Un jazz contrasté entre nervosité et détente

Le label de jazz participatif français jazz&people présente « Tell Me Something New », le premier album du Dexter Goldberg Trio. Le pianiste Dexter Goldberg propose un répertoire de compositions originales. L’osmose palpable du trio libère un jazz exigeant, moderne et équilibré qui navigue entre nervosité et détente.

Après avoir participé comme sideman sur les albums du saxophoniste américain Ricky Ford sur « 7095 » en 2011 et « Sacred Concert » en 2013 et sur « Pure imagination » du Michel Goldberg Jazz Quartet en 2013, le pianiste Dexter Goldberg prend son essor comme leader avec la sortie à venir de l’album « Tell Me Something New » ( jazz&people/PIAS), enregistré à la tête de son trio.

Annoncé pour le 04 mai 2018 sous jazz&people, le label participatif français, l’opus « Tell Me Something New » présente un répertoire de neuf titres originaux composés par le jeune pianiste. Ancrées dans la grande tradition du jazz, les compositions de Dexter Goldberg évoquent des parentés architecturales inspirées d’Ahmad Jamal mais apparaissent aussi proches d’autres esthétiques plus modernes comme celle de Tigran Hamasyan.

Une musique contrastée

A la première écoute, on est frappé par la virtuosité et la dextérité de son jeu caractérisé par une forte dominante rythmique. On perçoit aussi combien son toucher percussif et vif fait alterner des épisodes nerveux et saccadés avec des passages plus fluides voire aériens sans pourtant jamais vraiment de lyrisme.

Autour du pianiste sont réunis le contrebassiste Bertrand Beruard et le batteur Kevin Lucchetti. Le trio développe une complicité palpable. Immergés dans une osmose indéniable, les trois musiciens prodiguent une musique moderne et équilibrée. Si la matière musicale privilégie la dimension rythmique elle développe aussi une grande richesse harmonique sans omettre de nuancer les climats.

Un prénom augure-t-il d’une carrière ?

Porter le prénom du grand Dexter Gordon n’a pas suffi à Dexter Goldberg pour mener carrière et se forger une personnalité musicale. Issu d’une famille de musiciens, Dexter Goldberg commence par l’apprentissage des percussions, ce qui est sans doute à relier avec la dominante rythmique de son jeu. Il se met au piano vers l’âge de 16 ans. 

Il quitte ensuite la Bretagne pour Paris où en 2010 il intègre le département jazz du CNSM à 23 ans. Il étudie le piano et la composition avec Pierre de Bethmann, Dré Paellmaerts, Riccardo Del et François Théberge et obtient son diplôme en 2014. Parallèlement il fait des rencontres musicales essentielles, comme avec Ricky Ford et aussi le batteur Sangoma Everett avec lequel il fait une tournée au Maroc.

Ces expériences et apprentissages lui ont permis de développer ses potentialités et en 2014 il forme le Dexter Goldberg Trio. En 2015, dans le cadre du programme Fresh Sound du festival « Jazz à l’Étage » de Rennes, il bénéficie d’une résidence à La Harpe à l’issue de laquelle il présente ses propres compositions en première partie du set de Dianne Reeves lors de la clôture du 6ème festival Jazz à l’Étage, le 21 mars 2015.

L’aventure du trio continue avec une nouvelle étape, l’enregistrement de « Tell Me Something New » au Studio Sextan de Malakoff du 27 au 29 octobre 2016 suivi d’une campagne de financement participatif réussie et la sortie à venir de l’album le 04 mai 2018.

Impressions musicales

La décontraction et la souplesse de Tell Me Something New. La fougue sautillante et les respirations de A chord into Me. Le tempo rapide de RER B glissant comme un train sur les rails. La sérénité des riches harmonies de l’onirique et pluvieuse Rainbow.

La rêverie raffinée d’une promenade à trois temps sur Osmose. L’atmosphère mélancolique et classique de Nostalgia. La volubilité du brillant Smart tone. La liberté de tonalité de Waves of Sand. La cristalline subtilité des harmonies et le swing de la composition I’ll be OK.

Au fil de « Tell Me Something New » alternent atmosphères alertes, nerveuses et tendues, ambiances aériennes à tendance méditative. Entre tension et décontraction la musique exigeante explore des pistes ludiques, se libère et se renouvelle.

Pour découvrir live la musique du Dexter Goldberg Trio, rendez-vous le 17 mai 2018 à Elancourt, le 18 mai 2018 à 21h à Paris au Sunside et le 19 mai 2018 au Festival « Saint Jazz sur Vie ».

Baume musical symbolique et résilience émotionnelle

Le trompettiste Terence Blanchard publie chez Blue Note un nouvel album intitulé « Live ». Avec son groupe, The E-Collective, il présente des extraits de concerts enregistrés sur des scènes proches de trois collectivités afro-américaines affectées récemment par la violence armée. Une musique élégante et puissante en guise d’outil symbolique porteur de résilience.

La puissance créative et artistique du trompettiste et compositeur Terence Blanchard est éclatante. Depuis 2004 six récompenses prestigieuses témoignent de sa carrière de trompettiste de jazz mais aussi de compositeur de dizaines de BO de films dont celles où il est associé à Spike Lee.

Toujours lyrique, sa musique donne à entendre une sorte de teinte douce-amère en écho aux tragédies douloureuses affectant la communauté afro-américaine.

Terence Blanchard n’en est pas à son premier engagement en ce sens avec The E-Collective. On se souvient en effet de leur premier album de 2015 intitulé « Breathless » en hommage à Eric Garner, mort étouffé par les forces de l’ordre durant une manifestation.

Avec « Live » (Blue Note/Universal) attendu le 20 avril 2018, Terence Blanchard et The E-Collective réitèrent. Entouré de Charles Altura à guitare, Fabian Almazan au piano et synthétiseurs, David Ginyard à la basse et Oscar Seaton à la batterie, le trompettiste dresse sa musique face à toutes les violences armées ciblées contre les citoyens de couleur ou des membres des forces de l’ordre.

Terence Blanchard s’exprime d’ailleurs ainsi via une déclaration fournie par Blue Note : « J’ai voulu que la musique soit une force de guérison dans les domaines où nous travaillons — laisser la musique capter votre colère et les frustrations. Je ne dis pas aux gens de ne pas être en colère mais quand les choses deviennent trop fortes, la musique est là pour vous aider à guérir ».

L’album « Live » au plus près de la réalité de terrain

Les sept pistes du disque ont été symboliquement extraites de concerts présentés sur les sites de trois collectivités qui ont connu une escalade des conflits entre les forces de l’ordre et citoyens afro-américains.

The Dakota à Minneapolis où Philando Castile a été fusillé par un policier le 06 juillet 2016, The Bop Stop à Cleveland où Tamir Rice âgé de 12 ans a été abattu par la police le 22 novembre 2014 et le Wyly Theatre à Dallas où les policiers Lorne Ahrens, Michael Krol, Michael Smith, Brent Thompson et Patricio Zamarripa ont été tués lors de la marche pacifique de Black Lives Matter les 7 et 8 juillet 2016.

La musique comme baume de guérison émotionnelle contre la violence

Sur « Live », Terence Blanchard et The E-Collective présentent sept titres puissants enregistrés live en concert. Comme une vitrine, le disque restitue le reflet d’une amère prise de conscience de la violence récurrente qui affecte la communauté afro-américaine mais il se profile aussi comme un baume de guérison émotionnelle susceptible d’apaiser les souffrances.

Impression musicales

Un thème de Marcus Miller, Hannibal, ouvre l’album par une introduction nébuleuse au synthé suivie d’une intervention de la trompette équalizée qui impulse un tempo funk, soutenu par la basse tellurique. La guitare s’enflamme mais pour finir le calme revient.

En introduction de sa composition Unchanged le guitariste instaure un climat apaisé puis la trompette cisèle le thème avec douceur suivie par le piano devenu rêveur.

Les cinq autres titres sont à porter au crédit du trompettiste. Au début de Kaos le piano installe une ambiance apaisée puis le thème advient, exposé par la trompette. Soutenue par la basse, elle mène le rythme et électrise piano et guitare. Échauffé par la section rythmique, le climat devient chaotique et confine au paroxysme.

On reste saisi par Dear Jimi, joué en hommage à Jimi Hendrix. Pas un souffle de trompette. Terence Blanchard expose la mélodie mélancolique au synthé. La guitare contribue à illuminer le morceau et lui confère une dimension poignante.

On vibre au climat incandescent de Soldiers qui sonne comme un clin d’oeil à Herbie Hancock et ses Head Hunters. Débutée dans une ambiance hip hop la musique est vite irradiée par le son trafiqué de la trompette qui dialogue avec la guitare véhémente soutenue par la basse.

Plus loin, les effets de distorsion de la trompette et la guitare déchaînent le vent d’une tempête énergique sur Can Anyone Hear Me qu’on dirait habité des climats de Weather Report.

L’album se termine avec Choices et ses atmosphères alternatives. Intro éthérée du piano puis trame sonore dramatique jouée par la trompette équalizée à la sonorité frénétique et gémissante. La voix slame ensuite, déclame et réclame un autre choix pour l’humanité que la mort par balles. Une ambiance final apaisée dilue les tensions.

Sur « Live », dans un climat funk et groovy, cinq musiciens inspirés par leur idéaux mettent en avant une musique ouverte et porteuse d’espoir. Elle se fait survoltée, déborde d’énergie et s’enflamme violemment comme en écho à la violence. Par contre elle devient méditative, déroule des motifs calmes et sereins et fait baisser le niveau de révolte. Un opus proposé comme un baume apaisant pour cicatriser les plaies laissées par la violence.

Les énergies fédérées de Nik Bärtsch’s Ronin

Six années depuis le dernier disque du groupe suisse. Dans l’intervalle, Nik Bärtsch’s Ronin s’est métamorphosé. Il accueille un nouveau bassiste et devient quartet. Pour l’occasion, Nik Bärtsch et Ronin revisitent le répertoire originel et proposent de nouveaux inédits sur « Awase », un album à paraître le 04 mai 2018.

Après “Stoa” (2006) , “Holon” (2008), “Llyrìa” (2010) et le double album intitulé « Live » sorti en 2012, le groupe Ronin du pianiste helvète Nik Bärtsch s’est transformé. Pour marquer cette mutation Nik Bärtsch et Ronin reviennent avec « Awase » (ECM/Universal), un nouvel album dont la sortie est annoncée pour le 04 mai 2018.

En intégrant un nouveau bassiste, Thomy Jord, et en passant du quintet au quartet, le groupe fondé en 2001 par le pianiste Nik Bärtsch, devient un tout autre orchestre où l’on retrouve toujours Sha à la clarinette basse & au saxophone alto et Kaspar Rast à la batterie.

Awase…

… un terme issu du monde des arts martiaux qui signifie « bouger ensemble » dans le sens de fédérer des énergies. La métaphore est on ne peut plus appropriée pour expliciter ce qui caractéristique la musique du groupe électrifié Ronin de Nik Bärtsch, la précision des dynamiques orchestrales, le groove sophistiqué et kaléidoscopique de ses motifs minimalistes et répétitifs.

Créer un effet maximal avec un minimum de moyens

Malgré la multiplicité des influences du groupe et en dépit des changements intervenus dans la structure de l’orchestre, la musique de la nouvelle mouture instrumentale de Ronin conserve son esthétique originelle. En effet, le principe d’origine demeure le même, créer un effet maximal avec un minimum de moyens. Une musique tout à fait contemporaine aux croisements de la musique minimaliste, du jazz et du funk.

Le leader Nik Bärtsch évoque quant à lui une métamorphose. Il parle d’une liberté nouvelle et d’une flexibilité dans l’approche du matériau musical. Pour lui, le groupe fait preuve aujourd’hui de « plus de transparence, d’interaction et de joie dans ses interprétations ».

Le nouveau disque « Awase » propose des compositions inédites parmi lesquelles, pour la première fois sur un enregistrement de Ronin, une pièce du clarinettiste Sha. On appréhende la liberté nouvelle du groupe dans la manière dont Bärtsch revisite les premiers modules élaborés par la formation au moment de sa création.

En effet, à l’écoute du module 36 originellement gravé sur « Stroa » on retrouve les lignes jouées à l’unisson par le pianiste et le clarinettiste mais si la matière musicale perd de sa gravité, elle acquiert une nouvelle mouvance, gagne en groove, conserve sa dimension minimaliste et répétitive caractéristique avec ses mouvements circulaires et obsessionnels qui flottent et se croisent sans fin.

Une musique parfois intense, parfois zen

Enregistré aux Studios La Buissonne à Pernes-les-Fontaines en octobre 2017 sous la direction artistique de Manfred Eicher, « Awase » donne à entendre l’esthétique de Nik Bärtsch’s Ronin qui demeure cohérente à tous les niveaux de son expression musicale. Une musique parfois intense, parfois zen.

« Awase », une musique post-moderne héritière de Steve Reich. Une esthétique combinatoire où tous les éléments se cumulent pour générer une transe hypnotique implacable. Les entrelacs de lignes fluides et étranges retrouvent leur force attractive originelle.

Un batteur, un arrangeur, un big band

Après six disques en leader, Antonio Sanchez sort « Channels of Energy », un double album qui réunit trois entités. Deux étoiles du jazz, le batteur Antonio Sanchez et le chef d’orchestre-arrangeur Vince Mendoza s’associent au prestigieux WDR Big Band. Dans le parfait respect de l’écriture du batteur, l’album propose une musique à la modernité sidérante.

Enregistré en décembre 2016 à Cologne en Allemagne, dans le studio 4 de la Westdeutscher Rundfunk Köln, le double album « Channels of Energy » est annoncé pour le 27 avril 2018 chez Cam Jazz. Dès la première écoute, le nouveau projet du batteur Antonio Sanchez surprend autant qu’il séduit.

Une énergie maîtrisée et équilibrée se dégage des huit compositions originales d’Antonio Sanchez interprétées par le rutilant WDR Big Band avec le soutien d’Antonio Sanchez à la batterie, sur les superbes arrangements du chef d’orchestre Vince Mendoza.

Sur « Channels of Energy », Antonio Sanchez joue de sa batterie comme d’un orchestre. Vince Mendoza maîtrise son orchestre comme s’il s’agissait d’un instrument unique. L’orchestre de la radio nationale allemande, le WDR Big Band, interagit avec la batterie et le chef d’orchestre comme s’ils ne faisaient qu’un, mettant en valeur avec brillance et élégance les arrangements nuancés posés par le chef d’orchestre sur les compositions du batteur Antonio Sanchez. Antonio Sanchez, Vince Mendoza & le WDR Big Band… un trio gagnant.

Le batteur Antonio Sanchez n’en finit pas d’étonner

On le connait pour être un fabuleux instrumentiste. Il l’a prouvé en sideman aux côtés de Pat Metheny mais aussi en soliste sur son dernier album « Bad Hombre » sorti en 2017. On a aussi apprécié ses talents de leader sur de nombreux albums dont les derniers « New Life », « Three times three » et « The Meridian Suite ». Enfin on n’ignore rien de son talent de compositeur reconnu par l’octroi du Grammy Award de la « meilleure bande originale pour un média visuel ». Sur la BO du film « Birdman » d’Alejandro González Iñárritu, la batterie d’Antonio Sanchez est l’unique instrument qui accompagne les pensées du héros. Elle contribue pour beaucoup au rythme et au mouvement du film.

Il confie ses compositions à Vince Mendoza et au WDR Big Band

On sait le talent inouï de Vince Mendoza, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre multi-récompensé (six Grammy Awards). Ses arrangements inventifs et chatoyants confiés à des orchestres symphoniques ou à des Big Bands subliment les musiques sur lesquelles il se penche, que ce soit de la pop, du rock ou du jazz (Björk, Sting, Elvis Costello, Joe Zawinul, John Scofield, Joni Mitchel, Melody Gardot, …). Il n’en est pas à sa première collaboration avec les musiciens virtuoses du WDR Big Band auprès duquel il est très engagé (résidences et enregistrements).

Quelques repères savoureux de « Channels of Energy »

Sur le CD1

L’improvisation étincelante du trompettiste Ruud Breuls, le phrasé fougueux du saxophoniste alto Johan Hörlen et le final rutilant de l’orchestre sur Minotauro. L’introduction funk des trombones et trompettes, l’intervention énergique de la trompette et l’éclatante intervention de la batterie sur Nooks and Crannies. L’improvisation du saxophoniste ténor Paul Heller sur Nighttime Story, ballade écrite en hommage à Michael Brecker. Les breacks punchy du Big Band sur The Real McDaddy et l’architecture parfaite du chorus frénétique de la batterie d’Antonio Sanchez.

Sur le CD2

Le solo limpide du pianiste Omer Klein apaise le Big Bands sur New Life. La richesse harmonique et rythmique du thème Grids and Patterns qu’expose l’orchestre. La sonorité profonde du trombone d’Andy Hunter sur le mélancolique Imaginary Lines dont le motif répétitif et lumineux est accompagné par la masse sonore très souple de l’orchestre. Sur Channels of Energy, un sommet du double album, l’introduction rock de la batterie induit le rythme binaire de l’orchestre et la transe du saxophone soprano. Le climat incandescent s’apaise ensuite après la superbe respiration prodiguée par la batterie et la contribution swinguante du trombone.

Lorsque les orbites des trois étoiles musicales que sont Antonio Sanchez, Vince Mendoza et le WDR Big Band se croisent sur « Channels of Energy », advient alors un album élégant, vibrant et contemporain. Les sonorités rutilantes et la variété des couleurs rythmiques fascinent par l’énergie qu’elles dégagent. Grâce aux interactions raffinées entre les solistes, l’orchestre et le batteur, la puissance orchestrale ne masque en rien la précision et la modernité de l’écriture.