Flavio Boltro & Fabio Giachino – « Things To Say »

Flavio Boltro & Fabio Giachino – « Things To Say »

Conversation musicale intime

Le trompettiste Flavio Boltro et le pianiste Fabio Giachino conversent en toute intimité sur « Things To Say ». Une alchimie musicale expressive et intense unit les deux musiciens transalpins. Onze compositions originales à savourer avec délice. Entre passion et confidence, un album lyrique et stimulant.

visuel de l'album Things To Say de Flavio Boltro & Fabio GiachinoLe label italien CAM Jazz propose « Things To Say », un enregistrement du duo Flavio Boltro & Fabio Giachino.

Riche en émotions, le dialogue entre le trompettiste et le pianiste comble l’oreille. Leurs échanges témoignent d’une écoute profonde et d’une grande expressivité.

Sur « Things to say » (CAM Jazz/L’Autre Distribution) sorti le 22 avril 2022, les émotions ponctuent la conversation entre Flavio Boltro & Fabio Giachino. A écouter sans modération !

Flavio Boltro

Aujourd’hui trompettiste de référence du jazz italien, Flavio Boltro a suivi le cursus du conservatoire national de musique classique de Turin G. Verdi. Il a étudié la trompette classique pendant sept ans. À 19 ans, il remporte le premier prix de trompette classique du Conservatoire, mais renonce à un poste fixe au sein de l’Orchestre Symphonique de Turin, préférant le jazz.

Dans les années quatre-vingt, il a joué dans « Lingomania quintet » de Maurizio Giammarco avec Roberto Gatto (batterie), Furio Di Castri (contrebasse), Maurizio Giammarco (saxophone) et Umberto Fiorentino (guitare) et s’est produit avec Steve Grossman, Cedar Walton, Billy Higgins, Clifford Jordan, Jimmy Cobb, Manhu Roche, Joe Lovano, Freddie Hubbard. Il a remporté le référendum Top Jazz à plusieurs reprises (à la fois en tant que soliste et en tant que membre de « Lingomania »).

Depuis les années quatre-vingt-dix, il a tourné son activité vers la France, où il réside aujourd’hui. En 1994 il rejoint l’Orchestre National de Jazz de Laurent Cugny, intègre en 1996 le sextet de Michel Petrucciani et en 2000 le quintet de Michel Portal. En 1997, il est membre du quintet de Stefano Di Battista, avec Éric Legnini (piano), Benjamin Henocq (batterie) et Rosario Bonaccorso (contrebasse). En 2003, Flavio Boltro joue en quartet avec Éric Legnini, Rémi Vignolo et Franck Aghulon avec qui il enregistre l’album « 40 degrés » (Blue Note Records). Durant cette même année 2003, il participe au Trio AIR avec Giovanni Mirabassi (piano) et Glenn Ferris ((trombone) avec qui il enregistre l’album « AIR » ((Sketch)).

En 2007, le chanteur populaire italien Gino Paoli réalise son rêve : monter un groupe de jazz. Il s’entoure de Flavio Boltro, Roberto Gatto, Rosario Bonaccorso et Danilo Rea. Le groupe enregistre 2 albums, « Milestones - Un Incontro In Jazz » (Blue Note) et « Un incontro in jazz à Rome » (Parco Della Musica Records). En 2011, le label allemand Act Music propose à Flavio Boltro d’enregistrer des grands airs d’opéra italiens. Avec Danilo Rea qui a comme lui une solide formation classique, il grave l’album « Opera at Schloss Elmau ». En 2012, il enregistre « Joyful » (Bonsaï) avec son nouveau groupe, « Joyful », un quintet All stars composé de l’italien Rosario Giuliani (saxophone), Pietro Lussu (piano), Darryl Hall (basse) et André Ceccarelli (batterie). Il fait appel à Alex Ligertwood (voix), un des chanteurs du groupe de Carlos Santana.

Sur « Spinning » (2018) il revient au trio sans instrument harmonique avec Marco Battisti (contrebasse) et Mattia Barbieri (batterie) et explore avec eux de nouvelles perspectives musicales (pop, électro) et propose une musique complexe et contemporaine.

Fabio Giachino

Le pianiste est considéré comme l’un des plus grands talents apparus sur la scène musicale italienne ces dernières années.

Parallèlement à ses études académiques classiques, il étudie le jazz avec entre autres Antonio Faraò, Dado Moroni, Riccardo Zegna, Danilo Rea, Franco D’Andrea, Stefano Battaglia, Gianluigi Trovesi, Pietro Tonolo, Furio Di Castri, Barry Harris, Joey Calderazzo, Kurt Rosenwinkel, Scott Colley, Jeff Tain Watts, Salvatore Bonafede. En mars 2012, il termine sa période de jazz de deux ans au Conservatoire G. Verdi de Turin avec Furio Di Castri et Dado Moroni.

En 2009 et 2012, il étudie à New York avec Fred Hersh et Hal Crook. En 2011, à Detroit, il participe avec Emanuele Cisi à un échange entre le département de jazz du conservatoire de Turin et la Wayne State University of Michigan. En 2016, il est sélectionné par l’Association nationale des musiciens de jazz pour une résidence d’artiste de trois mois à l’ambassade d’Italie à Copenhague.

Fabio Giachino mène une intense activité de concerts (Allemagne, France, Suisse, Belgique, Espagne, Danemark, Angleterre, République tchèque, Pologne, Turquie, Roumanie, Canada, États-Unis et Italie). Il collabore avec de nombreux artistes jazz tels que Dave Liebman, Rosario Giuliani, Furio Di Castri, Maurizio Giammarco, Emanuele Cisi, Gavino Murgia et Massimo Manzi. Il collabore aussi avec Fabrizio Bosso, Gegè Telesforo, Javier Girotto, Miroslav Vitous, Dusco Goycovitch, Gilad Atzmon et bien d’autres. Dans les domaines pop et R&B, il a travaillé entre autres avec Roy Paci, Motel Connection, ENSI, Dj2P.

Entre 2011 et 2014, il est récompensé par de nombreux prix en Italie et en Europe, en tant que soliste et aussi à la tête de son groupe. Il est élu de 2011 à 2014 parmi les 10 meilleurs pianistes italiens selon le référendum sur les JazzIT Awards ainsi que parmi les 10 meilleurs groupes italiens avec son trio en 2013 et 2014. Son premier album « Introducing Myself » (2012) enregistré en trio avec le saxophoniste Rosario Giuliani et son deuxième album en trio « Jumble Up » (2014) ont été respectivement inclus dans les 100 Greatest Jazz Albums 2012 et 2013 selon le magazine JAZZIT.

Après « Blazar » (en trio) et « Balancing Dreams » (en solo) enregistrés en 2015, il grave ensuite « North Clouds » (2017) en trio avec Matthias Flemming Petri (basse) et Espen Laub Von Lillienskjold (batterie) et deux invités, Benjamin Koppel (saxophones) et Paolo Russo (bandonéon). Il a intégré le label CAM Jazz en 2019 à la tête d’un octet avec « At The Edges of The Horizon » puis en solo avec « Limitless » (2021)

« Things to say »

Flavio Boltro & Fabio Giachino ont partagé ensemble de nombreuses expériences musicales. En 2022 se retrouvent en duo sur « Things to Say » sorti le 22 avril 2022 chez CAM Jazz.

L’album a été enregistré en décembre 2020 sous la supervision du producteur musical Ermanno Basso par Alessandro Taricco au studio Riverside de Turin (Italie), puis mixé et mastérisé en janvier 2021 par Stefano Amerio au studio Artesuono à Cavalicco dans la province de Udine (Italie).

Au sein de son intimité artistique, le duo s’exprime avec complicité dans un idiome où flirtent liberté et modernité. Le trompettiste s’approprie chaque note qui émane de son instrument et dialogue avec le pianiste au langage lyrique ancré dans les racines du jazz. De superbes mélodies spatiales croisent de stimulantes lignes expressives.

L’album propose onze titres assez courts pour la plupart, six compositions du pianiste, quatre du trompettiste et une collective.

Au fil des pistes

L’album ouvre avec Piccola Nina, une composition de Flavio Boltro, jouée de manière assez exubérante. Le swing et l’aisance du trompettiste suscitent l’allégresse et inspirent au pianiste une improvisation fort expressive à l’issue de laquelle le duo se retrouve et échange en belle harmonie. Le répertoire continue avec une composition de Fabio Giachino, Dark Fire and Desire. A partir d’un riff du piano, le thème est ensuite exposé à l’unisson à la suite de quoi les deux solistes ont beaucoup de choses à dire. Le pianiste mêle virtuosité savante et lyrisme précieux. Le trompettiste lui répond par des phrases hard bop et son jeu soutenu permet d’apprécier sa fougue et son intrépidité.

Things to Say, la composition du pianiste qui donne son nom à l’album, fait ressortir la complicité qui règne entre les deux musiciens et leur osmose artistique. Son chaud de la trompette, maîtrise des aigus, jeu vif et passionné du piano.

Sur sa composition Prelude to Salina, le pianiste s’exprime solo. D’une grande liberté harmonique, son jeu développe des lignes mélodiques lumineuses pleines de charme. Le duo se reforme sur Salina, ballade écrite par Flavio Boltro. Les notes tenues et travaillées de la trompette confèrent une esthétique raffinée à cette composition ourlée de délicatesse.

Avec Hidden Smile, on assiste à un échange musical séduisant entre le son cuivré de la trompette et l’approche élégante et mélodique du piano. Irrésistible !

Une douce tristesse s’invite ensuite sur la composition du pianiste, No Noise. L’accompagnement tout en finesse et en légèreté du pianiste met en valeur la plénitude et la délicatesse de la trompette. Seven Dwarves, le morceau suivant, se fait plus aventureux voire même un peu fantaisiste. Après l’exposé à l’unisson du thème pris sur un tempo médium, piano et trompette rivalisent de virtuosité dans un climat dansant où l’écoute demeure de mise entre eux.

Changement d’esthétique avec Mood and Blues, blues au tempo rapide. Articulation vertigineuse de la trompette, effets de pistons, accompagnement solide et sans faille du piano. Les deux musiciens sont au diapason et improvisent au galop.

Sur le percussif et malicieux, Tira E Mola, le duo semble s’amuser. Climat enthousiaste et échanges sautillants. L’album se termine avec Spicy Blues, le morceau le plus court du répertoire. Un blues baroque et très vif. Tel un orfèvre du timbre, le trompettiste articule avec précision chacune de ses notes alors que le jeu très maîtrisé du piano navigue entre tradition et modernité.

Pour écouter Flavio Boltro & Fabio Giachino, rendez-vous le 22 mai 2022 à 22h au Camera Jazz Club de Bologne (Italie).

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

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Des conditions climatiques idéales président à la soirée du 16 juillet 2022 des Nuits de Fourvière qui programment Marion Rampal puis Archie Shepp sur la scène du Théâtre de l’Odéon. Le public a vibré avec enthousiasme à l’écoute des musiques de ces artistes aussi talentueux que généreux.

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Echo#1-Jazz à Vienne 2022

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Double plateau alléchant et conditions atmosphériques estivales pour la soirée du 02 juillet 2022 du festival Jazz à Vienne. Le oudiste Dhafer Youssef venu en quartet puis Marcel Khalifé & Bachar Mar Khalifé en septet ont comblé le public du Théâtre Antique. Les vibrations musicales orientales ont déclenché l’ovation d’une foule enthousiaste.

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FUSSYDUCK sort son premier album

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Le tout premier album de FUSSYDUCK est sorti sur le Label Double Moon Records. Belle découverte que le projet de ce groupe transnational. L’opus « Maybe that’s all we get » propose une musique singulière aux contrastes mélodiques et harmoniques colorés et aux paysages sonores délicats et chaleureux. Groove et fraîcheur sont alliés pour le meilleur.

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Avishai Cohen signe « Shifting Sands »

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Retour au trio

Le contrebassiste Avishai Cohen fait son grand retour avec « Shifting Sands » et une formation éblouissante qui réunit à ses côtés le pianiste Elchin Shirinov et la batteuse Roni Kaspi. L’album renoue avec l’alchimie propre à la musique d’Avishai Cohen… élégance musicale, grandes lignes mélodiques et rythmes divers et recherchés. Somptueux et captivant.

couverture de l'album Shifting Sands du contrebassiste Avishai CohenDevenu au fil des ans une figure incontournable du jazz international, le contrebassiste, chanteur et compositeur Avishai Cohen présente la musique de son nouvel album « Shifting Sands » (Naïve/Believe).

Après avoir dirigé des orchestres comme sur « Two Roses » (Naive/Believe) sorti en 2021 ou dirigé de plus petits ensembles sur « Arvoles » (Razsdaz Recordz/Warner Music) il revient au format du trio jazz piano/contrebasse/batterie. A ses côtés, le pianiste Elchin Shirinov et la batteuse Roni Kaspi.

Le 05 juillet 2021, le concert donné par Avishai Cohen Trio sur la scène du Théâtre Antique de Vienne dans le cadre « Jazz à Vienne » avait permis de découvrir quelques titres de l’album et de percevoir la complicité qui régnait entre Avishai Cohen, Elchin Shirinov et Roni Kaspi.

Attendu pour le 13 mai 2022, l’album « Shifting Sands » (Naïve/Believe) du contrebassiste Avishai Cohen confirme l’alchimie musicale du trio.

« Shifting Sands »

Avishai Cohen TrioDurant le confinement, Roni Kaspi est encore étudiante au Berklee College of Music de Boston. Tous ses cours étant suspendus en raison de la pandémie, elle retourne en Israël. Avec le confinement, beaucoup de musiciens ont eu besoin d’échanger et de continuer à faire de la musique ensemble « virtuellement », puisqu’il leur était impossible de se voir. La jeune batteuse née en 2000 a posté une vidéo sur les réseaux sociaux où elle jouait la musique d’Avishai Cohen. Ce dernier a manifesté la curiosité de la rencontrer puis ils ont commencé à répéter ensemble. Il lui a ensuite proposé d’intégrer son trio et de rejoindre le pianiste azerbaïdjanais Elchin Shirinov natif de 1982. Le contrebassiste a quant à lui célébré son demi-siècle en 2020. L’écart d’âge ne constitue en rien un obstacle à l’entente des trois musiciens et s’évapore même dès que le trio commence à jouer.

Les compositions de « Shifting Sands » ont vu le jour chez Avishai Cohen, près de Jérusalem, sur son piano, pendant la pandémie. Pour la première fois depuis des années, la situation sanitaire a tenu le contrebassiste à l’écart de la route pendant plusieurs mois. Il a continué à communiquer avec son public régulièrement grâce à des sessions live sur Facebook et Instagram, considérant cela comme une mission. Cette obligation de répéter lui donnait une motivation durant cette période où l’isolement était de mise.

« C’était une façon inhabituelle de travailler, mais en même temps, je trouvais ça sympa et stimulant de faire plaisir au moins à quelques personnes chaque jour. Et de me faire plaisir. Ne pas pouvoir faire de concerts pendant une si longue période, cela ne m’était jamais arrivé. Cela m’a fait apprécier mon métier encore plus qu’avant. » Avishai Cohen

Enregistré en août 2021 au Nilento Studio de Göteborg (Suède), « Shifting Sands » a été mixé et mastérisé par Lars Nilsson. L’album propose neuf compositions originales du leader et un traditionnel. Les dix titres ont été arrangés par Avishai Cohen.

« Shifting Sands », un album somptueux où s’entrecroisent lyrisme, puissance, générosité et émotion.

Au fil des titres

En ouverture, Intertwined révèle d’emblée la puissance de la musique du trio. A partir d’un riff envoutant basse/piano émerge une mélodie angélique. Une réelle magie opère entre le piano lumineux, les battements vigoureux des tambours et la contrebasse pulsatile. Les expressions des trois musiciens s’entrelacent tout au long du morceau qu’ils explorent et transforment.

Sur Window, la musique se développe à partir d’un motif mélodique que piano et contrebasse jouent en parfaite synchronisation. Le pianiste improvise ensuite avec une fougue non dénuée de poésie. Les notes chantent, les couleurs sonores se succèdent et se fondent en une mélodie entêtante construite en boucle. Batterie, contrebasse et piano unissent leur énergie et reviennent à la pulsation du début. Puissance et lyrisme se conjuguent avec bonheur.

Changement d’atmosphère avec Dvash qui tranche avec la véhémence du titre précédent. L’exposition du thème en contrepoint par le piano et la contrebasse rappelle la forme d’une fugue, ce qui n’est pas sans évoquer des résonances de musique baroque. Après quatre minutes, le solo de contrebasse advient telle une offrande. Plus loin, la contrebasse expose le thème de Joy à l’archet. Construit comme une incantation, le titre ouvre un grand espace d’expression à la batteuse dont le jeu déstructuré s’épanouit avec véhémence avant de céder la place à un chorus énergique du pianiste.

Ourlée de couleurs nostalgiques, la mélodie de Below accueille le silence. Riche des influences musicales du compositeur, elle témoigne d’une grande profondeur. Le trio enchaîne ensuite avec le titre qui donne son nom à l’album. Shifting Sands, un voyage spirituel où alternent les envolées du piano et celles de la batterie. La contrebasse improvise avec une délicatesse qui confine au romantisme. Subtil et pénétrant.

Avec Chacha Rom, retour à un tempo plus syncopé. Sur les cordes de la contrebasse, l’archet fait chanter les notes. Le pianiste inspiré les invite ensuite à danser sur les touches noires et blanches. Un vrai régal rythmique et mélodique.

Par une interprétation évocatrice de l’art de Bill Evans, le trio transforme le titre traditionnel Hitragut en un concentré de lyrisme et d’élégance. Le jeu tout en retenue du pianiste n’en demeure pas moins plein d’allant, stimulé avec subtilité et souplesse par la batterie. Le contraste est saisissant avec Videogame construit à partir d’une nappe mélodique que piano et contrebasse développent avec emphase. Les riffs réitératifs du piano propulsent la contrebasse. Le dialogue entre les deux instruments confine à la communion. Le climat sonore se fait envoutant.

L’album se referme avec Kinderblock. Une toile musicale impressionniste en deux mouvements où le piano est rejoint après trois minutes par le jeu élégant de la contrebasse et l’effleurement des balais sur les peaux et les cymbales. Magie absolue !

Pour écouter Avishai Cohen Trio, rendez-vous le 17 mai 2022 à La Cigale à Paris, le 28 mai 2022 à Coutances dans le cadre de Jazz sous les pommiers, le 10 juin 2022 dans le cadre du Jazz festival de Pic St Loup, le 28 juin 2022 dans le cadre du Festival de jazz d’Ajaccio, le 30 juin 2022 à Blainville-Crevon dans le cadre du Archao Festival. ICI pour connaître l’intégralité des dates des concerts du contrebassiste Avishai Cohen.

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Laurent Coulondre présente Meva Festa

Laurent Coulondre présente Meva Festa

Sous le signe du soleil et de l’exotisme

Le 15 avril 2022, le pianiste Laurent Coulondre invite à écouter Meva Festa, le premier extrait de son nouvel album au titre éponyme dont la sortie est annoncée pour septembre 2022. Une superbe promesse d’évasion sous le signe du soleil et de l’exotisme !

visuel de l'album Meva Festa de Laurent CoulondreDepuis deux ans, Laurent Coulondre s’est entouré d’une équipe de choc avec laquelle il a réalisé « Meva Festa », l’album de ses rêves. « Meva Festa »…. un mélange de catalan et de brésilien qui se traduit par « Ma Fête »,

A travers ce projet aux sonorités latino-américaines, l’artiste communique sa joie de vivre mais aussi sa vision de la musique, de la vie et du partage. La musique explose… que la fête commence !

« Meva Festa », du jazz latin, festif, chaleureux qui rend hommage aux origines espagnoles de Laurent Coulondre et à l’Amérique du sud qu’il affectionne tant.

Pendant le confinement, le lauréat de deux Victoires du Jazz, Révélation de l’année/Prix Frank Ténot en 2016 et Artiste instrumental en 2020, Laurent Coulondre a fait des sessions avec le percussionniste brésilien Adriano DD Tenorio.

« C’est à Adriano DD Tenorio, véritable magicien de la percussion, que je dois l’essence même de ce projet ainsi que son nom. » Laurent Coulondre

Laurent Coulondre a réalisé « Meva Festa » avec Laura Dausse, chanteuse, flûtiste et percussionniste. Le leader a vu les choses en grand, percussions, trompettes, saxophones, trombone, flûtes, basses, batteries, contrebasse, voix…

Ainsi, aux côtés de Laurent Coulondre (piano, claviers), on retrouve Adriano Dos Santos Tenorio (percussions), Jérémy Bruyère (basse, contrebasse), Robinson Khoury (trombone), Alexis Bourguignon (trompette), Nicolas Folmer (trompette), Lucas Saint Cricq (saxophones et baryton), Stéphane Guillaume (saxophone ténor, flutes), Laura Dausse (voix), Martin Wangermée (batterie), André Ceccarelli (batterie).

Pour écouter live Laurent Coulondre et son projet « Meva Festa », rendez-vous le 11 juin 2022 à 20h30 à l’Alhambra de Genève (Suisse), le 29 juillet 2022 à 21h30 dans le cadre du festival Jazz à Foix 2022 et aussi le 12 octobre 2022 au New Morning (Paris).

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

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Echo#1-Jazz à Vienne 2022

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FUSSYDUCK sort son premier album

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« Back to heaven – Led Zeppelin/Chapter Two »

« Back to heaven – Led Zeppelin/Chapter Two »

L’Orchestre Franck Tortiller sur les traces de Led Zep’

« Back to heaven - Led Zeppelin/Chapter Two » (MCO/Socadisc - Believe) marque le retour de Franck Tortiller et de son Orchestre dans l’univers de Led Zeppelin. L’album ré-explore la musique de ce groupe mythique qui a fasciné le vibraphoniste, chef d’orchestre, compositeur et arrangeur. Les transpositions jazz du répertoire rock de Led Zep’ magnifient l’œuvre originale dont elle sait se démarquer. Accents orchestraux explosifs, cuivres énergiques, solos fougueux. Un opus brillant et captivant, moderne et élégant.

A la tête de son octet, Franck Tortiller donne avec « Back to heaven - Led Zeppelin/chapter Two » une suite à « Close to Heaven » (2006), album enregistré lorsqu’il était à la tête de l’Orchestre National de Jazz (ONJ).

Couverture de l'album Back to Heaven - Led Zeppelin-chapter Two par l'Orchestre de Franck TorttillerA la tête de l’Orchestre Franck Tortiller, il explore de nouveau le legs de Led Zeppelin. Rien d’académique et la fraîcheur du neuf ! Ça joue, ça souffle, ça frappe, ça sonne, ça chante, ça bouscule, ça invente, ça crée !

Du Led Zep’ Jazz qui pourrait devenir un répertoire de référence dans l’histoire du jazz orchestral. Les sons débordent d’énergie et colorent de nouvelles nuances la musique de Led Zeppelin tout en respectant l’esprit des compositions originales. Rien d’académique, pas de conservatisme, juste (peut-être) un peu de nostalgie et surtout, surtout… de l’innovation.

Ainsi sur « Back to heaven - Led Zeppelin/Chapter Two » (MCO/Socadisc-Believe) sorti le 11 mars 2022, Franck Tortiller propose neuf relectures, véritables déconstructions et recréations de titres de Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones et John Bonham. Aux thèmes issus de sept des neuf albums studio publiés entre 1969 et 1979 par Led Zeppelin, il ajoute sa composition Moby and Moby, inspirée par un titre du deuxième album du célèbre groupe.

Les superbes arrangements accordent une place essentielle à l’expression des cuivres. L’Orchestre Franck Tortiller transforme les hits rock en standards de jazz orchestral. Accents hip-hop et syncopes énergiques modernisent les hymnes du groupe légendaire sans les trahir. Groove et énergie cohabitent avec nostalgie et liberté sur « Back to heaven - Led Zeppelin/Chapter Two ».

Franck Tortiller

De ses débuts à l’ONJ

Après des études de percussions classiques au Conservatoire de Dijon, puis au Conservatoire National Supérieur de Paris couronnées avec succès par l’obtention du Premier Prix de Percussion à l’unanimité, du Premier Prix d’Analyse musicale et du Certificat d’Aptitude en percussions, le natif de Bourgogne se dirige vers le jazz et remporte en 1989 le Premier Prix de soliste et le Premier Prix d’Orchestre à l’occasion du Concours National de Jazz de La Défense (Paris).

Il joue avec de nombreux musiciens internationaux de jazz de premier plan (Mike Manieri, Dave Samuels, Steve Swallow…) puis, dans les années 90, intègre le « Vienna Art Orchestra » de Mathias Rüegg avec qui il tourne et enregistre.

En 2005, Franck Tortiller est nommé Directeur de l’ONJ. Il compose, dirige et joue dans cet orchestre qui reçoit le Django d’Or du meilleur spectacle. Avec sa formation jazz, il donne plis de 200 concerts dont le programme est consacré à « Close to Heaven » et à la musique de Led Zeppelin dont il respecte l’esprit pop-rock des années 70.

Après l’ONJ

En 2008, à sa sortie de l’ONJ, son orchestre est conventionné par le Ministère de la Culture. Depuis, il partage sa carrière entre des activités de soliste, de compositeur et de leader de formations.

Soliste

Comme soliste, il est amené à se produire dans les plus grandes salles de concert comme soliste invité par de prestigieux orchestre tels le Basel Sinfonietta, l’Orchestre symphonique de Ulm, l’orchestre de Mannheim, l’orchestre PasdeLoup, l’Orchestre Provence Alpes Côtes d’Azur (à Cannes), l’Orchestre des Pays de Savoie (Annecy), l’Orchestre de Chambre d’Auvergne ou encore le Quatuor Debussy.

Compositeur

En tant que compositeur, il est sollicité et reçoit commandes d’écriture pour les percussions de Strasbourg, le quatuor Debussy, les big band de Luzern, de la Denver university, et du WAYJO de Perth en Australie. Durant trois années, Franck Tortiller est « artiste résident » du festival Jazz sous les Pommiers à Coutances. S’ensuivront d’autres résidences dont celle de quatre ans à la Scène Nationale de Sceaux, Les Gémeaux.

Leader de formations Jazz

Franck Tortiller®Didier Ferry

Franck Tortiller®Didier Ferry

Chaque année (ou presque) voit la sortie d’un album avec son Orchestre ou en petite formation.

En 2012, paraît « Janis the pearl », un album consacré à la relecture du répertoire pop de la chanteuse. En 2014, il enregistre un album solo, « La leçon des Jours » et en 2015 sort le lyrique « Singing Fellows » avec le saxophoniste François Corneloup. En 2016, est publié l’album « Rhapsody in Paris », une œuvre orchestrale enregistrée en trio avec l’Orchestre Pasdeloup et crée à la Philharmonie de Paris.

Avec la jeune génération de musiciens de jazz, Franck Tortiller remonte son Orchestre avec lequel ils sort en 2018 un premier album « Collectiv » suivi en 2019 de « Shut up’n sing yer Zappa » dans lequel il renoue avec l’adaptation du répertoire des années 70. En parallèle, il consacre une création ambitieuse au poète Mahmoud Darwich, en collaboration avec Elias Sanbar qui sera créée à la Scène Nationale du Havre et reprise à la Philharmonie de Paris.

En 2020, retour à un album plus intimiste gravé en duo avec le guitariste Misja Fitzgerald-Michel, « Les heures propices » alors que 2021 marque la naissance de « Jazztronics X-Perience » une formation qui regroupe jeunes musicien.ne.s et musiciens expérimentés dans un programme qui allie le jazz à l’électronique.

2022 marque le retour de Franck Tortiller dans le monde musical de Led Zeppelin avec l’album « Back to heaven - Led Zeppelin/chapter Two » (MCO/Socadisc - Believe).

« Back to heaven - Led Zeppelin/chapter Two »

En neuf albums seulement, Led Zeppelin a bouleversé le monde du rock. Cette période a fasciné Franck Tortiller, « tant par son énergie créatrice que sa propension a renverser les certitudes des sociétés d’après-guerre ».

« Inventer, créer, bousculer, penser la vie autrement et surtout l’écouter autrement, voici ce que Led Zeppelin nous a légué. Et nous revoilà, 15 ans après, a ré explorer cet univers fascinant, à se replonger dans ces sons, ces riffs, ces grooves, et surtout cette idée que la musique peut être libre, sans préjugé et sans dogme. Cet hommage à l’univers de Led Zeppelin ne se résume pas aux clins d’œil épars ou aux citations convenues. Nous allons nous immerger dans un son, une idée de musique qui peut être jouée aussi par des claviers, des cuivres, par des musiciens de jazz. Quoique jazz mais pas que… » Franck Tortiller

Tous signés par le leader, les arrangements magnifient les neufs titres originaux de Led Zep’ et la composition de Franck Tortiller, Moby and Moby. « Back to heaven - Led Zeppelin/chapter Two » a été enregistré par Ludovic Lanen au studio Soult et mixé par Mohammad Sadeghin au studio Ludo.

Orchestre Franck Tortiller©Jacques Tamee

Orchestre Franck Tortiller©Jacques Tamee

Avec ses fidèles compagnons de route, Patrice Héral à la batterie, percussions, voix et électronic et Joël Chausse à la trompette, buggle, cornet à pistons et trompette piccolo, Franck Tortiller accueille dans son Orchestre des musicien.ne.s de la nouvelle génération, Maxime Berton aux saxophones ténor et soprano, Jérôme Arrighi à la basse et Matthieu Vial-Collet à la guitare et voix, avec laquelle il est associé depuis quelques années, Olga Amelchenko saxophones alto et soprano et Gabrielle Rachel Barbier-Hayward au trombone. Seul Patrice Héral a participé à l’enregistrement des deux albums « Close to Heaven » et de « Back to heaven - Led Zeppelin/Chapter Two ».

De bout en bout des plages, l’alchimie entre les membres du groupe est parfaite.

Au fil des pistes

En ouverture de l’album, l’orchestre revisite Achilles Last Stand, la chanson de Jimmy Page et Robert Plan gravée sur l’album « Presence » (1976). Exposé par un orchestre aux sonorités rutilantes, le thème est développé sur un tempo rapide. Le solo aux allures funk du saxophone ténor est suivi d’un chorus incisif de l’alto auquel répond la trompette plus feutrée. Les onomatopées du scat de Patrice Héral déchirent la masse orchestrale et ouvrent l’espace à une envolée sauvage de la guitare saturée.

Après une introduction aérienne du vibraphone puis une exposition en fugue des soufflants sur Going to California, le chant sensible de Matthieu Vial-Collet expose le thème de la chanson parue sur « Led Zeppelin IV » (1971). Une pièce aux allures folk imprégnée d’une douce mélancolie qui flirte avec un romantisme un rien nostalgique. Citations et changements harmoniques bousculent et épicent le morceau.

Plus loin, au-dessus de la ligne de basse, l’alto déverses des glissandos et des sonorité atonales sur le début de Dazed And Confused, composition revendiquée par Jake Holmes puis repris par Jimmy Page. Après le solo rugissant de la basse, l’ambiance du morceau se fait psychédélique avec un deuxième mouvement où intervient la guitare incendiaire sur un battement presque hard rock. Un dialogue soprano/vibraphone boucle le titre avec délicatesse.

Sur The Battle of Evermore, paru en 1971 sur « Led Zeppelin IV », le soprano voltige sur un riff tenu par les percussions, la basse et le vibraphone. Le morceau plutôt folk dans sa version originale évolue ici vers une atmosphère aux accents orientaux. C’est ensuite le vibraphone qui expose avec délicatesse et limpidité le thème de All My Love enregistré sur l’album « In Through the Out Door » de Led Zeppelin sorti en 1979. Après un solo sans esbroufe du vibraphone, la trompette fait retentir une sonorité proche de celle des orchestres classiques. Cet hymne qui a bercé la jeunesse des années 80 déroule ensuite un déchaînement collectif de sonorités colorées pour se terminer en douceur.

Changement d’ambiance avec The Crunge paru à l’origine sur l’album « Houses of the Holy » (1973). L’orchestre adopte un style funk que James Brown n’aurait pas renié. Le solo de trombone varie entre douceur et force puis la guitare fougueuse enflamme l’atmosphère qui devient urbaine avec l’intervention de la voix aux accents hip-hop très syncopés de Patrice Héral.

Après 30 secondes d’introduction, le saxophone ténor livre un solo décoiffant d’énergie sur Nobody’s Fault but Mine enregistré par Led Zep’ sur « Presence » (1976). Le jeu hard-bop du saxophoniste fait entendre déflagrations et sonorités extravagantes sur une séquence jazz que développe la section rythmique menée avec brio par la batterie et la basse. Le vibraphone apaise le mouvement et le morceau termine dans une douce quiétude. La même sérénité habite Ten Years Gone sur lequel le vibraphone étincelle de notes étoilées soutenues par une basse attentive et une batterie assagie. Cette chanson parue en 1975 sur « Physical Graffiti » se pare de sonorités où alternent obscurité et clarté, ombre et lumière.

Après l’introduction incantatoire et orientale de Immigrant Song, l’Orchestre déconstruit avec superbe ce titre publié en 1970 sur le troisième album de Led Zeppelin. En résonance avec le temps présent, le titre permet d’apprécier de nouveau le scat de Patrice Héral. La richesse des arrangements propulse l’Orchestre vers de vertigineuses ascensions où le chant de la guitare évoque l’univers de Franck Zappa.

L’album se conclut avec Moby and Moby sur lequel vibraphone et soufflants swinguent de manière magistrale. Inspiré de Moby Dick enregistré sur l’album « Led Zeppelin II » (1969), ce titre vibre d’un punch musical magistral et décoiffant.

Pour écouter live l’Orchestre Franck Tortiller et le répertoire de « Back to heaven - Led Zeppelin/chapter Two », rendez-vous le 28 mai 2022 à Fort Barraux dans le cadre de Jazz à Barraux et aussi le 08 juillet 2022 à Couches dans le cadre de Jazz à Couches. Toutes les dates des concerts et plus encore sur le site de Franck Tortiller.

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

Des conditions climatiques idéales président à la soirée du 16 juillet 2022 des Nuits de Fourvière qui programment Marion Rampal puis Archie Shepp sur la scène du Théâtre de l’Odéon. Le public a vibré avec enthousiasme à l’écoute des musiques de ces artistes aussi talentueux que généreux.

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Echo#1-Jazz à Vienne 2022

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Double plateau alléchant et conditions atmosphériques estivales pour la soirée du 02 juillet 2022 du festival Jazz à Vienne. Le oudiste Dhafer Youssef venu en quartet puis Marcel Khalifé & Bachar Mar Khalifé en septet ont comblé le public du Théâtre Antique. Les vibrations musicales orientales ont déclenché l’ovation d’une foule enthousiaste.

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FUSSYDUCK sort son premier album

FUSSYDUCK sort son premier album

Le tout premier album de FUSSYDUCK est sorti sur le Label Double Moon Records. Belle découverte que le projet de ce groupe transnational. L’opus « Maybe that’s all we get » propose une musique singulière aux contrastes mélodiques et harmoniques colorés et aux paysages sonores délicats et chaleureux. Groove et fraîcheur sont alliés pour le meilleur.

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Anne Paceo revient avec « S.H.A.M.A.N.E.S »

Anne Paceo revient avec « S.H.A.M.A.N.E.S »

Un voile musical lumineux et apaisant

Au fil des douze pistes de « S.H.A.M.A.N.E.S », la batteuse, chanteuse, autrice et compositrice Anne Paceo invite à un voyage à la fois introspectif et ouvert sur le monde, celui d’un chamanisme intemporel. Elle réinvente sa musique et la projette sur les ailes d’un oiseau, de l’aube à la nuit, des astres à la terre. Au centre de l’album, percussions et voix tissent un voile lumineux et apaisant.

couverture de l'album S.H.A.M.A.N.E.S de Anne PaceoAnne Paceo poursuit sa quête musicale avec sa nouvelle création « S.H.A.M.A.N.E.S », sorti le 25 mars 2022 sous son propre label « Jusqu’à la Nuit ».

Après « Fables of Shwedagon » (2017), « Bright Shadows » (2018) et « Samâ » (2020), cet album acoustique renouvelle une fois encore l’univers de la musicienne. Un répertoire vibrant inspiré par les tambours et les pratiques vocales chamaniques du monde entier (en Sibérie, Mongolie, Louisiane, Bali, Haiti, Afrique, chez les Amérindiens) où l’être humain s’inscrit entre le vivant et l’invisible, Dans sa musique, voix, percussions et instruments dialoguent en parfaite alchimie.

Entre aurore et crépuscule, entre chimère et transe, entre mystère et magie « S.H.A.M.A.N.E.S » dépayse et enchante à la fois. Avec ce septième opus, Anne Paceo signe un album singulier où percussions et voix occupent une place essentielle.

L’album « S.H.A.M.A.N.E.S »

Comme dans ses albums précédents, Anne Paceo se joue des frontières de style et les textures musicales de sa musique vibrante empruntent autant au jazz qu’à la pop ou rock. En cela, « S.H.A.M.A.N.E.S » possède une dimension universelle.

L’équipe

Toujours entourée des fidèles Tony Paeleman (piano, Fender Rhodes) et Christophe Panzani (saxophones, clarinettes) à ses côtés depuis l’album « Circles » (2016), Anne Paceo fait appel pour ce nouveau projet aux chanteuses Isabel Sörling et Marion Rampal et mêle sa voix aux leurs. « Pour enrichir le spectre rythmique », elle a aussi invité un deuxième batteur à la rejoindre, Benjamin Flament, inventeur d’un instrument unique composé d’éléments de batterie et de plusieurs métallophones.

Si Anne Paceo a composé l’ensemble des morceaux de « S.H.A.M.A.N.E.S », elle a co-écrit avec Marion Rampal les paroles de Wide Awake, Here and Everywhere et Wishes. Les paroles de L’aube sont redevables à Isabel Sörling et c’est Diana Trujillo qui a écrit celles de Piel, chanté en Espagnol.

Musique et spiritualité

Le septième album de la batteuse Anne Paceo plonge l’oreille dans un univers où fusionnent musique et spiritualité. Les mélodies lumineuses de ses compositions possèdent des vertus apaisantes. Rien d’étonnant car depuis longtemps, la musicienne s’intéresse aux pratiques chamaniques, dont les propriétés thérapeutiques et les pouvoirs guérisseurs bénéficient toujours de la présence de la voix et de la percussion. Les titres de l’opus questionnent aussi la réincarnation, les mirages, l’évolution de l ‘âme et de la pensée au delà de la mort.

Douze titres inspirés

L’album ouvre avec Wide Awake et la voix de la chanteuse suédoise Isabel Sörling. Son chant émotionnel semble venir du plus profond d’elle-même et coule comme une eau claire. On est transporté par cette mélodie lumineuse aux accents d’une fusion pop-électro sublimé par le solo vertigineux du Fender Rhodes de Tony Paeleman qui surfe au-dessus des battements pulsatiles des tambours enrockés.

Composé par Anne Paceo après le décès de son grand-père en 2019, Here And Everywhere s’élève dans une atmosphère qui demeure joyeuse. Les voix et le chant du soprano de Christophe Panzani se croisent au-dessus des pulsations rythmiques et développent une dimension poétique indéniable. Le répertoire se poursuit avec Reste un Oiseau. A partir d’un motif répétitif joué sur un jeu de lames du métallophone, la clarinette basse et les voix plongent l’oreille dans un monde imaginaire imprégné de spiritualité et évocateur de la réincarnation de l’oiseau-totem.

Sur Piel, Marion Rampal et Isabel Sörling racontent en Espagnol l’histoire de la sorcière Meia Meia. Leurs voix ensorcelantes évoquent les pouvoirs magiques des sorcières alors que les arabesques du soprano voltigent alors allégresse.

Avec From the Stars, on déambule dans un monde chimérique dans lequel le jeu des tambours renforce l’incantation des voix. On est comme hypnotisé, voire ensorcelé par le tournoiement du flot musical. Plus loin Mirages débute par des arpèges joués sur le clavier du piano. Voix et saxophone ténor le rejoignent, suspendus au-dessus des cymbales et l’on se laisse alors envahir par leur chant mélancolique.

Chantée par les voix, la mélodie de Wishes se déploie ensuite avec grâce et légèreté en même temps que le piano égrène quelques notes répétitives au-dessus du souffle grave du ténor et des battements vigoureux des baguettes sur les peaux. Le piano développe ensuite une improvisation ciselée puis laisse place à un solo fougueux et tourbillonnant du soprano.

Le répertoire se poursuit avec Healing. Les voix diaphanes et les instruments génèrent une atmosphère apaisante. Convoquée par les accords du Fender Rhodes, se lève L’aube. Sur ce titre, l’espace se remplit d’un chant qui prend les allures d’une incantation sacrée. Les spirales tourmentées du saxophone ténor renforcent le climat onirique. Plus loin, les voix chamaniques et le tambour dessinent les contours d’une cérémonie de caractère mystique et ornent Travellers de couleurs amérindiennes inondées de soleil.

Dive Into the Unknown porte bien son nom. On plonge dans l’inconnu à l’écoute du chant envoûtant porté par le piano, le ténor aux notes percussives et les battements de la batterie. Après cette musique imprégnée de sagesse et évocatrice de la dimension spirituelle du soufisme, l’oreille est prête à Marcher jusqu’à la Nuit. Avec les superbes harmonies vocales de ce morceau au climat pop, l’album se termine dans un moment sensible nimbé de magie.

Pour écouter Anne Paceo en concert, rendez-vous le 05 avril 2022 à Schiltigheim (La Briqueterie), le 06 avril 2022 à Metz (Arsenal ), le 21 avril 2022 à Sceaux (Scène Nationale Les Gémeaux), le 22 avril 2022 à Toulouse (Salle Nougaro), le 13 mai 2022 à Lannion (Carré magique), le 23 juin 2022 à La Cigale à Paris et le 19 juillet 2022 au Festival des 5 continents de Marseille.

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

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Echo#1-Jazz à Vienne 2022

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FUSSYDUCK sort son premier album

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Romain Pilon signe « Falling Grace »

Romain Pilon signe « Falling Grace »

Respiration musicale élégante

Improvisateur inspiré et figure incontournable du jazz européen, Romain Pilon revient avec « Falling Grace », son 5ème disque en tant que leader. Avec un répertoire consacré à des standards de jazz qui l’ont marqué, le guitariste propose un opus à la fois aérien et limpide, subtil et dense. Avec élégance et sans étalage de virtuosité, la musique respire.

Couverture de l'album Falling Grace du guitariste Romain PilonExhumant des perles rares du « Great American Songbook » et des pépites signées par Herbie Hancock, Steve Swallow, Thelonious Monk ou Miles Davis, le guitariste Romain Pilon fait preuve d’une grande maturité expressive et d’une rare sensibilité sur les onze plages de son album « Falling Grace » (Jazz People/PIAS) sorti le 04 mars 2022.

Formé aux États-Unis, le musicien concilie tradition et modernité. Alliée à son toucher délicat et une aisance inouïe, son imagination contribue à transformer les standards que l’on a l’impression de découvrir de nouveau.

Sur « Falling Grace », en trio avec le contrebassiste Yoni Zelnik et le batteur Jeff Ballard, Romain Pilon rafraîchit ces morceaux intemporels que sont les standards. Nouvelles harmonisation, tempo différent, arrangements originaux, tout contribue à transformer les thèmes qui en ressortent renouvelés.

Romain Pilon, musicien et pédagogue

Né à Grenoble, Romain Pilon commence la guitare à l’age de 10 ans. Il étudie avec différents professeurs de la région, étudie au conservatoire de Chambéry et obtient une bourse d’étude pour la « Berklee College of Music » de Boston. Il étudie là-bas où il rencontre notamment Pat Metheny, dont il fait la première partie. Il a aussi l’occasion de jouer avec de nombreux musiciens, parmi lesquels Christian Scott, Esperanza Spalding, Warren Wolf, Lionel Loueke. Après quatre ans à Boston, puis un an à New York, Romain décide de s’installer à Paris où commence à jouer dans divers projets. Il forme un groupe avec le saxophoniste David Prez avec lequel il enregistre deux albums.

Sideman très demandé, Romain Pilon multiplie les collaborations avec Perico Sambeat, le Keystone Big Band, Charlier/Sourisse, Frank Woeste, Raphaele Atlan, Paris Jazz Underground, Anne Paceo, Keyon Harrold, Linda May Han Oh, Sam Yahel et bien d’autres. en 2019, il est appelé pour vingt dates de concerts dans les clubs les plus réputés des États-Unis, par le contrebassiste américain Jeff Denson avec lequel il a gravé en 2018, en tant que co-leader, l’album « Between Two Worlds » (Ridgeway /Orchestra) où la batterie est tenue par le légendaire Brian Blade.

En tant que leader, Romain Pilon a enregistré « NY3 » à New York en 2010, avec Colin Stranahan (batterie) et Matt Brewer (contrebasse), « Colorfield » (Whirlwind Recordings/Bertus) en 2013 en trio, avec Michael Janisch (basse), Jamire Williams (batteur) et le saxophoniste américain Walter Smith III, et en 2015, « The Magic Eye » (jazz&people) avec son trio régulier (Fred Pasqua et Yoni Zelnik) rejoint par deux saxophonistes ténors renommés, Ben Wendel et Walter Smith III.

En 2018, le guitariste sort « Copper » (jazz&people) enregistré en 2017 autour d’une instrumentation électrique avec Tony Paeleman (synth-bass, Fender Rhodes), Fred Pasqua (batterie) et deux invités, le pianiste français Pierre de Bethmann et le saxophoniste new yorkais Seamus Blake.

En juin 2021, Romain Pilon enregistre son premier album de standards, « Falling Grace », avec Yoni Zelnik à la contrebasse et en invité, le batteur américain Jeff Ballard.

A côté de sa carrière de guitariste, Romain Pilon s’avère par ailleurs un pédagogue reconnu. Il enseigne en effet au Conservatoire à Rayonnement Régional (CRR) de Douai, à l’IMEP· Paris College of Music, école de jazz et de musiques actuelles à Paris et intervient aussi au Centre des Musiques Didier Lockwood (CMDL) et au California Jazz Conservatory (Berkeley, Usa). En 2016 il a commencé une série de mini-vidéos pour YouTube. Avec plus de 350000 vues sur la playlist et prés de 8000 téléchargements des pdf, l’expérience a été un grand succès.

« Falling Grace »

L’album ouvre avec Falling Grace, la composition du contrebassiste Steve Swallow. C’est avec sensibilité et sans étalage ostentatoire de virtuosité que le guitariste revitalise ce thème assez rare et plutôt méconnu. Avec talent il a d’aborder cette composition sur un tempo original, ce qui confère une nouvelle fraicheur au morceau. Son jeu élégant et le choix précis de ses notes évoque quelque peu l’influence de Pat Metheny. La musique coule avec un débit chantant.

Romain Pilon, Yoni Zelnik, Jeff Ballard ré-harmonisent le thème Textures de Herbie Hancock enregistré à l’origine sur l’album « Mr Hands » (1980) à l’ambiance funky. Le guitariste s’exprime sans urgence avec subtilité, légèreté et une grande limpidité. Pour interpréter Side Car, Romain Pilon semble s’inspirer de la version de Miles Davis gravée sur l’album « From Circle in the Round » (1968). Il adopte un jeu de guitare incisif et bluesy. Il fait usage d’un savant dosage des effets de saturation et de réverbération. En tirant les cordes de la main gauche, il produit des inflexions évocatrices de celles de John Scofield.

Sur Lament, la ballade composée par le tromboniste J.J. Johnson, le toucher de la guitare flirte avec le silence et étire la mélodie avec sérénité. Il la fait respirer avec une fraicheur délicate alors que le swing impulsé par les balais ne faiblit pas.

Après l’exposition fidèle du thème de Bye Ya par la guitare, la contrebasse improvise avec assurance sur le thème de Thelonious Monk. Dotée d’une sonorité chaleureuse et captivante la guitare au phrasé très fluide navigue ensuite dans la sphère Monkienne alors que la batterie lui répond par un solo très musical. Sur un tempo funky, le trio propose Interlude dont le climat soul à la James brown tranche avec les titres précédents. On en vient à se déhancher durant le court moment que dure le morceau.

Plus loin, sur Sweet and Lovely, chanson populaire américaine de 1931, la guitare swingue sans faille et entame une déambulation musicale à l’issue de laquelle, avec la contrebasse, elle fait un clin d’œil au style néo-orléannais. Le trio revisite ensuite Golden Earrings  de Victor Young, pris sur un léger tempo de rumba. Guitare et contrebasse croisent leurs propos ciselés. Le répertoire continue avec By Myself d’Arthur Schwarz et Howard Dietz que le trio interprète sur un mouvement rapide. Grâce à une maîtrise parfaite de sa technique instrumentale, Romain Pilon joue avec fluidité et déroule de séduisantes lignes mélodiques. Tout à fait enivrant !

Sur Horace-Scope, titre éponyme de l’album sorti par Horace Silver chez Blue Note en 1960, la guitare pare son jeu de phrasés hard-bop. Au fil de son improvisation élaborée avec subtilité, on peut apprécier une fois encore le swing et le drive irrésistibles du musicien. Avec Nicolette, l’album se termine dans un climat de douce quiétude. Sur cette composition du trompettiste Kenny Wheeler, la contrebasse développe un solo d’une souplesse inouïe. Toujours en recherche du timbre le plus adapté, la guitare pare son expression d’envolées lyriques parsemées d’étoiles rêveuses.

Pour écouter le « Standards trio » de Romain Pilon (guitare) avec Yoni Zelnik (contrebasse) et Adam Arruda (batterie), rendez-vous le 26 mars 2022 à Lyon au Hot Club, le 27 mars 2022 à Marseille au JAM Hors les Murs, le 29 mars 2022 à Salon de Provence, le 31 mars 2022 à Bruxelles  à Jazz Station, le 01 avril 2022 à Paris au Sunset, le 02 avril 2022 à Nice à l’Atelier Frega.

Echo#1-Nuits de Fourvière 2022

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