Harold López-Nussa, capitaine à la barre de « El Viaje »

L’album « El Viaje » invite au voyage. Sur le pont, à la barre et au piano, le capitaine Harold López-Nussa. A ses côtés les copilotes, Alune Wade et Adrián Ruy López-Nussa. La musique groove au fil d’un voyage dont La Havane est le port d’attache.

« El Viaje » (Mark Avenue/Harmonia Mundi) présente le trio d’Harold López-Nussa avec son jeune frère Adrián Ruy López-Nussa (batterie, percussions) et le Sénégalais Alune Wade (basse, chant). Sur certains titres, le trio est augmenté avec des invités dont le père d’Harold López-Nussa, Francisco Ruy López-Nussa (batterie), Mayquel González (trompette, buggle), Dreiser Durruthy (percussions, chant) et Adel González (percussions).

L’album a été enregistré à la Havane qui représente pour le pianiste plus qu’une toile de fond. En effet, son propre voyage musical part toujours de la Havane pour mieux y revenir. S’il a étudié la musique classique puis la musique populaire de Cuba et le jazz, ses fondamentaux restent ancrés dans la culture de son pays. Malgré cela Harold Lopez-Nussa demeure toujours avide de voyages musicaux pour découvrir d’autres rivages et étoffer son inspiration. C’est ainsi qu’il se projette dans le monde à partir de Cuba avec ses propres bagages mais y revient toujours enrichi de nouvelles influences issues de ses confrontations avec d’autres cultures.

Harold López-Nussa a entamé en 2015 une collaboration avec le bassiste sénégalais Alune Wade sur l’album « Havana-Paris-Dakar ». A la suite de cette expérience, le pianiste cubain construit avec le bassiste un nouveau travail musical où culture cubaine et africaine se côtoient, l’album « El Viaje ».

« El Viaje » est un voyage à la fois rythmique et mélodique. D’escale en escale on cabote sur les rivages du jazz et on met le cap sur des destinations de rêve. Les inspirations sont donc diverses mais de titre en titre un groove efficace, plaisant et dépaysant s’installe. Les ambiances changent, les rythmes varient mais la musique conserve des couleurs chaleureuses.

L’ambiance du morceau d’ouverture Feria évoque une soirée festive où des invités cubains, africains et new-yorkais confronteraient leurs souvenirs musicaux. On aurait aimé être autour de cette piste de danse animée par des musiciens qui invitent « Evidence » comme un clin d’oeil à Thelonious Monk. On a aussi particulièrement apprécié Bacalao Con Pan, un classique que Chucho Valdes avait joué avec Irakere. De la tradition, Harold Lopez-Nussa et ses compagnons conservent une rythmique soutenue et des alternances entre salsa, rumba et danzon mais ils rafraîchissent les racines originelles par des accents de modernité.

Sur Lobo’s Cha, le toucher du piano se fait romantique, la basse langoureuse. Les lignes mélodiques délicates se teintent de nostalgie. En s’imprégnant d’une mélancolie toute parisienne, le boléro évolue. La rythmique le transforme en un cha-cha-cha aux accents plus modernes. On est conquis.

Sur El Viaje, le morceau éponyme de l’album, on embarque dans un bateau qui se balance doucement sur l’eau. Le chant voilé de la trompette s’élève et dialogue avec la basse et la voix caressante d’Alune Wade. L’expression lyrique du piano flotte sur un filet délicat tissé par les percussions

Le voyage se poursuit d’escale en escale. On se promène avec Mozambique en Mi bémol puis on se dirige vers Oriente pour rejoindre ensuite Inspiración En Connecticut. On parcourt l’Afrique avec Africa où la voix de Dreiser Duruthy alliée aux percussions fait le lien entre les racines communes de l’Afrique et de Cuba. Sur Una Fábula, la voix et la basse d’Alune Wade, le piano et la trompette content une fable pendant que le batteur et ses balais dessinent des contre-jours pour nous ramener en souplesse à Cuba avec le morceau Me Voy Pa’ Cuba. La voix du chanteur et sa basse chaloupent sur la trame jouée délicatement par le pianiste. Mais Cuba c’est aussi et surtout la patrie du rythme et le morceau s’accélère dès que le port approche pour finir dans une danse-transe.

Les onze plages de l’album proposent des univers différents où l’élégance est toujours de mise. Même si les jeux des solistes sont brillants, leurs interventions ne tournent pas à l’exhibition, à l’exubérance ou à l’esbroufe. C’est toujours la musicalité qui triomphe quel que soit le tempo et les ambiances.

La sortie de l’album « El Viaje » est annoncée pour le 23 septembre et Harold Lopez-Nussa sera en tournée à partir de septembre. En attendant de l’écouter sur scène on le retrouve pour une présentation de l’album.

« Anda », le tango halluciné de Melingo

« Anda », le prochain album de Melingo est annoncé pour le 23 septembre chez World Village. Un disque hors genre. Une bobine de cinéma-tango déjanté et surréaliste.

Sur Anda, la voix de Melingo nous revient telle qu’on l’aime, éraillée et obscure. Anda promet des dépaysements. Avec Anda, Melingo frappe plus fort et nous ensorcelle. Avec Anda, le tango est comme bousculé, comme revigoré.

Tel un illusionniste échappé d’une nouvelle de Borges, Melingo est de retour avec sa voix, sa clarinette et son théâtre. Écouter Anda, c’est savourer un film de Fellini les yeux fermés, s’immerger dans un cabaret sonore conçu comme une suite de tableaux baroques, où chaque morceau palpite et nous fait vaciller. Le tango des origines s’y régénère, un peu comme si Carlos Gardel était au centre d’une fiction néo-rock arty, avec une galerie de personnages où Erik Satie et Serge Gainsbourg sont quelques-uns des fantômes convoqués par l’acteur- poète argentin.

Pour présenter l’album Luis Ortega (auteur, cinéaste, collaborateur et ami de Melingo) a réalisé un clip surréaliste dans une prison désaffectée de Buenos Aires. Un hélicoptère aux pales vrombissantes survole la prison. Un projecteur aveugle une troupe de personnages tout droit issus d’une Cour aux Miracles, ou devrait-on dire de la cour d’une prison. Les coups de feux rythment le clip. Melingo déambule avec sa troupe, clarinette dans une main et pistolet dans l’autre. La clarinette sert de perchoir à une poule, les coups de feux marquent le tempo, le tango finit par triompher, ou presque !

Le teaser de cet album laisse augurer d’ambiances déjantées. En option pour mieux patienter jusqu’à la sortie du disque Anda attendu le 23 septembre prochain chez World Village, … la vision du clip En un Bosque de la China (Dans une forêt de Chine).

« Kuria Suite », fusion entre jazz et tradition africaine

L’album « Kuria Suite » (Grappa Musikk/Outhere Distribution) propose une musique au swing très jazz enregistrée par Knut Kristiansen et le Bergen Big Band. Un idiome jazz moderne imprégné de la culture du peuple Kuria.

En 1990 le pianiste de jazz Knut Kristiansen s’est engagé dans un travail de recherche autour de la musique du peuple Kuria à Nyanza au Kenya. A la suite de cela, ses résultats furent publiés sur un livre et une cassette. Ce travail influença sa carrière de musicien. Lorsque le Bergen Big Band lui demanda une création à présenter au Vossa Jazz Festival de 2011, Knut Kristiansen décida d’utiliser cette expérience comme un point de départ à l’album.

Tout au long de sa vie, Knut Kristiansen a œuvré pour le jazz y compris au sein de la ville de Bergen dont il est natif. Kristiansen n’a pas seulement puisé son inspiration dans la musique kuria. Il a aussi été influencé par les morceaux de Duke Ellington pour big band, qu’il écoute depuis son enfance. Le pianiste est aussi un des meilleurs interprètes européens de la musique de Thelonious Monk.

A 30 ans Knut Kristiansen s’est aussi intéressé aux musiques africaines et cubaines. En 1982 il a fondé les projets Gambian-Norwegian-Friendship Orchestra et Son Mu. C’est avec cette dernière formation qu’il a collaboré avec le saxophoniste cubain Paquito D’Rivera au Vossa Jazz Festival de 1985. En 2008 et 2009, il a aussi présenté des concerts avec le chanteur ouest africain joueur de kora, Mory Kanté.

Le Bergen Big Band  est quant à  lui une des plus importants big bands norvégiens qui a collaboré entre autres musiciens avec Maria Schneider, Andy Sheppard, Phil Woods, John Surman, Paquito D’Rivera, Gianluigi Trovesi et Mathias Eick.

Même si l’album « Kuria Suite » est principalement basé sur des musiques traditionnelles arrangées, Knut Kristiansen et le Bergen Big Band ont enregistré avec « Kuria Suite » un jazz moderne au swing renouvelé.

Section de cuivre rutilante avec treize instrumentistes. Section rythmique éclatante. Lars Storck aux congas, Franck Jakobsen à la batterie et aux percussions, Ivar Kolve aux marimba et vibraphone apportent une coloration africaine à un jazz orchestral somptueux et effervescent. Des 18 plages de l’album émergent de riches contrastes. On a particulièrement été sensible à la construction de u répertoire de l’album et aux virgules où interviennent les solistes. Ces plages courtes font respirer la musique et introduisent les morceaux interprétés en grande formation dont elles donnent le ton en quelque sorte. Ainsi préparée, l’oreille est plus réceptive à l’écoute des titres orchestraux. La modernité des arrangements met en valeur la trame traditionnelle et ménage de grands espaces de liberté aux solistes.

Le making of de l’album permet de prendre la mesure du travail qui a précédé l’enregistrement. Une incitation à l’écoute intégrale du disque qui va combler les amateurs de musique orchestrale mais pas qu’eux.

 « Âmes perdues », l’album intimiste de Christophe Panzani

« Les âmes perdues », une suite musicale sensible et romantique gravée par le saxophoniste Christophe Panzani. Il signe un premier album constitué d’une série de sept duos enregistrés par lui-même chez sept pianistes différents.

On connaît Christophe Panzani pour sa participation à plusieurs formations où son talent a déjà été repéré. Avec le Carla Bley Big Band, auprès d’Anne Paceo et chez Hocus Pocus entre autres. Pour sortir son premier disque en leader, « Les âmes perdues », il choisit le premier label de jazz participatif français, « jazz&people ». Son implication a été forte à tous temps de la création du disque. Après avoir pensé et composé les sept thèmes de l’album pour sept artistes différent, il a réalisé lui-même la prise de son au domicile de chacun des sept pianistes. On salue I’ilustration de couverture de l’album de Ludovic Debeurme (primé au Festival d’Angoulême en 2007).

Il en résulte sept duos gravés et enchaînés sur l’album comme une « suite » cohérente et romantique. Comme si Christophe Panzani se mirait dans sept claviers différents qui lui renverraient sept variations comme sept « selfies sonores ». Un portrait musical original où il est chaque fois lui-même mais chaque fois un autre. Sept tableaux à l’esthétique soignée. Un climat de rêverie délicate d’où se dégage un certaine mélancolie.

Les pianistes soutiennent, alimentent et relancent le discours du saxophoniste. Par ordre d’apparition sur le disque on retrouve Edouard Ferlet, Leonardo Montana, Laia Genc, Dan Tepfer, Guillaume Poncelet, Tony Paeleman et Yonathan Avishai. Le titre central du disque, Le sentier aux sentiers qui bifurquent, se démarque nettement des autres. Le piano de  Dan Tepfer donne un répons bien campé au saxophone. Leonardo Montana génère des contrastes rythmique bienvenus et Tony Paeleman ménage des espaces de nuances qui surprennent. On a la surprise de retrouver Guillaume Poncelet sans sa trompette et Edouard Ferlet tel que lui-même, tout en nuances et en demi-teinte.

L’esthétique soignée de Christophe Panzani explore la palette médium et aiguë du saxophone ténor. Le son poussé avec délicatesse dessine des arabesques flottantes qui ne dépareraient pas dans le paysage musical ECM. On ne peut s’empêcher de penser à Mark Turner ou Andy Sheppard. Les futurs réalisations discographiques de Christophe Panzani devront explorer d’autres champs que ces belles ballades nostalgiques pour révéler d’autres aspects de sa personnalité musicale.

Visiblement imprégné par le théâtre, Christophe Panzani semble affectionner les mythes grecs. Sisyphe en d’ouverture et en dernier morceau Le rêve d’Icare. On souhaite que, comme lui le saxophoniste prenne les courants ascendants mais plane haut dans le ciel du jazz.

Brandford Marsalis & Kurt Elling tissent une spirale ascendante

Le talentueux Brandford Marsalis a invité Kurt Elling à rejoindre son quartet. Il en résulte un album somptueux dont le nom, « Upward Spiral » est évocateur. Avec la musicalité de cette spirale ascendante, on est propulsé au septième ciel.

Le saxophoniste Brandford Marsalis a engagé son quartet dans un projet musical dont le chanteur Kurt Elling est l’invité. Au regard de la qualité des musiciens on pouvait s’attendre à une réussite. En fait il s’agit de bien plus que cela… émotion et surprise de bout en bout de l’album. Les musiciens conversent et improvisent sur des schémas musicaux sans cesse renouvelés. Ils mettent leur virtuosité au service d’une musique sans esbroufe.

De fait, c’est un réel quintet qui a gravé les douze thème de l’album « Upward spiral » (Okeh/Sony Music). Aux côtés du saxophoniste Brandford Marsalis on retrouve Joey Calderazzo au piano, Eric Revis à la contrebasse, Justin Faulkner à la batterie et pour cinquième instrument, la voix de Kurt Elling.

Brandford Marsalis et ses musiciens souhaitaient enregistrer avec un chanteur. Aux yeux de Brandford Marsalis, ce sont les qualités de Kurt Elling qui ont fait de lui le candidat idéal pour ce partenariat. La souplesse et la chaleur de sa voix et surtout son statut de « vrai » jazzman ». Le projet s’est affiné durant les deux années qui ont précédé l’enregistrement réalisé à la Nouvelle Orléans. Un répertoire de douze titres retenus après concertation entre les cinq musiciens. Douze mélodies avec chacune son tempo et son univers propres.

Des standards de jazz. There’s a boat dat’s leavin’ soon for New York » de Gerswhin ouvre le disque. Doxy de Sonny Rollins sur les paroles écrites par Mark Murphy. I’m a fool to want you interprété en duo voix-saxophone. Une version sensible de Blue Gardenia.

Des chansons magnifiées dont les reprises gagnent en épaisseur et en nuances.  « From One Island to another » de Chris Whitney. Blue Velvet, le thème de Lee Morris et Bernie Wayne, chanté rubato. Le merveilleux Practical Arrangement de Sting gagne encore en puissance. Conduits avec finesse par la batterie, voix et saxophone enroulent habilement leurs parties sur Só Tinha de ser com você, une bossa nova peu connue de Tom Jobim. Un tempo tout en suspension fait sonner d’étrange manière West Virginia Rose, la composition de Fred Hersch. Kurt Elling habitué au « spoken word », dit avec conviction Momma Said, un texte de Calvin Forbes, sur une musique de Brandford Marsalis.

A n’en pas douter, les deux compositions originales pourraient à elles seules justifier l’enregistrement. Cassandra song, une ballade d’exception. Les huit minutes minute d’écoute paraissent trop courtes, on souhaiterait que la musique ne s’arrête pas. Sur cette composition de Brandford Marsalis mise en paroles par Kurt Elling, le jeu délicat du pianiste et celui de la section rythmique sont mis en valeur autant que la voix du chanteur et celle saxophone soprano. Enfin on est propulsé au septième ciel par la spirale ascendante du dernier titre de l’album que l’on se prend à chantonner bien longtemps après l’écoute du disque. Ce pourrait bien devenir un standard. Voix et saxophone soprano s’élèvent avec lyrisme mais simplicité sur ce The return (Upward spiral) composé par Joe Calderazzo  avec des paroles de Kurt Elling.

Cinq musiciens inspirés conversent avec simplicité. « Upward Spiral », un album comme un concentré de pure musicalité à savourer sans modération et à  partager.