Trois musiciens inspirés, une musique en expansion

Pour la cinquième et dernière soirée au Théâtre les Arts de Cluny, le superbe Jazz Campus en Clunisois 2025 invite Andy Emler à la tête de son trio ETE. Pour son nouveau projet, « There is another way », le pianiste et compositeur réunit autour de lui le contrebassiste Claude Tchamitchian et le batteur Éric Échampard. Trois musiciens inspirés, une musique en expansion.

Samedi 23 août 2025, la superbe édition du Festival Jazz Campus en Clunisois 2025 se termine avec Andy Emler et son Trio ETE. En ouverture de la soirée, Didier Levallet évoque l’ensemble des contributeurs (Ville de Cluny, Commune, Département, région, Ministère de la Culture et Centre National des Monuments historiques) qui permettent au festival de vivre depuis 48 ans. L’argent public lui permet de pratiquer des tarifs abordables pour les stagiaires et le public. Il remercie aussi les techniciens du théâtre, toute l’équipe réunie autour de son administratrice Hélène Jarry et de Marion Julien et les 27 bénévoles dévoué.e.s, discrèt.e.s et efficaces qui donnent de leur énergie et sans lesquel.le.s, rien ne pourrait advenir.

Avant de céder la place à Andy Emler, Claude Tchamitchian et Éric Échampard, Didier Levallet présente le Trio ETE qui depuis 20 ans, constitue un « trio exemplaire de la création du jazz contemporain ».

Après avoir remercié Didier Levallet grâce à qui le festival Jazz Campus en Clunisois existe depuis 48 ans et permet l’expression des musiques de jazz, chose exceptionnelle par « ces temps qui marchent à reculons…! », Andy Emler avoue avoir passé « 8 jours exceptionnels » avec les stagiaires et annonce au public que le trio va jouer le programme de son projet « There is another day » dont l’album devrait sortir en mai 2026. Un voyage musical pour changer le monde… ! Programme ô combien alléchant.

Après des applaudissements nourris, le set début par des accords percussifs magistraux plaqués sur le clavier alors que l’archet de la contrebasse fait sonner des traits continus sur les médiums de l’instrument. La batterie entre en scène et fait résonner cymbales puis toms tandis que la main gauche du piano dispense un leitmotiv entêtant sur le clavier. Très vite, le trio fait monter l’intensité sonore sur scène. Le piano module et pose quelques notes perlées, la contrebasse s’interroge et esquisse une mélodie étrange, les cymbales vibrent. A l’archet, Claude Tchamitchian fait des incursions dans les graves alors qu’Endy Emler plaque des accords dans le registre aigu, soutenu par la frappe vigoureuse d’Éric Échampard sur ses cymbales. La puissance sonore s’accentue. L’archet s’arrête, le piano dessine des arabesques de notes perlées puis invite la section rythmique à le rejoindre. L’archet reprend dans les aigus, la batterie insuffle une pulsation tout en suspension entre toms et cymbales. Un climat orageux fait écho au flot dense des notes du piano qui module Après un court break, le son augmente encore. Comme exaspérée, la musique amorce une marche martiale et le climat devient orageux.

Le répertoire se poursuit avec Enough, une ballade au titre optimiste (sic !) qui ouvre avec les notes graves de la contrebasse à la sonorité profonde. Après l’exposé de la mélodie, le piano volubile et percussif unit son énergie à celle de la batterie pulsatile. Le volume musical augmente encore, la mélodie devient funky, le rythme ralentit puis le chant empreint de douceur se fait triste. Consolateur, le piano d’Andy Emler pose des accords bienveillants puis devient véhément, comme à la recherche d’un espoir. Claude Tchamitchian et Éric Échampard le rejoignent. La matière sonore se déstructure segmentée par les torrents de notes fulgurantes du piano, les pulsations volcaniques des baguettes sur les cymbales et les graves de la contrebasse protestataire. Après une ultime montée en puissance, le climat se tend à l’extrême, l’exaspération est à son comble puis l’intensité diminue doucement, la musique se calme, contrebasse et batterie s’arrêtent, le piano pose quelques accords sereins dans lequel se faufile le silence… Enough !

Après quelques accords puissants voire guerriers, le piano semble s’interroger et disserter via des notes pointillistes auxquelles répondent cymbales et contrebasse. Les trois complices se stimulent, se décalent, engagent une guerre des notes sans retenue aucune. Les syncopes se succèdent dans un galop effréné, la grosse caisse pétarade, des sons explosifs émergent de la contrebasse, le piano libère des cascades torrentielles de notes. L’espace d’un instant, se profile un calme apparent mais les notes caracolent de nouveau, la cadence s’épaissit avant que n’advienne le silence. This’s our way…le trio a visiblement trouvé sa voie (ce dont on n’a jamais douté).

Le répertoire se poursuit avec un thème basé autour d’un mode « non classifié » (?!). Échange aux tonalités modales entre une échappée de notes légères et aigües sur le clavier du piano et d’autres plus graves frottées par l’archet de la contrebasse, entrée de la batterie. Les trois musiciens fusionnels dialoguent en une parfaite osmose, leurs sourires ponctuent leurs échanges. Pétarades explosives sur les touches, friselis des cymbales, grincements et divagations de l’archet dans les aigus. Les sons saccadés dégoulinent, le tempo oscille puis s’accélère, la musique se densifie, la fâcherie n’est pas loin, le rythme pulsatile devient obsessionnel. Après un solo de batterie inspiré, Éric Échampard allège sa frappe. De ses cymbales semble s’élever un bourdonnement d’ailes d’abeilles alors que résonne la tonalité grave et boisée de la contrebasse. Le morceau prend fin dans les scintillements de la batterie. Après le chaos… la lumière.

Tout au long du set, la connivence qui unit les trois artistes est perceptible, regards attentifs et bienveillants, écoute et interaction de chaque instant. Le dialogue collectif du trio ETE explore toutes les possibilités expressives.

Touché par la générosité et l’inventivité des artistes, le public se lève et salue la magnifique prestation du trio ETE par un concert d’applaudissements enthousiastes. Bien que prétextant n’avoir « plus rien à jouer », Andy Emler propose d’interpréter les deux premiers volets de « Useful report », quatrième album du trio sorti en 2022. L’archet percute les cordes, le piano pulse, la pulsation enfle, la batterie entre et explose. Au-dessus des roulement fortissimos de la batterie, piano et contrebasse échangent sans retenue. Cascades de notes, modulations, course effrénée du tempo… mais tout a une fin et les trois musiciens quittent la scène sous une ovation unanime.

De bout en bout, Jazz Campus en Clunisois 2025 a proposé une 48ème édition où, à travers la, programmation de Didier Levallet, le JAZZ a vraiment fait entendre sa VOIX, celle d’une musique actuelle, ancrée dans la tradition et ouverte sur l’avenir, un art sans concession et sans frontière de styles qui invite à écouter, à échanger sans partage, à croire en des lendemains diversifiés et optimistes.

Après l’élégance… le tumulte !

Pour son cinquième soir sur la scène du Théâtre les Arts de Cluny, c’est un double plateau que propose Jazz Campus en Clunisois 2025. Après le concert solo de la pianiste coréenne Francesca Han, la saxophoniste Lisa Cat‐Berro, à la tête de son quintet, présente son programme « Good Days‐Bad days ». Une soirée en deux temps où le tumulte succède à l’élégance.

En ouverture de la soirée en deux temps du vendredi 22 août 2025, Didier Levallet accueille la pianiste coréenne Francesca Han, installée en France après avoir joué à Tokyo et New-York.

D’emblée, sa main droite délivre avec délicatesse des notes lumineuse et élégantes puis le propos musical se densifie et la pianiste installe un climat de rêverie où les notes aiguës claquent comme des gouttes de pluie. Elle enchaîne avec un morceau du pianiste japonais disparu Masabumi Kikuchi. Sur un tempo plus rapide, elle débute par une ligne mélodique continue puis déconstruit le rythme, pose des accords dissonants, martèle le clavier. La musique s’adoucit, s’étire, semble se diluer, s’évaporer, se transforme en une ballade d’où émerge la quintessence du son. Sur un tempo très ralenti, les notes deviennent perles de rosée. Après cette musique crépusculaire, la main droite de Francesca Han esquisse des notes ensoleillées chargées d’un souffle d’espérance. Accélérations et ralentissements rythmiques se succèdent créant un univers contrasté où légèreté et densité se disputent la préséance. Le public retient son souffle… l’extase n’est pas loin.

Une sobre quiétude habite le morceau suivant dont les grappes de notes jouent avec le silence. Un moment musical sensible et nostalgique dont l’atmosphère évoque la floraison des cerisiers et la légèreté des pétales qui tombent. La pianiste chantonne en même temps qu’elle joue puis continue avec Le Musichien du pianiste François Tusques.

Le set se termine avec une version singulière du Think of One de Thelonious Monk. Avec vigueur et fantaisie, Francesca Han martèle le clavier, déclenche une tempête musicale puis ralentit son propos qui se fait interrogatif et poétique. Une interprétation audacieuse et impertinente, tout à fait dans l’esprit monkien.

Sous les applaudissements nourris du public enthousiaste, Francesca Han termine avec un morceau de Martial Solal écrit pour le film de Jean-Luc Godard, « A bout de souffle ». Puis délicatesse et emphase coexistent dans une version revisitée et audacieuse de Body and Soul où les notes piquetées du thème pointilliste flirtent avec le silence.

Ourlée d’impressions et brodée de sensations délicates, la musique de Francesca Han a installé un climat intimiste dans la salle du Théâtre Les Arts de Cluny. Une élégance infinie habite ses rêveries sonores feutrées autant que ses effervescences maîtrisées. L’art de la pianiste met en valeur le son autant que le silence. Elle a offert au public un grand moment musical, entre suspension et emportement.

En deuxième partie de soirée, la saxophoniste Lisa Cat-Berro présente son projet « Good Days ‐ Bad Days ». Entourée du guitariste Julien Omé, du bassiste Stéphane Decolly et du batteur Nicolas Larmignat rejoints sur quelques titres par la chanteuse Karine Séraphin, Lisa Cat-Berro propose un programme qui navigue entre pop, folk et jazz.

Sur un premier morceau enrocké, la leadeuse embouche son alto alors que la section rythmique impulse un rythme binaire qui ne permet guère de savourer la mélodie que souffle la saxophoniste. A l’issue du morceau, Lisa Cat-Berro évoque son projet « Good Days ‐ Bad Days » qui fait référence à la vie où tout se mélange dans un même moment. Elle interprète ensuite Les fleurs de Sakura, un morceau qui symbolise pour elle la renaissance. Le magma fracassant et sans nuances de la section rythmique ne permet guère au public de percevoir les phrases que chante puis souffle Lisa Cat-Berro sur son alto.

Le répertoire se poursuit avec Changing Times qui fait référence au temps qui change. Chanté en anglais, le morceau développe un climat folk et mélancolique aux tonalités un peu mièvres. Place ensuite à Water Girl, un folk-song. Lisa Cat-Berro chante puis elle s’époumone à l’alto tandis que le batteur tambourine sans aucune subtilité. Seule au saxophone, la leadeuse entame Un autre jour (sans toi), une composition personnelle enregistrée sur son disque « Good Days - Bad Days » où la voix d’Anouk Aimée reprenait les mots d’une lettre dite par Romy Schneider dans le film de Claude Sautet, « César et Rosalie ». A Cluny ce 22 août 2025, points de mots mais des interactions entre saxophone et guitare. Les notes défilent, le son sature, rien de vraiment musical n’advient.

Lisa Cat-Berro interprète ensuite le morceau intitulé Fifty Four qu’elle a composé en Bourgogne sur un clavier de 54 touches (sic…). Elle expose le thème à l’alto puis est rejointe par le trio guitare/basse/batterie et par Karine Séraphin. L’intensité sonore exponentielle ne permet guère d’apprécier à sa juste mesure la teneur musicale de ce titre sur lequel Nicolas Larmignat se déchaîne sans compter.

Le groupe continue avec Waiting for you, une chanson sur l’absence, l’histoire d’une femme qui attend son aimé. Pour ce morceau folk à souhait, Lisa Cat-berro pose le saxophone et chante avec la basse de Stéphane Decollly. Elle sollicite le public qui joue le jeu et entonne de tièdes « too doo doo doo » qu’accompagne la guitare de Julien Omé.

Après avoir confié au public que ses sources d’inspiration majeure s’inscrivent dans la folk des années 70, celle de Joni Mitchell, Crosby, Stills, Nash & Young, la saxophoniste ré-embouche son alto sur le beat folk du Old Man de Neil Young. Les notes déchirées de la guitare tentent en vain de trouver les portes de l’univers hendrixien alors que le batteur reprend ses battements et roulements dépourvus de toute subtilité. Lisa Cat-Berro esquisse des pas de danse sur le côté de la scène puis revient à l’alto. Son chorus se noie dans l’expression sans nuance des rythmiciens.

Lisa Cat-Berro dédie ensuite le titre Réincarnation à sa maman décédée en juillet. Au-dessus de la voix du penseur indien Juddi Khrishnamurti s’élève le chant planant de l’alto puis la section rythmique furieuse revient et porte l’intensité sonore à son paroxysme.

Certes, la vie est faite de hauts et de bas, il en est allé de même pour le concert de Lisa Cat-Berro… avec plus de bas que de hauts. Dommage !

Un manifeste poético-politico-musical

Pour sa cinquième soirée au Théâtre Les Arts de Cluny, Jazz Campus en Clunisois accueille le projet de Christophe Monniot, Six Migrant Pieces. Entouré de cinq musiciens et de Sylvie Gasteau, le compositeur et saxophoniste présente une ode à l’humanité et la bienveillance. Chaque membre du groupe a une histoire personnelle inscrite dans la migration. Véritable manifeste poético-politico-musical, le programme de la soirée résonne avec l’actualité et engage au respect de la différence. Un grand moment du festival… la fièvre monte à « Cluny City » !

Par les temps actuels où les restrictions budgétaires accablent les directeurs de festivals culturels, il aurait sans doute été tentant pour les programmateurs de festival musicaux de faire la part belle à des groupes de format réduit, solo, duo, trio. Deux quartets et deux quintets ont pourtant trouvé leur place au sein du Festival Jazz Campus en Clunisois et pour le plus grand bonheur du public, Didier Levallet a invité « Six Migrant Pieces » de Christophe Monniot, avec sur scène, six musiciens et Sylvie Gastaud qui a participé à la conception du projet. 

« Cette musique est une invitation à l’acceptation de l’autre, dans ses correspondances autant que dans ses différences, une invitation à l’accueil, à l’hospitalité, à la bienveillance », c’est ainsi que Christophe Monniot définit son album « Six Migrant Pieces » (Le Triton/L’Autre Distribution) sorti le 11 octobre 2024 et chroniqué sur « Latins de Jazz » le 21 juin 2024. Ainsi,Christophe Monniot a conçu la musique de « Six Migrant Pieces » comme « un voyage permanent, un flux migratoire perpétuel ».

Annoncé par Didier Levallet comme un « grand humaniste », Christophe Monniot se présente sur scène entouré du trompettiste Aymeric Avice, du claviériste Jozef Dumoulin, du guitariste David Chevallier, du contrebassiste Bruno Chevillon, du batteur Franck Vaillant et de Sylvie Gastaud. Chaque musicien du groupe a une histoire vis à vis de la migration : Christophe Monniot à moitié ukrainien, Bruno Chevillon dont la maman italienne est venue vivre en France, Jozef Dumoulin belge d’origine flamande, Aymeric Avice d’origine normande et donc de lointaine (italique) origine viking et Franck Vaillant, l’élément français. Chacun d’eux apporte à la musique une partie de lui-même sous forme d’un témoignage familial sur la migration de sa propre famille.

En prélude au concert, Christophe Monniot parle d’invitation à l’acceptation de l’autre avec ses différences. Il définit son projet comme un « chemin de traverse textuel mêlant des expériences familiales et personnelles ». Pour lui, « tout acte d’hospitalité est poétique ».

Derrière sa table, Sylvie Gastaud lance la voix d’Abdoul Ali « … dire le beau à travers ce qui n’est pas beau » alors que Josef Dumoulin ouvre avec des notes perlées jouées de la main gauche sur le clavier du piano et fait entendre des nappes sonores aux accents dissonants posées par la main droite. En même temps que s’élève la voix de Martin Luther King et le début de son discours « I have a dream », la musique se densifie avec l’entrée du duo contrebasse/batterie qui impulse la ligne rythmique. Trompette et saxophone alto prennent la parole puis dialoguent alors que le piano ponctue et relance. Au-dessus du solo de l’alto, contrebasse et batterie font swinguer le tempo. L’intensité musicale monte encore avec les fulgurantes et explosives notes du solo de trompette qui précèdent la fin brutale du morceau. Les applaudissements saluent cette entrée en matière tonique et alléchante.

Suite à cette version stimulante de Climax Change, la guitare introduit Interlude alors que Sylvie Gastaud fait entendre le texte qui narre l’odyssée du migrant Sévérino. Les effets électriques du Rhodes de Jozef Dumoulin soutiennent le solo du sopranino de Christophe Monniot. L’intensité musicale augmente alors que la voix de la mère du leader évoque l’exil de son grand-père loin des colonies ukrainiennes. Les accablantes conditions de vie des migrants sont mentionnées pendant qu’échangent les instrumentistes. Claquements sur le manche de la contrebasse, grincements des baguettes sur les cymbales, notes égrenées sur le clavier du piano forment un allègre mélange sonore au-dessus duquel interviennent avec véhémence trompette et saxophone alto. La tension monte, le Rhodes génère un climat sonore étrange. Guitare et contrebasse rivalisent avec le discours échevelé et pulsatile de la batterie de Franck Vaillant. Poussé par une rythmique déchaînée, Aymeric Avice développe un chorus bouillonnant sur sa trompette. Comme exaspérées et exaltées par la densité de l’environnement musical, les notes jaillissent avec force et contribuent encore à densifier l’ambiance. Place ensuite à un singulier solo de batterie que tous les musiciens écoutent avec attention. Le temps semble comme suspendu puis le groupe reprend le thème et termine le morceau.

Le concert se poursuit avec des notes étranges du piano pendant qu’une voix masculine se questionne quant à la migration. Christophe Monniot dirige les entrées de la guitare et de la contrebasse. Le silence est entrecoupé par les accords du piano et les notes de guitares puis la trompette amorce une mélodie délicate, avec un léger vibrato et de grands écarts pendant qu’une voix en italien se fait entendre. Les notes soutenues des soufflants entrent en dissonance puis la guitare de David Chevallier et la contrebasse de Bruno Chevillon, les rejoignent ainsi que le Rhodes de Jozef Dumoulin dont les nappes sonores électriques croisent les frottements des baguettes sur les cymbales. Le son enfle et Christophe Monniot esquisse des pas de danse en écoutant les musiciens s’exprimer. Le son aigu et réverbéré du sopranino stellaire s’élève au-dessus d’une voix qui fait allusion à la poussière du Sahara et aux tempêtes de sable. Le phrasé survolté du piano voltige au-dessus de la rythmique impulsée par la contrebasse et la batterie. Le saxophone alto pleure, soutenu par le tissu musical intense que tisse le groupe. La voix fait allusion aux déplacements des migrants qui ne peuvent plus avancer car « la mer est devant eux… » et ils ne pourront être mis en terre.

S’élève alors un extrait du discours de Martin Luther King alors que les lignes musicales de la trompette et de l’alto s’enchevêtrent au fil de la ligne oscillatoire du thème de Lilia. L’archet de contrebasse fait chanter les notes dans le registre grave alors que la batterie pétarade au-dessus du solo de l’alto qui pleure et dessine arabesques et volutes acrobatiques. Les mots de Martin Luther King reviennent et parlent de fraternité et de défense de la vie. Sur la ligne musicale qu’étirent contrebasse et piano, la trompette improvise avec force et la guitare se lance dans un chorus déchirant. Dans le climat détonant de Melting Teapot, trompette et saxophone alto participent à faire encore monter l’intensité sonore. Une voix lancée par Sylvie Gasteau évoque « le temps des autres, celui où il n’y aura plus de recevant ni de reçus, celui où chacun pourra se dire l’hôte de l’hôte ». Retentissent alors quelques mesures de Su la mé d’Alfred Rossel puis la musique impétueuse reprend, entraînée par la batterie, alors que la voix de Martin Luther King appelle à combattre ensemble.

Au final, la musique véhémente et furieuse de Six Migrant Pieces reçoit un accueil enthousiaste du public qui a manifestement apprécié cette symphonie sonore furieuse et inspirée. Seule l’idée d’écouter l’album de Christophe Monniot et ses compagnons sur la route du retour est motivante pour quitter la salle après cette soirée réjouissante où sensibilité et énergie ont fait bon ménage.

Vocaliste jongleur et funambule

Au Théâtre les Arts de Cluny, le public a rendez-vous avec Evolution, un trio international pas ordinaire. Le vocaliste suisse Andreas Schaerer dialogue avec le guitariste finlandais Kalle Kalima et le bassiste suisse Jules Martinet. Prouesses et percussions vocales, riffs de guitare virtuoses, lignes de basse palpitante. Les genres se croisent au sein de la musique singulière et inédite de cet artiste charismatique dont la prestation a enthousiasmé le public du Festival Jazz Campus en Clunisois.

A 20h30, Andreas Schaerer foule la scène du Théâtre les Arts de Cluny et vient présenter son projet Evolution avec à ses côtés, Kalle Kalima (guitare) et Jules Martinet (contrebasse,basse). A l’issue du concert, parler de performance est tentant, évoquer la virtuosité est incontournable, mais si les acrobaties vocales interpellent, elles font coexister énergie et émotions.

Acrobate de la voix, Andreas Schaerer se profile comme vocaliste plus que chanteur. En effet, dans son art virtuose se mêlent beat box, improvisations et phrasés lyriques. Cris et scats se croisent, onomatopées et paroles flirtent. La prise de risque est de chaque instant. Qu’il siffle ou fasse tourbillonner les notes, ce funambule des portées ne laisse pas indifférent.

Le set ouvre avec les effets électriques de la guitare accompagnée en fond de scène par une basse au son métallique. Casquette noire vissée sur la tête, Andreas Schaerer se fait bruitiste. Micro dans la man droite, il siffle, murmure, grogne, claque de la langue. Très mobile, il propulse les sons aigus dans les cintres de la scène, sa main gauche en entonnoir entre sa bouche et son oreille gauche, avec juste un peu d’écho. Il dialogue avec le guitariste dont le chorus impressionne.

Le leader remercie le public de sa présence et présente le programme Evolution élaboré avec son amis finlandais Kalle Kalima qui vient d’Helsinski et avec lequel il conduit de nombreux projets. Il se félicite de jouer avec le (contre)bassiste Jules Martinet dont il a récemment découvert les talents de chanteur… mais lui sait gré de ne pas chanter ce soir !

Juché sur un tabouret, le vocaliste enchaîne de sa voix de soprano et invite la mélancolie sur scène. Sifflements, hululements et chants se mêlent sur un riff de guitare et de contrebasse. Le répertoire se poursuit. Sur un motif bluesy de la contrebasse imperturbable, la voix se fait caressante, chaleureuse, suave même. Le chant module et coexiste avec les percussions vocales au-dessus des nappes électriques grinçantes plaquées par le guitariste qui utilise de « pied de maître » ses pédales d’effets et distord les sons à merveille. Moment exaltant !

Avec un inouï talent d’improvisateur, Andreas Schaerer jongle avec les notes et avec les mots. Si l’énergie réside au cœur de son chant, elle chemine avec une sensibilité qui confine à la fragilité. Ce contraste participe pour beaucoup à définir l’art de ce vocaliste qui met sa virtuosité au service de son inspiration.

Après une tentative dissertative (un peu laborieuse) autour du terme évolution, le Bernois entame le titre Evolution composé par Kalle Kalima sur des paroles de sa conjointe Essi Kalima. Le chanteur propulse son chant atonal sur un solide accompagnement rythmique. Sur la pulsation démoniaque de la guitare, la basse se fâche littéralement à travers un solo de basse et saturé.

Andreas Schaerer poursuit ses acrobaties vocales : sifflements et chants simultanés, voix diphonique, claquements de langue, multi-sons, scats. Son corps mobile vibre au diapason de sa voix. Kalle Kalima lui répond par un chorus étincelant au-dessus duquel le chant marque la pulsation impulsée par Jules Martinet dont la basse joue à la limite de la saturation. Harmoniques, notes piquées, arpèges dissonants, le guitariste semble s’amuser.

Le morceau suivant débute avec une tonique improvisation de guitare et des effets de re-recording. Parsemé d’aigus lancinants et éthérés, le chant sensible aux accents folk prend son envol.

Andreas Schaerrer prend ensuite la parole en bernois (car parler français lui « grille le cerveau «  !) pendant que basse et guitare scandent un rythme pulsatile. Il interroge le public pour savoir s’il est « multi-tâches » avant de continuer le concert. Guitare et voix débutent puis sur les tribulations de la guitare, la voix prend un son de trompette et improvise dans un climat allègre.

Jules Martinet ouvre le titre suivant et expose la ligne mélodique en même temps qu’il fait sonner accords et harmoniques. Suite au chorus véhément de la contrebasse, Andreas Schaerer libère un solo de trompette bouchée puis enchaîne avec des friselis de cymbales délicate et s’installe un climat de sérénité. Les trois complices se retrouvent pour terminer le morceau. Le leader annonce alors qu’il leur reste « deux pralines salées » à partager avec le public.

Toujours expressif des pieds à la casquette, le leader émet sifflements, pose délicatement son chant aigu sans paroles, expose une mélodie aux inflexions profondes sous le regard attentif de ses compagnons de scène. On serait tenté d’intituler ce morceau onirique « Songe d’une nuit clunisoise ». Après avoir félicité Didier Levallet pour son festival débuté il y a 48 ans, Andreas Schaerer entame une incantation qui gagne en puissance puis la guitare improvise dans les aigus et la basse électrique les rejoint.

Les applaudissements nourris du public engagent le chanteur à proposer en rappel un chant aux accents spirituels, comme une brève célébration en réponse aux ondes positives qui se dégagent dans la salle du Théâtre les Arts de Cluny.

Avec un inouï talent d’improvisateur, Andreas Schaerer jongle avec les notes et avec les mots. Si l’énergie réside au cœur du chant d’Andreas Schaerer, elle chemine avec une sensibilité qui confine à la fragilité. Ce contraste participe pour beaucoup à définir l’art du vocaliste qui met sa virtuosité au service de son inspiration.