Un album énergique et rayonnant

Deux ans après « Abutbul Music », le contrebassiste Omer Avital revient avec son nouvel album « Qantar » (Zamzama Records) enregistré à Brooklyn avec le quintet formé en 2016. La musique n’a rien perdu de sa singularité. Rayonnante d’énergie elle résonne d’un jazz solide traversé d’influences orientales.

« Qantar » est à la fois le nom du quintet créé en 2016 par le contrebassiste Omer Avital et le titre de l’album annoncé en France pour le 07 septembre 2018 après une sortie américaine en avril.

Déjà présents aux côtés du contrebassiste Omer Avital sur l’album « Abutbul Music » sorti en 2016, les saxophonistes Asaf Yuria (ténor et soprano) et Alexander Levin (ténor) et le batteur Ofri Nehemya sont rejoints par le pianiste Eden Ladin.

Un contrebassiste multiculturel

On a déjà évoqué lors de la sortie de l’album « Avital meets Avital » le multiculturalisme du contrebassiste né dans une famille maroco-yéménite arrivée en Israël avec la vague d’immigration maghrébine des années 60. Issu de la première génération d’émigrants, il a grandi dans l’Israël des années 80 et a été marqué par les traditions de sa famille et par leur amour de la musique occidentale. Après avoir appris la guitare classique il est devenu au fil des ans un bassiste de jazz virtuose qui a conservé le goût des mélodies et le sens du blues.

Omer Avital repousse les frontières du jazz contemporain, combine swing et modernité auxquels il ajoute des variations aux saveurs orientales. Dans son toucher coexistent force et précision. Inventif il affectionne les contrastes. Il fait corps avec la batterie pour stimuler les solistes mais fait aussi chanter avec sensibilité les cordes de sa contrebasse.

Un jazz inventif qui transcende les influences

La plupart des titres de l’album ont été écrits par Omer Avital bien avant l’enregistrement et témoignent de l’ensemble de ses inspirations. Le jazz en fait partie mais l’écriture du contrebassiste conserve trace de ses origines et des rencontres qui l’ont marqué.

Sur One Man’s Light is Another Man’s Night composé aux environs de 2004/2005 la musique navigue entre lumière et désespoir. A l’écoute du morceau Hamina écrit à la même époque que le précédent, on est transporté vers les rives orientales de la musique Mizrahi que les juifs israéliens de souche sépharade affectionnent et qui résonne d’influences arabes, grecques ou espagnoles.

Les origines de Daber Elay Africa remontent à 2010 lors d’une improvisation survenue à Tel Aviv entre le pianiste Kirk Lightsey, le percussionniste David Balilti et Omer Avital. Imprégné d’un jazz tempéré, le morceau célèbre les musiques de l’Afrique du Nord.

Bambolero est une nouvelle composition très rythmique qui groove comme un éclat de rire et respire la bonne humeur. La douce ballade Beauty and The Beast a été composée entre 2003 et 2004 puis réarrangée en 2006. De facture plutôt classique la mélodie romantique confiée au soprano résonne d’une modernité douce-amère que le ténor sensible adoucit.

Immigration remonte aux années 1994/1995 peu après l’arrivée du contrebassiste à New-York. Il s’agit d’une de ses premières compositions. Un climat d’étrangeté résonne suivi d’une période où la rythmique et le climat harmonique se densifient. Solaire, Turkish Coffee Blue respire la joie. Les saxophones et le piano élèvent leur blues joyeux porté par la paire rythmique qui assure une assise à la fois solide et tranquille. Des effluves orientaux colonisent le blues imprégné de rythmes qui auraient musardé du côté des Caraïbes.

Écrit en 2008 Cool Song restitue un climat de sérénité. La contrebasse chante un blues méditatif que le piano éclaire de sa tranquille clarté. Le growl entêtant du saxophone est poussé par la batterie avant que le calme ne revienne. L’album se termine en beauté avec le superbe Know What I Mean ?, sans doute une des plus anciennes compositions du contrebassiste (1990). Du jazz old school qui déménage et rappelle les ambiances de jadis, quand les clubs new-yorkais vibraient au rythme des jams échevelées. Avec un petit clin d’oeil de la contrebasse d’Avital en direction de celle de Mingus !

On vibre à l’écoute de « Qantar » et de son jazz contemporain, réjouissant et inventif qui transcende les influences. A l’écoute des neuf titres du nouvel album du contrebassiste Omer Avital, on perçoit la grande complicité qui relie les musiciens et la force de cohésion qui traverse le quintet.

Souffle inspiré et vibrations libératoires

Avec « Jericho Sinfonia », le compositeur et saxophoniste Christophe Monniot propose une œuvre artistique remarquable. En soixante-six minutes l’album interpelle par la richesse de son propos. A partir du récit biblique de l’effondrement des murailles de Jericho se tisse un récit captivant. Une création musicale vibrante de spiritualité.

Paru en avril 2018, l’album « Jericho Sinfonia » (Ayler Records) résulte d’une direction artistique à trois têtes qui n’est pas sans rappeler celle d’un opéra. La sonographe Sylvie Gasteau en charge du livret, le compositeur Christophe Monniot en charge de la musique qu’il dirige et interprète avec les musiciens* du Grand Orchestre du Tricot réunis par le batteur Adrien Chennebault.

La richesse des arrangements, la puissance des improvisations, l’organisation des textes et des titres tout concourt à faire de « Jericho Sinfonia » une création singulière qui relie musique, science, poésie et spiritualité.

L’album

Au fil des dix plages, musiciens et instruments mêlent leurs vibrations à celles des voix qui lisent, témoignent ou commentent. 

Des voix lisent des versets du livre de Josue, d’autres restituent la parole de Pasolini, lisent des poèmes de Sutzkever. Des scientifiques formulent des commentaires en lien avec des phénomènes physiques (résonance, vibration, fréquences, énergie).

Les musiciens du Grand orchestre du Tricot et Christophe Monniot interprètent la partition et improvisent lors d’un concert enregistré en décembre 2015 à « La Fabrique » à Meung-sur-Loire.

La musique illustre, relie les paroles et leur insuffle sa force.

Le livret

Cerise sur le gâteau, l’album est accompagné d’un livret comme on aimerait en consulter plus souvent. Il rend plus accessible encore le montage voix/musique des dix pistes de l’album. Il réunit une superbe présentation de Michel Pétrossian, la transcription chronologique des textes et les noms des improvisateurs.

Jazz et spiritualité

L’œuvre possède la force d’un pamphlet politique tout autant qu’elle adresse un clin d’oeil plein d’humour qui incite à la réflexion.

Par ricochet on en vient à se questionner sur le rôle de l’individu et celui du collectif, dans la musique certes mais aussi par effet miroir dans la société. L’album interpelle par ailleurs sur la place de la spiritualité dans le tissu sociétal, dans les arts et plus précisément dans la musique de jazz.

Cela fait écho avec les propos de Raphaël Imbert dans son ouvrage « Jazz supreme - Initiés, mystiques et prophètes » où il explore la dimension de la spiritualité dans le jazz.

Les propos de Christophe Monniot

Restitués ci-après, à l’issue d’un entretien cordialement accepté par le musicien lors de sa venue le 24 août 2018 à Jazz Campus en Clunisois, les propos de Christophe Monniot contribuent à éclairer cette présentation de l’album et à saisir mieux encore la cohérence de « Jericho Sinfonia ».

La posture du compositeur

Christophe Monniot rappelle que « le jazz a été au départ une musique de revendication, de posture politique et révolutionnaire autant qu’artistique ». C’est dans cet esprit qu’il lui est apparu essentiel « aujourd’hui d’adopter une posture parallèle à celle des boppers pour faire une œuvre musicale imprégnée de la société actuelle » qui témoigne de sa position « d’artiste et de citoyen relié à la société à laquelle [il] appartient et dans laquelle [il]vit ».

Une telle posture lui permet « de réfléchir aux mutations et aux changements géopolitiques fondamentaux » et de projeter « le fruit de ses réflexions dans la musique ». Ainsi, il « prend position dans cette société unilatérale » où il « exprime un point de vue séculaire enraciné dans les racines judéo-chrétiennes » qui sont les siennes.

« Jericho Sinfonia », deuxième tableau d’un tryptique

Christophe Monniot rapporte par ailleurs que « le début de l’écriture du projet remonte à la même période que celle où [il a[] conçu Vivaldi Universel ce qui lui permet de préciser que dans les faits, « Jericho Sinfonia » « fait partie d’un triptyque dont Vivaldi Universel serait le premier volet où la planète est attaquée par l’action des pays industrialisés avec les répercussions qu’on connaît. Jericho Sinfonia serait le deuxième tableau alors que La Nouvelle Terre, sans paroles, constituerait le troisième et dernier tableau ».

Il a conçu l’album « comme un opéra dont [il a] écrit la musique et Sylvie Gasteau le livret ». Elle a enregistré nombre des entretiens (hormis entre autres celui où Marguerite Duras interroge le petit François) qu’elle a montés. Ils se sont ensuite « réunis tous les deux pour construire le film et instaurer la cohésion entre les musiques et les paroles ».

Pour nommer son œuvre, Christophe Monniot a choisi le terme Sinfonia en hommage à Luciano Berio (auteur de « Sinfonia ») auquel le saxophoniste porte une grande admiration. Il dit avoir beaucoup écouté d’autres compositeurs qui ont irrigué son inspiration et cite « Messian, Coltrane et Bernstein« .

Une histoire musicale

Dans « Jericho Sinfonia », Christophe Monniot « raconte une histoire musicale à la manière d’un film co-réalisé avec Sylvie Gasteau » avec qui il avait déjà travaillé à l’occasion de « Vivaldi Universel ». « A l’intérieur de la narration vivent plusieurs personnages, la figure poétique, la figure politique, la figure historique, la figure biblique …. tout cela a un sens ».

Christophe Monniot a voulu « partir d’un évènement biblique » nourricier dont il revendique la force et la portée… « une muraille réputée infranchissable effondrée par de la musique, même si de fait c’est autre chose que de la musique… ». Dans Pré-Hymne est lu le texte de Josué à travers lequel est évoqué « une épreuve de foi, une ordonnance divine demandant à plus de deux milliers de lévites de tourner sans jouer puis de jouer au 7ème jour et de crier ».

Pour « concevoir la chose sérieusement », il a fait figurer des « témoignages de scientifiques qui corroborent le tout, évoquent l’onde sismique qui pourrait être déclenchée, la fréquence de résonance et le tremblement possible résultant de la marche au pas des soldats sur un pont, l’énergie sonore, la force de vibration ».

L’écriture

Interrogé quant aux modalités particulières de l’écriture de la musique, Christophe Monniot précise que Dans Cité, le « dernier thème avec plein de petites parties qui termine l’album a été écrit en tout premier ». Il lui est alors apparu « comme une synthèse à partir de laquelle [il a] développé ensuite les parties de ce tout pré-existant ».

Christophe Monniot s’exprime en soliste dans les trois Hymnes où il improvise et ensuite « donne la parole aux solistes de l’orchestre qui croient en la symbolique de l’art qui ouvre les frontières ».

L’instrumentation

Le texte biblique évoque les trompettes de sept prêtres alors que le Grand Orchestre du Tricot n’en compte que deux.

Christophe Monniot précise que le terme trompette recouvre en fait « les cornes de béliers utilisées en guise de trompes pour souffler la Terouah ». Il ajoute qu’aux trompettes s’ajoute « le saxophone baryton qui incarne les fréquences basses » des vibrations évoquées par les scientifiques.

« Les cloches tubulaires sont utilisées à trois reprises » et ces percussions jouent un rôle important dans la composition. Elles ouvrent le premier thème Veni Veni Emmanuel et incarnent alors « le désespoir, la douleur, la complainte, le problème, l’appel à l’aide, la prière à Dieu ».

Elles ré-interviennent dans Sonne, heure ! « quand la frontière entre le rationnel et l’irrationnel devient floue ». Ce morceau constitue « l’épicentre de l’œuvre », le moment où l’on entend les paroles des scientifiques, des extraits de « l’ultima intervista » de Pasolini lus par Roberto Negro en italien et Michel Richard en français. Sont alors évoqués le refus, la volonté d’abolir, l’énergie et la tendance au désordre, la cohésion de ceux qui se battent et résistent,.

On retrouve enfin les cloches tubulaires dans le thème ultime, Dans Cité. Leur sonorité figure alors « l’espoir après la chute du mur ».

« L’art guidé spirituellement peut faire tomber les murs »

Dans « Jericho Sinfonia », Christophe Monniot projette l’effondrement des murs de Jericho comme une allégorie qui fait écho à « tous les murs physiques (dont celui de Berlin) ou symboliques qui se dressent ou se sont dressés entre les hommes, entre les communautés« . Pour lui, « l’art guidé spirituellement peut faire tomber les murs ».

« Jericho Sinfonia », une œuvre artistique originale dont la musique intense et inventive fait alterner recueillement et tumulte. Un album-concept porteur d’espoir qui fait tomber les murs entre l’art et les sciences. Une contribution spirituelle au jazz du vingt-et-unième siècle.

*Les musiciens  : Christophe Monniot (saxophones sopranino et alto), Roberto Negro (piano), Adrien Chennebault (batterie), Valentin Ceccaldi (violoncelle, horizoncelle, percussions), Florian Satche (batterie, percussions), Guillaume Aknine (guitare électrique), Jean-Baptiste Lacou (trombone), Gabriel Lemaire (saxophones alto et baryton), Quentin Biardeau (saxophones soprano et ténor), Alexis Persigan (trombone), Alan Regardin (trompette) et Yoann Loustalot (trompette, bugle).

Célébration élégante de la musique de Gershwin

Tony Bennett et Diana Krall célèbrent ensemble la musique de George et Ira Gershwin sur l’album “Love Is Here To Stay”. Le premier album en commun de ces deux stars du jazz vocal américain procure un plaisir d’écoute dont il serait dommage de se priver… du jazz classique et délicieux.

Après avoir déjà gravé des titres ensemble en 2001 et 2006, Tony Bennett et Diana Krall reviennent en duo le 14 septembre 2018 avec l’album “Love Is Here To Stay” (Verve Records/Columbia Records/Universal).

Un duo pas banal, un vénérable vétéran de l’art vocal masculin âgé de 92 ans et une diva du jazz canadien qui brille autant derrière son piano que devant son micro.

120ème anniversaire de la naissance de George Gershwin

Ces deux stars de deux générations différentes ont en commun d’une part un succès qui ne se dément ni pour l’une ni pour l’autre et d’autre part un amour paratgé pour la musique de Gershwin. L’album “Love Is Here To Stay” tombe à pic et sa sortie précède de peu le 26 septembre, date du 120ème anniversaire de la naissance de George Gershwin,

« Love Is Here To Stay », premier album en commun du duo

Tony Bennett et Diana Krall ont tourné ensemble en 2000 et ont ensuite enregistré des titres en duos, Alright, Okay, You Win sur “Playin’ With My Friends” en 2001 et The Best is yet to come sur “Duets : An American Classic” en 2006, deux albums du chanteur. Par contre ce nouvel opus, « Love Is Here To Stay », est de fait leur premier album en commun.

Après Amy Winehouse et Lady Gaga, Tony Bennett chante en tandem avec Diana Krall (qui délaisse son clavier) et ce n’est pas pour déplaire aux amateurs de jazz vocal.

Sur “Love Is Here To Stay” on retrouve avec plaisir le duo accompagné par le pianiste Bill Charlap, le contrebassiste Peter Washington et le batteur Kenny Washington sur douze standards gershwiniens dont les très connus S’ Wonderful, qui ouvre l’album, Love Is Here to Stay, They Can’t Take That Away From Me, Nice Work If You Can Get It et Fascinating Rhythm.

Pour la première fois, les deux chanteurs enregistrent My One and Only and I’ve Got A Crush On You jamais encore gravés, ni par l’un, ni par l’autre.

Deux titres en solo

Si les artistes duo interprètent dix morceaux en duo, chacun chante un titre en solo.

Sur But not for me, Diana Krall excelle de souplesse et de décontraction alors que Bill Charlap prodigue à la chanteuse un accompagnement minimaliste auquel tout vocaliste aspire. Notes choisies et posées sur le clavier comme des perles sur un fil musical épuré et étiré qui laisse toute latitude à la chanteuse pour s’exprimer avec délicatesse, sensibilité et grâce.

Quant à Tony Bennett, il attaque Who Care en douceur avec Bill Charlap puis adopte le tempo plus swing qu’impulse le trio et le morceau se termine après un superbe chrorus du pianiste avant que le chanteur ne boucle le dernier titre de l’album avec autorité.

« Love Is Here To Stay », un album de jazz vocal d’un classicisme avéré dont l’écoute procure un bien-être certain. Au sommet de la maîtrise de leur art, Tony Bennet et Diana Krall renouvellent quelques-uns des grands standards du jazz vocal. Avec une élégance inouïe et une aisance sans pareille, le duo ouvre les portes d’un monde musical délicieux. Ce serait dommage de bouder son plaisir !

« Jardin après la pluie » un album apaisé et serein

A la tête d’un trio sans batterie, la vocaliste Laurence Saltiel délivre sur « Jardin après la pluie » son chant toujours aussi limpide et élégant. Entre poésie et swing la voix narre des histoires où triomphent la vie et le sourire.

On se réjouit que Laurence Saltiel ait délaissé un moment ses activités de pédagogue pour enregistrer « Jardin après la pluie » (Edyson Production/Inouie Distribution). Sorti le 01 juin 2018, cet album aux climats intimistes permet d’apprécier de nouveau le talent de cette chanteuse qui perpétue l’héritage de Mimi Perrin et des Double Six… avoir étudié le jazz avec Christiane Legrand n’est en cela pas anodin.

Ainsi « Jardin après la pluie » vient s’ajouter à « Reflections from Paris » (1992), « Tomara » (1997), « Moondance » (2004) et « Portraits de famille » (2014) et à « Salade composée », « Entrée d’scène » et « La p’tite bête au grand air », trois albums à vocation pédagogique que compte aussi sa production discographique.

Pour son retour en studio, la chanteuse s’est entourée du contrebassiste Benoit Dunoyer de Segonzac et du pianiste et accordéoniste Patrick Villanueva. La voix claire de la Laurence Saltiel est servie par le swing absolu que prodiguent ces deux musiciens accomplis.

A l’écoute des huit titres de « Jardin après la pluie » il apparaît que la force et la sensibilité de l’art de Laurence Saltiel repose sur l’équilibre précieux qu’elle fait régner entre musique, texte et chant. Le swing parcourt le disque d’un bout à l’autre, la poésie manie l’humour ou la tendresse pour évoquer la fuite du temps et les tourments de la vie sans jamais sombrer dans la tristesse. Cristalline et précise la voix révèle les textes et déroule des scats irisés de lumière et de délicatesse. La souplesse préside à l’expression … et la sérénité advient.

Standards et compositions originales

Le répertoire de l’album compte deux standards choisis par la chanteuse. Le magnifique Throw it away que la grande Abbey Lincoln a enregistré en 1994 sur l’album « The Music is Magic ». Now Go and Fly composé par le pianiste Diederik Wissels sur des paroles de Fay Classen et David Linx.

Chacun des membres du trio a par ailleurs contribué au répertoire en fournissant deux compositions sur lesquelles Laurence Saltiel a écrit ses textes avec Lili Chane, Florence Camensuli-Babo et Josephina Echenique. C’est ainsi qu’alternent des chansons interprétées en anglais, en espagnol et en français. Quelques scats lumineux de la chanteuse contribuent à leur manière à la poésie de cet album.

Impressions musicales

Les notes tendres et apaisantes du piano et la voix lumineuse font rayonner le soleil sur Jardin après la pluie qui ouvre l’album. Après le début mélancolique de Throw it away, la voix s’envole en un scat limpide dont la délicatesse irise le titre.

On sourit au fil du texte de Crime de sang dont le swing n’est pas sans évoquer celui que cultivait un certain Nougaro. Joni’s Dream incite à une certaine langueur impulsée par le tempo chaloupé de la voix et le piano. On est touché par l’hommage rendu aux femmes sur Petite fille. Une musique délicate et élégante accompagne la force et le réalisme du texte.

Le chant pur et expressif transforme Now go and Fly en une véritable île de beauté. Sur un tempo syncopé de bossa nova, Sereine déborde d’un enthousiasme contagieux dont témoigne une improvisation libérée du piano et un scat vertigineux de la voix. Pour finir, on vibre au swing fervent et fantaisiste de Peace again qui termine l’album.

« Jardin après la pluie » respire la sérénité. Un équilibre précieux règne entre musique, texte et chant. Accompagné par Benoit Dunoyer de Segonzac et  Patrick Villanueva, la vocaliste Laurence Saltiel peaufine son expression vocale comme le ferait un dessinateur. Son chant navigue entre la délicatesse des pastels, la souplesse et la précision du fusain et les nuances de l’aquarelle. Comme des lignes lumineuses, ses scats évoquent des traits de pinceau que le peintre ajoute à son tableau pour lui donner plus d’épaisseur et de force. Un album ressourçant.