante ne se lance dans un chorus lyrique et swinguant propulsé avec vigueur. Comme une prouesse, le quartet réussi l’exploit de contracter en 4’41 les 154 années qui furent nécessaires pour que l’esclavage soit définitivement aboli en 1948 par décret par Victor Schoelcher après que la Révolution française ait mis fin à ce fléau en 1794 tristement rétabli 8 ans plus tard par Napoléon.

« Célébration » se termine avec Mandela dédicacé par Christophe Marguet à celui qui a lutté toute sa vie durant contre l’Apartheid en Afrique du Sud et a été libéré en 1990 après vingt-sept années d’emprisonnement. Un an plus tard, advient la fin de l’Apartheid en Afrique du Sud et Nelson Mandela devient président de l’Afrique du Sud en 1994. Sur un rythme impulsé par le tuba et la batterie, clarinette et guitare fusionnent leurs chants en une joyeuse mélodie avant de dialoguer et de se répondre avec vigueur. En réponse, le tuba véloce fait éclater ses graves et le quartet se retrouve à célébrer une fête musicale dans une ambiance qui invite à la danse. 

Comme un souffle d’espoir, l’album « Célébration », fait rimer pour le meilleur, musique et politique. Du plaisir à savourer sans modération. On en redemande !

Pour écouter live le répertoire de « Célébration » du Sébastien Texier et Christophe Marguet quartet avec Manu Codjia et François Thuillier, rendez-vous le 05 décembre 2025 à 20h30 dans la salle 1 du Triton aux Lilas (93). 

Voyage lyrique et coloré

Avec son nouvel album « African Rhapsody », la pianiste Leïla Olivesi rend un hommage solaire à l’Afrique de ses origines. Cet opus confirme les talents de la compositrice. Un puissant chant d’amour inspiré par les plus grandes pages de la poésie de la négritude (Senghor, Césaire). Un monde imaginaire comme un voyage lyrique et coloré.

Après « Astral » (Attention Fragile & ACEL/L’Autre Distribution) enregistré en nonet et paru en novembre 2022, la pianiste franco-mauritanienne Leïla Olivesi revient avec son septième album, « African Rhapsody » (Attention Fragile - ACEL / L’Autre Distribution), sorti le 17 octobre 2025.

Moderne et inspirée, la musique de l’album « African Rhapsody » est interprétée par la pianiste compositrice et cheffe d’orchestre Leïla Olivesi entourée de solistes issus des meilleurs musiciens de sa génération, les saxophonistes Baptiste Herbin, Adrien Sanchez, Jean-Charles Richard, le trompettiste Quentin Ghomari, le guitariste Manu Codjia, le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Donald Kontomanou.

Sur un titre, la partition de saxophone alto est confiée à Olga Amelchenko. La chanteuse Camille Bertault rejoint les instrumentistes sur deux titres et l’ensemble vocal « Poetic Birds » interprète quatre autres compositions avec le groupe.

Les onze titres de l’album « African Rhapsody » invitent l’oreille à voyager dans un univers poétique, lyrique, moderne et coloré.

Leïla Olivesi

Leïla Olivesi a goûté aux joies de la scène au sein de la troupe des « P’tits Loups du jazz » dès l’âge de treize ans. Corse par son père et mauritanienne par sa mère, Leïla Olivesi est née au Moulin d’Andé en Normandie et a grandi dans l’effervescence artistique et cosmopolite de son milieu familial, entre le bandonéon d’Astor Piazzola, Nina Simone et la musique de Miles Davis et John Coltrane.

Docteure en musique et musicologie et diplômée en philosophie à la Sorbonne, elle a suivi un cursus au conservatoire en piano jazz, écriture et orchestration et à l’IACP (Institute for Artistical and Cultural Perception). Elle a étudié la musique avec Mulgrew Miller, Stéphane Belmondo, Manuel Rocheman, Bernard Maury, Héri Paredes, Christophe Dal Sasso, Carine Bonnefoy, Jean-Michel Bardez, Jacques Schneck, et Laurent Cugny, Lionel et Stéphane Belmondo.

Multiprimée, Leïla Olivesi a reçu le premier prix du concours international de composition pour Big Band Ellington composers en 2013, le premier prix de composition des Trophées du Sunside, et plusieurs prix Sacem. Son ensemble a reçu le premier prix de groupe au tremplin Jazz à Montmartre, le prix Jazz primeur de Culture France.

Depuis l’album « Astral » en 2022, Leïla Olivesi est devenue la 6ème femme lauréate du prix Django Reinhardt de l’Académie du jazz 2022 (qui récompense le/la meilleur.e musicien.ne de l’année) en 70 ans.

Elle a composé deux créations, « Rhapsody in Black » pour le Chœur Philharmonique International (2024), « Le Tour du Monde en 80 Lunes » pour le choeur VOCO du département des Hauts de Seine à la Seine Musicale (2025). Elle a aussi dirigé le Big Band Jazz AMU pour l’édition 2025 du Festival Marseille Jazz des 5 Continents.

Après Frida (2004), L’Étrange Fleur (2007) et Tiy (2012) gravés en sextet, Leïla Olivesi a enregistré Utopia (2015) en quintet, puis c’est en nonet qu’elle a sorti « Suite Andamane » en 2019 et « Astral » en 2022. Depuis l’année 2012, le guitariste Manu Codjia a participé aux albums de Leïla Olivesi et tous les opus de la pianiste ont été enregistrés avec l’excellente rythmique formée par le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Donald Kontomanou.

En 2025, Leïla Olivesi présente « African Rhapsody », un album à la fois poétique, lyrique, moderne et coloré. Un bouquet musical tonique et enchanteur.

« African Rhapsody »

L’album « African Rhapsody » a été enregistré les 4, 5 6 & 20 mars 2025 au Studio Sextan La Fonderie à Malakoff, avec une prise de son créditée à Erwan Boulay.

A ses côtés, Leïla Olivesi a réuni Baptiste Herbin (saxophone alto), Adrien Sanchez (saxophone ténor), Jean-Charles Richard (saxophones baryton & soprano), Quentin Ghomari (trompette, bugle), Manu Codjia (guitare), Yoni Zelnik (contrebasse) et Donald Kontomanou (batterie). Sur un titre, la partition de saxophone alto est confiée à Olga Amelchenko.

Les instrumentistes sont rejoints par la chanteuse Camille Bertault sur deux titres et sur quatre autres compositions par l’ensemble vocal « Poetic Birds » constitué de Yanis Benabdallah, Yété Queiroz, Clémence Olivier, Armelle Humbert, Julia Beaumier, Annouk Jobic, Judith Deroin, Florent Thioux, Gilles Safaru, Emmanuel Bouquey, Sorin Adrien et Vlad Crosman.

En référence à la définition du Larousse, la rhapsodie en musique classique est une « pièce instrumentale de caractère libre, proche de l’improvisation, utilisant des thèmes ou des effets folkloriques ». Le Robert quant à lui définit la rhapsodie comme une « pièce musicale instrumentale de composition très libre et d’inspiration populaire ».

De son côté, Leïla Olivesi conçoit son « African Rhapsody » comme un voyage de l’Afrique à New York, onze étapes au cours desquelles elle invoque les esprits de ses ancêtres.

Au fil des titres

Avec African Rhapsody débute le voyage. Après cette ouverture orchestrale éblouissante aux nombreuses nuances rythmiques, Corsica résonne comme le léger vent de sud-ouest qui souffle sur la Corse. L’oreille frémit de bonheur à ces tournoiements de douceurs.

Avec Wayne Left Town, Leïla Olivesi et ses compagnons font un clin d’œil complice et émouvant à Wayne Shorter. Un grand moment de jazz au cours duquel les soufflants s’en donnent à cœur joie. La pianiste fait entendre un chorus jubilatoire. Un sommet de swing, un morceau solaire comme l’était l’inoubliable Wayne Shorter (1933-2023).

Le répertoire se poursuit avec Blue Chinguetti qui célèbre la ville du centre-ouest de la Mauritanie surnommée « la Sorbonne du désert ». La voix de Camille Bertault survole le morceau avec délicatesse et la guitare tonique de Manu Codjia élève la musique jusqu’au septième ciel. La félicité se profile à l’horizon !

Leïla Olivesi et Donald Kontomanou dialoguent en apesanteur sur Little African Flower, la composition de Duke Ellington dont ils donnent une version courte et évanescente. Le titre suivant aurait pu être celui de l’album… Joy. Les chorus se suivent, tous plus joyeux les uns que les autres. Un élixir de bonheur à consommer sans modération.

Sur Aurore, l’interprétation de l’orchestre évoque la transparence de l’air au lever du jour. Avec légèreté, Camille Bertault interprète le poème de Djamila Olivesi (mère de la pianiste) consacré à Aïcha Kandicha, la sublime et envoûtante sorcière du désert du Sahara. Les doigts de Leïla Olivesi effleurent les touches du piano, la guitare de Manu Codjia est inspirée, lyrique et lumineuse, alors que l’alto est tenu par Olga Amelchenko.

Une longue introduction de Donald Kontomanou ouvre l’Interlude : Afro Queen, qu’il a co-composé avec la pianiste. Les « Poetic Birds » interviennent ensuite puis sont rejoints par le saxophone soprano de Jean-Charles Richard. Le titre se termine avec de douces notes du piano et résonne comme une rêverie rayonnante aux couleurs célestes.

L’album se poursuit avec les trois morceaux de la « Poetic Birds Suite ». Sur Les Nuits et sur Un jour, le Silence, l’ensemble vocal chante les paroles de « Celui qui a tout perdu » de David Diop. New York termine la suite et l’album. Sur ce dernier titre, le groupe vocal chante des vers extraits du poème « A New York » de Léopold Sedar Sanghor. La musique gagne en lyrisme, en swing et en puissance.

Pour écouter les mélodies de l’album « African Rhapsody », rendez-vous , le 13 décembre 2025 à 19h, au Moulin d’Andé, lieu de naissance de la pianiste. Leïla Olivesi se produit en quintet avec Quentin Ghomari, Jean-Charles Richard, Samuel F’Hima (contrebasse) et Donald Kontomanou. En attendant, Il suffit de remettre la rayonnante « African Rhapsody » sur la platine pour que la rhapso’rêverie reprenne de plus belle… il serait vraiment dommage de s’en priver !