Swing virtuose et éloquence sensible

Le 06 juin 2024, le débarquement de Normandie et Monty Alexander célèbreront leurs 80 ans. Le pianiste dont le prénom Montgomery, est un hommage au fameux général libérateur, présente son nouvel album « D-Day ». Il propose un ensemble de compositions écrites durant la période de guerre et d’originaux. Il en résulte un jazz swinguant et virtuose, éloquent et coloré, joyeux et effervescent qui fait aussi la part belle à la sensibilité.

Sur « D-Day » (PeeWee!/Socadisc), dont la sortie est annoncée pour le 29 mars 2024, Monty Alexander se fait plus introspectif qu’à l’ordinaire.

Avec les jeunes et brillants Luke Sellick (contrebasse) et Jason Brown (batterie), sa rythmique actuelle, il trouve des partenaires à l’unisson de ses digressions harmoniques et rythmiques. Le trio s’exprime en fusion totale et la musique est habitée par le beat si caractéristique du reggae et par le balancement irrépressible du swing. Une grande liberté d’expression est présente sur chacune des 12 plages de l’album.

Sur « D-Day », swing et virtuosité coexistent. De bout en bout, la musique éloquente et joyeuse se pare de sensibilité et d’élégance.

Monty Alexander

Né le 06 juin 1944 à Kingston en Jamaïque, Monty Alexander est issu d’un univers pluriculturel et multi-ethnique. Sa musique navigue entre jazz et reggae. Il combine les rythmes caribéens, les harmonies et les formats du jazz.

A 16 ans, il jouait les musiques de danse de l’époque qu’il évoque ainsi : « C’était des musiques avec une pulsation, et selon votre façon, votre approche de cette pulse, le rythme devenait féroce et les gens voulaient danser, taper dans leurs mains. La musique surgissait de partout avec cet accent unique, ce rythme jamaïquain identifiable jusque dans la façon de parler, de marcher, de conduire ».

Il se passionne pour le rhythm’n’blues et aussi pour Nat King Cole ou le be bop diffusé la radio et qu’il cherche à reproduire d’oreille.

Dans les studios de Kingston, il participe aux prémices du ska puis émigre aux États-Unis à 17 ans. Il accompagne Franck Sinatra qui l’introduit en quelque sorte dans la cour des grands jazzmen de l’époque. Il a l’occasion en effet de jouer avec les inventeurs du bop et de bien d’autres fameux musiciens parmi les lesquels on peut citer, Milt Jackson, Dizzy Gillespie, Johnny Griffin, Benny Golson. Ainsi, il inscrit son parcours musical dans la tradition des pianistes et leaders de grands orchestres, dans celle de Nat King Cole, Errol Garner, Oscar Peterson, Ahmad Jamal et Wynton Kelly.

C’est à 20 ans qu’il enregistre un album sous son nom pour la première fois pour Pacific Jazz, « Alexander The Great ». La critique parle alors d’un « jazz facile d’accès, un swing joyeux, expansif, sans drame ».

Jusqu’à aujourd’hui, la musique de Monty Alexander témoigne d’une grande ouverture aux différents univers musicaux qu’il a côtoyés et ont contribué à fonder son style reconnaissable dès la première note sur le clavier.

Dans les années 60, 70 et 80, il s’est beaucoup produit en Europe et l’album « Montreux Alexander » (MPS records) paru en 1976 est devenu un grand classique de la discographie jazz.

En 2024, après 60 ans de carrière, Monty Alexander continue à écrire l’histoire du jazz avec le superbe « D-Day ».

« D-Day »

Enregistré principalement au Studio Sextan en octobre 2023, « D-Day » (PeeWee!/Socadisc) résulte de la connivence artistique entre Monty Alexander, le label français PeeWee! et le tourneur français VO Music. Il rassemble la quintessence de deux séances fleuves.

Sur l’album le trio interprète deux standards, la superbe ballade I’ll Never Smile Again, écrite en 1939, et qui a contribué au succès de Sinatra pendant les années de la Seconde Guerre Mondiale et Smile, écrite par Charlie Chaplin et présente sur la bande-son du film « Les temps Modernes » (1936) lors de la scène finale.

Les compositions originales de Monty Alexander, Aggression, Oh Why, Restoration, June 6, River of Peace, V. E. Swing, You can see, D-Day, Voices et Day-O, lui ont été inspirées par le conflit et son extraordinaire dénouement. Il explore les sentiments laissés par ce moment unique, l’héroïsme des combattants, l’espoir d’un nouveau départ, la confiance renouvelée en l’autre, le sens du sacrifice, le triomphe de la liberté.

Au fil des titres

Sur I’ll Never Smile Again, le jeu de Monty Alexander s’inscrit dans la grande tradition du jazz moderne et est imprégné à la fois de force et de tendresse. Le pianiste conserve sa fougue et son énergie et pratique à l’envi des digressions harmoniques étonnantes et fort réussies. Le trio réinvente en quelque sorte le jazz en pratiquant une musique colorée riche en sensations. Malgré l’impression de familiarité qui se dégage de ce titre, il émane de lui une impression de fraîcheur. La musique élégante ondule et s’envole.

Sur la composition de Monty Alexander, Aggression, le trio expose avec vivacité le thème aux arêtes vives. La ligne musicale du piano vacille puis s’aventure, explore, creuse et ravit l’oreille d’étincelles éblouissantes. Le court solo de la contrebasse révèle un instrument puissant tout en rondeur et le battement précis du batteur jamais à court d’inspiration se fait souple. Son improvisation témoigne d’un mélange subtil de puissance de frappe sur les toms et de légèreté sur les cymbales. Monty Alexander survole son clavier sans jamais perdre en puissance ni en énergie. Un réel moment d’enchantement.

Sur la ballade Oh Why, le jeu de Monty Alexander est empreint de tendresse On se laisse envoûter par son jeu tout en relief. Il fait chanter les notes et confirme ses qualités de mélodiste. S’il fait preuve de lyrisme, l’artiste n’en affiche pas pour autant une posture virtuose excessive.

Restoration permet de prendre la mesure de la vaste palette sonore du trio. En parfaite osmose avec ses partenaires, le pianiste fait alterner jeu stacatto et swing, retenue et balancement. Il métamorphose les timbres et sa musique se pare de nuances très subtiles. Sur le clavier il conte une histoire. Comme un écrivain, le fait avec les mots, note après note il élabore ses phrases musicales et ainsi son récit se déplie, se déploie et fait mouche. Précis et efficace.

Plus bluesy, June 6 dévoile la puissance et la volubilité du jeu du pianiste. Il étreint son instrument qui se mue en piano/percussion. Il étire les notes et les fait swinguer avec virtuosité un peu à la manière d’Oscar Peterson. C’est dans un style plus legato que Monty Alexander expose sa composition River of Peace. Sur les presque six minutes du morceau, il adopte un jeu épuré et peaufiné, limpide et cristallin qui fait écho au titre. Apaisant et onirique. On imagine volontiers de vivre sur les bords d’une telle rivière paisible.

Le trio revitalise ensuite Smile la composition de Charlie Chaplin. Sur le battement tout en suspension des cymbales, le pianiste cisèle un phrasé enivrant. Les trois compères échangent avec détermination et l’on ressent l’engagement que partagent les musiciens. Plus loin, le piano partage les 4/4 avec la batterie et la contrebasse. Le sourire est vraiment de la partie.

Blues swingant, V.E.Swing mêle élégance et puissance. En étroite symbiose avec des deux compagnons, Monty Alexander fait monter la température jusqu’à atteindre une forme de jubilation.

Au fil du morceau suivant, You can See, le pianiste fait preuve d’une extrème maîtrise. Porté par la force irrésistible de la section rythmique, il explore l’entièreté du clavier. Dans son improvisation fougueuse et parfois ludique se succèdent les citations de grands standards.

D Day Voices est construit à partir de témoignages sonores datant de l’époque du débarquement, parmi lesquelles s’élève la voix reconnaissable du général de Gaulle. Monty Alexander entame pour et avec eux, un chant d’espoir et de libération au piano et à la voix. Pour le dernier titre de l’album, Day-O, le trio entonne avec le public I want to go home comme pour annoncer la fin du concert et après 2 minutes 17 de silence, Monty Alexander revient. Après une introduction au mélodica où il développe le thème de Summertime, il relance la musique sur un feeling reggae très dynamique puis reprend le piano et développe le traditionnel The Banana Boat Song qui invite au mouvement.

« D-Day » de Monty Alexander, un album plein de charme et d’énergie qui donne le sourire… à écouter absolument avant le D-Day !

Un message de paix, d’amour et d’espoir

Figure majeure de la scène musicale brésilienne actuelle, Chico César revient avec « Vestido de amor ». Chanteur, producteur et homme de scène, il célèbre l’amour, le métissage et tous les rythmes du monde, forro, reggae, calypso, rock. Sa musique en fusion délivre un message de paix, de fraternité, d’amour, d’espoir et aussi de lutte.

Sur son nouvel album « Vestido de amor » (Zamora Label), le chanteur Chico César, convie tous les rythmes du monde, sertão et samba, reggae et rock, cumbia et forró, rumba et boléro, morna et calypso.

Un album énergique et optimiste qui conçoit l’art musical comme un média pour approcher l’autre « avec amour et en douceur » et faire face à la rudesse du quotidien. Chico César conçoit un « monde métis où danser est toujours possible, surtout quand, au travers de la joie, passent des messages, de paix, de fraternité, mais aussi de lutte. » Il creuse le sujet du panafricanisme, du point de vue de la diaspora.

Tel un troubadour des temps modernes, le brésilien Chico César pose sa voix caressante et légèrement éraillée sur les 16 titres de « Vestido de amor », son dixième album studio. Tour à tour, griot, sambiste, troubadour et crooner, il propose une musique de fête, véritable invitation à la rencontre, à la danse, une musique joyeuse et à la fois romantique qui rêve d’un monde plus humain.

Chico César

Originaire du Nordeste brésilien, Chico César est né en 1964 à Catolé do Rocha, dans la zone semi-désertique de l’État du Paraíba dans le Sertao, il est diplômé de journalisme de l’Université Fédérale de Paraíba. Il a participé au groupe Jaguaribe Carne, de poésie d’avant-garde.

En 1991, il fait une première tournée en Allemagne où il rencontre le succès. Il quitte alors le journalisme pour se consacrer à la musique et forme le groupe Cuscuz Clã. Il commence à se produire à Sao Paulo dans la discothèque Blen Blen Club. Après un concert enregistré live en 1994 avec Lanny Gordin (guitare )et Lenine (chant), il sort en 1995 son premier album « Aos Vivos » (1995) qui obtient un grand succès et lance en quelque sorte sa carrière. La même année il publie son premier livre « Cantáteis, cantos elegíacos de amizade ». En 1996, il publie son premier album studio, « Cuscuz Clan » (chez Polygram).

En avril 2001, à Catolé do Rocha, il a créé la « Casa do Béradêro », avec cours de musique, studio d’enregistrement, pour ceux qui sont « à la frange des normalités ».

En 2009, Chico César se met à la politique et en 2010 il devient secrétaire à la culture du Paraiba, un état rural pauvre qui compte de nombreux indiens et tsiganes qui vivent dans le dénuement. Homme engagé,antiraciste et anticonformiste, il marque une pause de quelques années dans sa carrière pour diriger le Secrétariat à la Culture de l’État de Paraíba 2010 à 2014. Il est aussi Président de la fondation culturelle de João Pessoa.
En 2015 Chico César réalise « Estado de Poesia », avec uniquement de nouvelles compositions.

Après, « O amor é um ato revolucionário » (l’amour est un acte révolutionnaire) enregistré entre avril et juin 2019 et publié en septembre 2019, le 24 novembre 2023, Chico César publie « Vestido de amor » (Zamora Label)

Chico César signe paroles et musiques de l’album « O amor é um ato revolucionário » (l’amour est un acte révolutionnaire) qu’il a enregistré entre avril et juin 2019 et publié en septembre de la même année.

Le 24 novembre 2023, Chico César revient avec « Vestido de amor » (Zamora Label).

« Vestido de amor »

« Vestido de amor » (vêtu d’amour) a été composé en France, au Brésil et en Uruguay pendant la pandémie. Il s’agit du premier album de Chico César enregistré hors Brésil. réalisé en dehors de son pays. Produit par un grand connaisseur de la musique africaine, Jean Lamoot, le disque a été enregistré aux Studios Ferber à Paris.

Au programme, cumbia et forró du Nordeste du Brésil, morna du Cap-Vert et rumba zaïroise, boléro et coco du Sertao, rock, reggae et calypso.

Aux musiciens qui l’accompagnent souvent, Zé Luis Nascimento (percussions), Natalino Neto (basse) et Jean-Baptiste Soulard (guitares et claviers), le leader a intégré Albin de la Simone (voix, claviers, mélodica), Clément Petit (violoncelle), Dharil Esso (batterie), Rodriguez Vangama (guitare électrique) et le quatuor vocal Aestesis. Il a aussi invité Leonardo Montana (piano), Salif Keita (voix), Sekou Kouyaté (kora), Ray Lema (voix, piano, Fender-Rhodes) et Etienne M’Bappé (basse).

Au fil des titres

L’album ouvre avec Flor de Figo (fleur de figuier) qui chante la liberté et l’amour. Le répertoire se poursuit avec Vestido de Amor qui invite à danser et proclame que pour recevoir de l’amour, il convient d’être habillé d’amour, de manifester, l’amour, d’être prêt à le recevoir. L’amour de la musique, la musique pour approcher l’amour et le partager. Un programme réjouissant.

Composé pendant la pandémie, le chaloupé Reboliço met lui aussi l’amour au centre de son propos, celui des habitants du Nordeste qui travaillent dur et mène une vie rude mais n’omettent pas de fêter la Saint Jean et la Saint Pierre en dansant lors des festas juninas.

Après la mélancolique ballade Amorinha, le titre SobreHumano résonne de la kora de Sekou Kouyaté et du dialogue qui réunit les voix du maître malien Salif Keita et du Brésilien Chico César.

Sur un tonique rythme de ska, Bolsominions fustige les adorateurs de Bolsonaro qui était Président du Brésil à l’époque où « Vestido de amor » est sorti. Plus loin, sur Xango Forro e Ai, Ray Lema fusionne rumba et forró du Nordeste et invoque Xangô, l’orisha de la foudre et du tonnerre. Là encore le leader prône la joie de vivre et appelle à vivre ensemble par-delà les frontières.

La douce et délicieuse ballade Te Amo Amor évoque elle aussi l’amour tout autant que l’enflammé Corra Linda pris sur un rythme de reggae-pop-rock très étiré. Après le poétique Pausa, Na Balustrada résonne comme un hymne à l’amour qui se joue des années qui passent.

Changement d’ambiance avec Bonjour, Monsieur Gendarme chanté en français et sur lequel Chico César pose un regard sur la société et la distance qui existe entre les gouvernants et le peuple. Après le rapide Pisadinha qui évoque l’amour et la déchirure de la séparation, Chico César, aborde sur Dança do amor les différentes aspects de cet amour qu’il considère comme « un acte révolutionnaire » et fait rimer amour avec paix et nature.

Le répertoire continue avec Ma chérie qui envisage l’émancipation et se termine avec un appel au pardon, au calme et à la paix avec le splendide Perdão Ao Tempo.

Musical et dansant, poétique et mélodique, « Vestido de Amor » charme par ses ambiances et ses couleurs multiples… lutte…. joie… fraternité, espoir …et amour !

Opus enchanteur et somptueux

Sorti le 24 novembre 2023 pour le 20ème anniversaire de Motéma, l’album « A Lovesome Thing » permet de savourer le concert de Geri Allen et Kurt Rosenwinkel enregistré le 05 septembre 2012 à la Philharmonie de Paris. De bout en bout, les échanges entre la pianiste et le guitariste révèlent la symbiose musicale qui les unit. Leur propos musical navigue entre virtuosité et inventivité, entre sensibilité et émotion. Un opus enchanteur et somptueux à écouter en boucle.

Produit par le label Heartcore Records de Kurt Rosenwinkel et Motéma, « A Lovesome Thing » (Motema/Orchard) restitue la performance live enregistrée la seule fois où la pianiste Geri Allen et le guitariste Kurt Rosenwinkel ont joué ensemble, le 05 septembre 2012 à la Philarmonie de Paris, dans le cadre du Festival Jazz à la Villette à Paris.

L’album est dédié à la mémoire de la pianiste Geri Allen disparue en 2017.

Les artistes

Geri Allen

Originaire de Détroit, la pianiste Geri Allen (1957 - 2017) a joué et collaboré durant plus de 35 ans avec les artistes et musiciens les plus importants du jazz parmi lesquels entre autres Ornette Coleman, Ravi Coltrane, Dewey Redman, Jimmy Cobb, Charles Lloyd, Betty Carter, Jason Moran, Lizz Wright, Charlie Haden, Paul Motian, Laurie Anderson, Terri Lynn Carrington, Esperanza Spalding, Ron Carter, Tony Williams, Dianne Reeves, Joe Lovano, Angélique Kidjo, Mary Wilson et The Supremes.

Elle a commencé à l’âge de 7 ans sous la conduite du trompettiste Marcus Belgrave. Diplômée de l’Université Howard en 1979, elle rejoint l’Université de Pittsburgh, où elle se plonge dans l’ethnomusicologie sous la direction de Nathan Davis et devient plus tard directrice des études de jazz de l’Université de Pittsburgh. Elle a été la première femme et la plus jeune personne à recevoir le prestigieux Danish Jazzpar Prize.

Pianiste accomplie et pédagogue investie, Geri Allen a su s’affranchir de toutes les barrières musicales. Créative, elle a produit des musiques innovantes et avant-gardistes qui influencent encore aujourd’hui de nombreux musiciens de jazz.

Elle est décédée le 27 juin 2017, à l’âge de 60 ans.

Kurt Rosenwinkel

Depuis trois décennies, le multi-instrumentiste, compositeur et producteur, Kurt Rosenwinkel occupe une place importante parmi les musiciens avant-gardistes. Avec quinze albums en tant que leader, il représente une source d’inspiration pour de nombreux artistes. Il est aussi un sideman accompli qui a joué avec Gary Burton, Paul Motian, Joe Henderson, Brian Blade Fellowship, Mark Turner, Joshua Redman, Seamus Blake, Donald Fagen et bien d’autres encore.

Kurt Rosenwinkel ne limite pas son expression à l’univers du jazz. Il a joué avec Eric Clapton qui en 2017 est intervenu sur le titre Little Dream de l’album « Caipi » ((Heartcore Records) de Kurt Rosenwinkel.

En 2016, il a créé le label de musique indépendant Heartcore Records dans la perspective de promouvoir la nouvelle génération de musiciens. De plus il a publié une série de masterclasses en ligne à destination du public auquel il dispense des conseils en lien avec la théorie, la composition et les techniques guitaristiques.

Au fil des titres

L’album ouvre avec A Flower is a Lovesome Thing de Duke Ellington. Sur cette ballade, Geri Allen aborde le piano de manière très classique, pureté de son et toucher délicat mais non dépourvu d’énergie. La guitare charme par son phrasé mélodique et précis. Tour à tour les deux instrumentistes improvisent solo puis jouent ensemble et échangent.

Le répertoire se poursuit avec Embraceable you de George Gershwin sur des arrangements de Herbie Hancock. Le morceau commence lentement. Une sorte de télépathie musicale envoûtante règne entre les deux artistes qui semblent converser en toute intimité. L’élégance préside à chaque échange, la guitare chante pendant le solo de piano qui soutient l’expression des cordes. Un moment musical sublime.

Après des applaudissements fournis, les musiciens continuent avec Simple #2 de Kurt Rosenwinkel. La composition aux inflexions bluesy met en lumière la puissance de jeu de la pianiste qui soutient le solo et les fulgurances bebop de la guitare. Entre eux règne une entente magique, le dialogue est parfait, quand l’un stoppe, l’autre prend le relai.

Comme en recherche de sons, le guitariste introduit seul pendant plus de deux minutes la composition de Thelonious Monk, Ruby, My Dear. D’un son très clair et coulé, il explore très largement le spectre sonore, comme en recherche de timbres puis expose le thème avec sobriété. Il poursuit par de longues envolées lyriques et des phrases mélodiques portées par une sonorité plus profonde. Un solo sensible et enivrant auquel répond une improvisation énergique et raffinée de la pianiste. Inspirés, les deux improvisateurs explorent la mélodie en totale harmonie.

L’album se termine avec la composition Openhanded Reach créée par Geri Allen en hommage à Billly Taylor et jamais enregistrée avant cette session. Sur cette légère valse, l’alchimie musicale est absolue entre les deux artistes, phrasés subtils, attaques percutantes, style flamboyant, sonorité chaleureuse, les accords de l’un(e) soutiennent le chorus de l’autre, leurs idées s’enchaînent et se complètent. Avec fluidité, la musique s’écoule, comme transparente. Une magie absolue !

« A Lovesome Thing » Motema/Orchard, de Geri Allen et Kurt Rosenwinkel, un album essentiel et magique de bout en bout !