L’énergie souple et sensible du « Jazz Trio » fait mouche

Du 04 au 06 août, la musique énergique et harmonieuse du « Jazz Trio » a conquis le public attentif . Dans les travées du Péristyle, écoute, encouragements spontanés et applaudissements. Un véritable enchantement !

Durant trois jours le Péristyle assume vraiment sa vocation de salle de concert pour le plus grand plaisir de tous les spectateurs. Manu Vallognes (basse électrique), Eric Teruel (piano) et Yvan Oukrid (batterie) tissent une musique nuancée qui enchante et respire. On perçoit la complicité qui circule entre les musiciens du « Jazz Trio ». La joie du partage illumine leurs échanges et les densifient. C’est avec une énergie mâtinée de souplesse et de sensibilité que les trois compères proposent un répertoire de compositions originales d’Eric Teruel et de standards revisités avec talent.

Côté trio, Eric Teruel n’en est pas à son coup d’essai. Il a en effet déjà enregistré précédemment trois albums en trio sous son nom puis a opté pour le solo et ensuite le quintet sans oublier son travail autour de la chanson française, le cinéma et le groupe « Mei Teï Sho ». Avec ses deux nouveaux complices, il a fondé le « Jazz Trio » depuis plus d’un an. Yvan Oukrid et Manu Vallognes sont aussi des musiciens émérites dont le talent est reconnu depuis longtemps.

L’univers de ce « Jazz Trio » est singulier. La musique coule tout en souplesse et en finesse. Une musique à la mise en place peaufinée. Les arrangements des standards surprennent et dépaysent l’auditeur. Sur sa U-basse fretless Manu Vallognes tisse une trame harmonique tout en rondeur. Ses introductions lyriques et ses chorus précis teintent de poésie les morceaux du trio. A la batterie, Yvan Oukrid maîtrise les balais et prodigue alors un soutien efficace mais discret. Par contre, il sait tempêter avec force et énergie quand le tempo l’impose. Rythmiciens avérés, les deux musiciens prodiguent un environnement qui laisse toute latitude au pianiste pour improviser.

C’est en effet grâce à l’accompagnement attentif de ses deux compagnons qu’Eric Teruel peut laisser court à son talent. On ne peut s’empêcher de retrouver chez lui des traits qui évoquent fugacement Ahmad Jamal ou Michel Petrucciani bien qu’il s’exprime en fait dans un idiome qui lui appartient en propre. Aérien et précis il sculpte les ballades comme des haïkus. Par contre son toucher sait se faire tonique et véloce sur les rythmes soutenus qu’il maîtrise. Ses postures font échos à ses interventions. Debout au-dessus de son siège lors des chorus tendus. Félin et détendu lorsque sa main droite danse sur le clavier et brode les thèmes ou les impros. Il surfe avec aisance sur le tapis déroulé par la basse et la batterie. Tout cela sans jamais se départir de son sourire.

Chez les trois musiciens, pas d’esbroufe, pas de gimmicks. Loin des modes qui se démodent le « Jazz Trio » propose une musique construite au gré d’une inspiration sans cesse renouvelée. Il explore tous les territoires. Il sait se déchaîner mais aussi évoluer avec délicatesse sur les ballades ou les rythmes médium. Les compositions du pianiste déclenchent l’enthousiasme. Sur Deep Trip, les musiciens explorent le registre de la nostalgie. Sur Foolish dance, le swing implacable du trio est servi par une mise en place précise. Pris sur un train d’enfer, Rescue porte quant à lui très bien son titre. Sans inhibition, décoiffant et tonique, il propose un 4/4 échevelé. On apprécie que ces musiciens confrontent leur art aux standards souvent boudés par la jeune génération. Ils les déconstruisent pour se les approprier avec simplicité et bon goût. On a écouté avec bonheur Invitation et son introduction de basse évocatrice de Jaco Pastorius. You and the Night and the Music pris sur un tempo rapide permet un solo de batterie débridé.

« Jazz Trio ». Un bain de musique vivifiante et ciselée dans laquelle il fait bon s’immerger. Trois musiciens complémentaires qui unissent leurs talents pour créer une musique très personnelle.

A l’occasion des concerts du Péristyle on apprend qu’un disque du « Jazz Trio » est annoncé pour la rentrée. « Mad train » (Label TroisFoisplusMusic). Les spectateurs en profitent en avant première. L’album sera disponible mi-octobre mais il est possible de le commander sur http://www.tfpm.org/madtrain.html.

Onze titres comme onze gares qui reflètent l’esthétique singulière du « Jazz Trio ». On a vraiment envie de monter dans ce train finalement pas si fou que cela. A moins que la folie ne consiste à créer une musique vivante à l’encontre des tendances actuelles plutôt lisses et sans âme.

Un petit avant-goût du disque avec cette vidéo de With a song in my Heart

Kamasi Washington, un passeur entre innovation et tradition

Pour de nombreux fans de jazz, Kamasi Washington incarne la soirée All Night Jazz 2016. Son jazz organique et massif, à la fois calme et transique, empreint des influences du passé et porteur des promesses de demain. Et après le concert, le désir de l’écouter encore et plus avant.

All Night Jazz ! Trois mots pleins de promesses. Du jazz jusqu’au bout de la nuit, en fait du jazz jusqu’au lever du jour, avec croissants et café en prime. Avec toujours en ouverture de la soirée, le lauréat du Tremplin RéZZO Jazz Focal de l’année précédente suivi d’une brochette de groupes qui enchaînent leur prestations avec pour objectif de garder le public éveillé et plein d’ardeur pour que le dernier groupe soit encore soutenu par les festivaliers survivants. De ce côté là, le schéma a été respecté.

Habituellement la soirée All Night Jazz annonce la fin du Festival Jazz à Vienne mais en 2016, ce n’est point le cas. Elle est suivie par deux journées de programmation labellisée « jazz Mix » et d’une Nuit du Blues avec Buddy Guy en clôture des festivités de « Jazz à Vienne ». Un tel changement n’entrave en rien la portée et l’attractivité de cette nuit toujours vêtue de ses plus beaux atours de jazz.

C’est NOx.3 qui ouvre. La prestation du groupe lauréat du tremplin RéZZo Focal Jazz à Vienne 2015 a offert un set éreintant où les décibels occupent le devant de la scène sans aucune nuance. Le concert donné par le groupe lors du festival à Vaulx Jazz, devant seulement une dizaine de spectateurs (en raison d’un horaire avancé) avait apporté plus de surprise que le set de 30 minutes du 13 juillet devant plus de 3000 spectateurs. On sentait Mathieu Naulleau très préoccupé par la nouvelle barre de capteurs installée dans son piano et du coup sa disponibilité est apparue moindre lors de ses interactions avec les frères Nox, Nicolas (batterie) et Rémi (saxophones). Dommage, l’empire noxien n’a pas tenu ses promesses.

La scène appartient ensuite à la chanteuse Robin McKelle. Après 7 ans d’absence au Théâtre Antique, la chanteuse américano-irlandaise revient présenter son nouveau projet via le répertoire de son dernier album « The Looking Glass » teinté de « pop soul ». La chanteuse parle d’un répertoire très personnel auquel elle tient beaucoup. C’est pour elle un nouveau chapitre de sa vie musicale qui se teinte d’un esprit plus frais avec de nouveaux musiciens. Robin McKelle est visiblement à l’aise sur scène où elle bouge avec brio. Elle sait alterner les ambiances et offre un spectacle ovationné par un public très réceptif.

C’est ensuite au tour de Faada Freddy. Le chanteur/rappeur de Dakar. Il présente son album « Gospel Journey ». Il utilise son corps tout entier pour faire résonner son chant. Avec ses compagnons de scène il met son groove au service de la musique. Tout y passe. Sa musique mixe drum’ bass, reggae et africanité. Ça fonctionne et il parvient à convaincre le public de le rejoindre dans son show. Une partie de la foule est visiblement venu pour Faada Freddy et reçoit avec bonheur sa généreuse prestation.

Arrive ensuite le tour de celui qu’attendent les aficionados du jazz. Le saxophoniste Kamasi Washington que l’Europe a découvert en décembre 2015 via son triple album « The Epic » (Brainfeeder). Annoncé comme un fils de Sun Ra et de Pharoah Sanders, un héritier de la famille de Coltrane, le saxophoniste est précédé d’une déjà fameuse réputation. Au regard de la durée du set annoncé il était évident que la frustration serait de la partie pour les auditeurs désireux de découvrir Kamasi Washington. La palette des possibles de l’artiste est si étendue qu’il aurait fallu la nuit entière pour permettre au saxophoniste de déployer toutes les couleurs de ses talents.

Cette frustration est peu de chose au regard de ce qu’on a pu recevoir. Une musique à la croisée des jazz d’hier et de demain. Un jazz d’aujourd’hui. Une performance produite par un saxophoniste solaire entouré d’instrumentistes qui croisent leurs discours pour tisser leur musique. Sur scène point de confrontation mais des échanges, point de décibels tonitruants mais une masse orchestrale organique dont la sonorité captivante fluctue au fil des morceaux.

Le tromboniste Ryan Porter, le claviériste Brandon Colemen aka Professor Boogie, le contrebassiste Miles Mosley (dont le nom est gravé sur la contrebasse), les batteurs Ronald Bruner Jr et Tony Austin, la chanteuse conteuse Patrice Queen. Tous sont attentifs, furieux ou concentrés mais toujours réactifs. Ils contribuent au spectacle, sans se donner en exhibition, sans excès d’ego. Ils semblent dans le plaisir de jouer, d’être ensemble, de jouer leur musique. Un vrai savoir-vivre musical basé sur l’écoute, sans surenchère d’effets.

En habit traditionnel africain, le saxophoniste leader conduit l’orchestre avec une sérénité pacifique qui demeure lorsqu’il embouche l’instrument. C’est fascinant. Les pieds ancrés sur scène, le colosse propulse son souffle avec aisance et une apparente facilité, avec une puissance alliée à une relative félicité. Il se dégage une musique de transe où le son règne en roi. Avec en ouverture Re Run Home, on goûte à l’énergie débridée et au groove absolu. Advient le contraste avec l’interprétation du Clair de Lune de Debussy… le climat devient contemplatif. Les musiciens sont rejoints par le père de Kamasi Washington Rickey Washington,au saxophone soprano.

Quand le set se termine sous les acclamations du public, le temps reprend son cours normal. On se retrouve un peu sonné, comme dépaysé après le passage de Kamasi Washington et de ses aliens. Il reste les souvenirs et l’espoir de l’écouter prochainement après la sortie de son prochain album. 

Avec The JB’s James Brown band et l’organiste Cory Henry & Funk Apostles, se termine une All Night Jazz 2016 marquée du sceau de l’inoubliable Kamasi Washington.

Chick Corea convoque le Jazz et les cieux se calment

Pour son 75ème anniversaire Chick Corea se produit à Vienne à la tête d’un quintet prestigieux. Durant 55 ans de carrière, il a côtoyé la fine fleur des grands noms du jazz et veut honorer les légendes qui l’ont inspiré. Une prestation inoubliable malgré la pluie qui n’a pu gâcher le plaisir des spectateurs

Chick Corea est une star vivante au firmament du Jazz. En 1968, il remplace Herbie Hancok dans l’orchestre de Miles Davis aux côtés de Ron Carter, Wayne Shorter et Tony Williams. L’époque de « In a Silent Way » et « Bitches Brew », C’est ensuite  le jazz fusion à fond avec « Return to Forever » et dans les années 70 (puis en 2008 et 2011) et l’« Electric band ».  Tout au long de sa carrière Chick Corea ne cessera d’alterner avec brio entre acoustique et électrique. Il explore aussi la musique classique. Ce pianiste aux choix éclectiques s’est imposé comme une grande figure du jazz, tous courants confondus.

« Jazz à Vienne » a souvent accueilli Chick Corea pour le plus grand plaisir des aficionados du pianiste. Pour demeurer das le XXIème siècle, on se souvient de la venue du pianiste en 2003, 2005, 2008, 2011 et 2013. Les inconditionnels de Chick Corea et du jazz en général avaient repéré la soirée du 11 juillet 2016 comme « La Soirée Incontournable » de l’édition 2016. A Vienne on a souvent écouté la musique de Chick Corea sous ponchos et parapluie avec la pluie comme compagne. La soirée 2016 consacrée à Chick Corea est elle aussi arrosée (et même copieusement) mais comme de coutume la pluie n’aura pas eu raison de la « belle » musique qui triomphe toujours face aux éléments.

Le 11 juillet, Chick Corea est entouré du valeureux et incontournable Christian McBride (contrebassiste et bassiste), du saxophoniste Kenny Garrett, du trompettiste Wallace Roney et du batteur Marcus Gilmore. Du début à la fin de set le sourire ne quittera pas le visage du pianiste. Pour rester fidèle à lui-même passera alternativement du clavier acoustique à l’électrique. A aucun moment Chick Corea ne fait étalage de sa technique dont on connait pourtant l’étendue. Il déroule les fils de ses improvisations avec légèreté et précision et accompagne ses compagnons talentueux auxquels il est très attentif. Il procède par touches délicates ou par relances efficaces plus appuyées et prend visiblement autant de plaisir à les accompagner qu’à se mettre en avant.

Pour Chick Corea c’est l’occasion de rendre un hommage appuyé au pianiste Bud Powell qui fut une de ses influences majeures avec Horace Silver (et Mozart). On note que Wallace Roney, Kenny Garett et Christian Mc Bride étaient présents aux côtés de Chick Corea en 1997 lors de l’enregistrement du disque « About Remembering Bud Powell ». A l’époque la batterie était tenue par Monsieur Roy Haynes. En 2016 c’est Marcus Gilmore, son petit-fils qui est derrière les fûts et le diable ne se content pas d’être élégant (jusqu’au bout de ses chaussures), il assure le tempo avec tant de qualités que le pianiste se joindra aux saxophoniste et trompettiste derrière le batteur pour écouter son chorus. Une sorte de moment de communion.

Chick Corea suit le fil rouge des influences musicales qui ont marqué le fil de sa carrière. En 1994 le pianiste a enregistré en solo acoustique  l’album « Expressions » où il interprète en autres, le titre Lushlife en hommage à Billy Strayhorn. Ainsi c’est au piano acoustique que Chick Corea interprète le même thème et donne l’occasion à Kenny Garret de s’envoler pour un chorus tout en douceur. Le contraste est grand avec ses interventions véloces sur la musique de Bud Powell.

Derrière le piano acoustique, Chick Corea se régale à écouter les chorus de ses compagnons. Les interventions de Christian Mc Bride dans ce contexte sont empreintes de délicatesse. Il se saisit par contre de la basse électrique frettless à 5 cordes sur les morceaux plus fusion où il soutient les solistes avec une vigueur qui tranche avec la rondeur de ses interventions à la contrebasse.

Vient aussi l’hommage à Miles Davis avec qui Kenny Garett à joué durant 4 ans. Miles Davis est le mentor de Wallace Roney avec qui il a joué en 1991 à Montreux et à qui il a dédié l’album « A tribute to Miles ». Dans ce contexte Wallace Roney exprime toute sa verve dans une veine toute davisienne et le saxophoniste n’est pas non plus en reste. Chick Corea savoure ces moments d’échange.

Au final, c’est le public qui a reçu un cadeau à l’occasion des 75 ans de Chick Corea. Un concert où la qualité des échanges est à la hauteur de la renommée des musiciens. Un moment d’écoute et d’échange entre des musiciens complices qui mettent leur savoir-faire au service de la musique. Bonheur partagé sur scène. Musique savourée dans les gradins

Gregory « Preacher » Porter, entre soul et gospel

Gregory Porter ouvre la soirée du 11 juillet qui fête le 75ème anniversaire de Chick Corea. Le « Preacher » Porter offre une célébration chaleureuse teintée d’un gospel énergique aux accents soul et bluesy. Le public enthousiaste et sensible au charisme du chanteur oublie le déluge tombé du ciel.

Gregory Porter a enchaîné les succès discographiques. « Water » en 2010, « Be good » en 2012, « Liquid Spirit » enregistré sous le fameux label Blue Note en 2013 et le splendide « Take me to The Alley » (Blue Note/Universal) sorti en 2016. Gregory Porter est déjà venu à Vienne en 2012 où le public l’a découvert avec bonheur. Son retour au festival « jazz à Vienne » en 2014 lui a valu un franc succès. La scène du Théâtre Antique l’accueille de nouveau en 2016 pour le plus grand bonheur de tous ceux et celles qui aiment sa musique, sa voix chaleureuse et sa présence authentique.

Si la pulsation jazz et le scat s’invitent dans la soirée, la tonalité globale du répertoire est plutôt gospel-blues même si la teinte soul funky demeure. Visiblement la matrice « gospel » est très prégnante pour Gregory Porter qui a d’ailleurs rendu hommage à Prince en interprétant une version de Purple Rain empreinte de gospel.

Élégant et souriant le chanteur n’a rien perdu de son charisme. Ses postures évoquent celles d’un prêcheur qui porterait la bonne parole, celle d’une musique qui n’a pas peur d’affirmer ses singularités. La voix de baryton chaleureuse et caressante de Gregory Porter est portée par un quartet qui met en valeur sa prestation. Les interventions très rondes du saxophiste ténor Tivon Pennicot remplacent avantageusement les folles envolées du saxophoniste alto présent à ses côtés les années précédents.

Gregory Porter ouvre avec Holding on et interprète aussi le thème éponyme de son dernier album « Take me To The Alley »  dont il propose aussi Fashion, titre un peu atypique de son dernier opus où il scatte avec brio. Après quelques morceaux dont On my way to Harlem enregistré sur l’album « Be Good », la tonalité est donnée et les spectateurs sont acquis. Gregory Porter s’éloigne alors de ses propres compositions pour interpréter Papa was a Rolling Stone immortalisé par les « Temptations » dans les années 60. A peine le chanteur a-t-il lâché « clap your hand ! » que le Théâtre résonne des battements de mains enthousiastes de la foule. On se croirait au cœur d’une cérémonie gospel où le pasteur Porter officie. « Preacher Porter », ce titre lui sied vraiment !

Le show continue avec du jazz qui swing avec un nouveau scat. Arrive ensuite Hit The Road jack comme un clin d’oeil à l’inoubliable Ray Charles. Gregory Porter reprend quelques titres de l’album « Liquid Spirit », Lonesome Lover, Musical Genocide, … mais la fin du set arrive sans même que l’on s’en aperçoive. Les bons moments sont toujours trop courts. Il reste à attendre sa prochaine venue.

A « Jazz à Vienne » la belle musique a toujours raison des intempéries. Cela s’est vérifié une fois de plus. La chaleureuse prestation de Gregory Porter a ensoleillé la soirée des spectateurs pourtant accablés par une pluie battante.

Entre Brésil et Afrique, Tigana Santana, un conteur ensorceleur

En quête de ses racines africaines le chanteur, compositeur et guitariste Tigana Santana est invité au Club de Minuit le 09 juillet. Ce Brésilien originaire de Salvador de Bahia se produit en duo avec le percussionniste Inor Sotolongo pour un concert d’une rare sensibilité.

Tigana Santana propose un répertoire principalement issu de son album « Tempo & Magma » où il célèbre un Brésil ancré dans ses traditions africaines, du côté de l’Angola et du Nigéria. Au Brésil, l’influence bantoue est très forte au niveau du comportement, de la pensée et de la spiritualité. Il existe de facto une continuité entre les traditions venues de ces pays d’Afrique et celles de Bahia. Tigana Santana donne corps à ce lien. Sa voix porte le chant de la diaspora de ce peuple africain transporté au Brésil lors de la période esclavagiste. Dans ses chants, il s’exprime en Portugais, Français, Anglais mais le plus souvent dans les langues tribales africaines (idiomes kokongo, kimbundu, tshiluba, …).

Dans les civilisations qu’il a étudiées, toute manifestation artistique est acte de philosophie et vice-versa. Ce philosophe (doctorant en philosophie à l’université de São Paolo) pratique la poésie, la composition et le chant pour perpétuer le lien entre l’Afrique et le Brésil. Cela fait de lui le Brésilien le plus africain du Brésil. La combinaison de ces deux aspects de la diaspora africaine dans la musique de Tigana Santana est une affirmation artistique et politique qui irradie la création de cet artiste singulier et talentueux.

Les arpèges délicatement pincés sur les cordes de sa guitare évoquent le chant de la kora. Le chant éthéré empreint de spiritualité tresse la poésie sur des mélodies lancinantes et plaintives. La voix chaleureuse tout en retenue se fait caressante dans le registre aiguë, suave dans les graves. Entre prière et lamentation, Tigana Santana égrène ses chansons avec élégance et sérénité. L’accompagnement sobre et discret du percussionniste Inor Sotolongo met en valeur les ballades délicates. Les rythmes subsahariens portent les mélodies troublantes. Même lorsque le chanteur s’exprime le poing levé (révolte ou combat ?) le chant confine à la prière et à l’incantation.

D’une voix recueillie et caressante Tigana Santana interprète trois titres en solo dont un morceau en anglais et le sublime Congo-Angola-Bahia. Après le retour du percussionniste, il offre le fameux Mon’ami. Une femme pleure devant la mer en pensant à sa fille, son fils disparus. Ce sont ces enfants perdus que recouvre le terme ami en « kimbundu » (langue d’Angola). Une réflexion sur la vie, la mort. On perçoit le message malgré la barrière de la langue.

Le concert se termine par un rappel de Tigana Santana en solo. Debout sans guitare, les yeux fermés il adresse une prière au Congo, terre de ses aïeuls.

On gardera le souvenir ému de ce spectacle élégant et minimaliste fascinant de sobriété. Un folk élégant nimbé de spiritualité.