Entre classique et jazz, entre Orient et Occident

Avi Avilal et Omer Avital. Un mandoliniste classique et un contrebassiste jazz en quête de leurs racines culturelles communes unissent leurs musiques. « Avital meets Avital »… une belle rencontre qui fait se croiser modernité et tradition.

Annoncée pour le 02 juin 2017, l’album « Avital meets Avital » (Deutsche Gramophonn) est né de la rencontre entre deux musiciens aux carrières divergentes, le mandoliniste classique Avi Avital et le contrebassiste jazz Omer Avital.

« Avital meets Avital ». Entre énergie et mélancolie, au croisement de la tradition classique et des improvisations libres, parée d’harmonies de jazz occidental, sous-tendue par les techniques de composition traditionnelle, la musique de l’album combine avec nuance des mélodies chantantes et des rythmes entraînants. Au carrefour des rythmes marocains, des harmonies orientales et de la liberté du jazz, Avi Avital et Omer Avital font librement converser leurs sons, leurs rythmes, leurs influences et leur mémoire sur un album singulier et fort inspiré.

Il était une fois… deux hommes sans lien de parenté ni d’alliance, nés tous deux de parents marocains, arrivés en Israël avec la vague d’immigration maghrébine des années 60 et grandis dans l’Israël des années 80. Issus de la première génération d’émigrants, marqués par les traditions de leurs familles et par leur amour de la musique occidentale, ils se sont rencontrés à l’Académie de Musique de Jérusalem.

Avi Avital est devenu mandoliniste classique de renom après avoir étudié l’instrument au conservatoire de Jérusalem puis à celui de Padoue. Il séduit le public et la presse par des interprétations passionnantes de klezmer, de musique baroque et de musique contemporaine. Le répertoire de la mandoline, cette petite cousine du luth, date du XVIIIème italien. Outre les pièces de cette époque, Avi Avital a transcrit et interprète des œuvres écrites pour d’autres instruments et commande même des créations à des compositeurs contemporains. Il entreprend aussi des collaborations ouvertes en directions de musiciens issus d’autres courants comme le clarinettiste Giora Feidman ou l’accordéoniste Richard Galliano. Avi Avital est actuellement installé à Berlin.

A New-York, Omer Avital est considéré comme l’un des contrebassistes et compositeurs les plus créatifs de la scène jazz actuelle. Sa musique très moderne combine des éléments orientaux et des arrangements contemporains. Elle repousse les frontières du jazz. Son dernier album « Abutbul Music » sorti le 18 mars 2016 séduit par sa musique mélodique et multiculturelle.

Invité en 2012 par le Festival de Musique de Brême pour la Musikfest, Avi Avital doit alors proposer un « concert surprise » qui présente un programme nouveau et original. Il pense aussitôt à Omer Avital dont il a suivi la carrière. Après une semaine de travail à New-York, les deux musiciens se lancent dans cette collaboration musicale inédite et travaillent sur leurs souvenirs d’enfance, les musiques des chanteurs, auteurs-compositeurs israéliens des années 50/60 et celles de leurs racines marocaines que le mandoliniste avait gardées enfouies au fond de lui-même.

Sur « Avital meets Avital » les deux musiciens sont entourés par le pianiste de jazz Yonathan Avishai et par le percussionniste Itamar Doari qui mettent leur talent au service de la musique et apportent des touches vibrantes de couleurs aux rythmes contrastés.

L’album propose neuf pièces aux atmosphères variées. Sur cet opus on entend pour la première fois des compositions d’Avi Avital qui s’est aventuré hors de sa zone de confort. Ses deux pièces, Avis’s song inspiré de la musique balkanique sur  un rythme à 11/8 et Prélude inscrit dans une tradition classique de la mandoline, encadrent Ballad for Avi écrite par Omer Avital. Son climat incite à la méditation tout autant que Lonely Girl, ballade plus mélancolique encore.

« Avital meets Avital » ouvre en beauté avec Zamzama où les modes arabes, les maqâmât, éclatent avec force et annoncent la coloration du disque. On les retrouve sur Hjazain aux influences marocaines indéniables. Ce titre est précédé de Maroc, morceau fondé sur le rythme marocain le plus typique produit par les qrareb (grandes castagnettes de fer). On aime ses arrangements très libres, les alternances percussives (percussions, mains, piano, cordes) et l’énergie joyeuse qui se dégage de ce morceau où l’on retrouve l’empreinte du contrebassiste.

Avec The Source and The Sea, l’album se termine par une ballade du compositeur israélo-polonais Moshe Vilenski comme un hommage pensif à la génération des parents des deux musiciens et à leurs influences culturelles.

« Avital meets Avital ». Un voyage construit aux confins de l’imaginaire de deux artistes inventifs. Climats nostalgiques, mélodies joyeuses, rythmes énergiques, ballades méditatives. Les atmosphères se combinent et proposent une mosaïque musicale aux ambiances orientales et méditerranéennes pleines de charme.

Une invitation à la joie universelle

Avec « Let’s BasH! », le canadien Jowee Omicil, propose un album audacieux et coloré. Le souffleur multi-instrumentiste croise mélodies et rythmes tout au long d’un voyage sans frontière. Un jazz arc-en-ciel, groovy, joyeux et décomplexé.

A travers le titre de l’album, « Let’s BasH! » (Jazz Village/Pias) sorti le 14 avril 2017, Jowee Omicil, fait référence à la joie et à l’amour qui baignent les douze titres de l’album. Amour pour les musiques, amour pour les figures de son panthéon, amour dédié au monde entier et aux pays dont il capte l’âme et les rythmes.

Ce fils de pasteur né à Montréal a grandi entre les communautés haïtienne et québécoise. Imprégné de gospel, des sonorités des chorales et des fanfares, il étudie le saxophone. Outre les musiques des combos de compas et les cadences des fêtes de sa communauté, Jowee Omicil écoute les saxophonistes altistes, Steve Coleman, Kenny Garrett puis rencontre Ornette Coleman avec qui il établit une relation de proximité pleine de déférence. Installé à New-York, il continue son apprentissage dans les clubs, la rue et le métro puis s’installe à Paris mais il continue toujours de naviguer entre ses ports d’attache.

Après trois disques (« Let’s do it », « Roots & Grow » et « Naked ») « Let’s BasH! » est en quelque sorte son premier album « international » où il entreprend de raconter des histoires. La mélodie y tient une place de choix. Sur cet opus, Jowee Omicil brasse avec une certaine audace toutes sortes de musiques. Musique créole, musique indienne, musique touareg, musique capverdienne, sans oublier jazz, gospel, soul et blues. On l’entend à la clarinette, aux saxophones soprano et alto, au cornet, au piano Rhodes et aussi au chant.

Autour de lui, une équipe élargie et énergique comme une famille musicale chaleureuse et dynamique. Trois bassistes, le Libérien Kona Kahsu, le Camerounais Jendah Manga, le Martiniquais Michel Alibo et un contrebassiste Justwody Cereyon. Deux pianistes/claviéristes, le Guadeloupéen Jonathan Jurion et le Guyanais Jean-Philippe Dary. Un guitariste, le serbe Nenad Gajin. Deux batteurs, le Martiniquais Laurent-Emmanuel Tilo Berthollo et le Camerounais Conti Bilong. Le percussionniste tabliste canadien Jeffrey Deen.

On aurait attendu du seul soliste de l’album, le leader, qu’il développe plus ses interventions pourtant inspirées et fulgurantes ou nostalgiques et pensives mais sans doute a-t-il concentré son énergie créative pour architecturer, organiser et mettre en forme un album cohérent et porteur d’énergie positive.

Encore une fois, le miracle du son est advenu grâce à la qualité du travail réalisé par Gérard de Haro, Nicolas Baillard et Clément Gallice, du studio de la Buissonne à Pernes les Fontaines. Après cinq jours d’enregistrement en octobre 2015 et les étapes de mixage et mastérisation, la musique du bouillonnant Jowee Omicil propage le message de son auteur, « Let’s BasH! ».

« Let’s BasH! ». Douze titres, douze ambiances, douze clins d’oeil. Jowee Omicil rend hommage à ses figures tutélaires ou à des lieux géographiques porteurs de fortes traditions musicales. Des mélodies simples aux tonalités lascives ou entêtantes. Une fête rythmique dont les teintes oscillent entre joie et nostalgie.

En ouverture de l’album Jowee Omicil adresse un Let’s Just BasH! hip-hop et groovy au monde entier. Il dédie une biguine aux allures néo-orléannaises à la Martinique et monte sur Le Pont d’Avignon qu’il démonte et reconstruit en dédicace à la France. Il adresse une dédicace à Tinariwen et deux titres aux musiques du Cap-Vert dont un hommage au clarinettiste Luis Morais.

Sur Chaplin Bash!, la clarinette et les tablas projettent avec un certain humour affectueux, la démarche burlesque et émouvante de Charlie Chaplin. Something Clear dédié à Sade impulse une rythmique lancinante sur laquelle le leader pose des riffs réitératifs au Rhodes alors que Jean-Philippe Darry prête sa voix sur ce morceau lascif. 

Avec Love & Honesty, une promenade métronomique, Jowee Omicil rend hommage à Ornette Coleman. Sur Ballad for Roy Hargrove le leader embouche le sax soprano. Le climat se fait d’abord tendre puis adviennent des variations rythmiques servies avec brio par le trio Alibo/Jurion/Bertholo. Le leader lâche son énergie et les cinq musiciens joignent leurs voix à l’hommage au trompettiste avant que le tempo ne ralentisse de nouveau pour laisser place à la complainte du cornet de Jowee Omicil.

One Note for Miles. Onze minutes d’une musique habitée de l’esprit du légendaire Miles Davis à qui est elle est adressée La rythmique obsédante et le chant pensif et nostalgique de Jowee Omicil restituent tout à fait les ambiances davisiennes.

« Let’s BasH! ».  Avec une relative audace, Jowee Omicil élabore une musique comme on confectionne un rhum arrangé ou un plat goûteux. Dans un bain rythmique multiculturel avec un brin de créolité, un zeste de soul, un soupçon d’humour et des mélodies simples qui se retiennent. Une musique universelle et populaire. Une musique qui prétend amener le monde à la liberté et qui ne se prend pas la tête.

Passionnant et magnétique

Olivier Benoit et l’ONJ terminent leur tour d’Europe. Après Paris, Berlin et Rome, le projet Europa gagne Oslo. « Europa Oslo » dresse le portrait musical de la Norvège. La musique se renouvelle et fait alterner les climats. Une partition opératique passionnante.

Sur ce quatrième et ultime opus « Europa Oslo » (ONJ/L’Autre Distribution) sorti le 28 avril 2017, le directeur musical de l’ONJ, Olivier Benoit propose son nouveau programme créé en résidence à l’Académie norvégienne de musique d’Oslo, en décembre 2016. Pour ce faire il a associé deux artistes pour offrir un autre répertoire à la magnifique machine qu’est devenu l’ONJ. Le poète osloïte Hans Petter Blad auteur des textes de l’album et la comédienne Maria Laura Baccarini. 

Hans Petter Blad a traduit lui-même en anglais certains de ses textes réalistes qui résonnent avec les musiques d’Olivier Benoit. Connue dans le monde du jazz pour son travail auprès de Régis Huby  la comédienne Maria Laura Baccarini se fait chanteuse ou récitante avec l’ONJ et sa voix fascinante est un élément majeur sur cet album qu’elle habite littéralement.

Sur « Europa Oslo », l’ONJ d’Olivier Benoit donne à entendre son unité, sa cohérence sur soixante neuf minutes d’une musique singulière dont les richesses se dévoilent à chaque nouvelle mesure. Si la photo de couverture pourrait laisser augurer d’une musique plutôt froide, il n’en est rien, loin de là. Il s’agit d’une suite orchestrale qui prend les couleurs d’une forêt musicale bruissant de mille sonorités et de tout autant de nuances. Rythmique souple ou pulsatile, frottements gracieux ou grincements féroces des cordes, turbulences ou grâce des soufflants, voix qui passe du murmure au cri, sonorités fiévreuses et énergiques ou bruitisme inquiétant.

Avant de continuer plus avant à évoquer la musique de ce onzième Orchestre National de Jazz, il est bon de rappeler sa composition et de signaler que le directeur, Olivier Benoit, les a choisis après un appel à candidatures. Lui-même tient la guitare. Il est entouré de Maria Laura Baccarini (voix), Jean Dousteyssier (clarinettes), Alexandra Grimal (saxophone ténor), Hugues Mayot (saxophone alto), Fidel Fourneyron (trombone), Fabrice Martinez (trompette, bugle), Théo Ceccaldi (violon), Sophie Agnel (piano), Paul Brousseau (Fender Rhodes, synthétiseur basse), Sylvain Daniel (basse électrique) et Eric Echampard (batterie, électronique).

Le nuancier de la musique de l‘ONJ « Europa Oslo » est d’une richesse inouïe. La musique explose ou murmure. Elle porte à la rêverie ou évoque la révolte. On est surpris autant qu’enchanté. On apprécie les moments suspendus portés par la voix limpide et souple de Maria Laura Baccarini, les notes perlées de Sophie Agnel, les tumultueux emballements menés par la basse rugueuse de Sylvain Daniel et la batterie énergique d’Eric Echampard. L’orchestre tout entier rejoint les rythmiciens pour faire pulser un groove tellurique et fascinant.

Même s’il s’agit de la musique d’un orchestre devenu une véritable entité, les solistes ne sont pas en reste. Le saxophone d’Alexandra Grimal psalmodie sur Sense That You Breathe,  Paul Brousseau fait exploser ses claviers électriques sur Ear Against The Wall porté par l’énergie pulsatile d’un Eric Echampard inépuisable. Sur Intimacy, la guitare d’Olivier Benoit se fait lyrique et il se déchaîne tel un rocker infatiguable comme pour s’élever au niveau du chant. Le saxophone alto de Hugues Mayot éclabousse A Sculpture Out Of Tune de ses spirales ascensionnelles qui rivalisent avec la voix de Marie-Laura Baccarini. Le trombone de Fidel Fourneyron donne le tempo et des couleurs à la fête sur An Immoveable Feast. La trompette de Fabrice Martinez prend son envol avec insolence sur Det Har Ingenting Å Gjøre soutenu par la guitare et l’orchestre tout entier.

Si la musique de cet album s’abreuve aux sources du jazz, du rock progressif et de la musique répétitive, elle résulte surtout du travail d’un directeur qui a su offrir l’espace nécessaire aux musiciens pour que l’ONJ devienne vraiment un groupe et sonne comme jamais encore l’ONJ ne l’avait fait et pourtant on a connu de beaux moments sous la conduite des précédents directeurs depuis 1986 qui a vu la naissance de cet Orchestre National de Jazz. 

Écouter « Europa Oslo » constitue une expérience qui dépasse largement la notion du simple plaisir. On ressent des moments d’intenses vibrations. On se laisse envahir par des émotions très fortes. On frissonne et on se sent transporté sur les cinq dernières minutes de « Pleasures Unknown », le titre bonus de l’album. C’est absolument bouleversant. On regrette vraiment que l’ONJ ne soit pas plus largement accueilli sur les scènes françaises. On envie les veinards qui pourront écouter ce répertoire avant juin 2018 et pourront ainsi vivre live des moments de bonheur musical intense.

« Europa Oslo ». La musique pulse et respire, vibre et s’envole, surprend et se réinvente de plage en plage. Chaque morceau permet à l’orchestre de faire résonner son propre vocabulaire pour écrire un langage qui n’a cesse de se renouveler. Avec l’énergie inventive d’un collectif innovant, l’ONJ explore tous les univers. Il élabore des instants poétiques mais génère des moments énergiques à la rythmique entêtante et tellurique.

L’univers evansien retrouvé

Le label Concord propose un concert inédit du pianiste américain Bill Evans, enregistré le lundi 15 novembre1976 au Madison Union Theater de l’Université du Wisconsin, en trio avec le bassiste Eddie Gomez et le batteur Eliot Zigmund. « On a Monday Evening », un album précieux.

C’est le 15 novembre 1976 un lundi soir au Théâtre de l’Union de l’Université de Madison du Wisconsin. Bill Evans est au piano, Eddie Gomez tient la contrebasse et Elliot Zigmund la batterie. Le concert est brillant … en tout cas c’est ce que l’on ressent quarante et unes années plus tard à l’écoute de cet album inédit, « On a Monday Evening » (Concord/Universal).

Certes depuis le décès de Bill Evans en 1980, sa discographie impressionnante ne cesse de s’épaissir s’enrichissant d’inédits en provenance des Etats-Unis, du Japon ou d’Europe mais tous les albums ne présentent pas un intérêt essentiel. Récemment on a eu l’occasion d’écouter « The Bill Evans Album » (Columbia/Sony) une réédition d’une session enregistrée en 1971 avec le même Eddie Gomez à la contrebasse et Marty Morell à la batterie. Le propos n’est pas enthousiasmant même si tous les titres enregistrés sont très bien interprétés (uniquement des compositions du pianiste). Pas de réelle magie. Ce n’est pas le cas pour ce qui concerne « On a Monday Evening » jamais publié, ni même piraté et enregistré live avec l’un des meilleurs trios de la fin de carrière de Bill Evans.

Après avoir interviewé Bill Evans pour la station de radio du College, Larry Goldberg et James Fraber parviennent à utiliser l’appareil de contrôle de la station et enregistrent le concert qu’ils conservent précieusement pour la postérité. Remastérisé à partir des bandes analogiques originales via l’utilisation des techniques les plus récentes de restauration, les enregistrements proposés sur « On A Monday Evening » présentent un excellent concert de jazz donné un certain 15 novembre 1976 par un Bill Evans au sommet de son art.

En effet, la musique du trio de Bill Evans entouré du bassiste Eddie Gomez et du batteur Eliot Zigmund témoigne de la force de l’art evansien à un moment charnière de sa carrière. Il s’agit d’un concert tonique un peu différent de ces moments introspectifs que le pianiste avait coutume d’offrir aux spectateurs. Comme à son habitude, le pianiste interprète des morceaux qui lui sont familiers. Huit titres dont trois de ses compositions personnelles, Sugar Plum, T.T.T. (Twelve Tone Tune), Time Remembered et des standards qu’il ré-interprète inlassablement tout au long de sa carrière comme, All of You ou  Someday My Prince Will Come.

« On a Monday Evening ». La qualité sonore est remarquable et sans les applaudissements, on oublierait presque qu’il s’agit d’une prise live.  La performance musicale du trio est éclatante de bout en bout. On constate combien chacun des musiciens s’exprime librement au sein de ce trio. On retrouve les subtilités mélodiques, le discours harmonique très développé du pianiste et son jeu quasiment polyphonique. Il ne s’agit pas du Bill Evans méditatif et introspectif qu’il nous est souvent donné d’écouter mais d’un Bill Evans au jeu intense, lyrique, souple mais toujours subtil et raffiné.

Un titre du répertoire allège la dimension tonique de l’album. Il s’agit du magnifique morceau Minha (All Mine) que Bill Evans interprète avec une grâce rare, comme en apesanteur. La contrebasse et la batterie servent avec délicatesse et légèreté le propos du pianiste. Bill Evans joue rubato comme les pianistes romantiques le font. Le climat devient impressionniste. Un délicieux moment de rêverie.

A l’écoute de l’album « On a Monday Evening » on perçoit aussi une des caractéristiques introduites par Bill Evans dans le jeu du trio. Celui qui consiste à favoriser l’expression de chacun des musiciens, ce qu’on nomme l’interplay ou jeu interactif. Si la profondeur harmonique de l’accompagnement d’Eddie Gomez est indéniablement perceptible on apprécie surtout de pouvoir écouter ses brillants chorus à l’archet sur All of You par exemple et ses improvisations volubiles, rapides et très déliées sur le manche de la contrebasse lors de ses échanges soutenus avec le pianiste comme sur T.T.T. Le batteur Zigmund Eliot vient tout juste d’intégrer le trio de Bill Evans et restera avec lui jusqu’en 1979. Son accompagnement subtil cède le pas à des frappes pêchues et inspirées dès qu’il lui est donné d’intervenir lors des échanges 4/4 ou des improvisations.

Cet album « On a Monday Evening » (Concord/Universal) vient enrichir l’héritage discographique de Bill Evans, ce pianiste devenu une référence, un modèle pour des générations de pianistes, celui qui possède l’art de sublimer la mélodie, celui qui a « créé » une esthétique particulière et a renouvelé l’art du trio. Bill Evans a en effet sorti la batterie et la contrebasse de leur rôle d’accompagnateur et a ainsi renouvelé la formule du trio jazz moderne piano/contrebasse/batterie.